Regresa 7mo AMOR Festival Internacional de Cine LGBT+

Programada para realizarse entre el martes 28 de junio y el domingo 3 de julio, organizada por Colectivo AMOR y financiada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, la séptima edición de AMOR Festival Internacional de Cine LGBT+ regresa a lo presencial en Santiago, en sus sedes oficiales Centro Cultural Matucana 100, Cineteca Nacional de Chile, Biblioteca UDP Nicanor Parra, sala Microcine de la Casa de la Cultura del municipio de Ñuñoa, y en diversos espacios de la comuna de Maipú.

 Además, paralelamente se realizarán itinerarias en Antofagasta, en Cine Retornable; en Valparaíso, en INSOMNIA Teatro Condell; y por primera vez en Temuco en conjunto con FICWallmapu en la Biblioteca Galo Sepúlveda. Y a su vez, de manera digital a través de la plataforma RIIVI.com y de forma gratuita a todo el territorio nacional.

 De esta manera podrán ser vistas las más de 30 películas que serán parte de esta nueva edición del certamen, y cuyas producciones fueron premiadas en los festivales de Berlín, Cannes, IDFA, Venecia, Toronto, BAFICI, Guadalajara, SANFIC, y FICValdivia, por nombrar algunos.

 Este 2022 marca un hito que, luego de dos años de crisis sanitaria y cierre de los cines y salas independientes, el festival vuelve a la presencialidad. Por este motivo y, en apoyo a quienes por años han sido sedes del certamen, lo recaudado en las entradas irá directamente en apoyo a las mismas para ayudar a disminuir los efectos económicos del sector audiovisual.

 Así, el valor general de las funciones será de $2.000 y $1.500 para tercera edad y estudiantes. Esto aplica para el Centro Cultural Matucana 100 y la Cineteca Nacional de Chile, Cine Retornable e INSOMNIA Teatro Condell. Mientras que las demás sedes tendrán acceso gratuito.

 “Este año estamos felices de volver a la presencialidad en algunas de nuestras sedes de siempre y continuar en lo digital a través de RIIVI. Queremos reiterar nuestro compromiso en seguir trabajando en que AMOR Festival sea una instancia  de reflexión, a través de nuestros contenidos y actividades en torno a la diversidad sexual.

 Sabemos, que el arte y la cultura contribuyen no solo al entretenimiento, sino que es una herramienta que logra humanizarnos. En esta séptima versión, seguimos  trabajando para dar más  visibilización a disidencias y diversidades sexogenéricas con énfasis en la erradicación de la violencia y discriminación, sobre todo en territorios tan cercanos como América Latina y el Caribe con  más  inclusión, educación e igualdad de derechos para todas, todos y todes", destaca Gabriela Sandoval, Fundadora y Directora Ejecutiva de AMOR Festival.

 Como ya fue anunciado anteriormente, el jurado que tendrá la decisión de elegir a la Mejor Película de la Competencia Internacional de AMOR Festival está conformado por la actriz indígena mexicana Mónica Del Carmen; el cineasta, dramaturgo y escritor argentino Santiago Loza; y la cineasta, productora y actriz chilena, Nicole Costa.

 Los seis largometrajes, de ficción y documental, seleccionados en la Competencia Internacional son: “Las hijas de Zuhur” (Alemania), de Laurentia Genske y Robin Humboldt; “Yo soy Alma” (Argentina), de Mariana Manuela Bellone; “A primeira morte de Joana”, (Brasil - Francia), Cristiane Oliveira; “Anaïs in Love” (Francia), de Charline Bourgeois-Tacquet; “Like me” (Israel), de Eyal Kantor; y “Sweetheart” (Reino Unido), de Marley Morrison.

 Por su parte, el jurado de la Competencia Guerrilla que premiará al Mejor Cortometraje, está integrado por la directora de cine y televisión chilena, Katherina Harder; la cineasta dominicana Victoria Linares Villegas; y el actor chileno de cine y televisión, productor y realizador, Pedro Fontaine. 

En cuanto a los doce cortometrajes de Guerrilla, de ficción, documental y experimental, provienen de Austria, Brasil, Chile, Colombia, España, México y Venezuela; han participado en reconocidos certámenes de cine LGBT+ y exponen temáticas relacionadas a la infancia, la adultez y la paternidad trans, la memoria y los derechos humanos, el primer amor y las relaciones amorosas en la era digital, por nombrar algunas.

 Los cortometrajes son: “Boom and Bloom”, de Stefan Langthaler; “Como respirar fora d'água”, de Júlia Fávero y Victoria Negreiros; “Día uno”, de Constanza Lobos Arévalo; “El niño de las olas”, de Jaime Altimiras; “El traje de Karina”, de Frank Benítez; “Elsa”, de Albert Carbó; “Fervor”, de José Manuel Vélez; “Girls & the Party”, de Paloma López; “La muerte de oso”, de Cristian Sitjas | Xaho; “Las chicas van al parque de noche”, de Celia Cuenca e Iñaki Sánchez Arrieta; “Noche fui”, de Tania Suárez Juárez; y “Victoria”, de Eloisa Diez. 

+L'0a audiencia podrá hacerse parte también a través del Premio Público que reconocerá la Mejor Película de la Competencia Internacional y Guerrilla.

 “Las variadas temáticas en torno a las diversidades de identidades, expresiones, y orientaciones, de género y sexuales que se abordan en las más de 30 obras de esta séptima edición, son totalmente coherentes con nuestros tiempos.

 Cine que se construye desde la pandemia, en gran parte por mujeres realizadoras, con alta participación chilena en la convocatoria motivada por el levantamiento social, y un foco puesto en el territorio centroamericano y caribeño, para conocer y reflexionar sobre los avances socio-político en materia LGBT+ que aún son necesarios de activar en el continente”, enfatiza Sebastián Inostroza, Fundador y Director Artístico del certamen.

 En la sección Panorama Chileno, centrada en cortometrajes y largometrajes de producción nacional, se encuentran: “Disforia Fútbol Club”, de Inti Lorca Tello; “Los cuerpos de Siegfried”, de Emilio Rodríguez; “Marlén, retrato de unas tetas peludas”, de Javier De Miguel; “Una historia de amor imposible”, de Javier Alonso; “Variable y fugaz”, de Camila Suazo Carvallo; y “La nave del olvido”, de Nicol Ruiz Benavides.

 Este año, Rupturistas exhibirá títulos que muestran a activistas de diversas latitudes, tales como los cortometrajes “@Buddhistandqueer: Del sari a la túnica” (España - India), de Dani Sánchez-López; Fora de época (Brasil), de Andrezza (Drica) Czech y Laís Catalano Aranha; “Sexilio” (Colombia), de Ysaí Muñoz Bueno; un drama gay ambientado en la Guerra Fría basado en hechos reales, “Firebird” (Estonia), de Peeter Rebane; un drama que muestra la adolescencia trans en un Brasil bajo el régimen de Bolsonaro, “Germino pétalas no asfalto”, (Brasil), de Coraci Ruiz y Julio Matos; y el más reciente documental de Alberto Fuguet, “Todo a la vez”, centrado en la figura de los reconocidos fotógrafos eróticos Paco y Manolo, fundadores de la revista Kink.

 Finalmente, en esta séptima edición de AMOR Festival se pondrá Foco en Centroamérica y el Caribe, con el propósito de mostrar películas que a lo largo de las últimas décadas han visibilizado diversas problemáticas y precariedades de dicha región.

 En esta sección, se presentarán el cortometraje “Lo que se hereda” (República Dominicana - Estados Unidos), de Victoria Linares; los largometrajes clásicos de la cinematografía LGBT+, las cubanas “Fresa y chocolate”, de Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío; “Santa y Andrés”, de Carlos Lechuga; y las recientes producciones “José” (Guatemala - Estados Unidos), de Li Cheng; y “Callos” (Costa Rica), de Nacho Rodríguez.

 A la ya anunciada película inaugural, “Três tigres tristes” (Brasil), de Gustavo Vinagre, Premio Teddy 2022, y a esta variada selección de películas, se suma un programa de actividades especiales que expondrán un panorama de realidad actual respecto a ciertos aconteceres de la comunidad LGBT+, tales como conversatorios en torno a los derechos de personas privadas de libertad, avances en VIH, educación y Ley Sexual Integral, ciber violencia en niñas y mujeres, cine LGBT+ en Centroamérica y el Caribe, y un homenaje a la poetisa chilena Gabriela Mistral. 

Esta séptima edición de AMOR Festival cuenta con el apoyo de los medios aliados Mundo Películas, LatAm Cinema, Revista Minga y Lesbicosas. Y la colaboración de la Red de Festivales de Cine de Chile y los Pueblos Originarios,Goethe Institut, Premios Maguey, FICWallmapu, Penguin Random House, entre otros. 

Más información en nuestra web amorfestival.com y las redes sociales Instagram, YouTube y Facebook de @amorfestival.

Publican nuevo libro de Jöel Dicker

 Editado bajo el sello Alfaguara, El caso Alaska Sanders de Jöel Dicker ya está en librerías.

«Sé lo que has hecho». Este mensaje, encontrado en el bolsillo del pantalón de Alaska Sanders, cuyo cadáver apareció el 3 de abril de 1999 al borde del lago de Mount Pleasant, una pequeña localidad de New Hampshire, es la clave de la nueva y apasionante investigación que, once años después de poner entre rejas a sus presuntos culpables, vuelve a reunir al escritor Marcus Goldman y al sargento Perry Gahalowood.

En esta Ocasión contarán con la inestimable ayuda de una joven agente de policía, Lauren Donovan, empeñada en resolver la trama de secretos que se esconde tras el caso. A medida que vayan descubriendo quién era realmente Alaska Sanders, irán resurgiendo también los fantasmas del pasado y, entre ellos, especialmente el de Harry Quebert.

Una nueva intriga literariamente adictiva, con la estructura en varios tiempos, las vueltas de tuerca y el ritmo trepidante que son el sello inconfundible de Joël Dicker, «un fenómeno planetario» (Babelia).

La crítica ha dicho:

«En el centro de la telaraña, tejida por un Dicker en estado de gracia, esta novela demuestra que el escritor está curtido que nunca en el arte de construir un excelente trampantojo de suspense. [...] Un estilo potente que mantiene un ritmo excepcional», Jean-Rémi Barland, La Provence

«Noches cortas, despertares difíciles; no digáis que no os hemos advertido: imposible parar de leer la nueva novela de Dicker. [...] Con el mismo talento de siempre, nos reencontramos con los fantasmas del pasado y caemos rendidos ante una aventura emocionante y nada predecible», Le Parisien

«Una novela maravillosa que vuelve a sumergirnos en el universo de Harry Quebert. Una narración minuciosa y una atmósfera única que hará las delicias de todos los lectores», La Fringale Culturelle

«Un thriller que demuestra una vez más que Dicker domina a la perfección el arte del suspense. [...] Con un estilo simple, efectivo y una narración impecable, logra mantener al lector hechizado a lo largo de casi seiscientas páginas. ¡Nuevo éxito a la vista!», A. M., Version Femina

«La lista de premios literarios atiende expectante la última obra de Dicker», Louis-Henri de La Rochefoucauld, L’Express

«Dicker sabe de lo que habla, y nosotros, como lectores, queremos volver a mecernos en esa canción de la que ya conocemos el estribillo. Nos dejamos llevar con avidez hasta el corazón de una investigación donde, muy rápidamente, no solo caen las máscaras, sino que se desvelan los secretos de cada uno, como en una muñeca rusa», Nathalie Depuis, Elle

«Se pueden decir muchas cosas, y se han dicho, sobre Joël Dicker, pero no que no sepa lo que quiere, cómo conseguirlo y a quién se lo debe», Juan Carlos Galindo, El País

«Llega el fenómeno Dicker. El sucesor de Stieg Larsson y E. L. James: entretenimiento en vena», Antonio Lozano, La Vanguardia. 

Joël Dicker nació en Suiza en 1985. En 2010 obtuvo el Premio de los Escritores Ginebrinos con su primera novela, Los últimos días de nuestros padres (Alfaguara, 2014). 

La verdad sobre el caso Harry Quebert (Alfaguara, 2013), fue galardonada con el Premio Goncourt des Lycéens, el Gran Premio de Novela de la Academia Francesa, el Premio Lire a la mejor novela en lengua francesa y, en España, fue elegida Mejo
r Libro del Año por los lectores de El País y mereció el Premio Qué Leer al mejor libro traducido y el XX Premio San Clemente otorgado por los alumnos de bachillerato de varios institutos de Galicia.

Traducida con gran éxito a cuarenta y dos idiomas, se ha convertido en un fenómeno literario global. Alfaguara también ha publicado su relato El Tigre (2017) y sus novelas El Libro de los Baltimore (2016), en la que recuperaba el personaje de Marcus Goldman como protagonista, La desaparición de Stephanie Mailer (2018) y El enigma de la habitación 622 (2020), novela ganadora del Premio Internacional de Alicante Noir.

En junio de 2022 se publicará El caso Alaska Sanders, la esperada secuela de El caso Harry Quebert y El libro de los Baltimore.

Yo no soy un Quijote: sin amnistía para la memoria

Una de las obras literarias más destacadas e influyentes de la narrativa española y universal es “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”, la novela que Miguel de Cervantes Saavedra presentó en 1605, una novela  llena de humor, idealismo humano, amarga ironía, un canto a la libertad entre muchas otras cosas.

A partir de entonces, se empezó a calificar como quijotería a la conducta de aquel que está convencido de la existencia de cosas que, en realidad, son imaginarias, o que se esfuerza por realizar cosas imposibles siendo una interpretación, de los ideales más altos a que aspira la situación humana, lo inaccesible y lo excelso, la limpieza del alma y la nobleza espiritual.

Por otra parte, situaciones extremas en la vida de las personas como la muerte, la locura, el amor, el odio, la soledad, la guerra, la tortura o el hambre que, entendemos o creemos que son externas a la vida cotidiana, están, sin embargo, a un sólo paso de cada uno de nosotros, en ese ámbito insustancial e indefinible que constituye lo probable.

Entonces, cuando una persona se encuentra en una de esas vivencias, que se sitúan al borde del ser humano, cuando todo el orden establecido se derrumba de golpe, es la consciencia de saberse ante ella, lo que explicaría  que las personas asuman actitudes quijotescas.

Durante el transcurso de la historia de Chile, en muchas ocasiones, se han producido situaciones límites que han hecho que las personas salgan de su espacio seguro para ayudar a los demás.

Una de ellas, comenzó el 11 de septiembre de 1973 y dos días más tarde, mientras la directiva de la Democracia Cristiana, apoyaba el golpe de Estado, Andrés Aylwin Azócar y otros doce militantes corrían el riesgo de firmar una declaración de rechazo categórico, al derrocamiento del gobierno del presidente Allende y ese mismo día, iría al rescate de Jacques Chonchol, exministro de Allende, que se escondía en la población La Victoria.

Él sería una de las primeras personas en darse cuenta de lo que se constituiría, como el drama de los detenidos desaparecidos iniciando una maravillosa labor como abogado en causas de derechos humanos.

Matías Rivas Aylwin recogería en su libro “Yo no soy un Quijote”. El legado vivo de Andrés Aylwin Azócar”, la labor de su abuelo, como defensor de los derechos humanos durante la dictadura repartida en tres épocas: la dictadura militar, la transición a la democracia y su retiro de la vida pública en 1998.

El libro, es resultado de una investigación histórica que trasciende los lazos sanguíneos, el autor se propone buscar la huella señera que dejara su abuelo, con rigor y coraje, sin soslayar sinsabores y desencuentros.

En el libro, se da cuenta de la tremenda tarea que, primero, junto a los miembros del comité Pro Paz y luego junto a los funcionarios de la Vicaría de la Solidaridad realizó a pesar de la indiferencia de los jueces o del miedo imperante.

El denominador común es la defensa intransigente de valores morales, ya que sus defendidos no eran sus amigos o compañeros de partido sino personas desconocidas para él y que incluso, habían sido adversarios políticos.

También, se muestra el rol que tuvieron los Tribunales durante la dictadura militar, durante la cual, como sombras humanas elegantes y cuidadosas de sus privilegios, presos de sus propias convicciones y normas, fueron la imagen misma de la indiferencia sin importarles el dolor, la angustia o el miedo o la protesta de los chilenos contra las injusticias sociales y las desigualdades económicas que acompañaron la dictadura militar.

Por suerte, en un tiempo en que las lealtades flaqueaban ya sea por el riesgo para la propia vida o la de la familia o bien, por quedar bien con el poder, Andrés contó con el apoyo de  la Vicaría de la Solidaridad, donde sus funcionarios como Roberto Garretón y otros, hicieron que la esperanza se refugiara en el actuar de hombres y mujeres que arriesgaron su integridad personal para ayudar a quienes no conocían.

Este libro deja de ser una biografía y se transforma en una historia sobre la memoria y sobre la resistencia a olvidar. También, es un viaje hacia lo profundo de los recuerdos de una parte de nuestra historia que, muchos quisieran olvidar, ya que hay quienes creen que recordar es caminar hacia atrás pero no, la memoria es caminar hacia delante.

Por esa razón es que este libro, lleva hacia delante, porque abre los cajones cerrados de la memoria, los airea; convirtiendo el pasado en presente, alumbrando algunas zonas que estaban en la sombra resistiéndose al olvido, sin amnistía para la memoria.

Estrenan cortometraje que aborda las experiencias de la comunidad artística en pandemia.

 Pensada como una experimentación creativa y un gesto político, Teatro La Obra, estrena el cortometraje “MEAT. Bitácora de un encierro”, a través de una circulación que incluirá siete espacios culturales, especialmente, de la región del Biobío. 

La pieza audiovisual cruza teatro, música y danza, para abordar las experiencias y emociones de una trabajadora de las artes, en sus diversas dimensiones creativas, frente al incierto escenario laboral que dejó la crisis sanitaria y el estallido social. 

Escrita y dirigida por la dramaturga Gisel Sparza, y bajo la dirección audiovisual de Ángela Jarpa, “MEAT. Bitácora de un encierro”, tendrá su estreno en pantalla grande, como parte del tradicional ciclo Lunes Cinematográficos, este 20 de junio, a las 18:30 horas, en el Teatro de la Universidad de Concepción (O´Higgins 660). 

La función dará inicio a una circulación digital y virtual que se extenderá hasta el 30 de junio, periodo en que la obra espera conectar no sólo con la comunidad artística, sino que, también, con un público diverso y sensible frente a la realidad del trabajo de las artes y su lugar en nuestras sociedades. 

El 21 y 22 de junio, la obra se desplazará a la programación digital de Teatro Biobio, donde estará activa on demand desde sus plataformas digitales. El día 23 de junio, también de manera digital y bajo demanda, será parte de la programación de la Corporación Cultural Artistas del Acero quien hospedará esta obra que busca dialogar, desde el presente, sobre las complejidades del quehacer artístico en tiempos de crisis.

 El 24 de junio, a partir del mediodía, la pieza estará 24 horas disponible en las plataformas digitales de Pabellón 83, teniendo la posibilidad de llegar a la comunidad digital de Lota. Posteriormente, el sábado 25 de junio, la pieza audiovisual viaja al sur, donde será transmitida por el canal de Youtube de la Escuela Danza y Espacio Cultural Zingara, de la ciudad de Coyhaique. 

El mismo 25 de junio, y hasta el 26, se exhibirá en la plataforma Conce TV, de Concepción Cultural, de la Municipalidad de Concepción. Cerrando la circulación, el jueves 30 de junio, a las 10:45, se exhibirá la obra como parte de las actividades de la Feria de Bienestar y Salud Integral de la Universidad Técnica Federico Santa María. 

En la instancia, se espera dialogar con los y las estudiantes en torno al visionado colectivo del cortometraje, promoviendo una reflexión en torno a las dimensiones del saber que portan las emociones y la vinculación de sus propias experiencias y emociones en contexto de encierro con la obra audiovisual. 

Con la idea de activar un proceso creativo para “poner en pantalla”, Teatro La Obra gesta en junio del 2021 “MEAT. Bitácora de un encierro”, fortaleciendo una línea de trabajo enfocada en las posibilidades escénicas de lo digital. 

El escenario complejo que impuso la pandemia, especialmente, a los/as trabajadores/as de las artes, fue lo que impulsó a la compañía coronelina a explorar un camino de creación audiovisual, pero, también, ese contexto, se convirtió en la temática de la dramaturgia de “MEAT”.  

El texto, escrito por Gisel Sparza, fue uno de las 14 obras seleccionadas (entre 360) del libro “Delirios en Cautiverio”, concurso de dramaturgia realizado durante el 2020, en el marco del aniversario de los 80 años del Teatro Nacional Chileno. 

El contexto de encierro, la pandemia del Covid 19, la precariedad laboral del trabajo artístico, la coyuntura social y política nacional, definen este cortometraje que, a través de la experimentación audiovisual y sonora, explora en las experiencias y las emociones de una trabajadora de las artes que acude a todos sus talentos como bailarina, actriz y música en contexto de crisis sanitaria y estallido social, a fin de sobrevivir al cambio e incertidumbre. 

“MEAT. Bitácora de un encierro”, está dirigida por Gisel Sparza y cuenta con la realización audiovisual de Ángela Jarpa. La obra es interpretada por la coreógrafa Juanita Paz Saavedra, la actriz Francisca Díaz y la creadora musical Javiera Hinrichs, quien, también, compone la banda sonora de la pieza, mezclando el pop y la electrónica. 

“MEAT es una obra de carácter experimental que nos permitió jugar y aprender del lenguaje audiovisual, nos permitió dejar una especie de registro de lo que hemos enfrentado, sentido, creado, soñado, reflexionado, temido como gremio de las artes inserto en el contexto de pandemia mundial y, en lo particular, en el marco de cambio social que Chile vive. 

Ambos eventos han implicado desafíos para quienes trabajamos en el área, al igual que para otros tantos sectores”, comenta Gisel Sparza en torno a la obra de 30 minutos, haciendo hincapié, además, en la posibilidad que tiene el corto audiovisual de crear una zona de contacto con distintas comunidades, no sólo sobre el presente de la comunidad trabajadora de las artes, sino que con las propias experiencias y emociones que han surgido durante estos últimos años de urgencia política y emergencia sanitaria. 

Por su parte, Ángela Jarpa, devela algunos detalles técnicos del proceso que siente dotan de identidad a la obra, reflejando algunos desafíos interesantes para su propio quehacer. “Fue interesante trabajar junto a Gisel, ya que no fue bajo un guion como tal, sino que fue una escritura de dramaturgia que traspasamos a un guion técnico para audiovisual. Lo que ella imaginaba, yo lo iba interpretando a modo de escala de planos. 

Ella desde un inicio me pidió que fuera un cadáver exquisito y fuimos mezclando mucho con intervenciones en el montaje, en la posproducción. 

Eso lo convierte en un cortometraje experimental donde teníamos libertad de poder explorar, dentro del formato, distintas formas de visualización”, explica en torno a la obra que está pensada para público + 13.

 La circulación de estreno de “MEAT” inicia este 20 de junio, a las 18:30, de manera presencial, gratuita y como parte del ciclo Lunes Cinematográficos de la Corporación Cultural de la Universidad de Concepción. 

Luego, se desplegará por las programaciones digitales de Teatro Biobío, Pabellón 83, Artistas del Acero, Conce TV, Espacio Zíngara, hasta el 30 de junio en que cierra la circulación con una función presencial en la Feria de Bienestar y Salud Integral de la Universidad Técnica Federico Santa María. Si deseas conocer algo más de este proceso de creación audiovisual y acercarte al trabajo escénico de Teatro La Obra, puedes acceder a sus plataformas digitales.

Google Arts & Culture: El ritmo de Gil

Gilberto Gil, el cantante, compositor e ícono cultural brasileño, dijo una vez que “Brasil estaba, está y estará de moda”. Lo mismo podría decirse de él. Con una carrera de más de 60 años, como pionero de la Tropicalia y la música afrobrasileña, defensor del medio ambiente y Ministro de Cultura de Brasil, Gil ha dejado una profunda impresión en la cultura global.

Para celebrar el cumpleaños 80 de Gil, Google Arts & Culture lanza la mayor retrospectiva en línea dedicada a un artista vivo.

En "El ritmo de Gil”, se encontrará una gran cantidad de material único, incluido un álbum que creyó haber perdido para siempre, más de 140 historias, 900 videos y cintas recién digitalizadas e ilustraciones exclusivas de la artista Raiana Britto, una artista de Bahía, cuyo trabajo se ha destacado por reflexionar sobre cuestiones sociales de género y raza, y que reside en la ciudad natal de Gil, Salvador.

Además, se podrá seguir la historia de Gil, desde su infancia en Bahía hasta su elección en la Academia Brasileña de Letras en 2022. 

Cinco cosas para explorar de inmediato:

1.- Aprender sobre la vida de Gil a través de sus discos

La discografía de Gilberto Gil cuenta su propia historia. Mientras escribía canciones, Gil reflexionó sobre muchas de sus experiencias personales junto con los acontecimientos en Brasil y en el mundo entero.

En "El ritmo de Gil", habrá una discografía de seis partes, completa con grabaciones, imágenes y comentarios, donde se conocerá cómo evolucionó la composición de Gil a lo largo del tiempo, a menudo en respuesta a los acontecimientos de su vida, desde su exilio de Brasil hasta su creciente interés por el trascendentalismo y el mundo natural. 

2.- Descubrir el “álbum perdido”

Después de que Google Arts & Culture digitalizó el archivo de Gil, hubo un descubrimiento notable. Revuelto entre los diversos archivos estaba un álbum que se asumió perdido durante casi 40 años. Este es el álbum olvidado, un LP que Gil grabó en Nueva York durante dos meses en 1982.

Por primera vez, gracias a la catalogación digital llevada a cabo, el disco está disponible para que los oyentes lo disfruten.

3.- Explorar los encuentros internacionales de Gil

Gilberto Gil no es más que internacional. Desde su exilio de Brasil a Londres en 1969, Gil ha estado comprometido con otros artistas, festivales y causas globales. Ya sea ayudando a organizar el festival de Glastonbury y el primer Rock in Rio, colaborando con George Harrison, Stevie Wonder, The Wailers y Elton John, o pasando el rato con el cineasta italiano Federico Fellini, Gil ha sido durante mucho tiempo una figura global. 

4.- La  infancia de Gil

En "El ritmo de Gil", se podrá profundizar en la infancia de Gil en detalle. Descubrir lo importantes que fueron sus padres más adelante en su carrera, desde el interés de su padre en la política hasta la presencia inspiradora y el impulso de su madre. Con fotos y retratos familiares íntimos, esta es una ventana al inicio de la vida de uno de los músicos más influyentes del mundo. 

5.- Relajarse con las actuaciones en vivo de Gil

“El ritmo de Gil" incluye algunas de las actuaciones en vivo más memorables de Gilberto Gil. Su Concierto por la Paz de la ONU de 2003, donde se le unió en el escenario el Secretario General de la ONU, Kofi Annan, en el atabaque (instrumento musical de percusión, similar a un tambor  de origen africano), es uno de los más destacados aquí – capturando la calidad fascinante de su musicalidad, junto con su compromiso de toda la vida con las causas internacionales. 

Estos aspectos destacados solo tocan la superficie de lo que se encuentra dentro de "El ritmo de Gil". Desde un catálogo de cartas que recibió, hasta un inventario de sus diferentes “looks” a lo largo de los años y una oportunidad para cantar sus ritmos más famosos a través de un Karaoke digital; "El ritmo de Gil" guarda tesoros para los dedicados fans de Gil o los que acuden a su música por primera vez. 

Invitamos a todos a experimentar el fenómeno musical y cultural que es Gilberto Gil, visitando el proyecto en g.co/gilbertogil y en la aplicación Google Arts & Culture en iOS o Android. 

“Las emociones de polo”: Un cuento infantil para aprender de los animales y las emociones

 La educadora Marielita Lucena decidió poner toda su experiencia e ingenio en un cuento infantil que tiene a un niño y un perro como protagonistas. Esta entrañable historia busca que los más pequeños de la casa aprendan jugando.  

La cuarentena fue un periodo fértil para muchas creaciones literarias, una de ellas es “Las Emociones de Polo”, un cuento infantil de la educadora Marielita Lucena. 

Cuenta que este trabajo está dedicado a uno de los motores de su vida: Polo, su perro.     

Detalla que una de las importancias de este cuento está en su contenido, el que busca acercar las emociones de los animales a los niños. “Los parámetros de enseñanza evolucionaron y dieron un giro importante en la educación emocional, algo que me parece espectacular y que como educadora quise vincular con las emociones de los animales que son tan importantes, como las de cualquier ser vivo”, afirma.   

La elección de hacer un cuento no fue al azar, los años que lleva en la aulas le han servido para darse cuenta que a través de las lecturas lúdicas los niñas aprenden mucho más. 

“Decidí realizar mi propio cuento, ya que los cuentos infantiles han sido mis mejores aliados cada año escolar para enseñar contenidos de una manera lúdica”, dice.   

“La educación actual está caminando de la mano con la educación emocional, estoy segura de que educar en pro a reconocer y validar las emociones en niños y niñas forjará adultos más seguros y más felices, pero como la evolución es global consideré entretenido y emocionante vincular las emociones de los animales o cómo yo le llamo “las emociones de los que no tienen voz”, sentencia. 

“Las emociones de Polo” fue ilustrado por Pili Parro, quien le dio vida y rostros a todos los personajes del libro. La elección no fue al azar, ya que Marielita buscó a la persona que estaba detrás de varios cuentos infantiles chilenos que le gustaban. 

“Es una tremenda profesional. Estoy infinitamente agradecida con su paciencia, buenos tratos y dedicación, no pude haber soñado con mejores ilustraciones que las de Pili, la contactaría mil veces más”, señala. 

Exponen sobre el fascinante mundo de la Taxidermia

El Museo Nacional de Historia Natural (MNHN), institución dependiente del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural del Ministerio de las Culturas las Artes y el Patrimonio, se complace en presentar la inauguración de la exposición temporal «Taxidermia, arte, ciencia, paciencia», que podrá ser visitada desde el martes 14 de junio de 2022 hasta el 31 de julio de 2022, en el Salón Central del Museo Nacional de Historia Natural.

La inauguración se enmarca en una nueva edición de MuseumWeek, el evento cultural más relevante que se realiza en redes sociales, y que pone de relieve la labor que cumplen museos, bibliotecas y otras entidades a nivel planetario. 

Mediante infografías y recursos audiovisuales, los visitantes podrán apreciar de cerca este trabajo que el Museo Nacional de Historia Natural se realiza a puertas cerradas, y que además posee una tradición que se remonta al siglo XIX, épocas en las que el naturalista Rodulfo Amando Philippi era director del MNHN y el primer taxidermista de Chile, Federico Albert, comenzó su trabajo en la institución; tradición que continuó durante los siglos XX y XXI, con la dinastía de los Vergara y también, con destacadas personalidades como Marta Cerda, la primera mujer taxidermista contratada por el museo.

Diego Jara, Taxidermista del MNHN y curador de la muestra, adelanta: «Quienes vean esta exposición podrán apreciar el proceso que involucra la creación de los animales que se pueden ver en las exhibiciones del museo. Para lograr ese nivel de realismo, es necesario una labor que combina la ciencia y el arte, todo para llevar hasta el público la imagen que posee la fauna en su hábitat natural». 

Mario Castro, director del Museo Nacional de Historia Natural, señala que «La Taxidermia es una de las disciplinas que más atraen a quienes nos visitan, es un arte que genera fascinación en quienes nos visitan, y no solamente les impresiona, sino que también les genera un deseo por aprender esta técnica que perpetúa la vida de la vida silvestre, y es una parte esencial de nuestras exhibiciones.

Esta muestra permite vislumbrar ese mágico universo que es la Taxidermia, una disciplina que tiene tradición centenaria en el Museo Nacional de Historia Natural».

La exposición «Taxidermia, arte, ciencia, paciencia» estará abierta al público hasta el 31 de julio de 2022, en el Salón Central del Museo Nacional de Historia Natural, con entrada gratuita.

Teatro San Sebastián estrena obra inspirada en textos y cuadros de Frida Kahlo

 A modo de pinceladas que se plasman sin un devenir cronológico, “Trazos íntimos de Frida Kahlo” es un montaje enraizado en el recorrido biográfico de la creadora de obras pictóricas tales como Autorretrato con collar de espinas (1940); Diego en mi pensamiento (1943) y La columna rota (1944), entre otras.

La pieza teatral, cuyo estreno está programado para el jueves 16 de junio, está inspirada en fragmentos de cuadros y en las anotaciones personales concebidas por la artista mexicana entre 1944 y 1954.    

Dos intérpretes en escena -la actriz Ingrid Leyton Acosta y el actor Rodrigo Rojas Hernández- constituyen las voces fragmentadas de Frida Kahlo, una suerte de poemario en escena que permite conocer en profundidad el mundo sensible de la artista. 

“Trazos íntimos de Frida Kahlo” es el corolario de un trabajo de investigación personal llevado a cabo por Nelson Marchant, director de Teatro San Sebastián, en el periodo que va de 2010 a 2022. Según comenta, "… lo primordial de esta extensa investigación radica en profundizar en la vida de la Frida para entender lo profundo de su universo biográfico y artístico… para relevar el discurso onírico de ella, sus visiones ideológicas, las emociones que habitaba y la forma en que se constituía como persona; más allá del intenso amor que vivió con Diego Rivera”.

 El texto señala a una fragmentada Frida Kahlo, sus cuadros, forma de escribir, en conjunto con las voces y afectos evocados por un hombre y una mujer en escena. La creación de un nuevo cuerpo, de una nueva FRIDA. Transitamos en su vida y emociones e invitamos al espectador a detenerse en zonas desconocidas de la artista… Sus palabras resuenan en nosotros. 

Un viaje sensorial, en el que la interpretación final y el cierre de la historia lo define el que observa; aquel que se deja  llevar  por  la  sensibilidad  fragmentada,  viva y presente de Frida. Un territorio donde lo biográfico resulta el motor fundamental para la creación…

“Para ello -señala Marchant- optamos por no evidenciar un trabajo realista de actuación, lo que privilegiamos fue la resonancia de eso secreto que contiene un diario. Es la corriente de la conciencia fluyendo en su máxima expresión y que termina develando las contradicciones de una artista”. 

El director recalca que en esas pugnas interiores de la artista se detuvieron como colectivo, para finalmente configurar un periplo sensorial -provisto de sonoridad y pasajes musicales- que invita al espectador no sólo a descubrir los misterios de Frida Kahlo, sino que también lo insta a establecer un nexo entre lo biográfico y el resultado creativo de la artista. 

En tal sentido, agrega que el viaje sensorial propuesto en la obra convoca al público a unir los intersticios de un relato atemporal, dejando espacio a la contemplación de la palabra, por sobre cualquier otro elemento.   

Con “Trazos íntimos de Frida Kahlo”, Teatro San Sebastián -compañía nacida en 2015- inicia una línea de creación e investigación teatral que aúna lo minimalista con lo poético.

Presentan obra sobre futbolistas de tercera división.

 Fue en 1998, en plena fiebre por el mundial de fútbol de Francia, la dupla Sa-Sa y la marea roja de los chilenos de corazón, que Rodrigo Muñoz quiso escribir una comedia que, a través de esta pasión de multitudes, pudiera representar también a nuestra sociedad.

Convocando a Orlando Contreras, Juan Carlos Ferrada y Claudio Arredondo, comenzaron a trabajar en la creación colectiva que terminó convirtiéndose en La Banca, obra que después de 23 años regresa a las tablas locales el próximo jueves 16 de junio en Teatro Mori Vitacura.

“En esa época se hablaba del Jaguar de Latinoamérica y quisimos bajar un poco esa visión exitista porque finalmente siempre terminamos siendo un país que está en la banca, que seguirá siendo tercermundista y eso juega en contra con nuestra soberbia”, cuenta Claudio Arredondo, quien en esta oportunidad asume la dirección.

Reuniendo en escena a Etienne Bobenrieth, Claudio Castellón y Clemente Rodríguez, el montaje plantea el encuentro en la banca, de tres jugadores reserva del equipo de Tercera División local, Los Tigres del Yeco.

Cada uno con su rol y personalidad marcada irá develando su percepción sobre la vida, el fútbol y la carrera que les queda, realizando una radiografía de nuestra identidad.

Arturo (Etienne Bobenrieth) es el mayor de los tres, muy mal genio, es el que gatilla generalmente el conflicto, está algo amargado y añora los años en que se lucía como jugador titular.

Fernando (Claudio Castellón) es el tipo que ha querido ir siempre por el camino correcto, a pesar que esto le haya traído poco rédito como jugador, es la voz de la razón, noble y defensor de los más débiles. Mientras Pipe (Clemente Rodríguez) representa la juventud y el entusiasmo, el novato que quiere realizar todos los sueños, pero ahí está igual que los otros, siendo consumido por la banca.

“Lo terrible es que, al leerla ahora, después de tanto tiempo, mantiene su vigencia. Es una comedia en la que nos vemos reflejados. A través del humor y la frustración representamos a la sociedad chilena”, finaliza el director.

Cuenta la historia de tres jugadores de fútbol reserva de un equipo de tercera división llamado Los Tigres del Yeco. Arturo es el mayor de los tres, muy mal genio, es el que gatilla generalmente el conflicto, está algo amargado y añora los años en que se lucía como jugador titular.

Fernando: es el tipo que ha querido ir siempre por el camino correcto a pesar que esto le haya traído pocos créditos como jugador, es la voz de la razón, es noble y un defensor de los más débiles, es quien representa el honor, es el mediador y bandejero por excelencia, en términos futbolísticos sería un medio-campista. Pipe representa el entusiasmo, el novato que quiere realizar todos los sueños, romántico, soñador, pero no por eso menos exitista.

Proyecto Diablo se reestrena en el Teatro la Memoria

 Entre el 16 de junio y el 2 de julio se presenta en el Teatro La Memoria Proyecto Diablo, un monólogo ideado en conjunto entre el actor Felipe Zepeda, el diseñador escénico Nicolás Jofré y el dramaturgo Marcelo Leonart. 

Una de las cientos de imágenes que nos dejó la revuelta social de octubre de 2019 es la de un hombre común: un oficinista de impecable terno con una bebida cola en la mano. Carabineros corren a su alrededor y los manifestantes lanzan piedras a escasos centímetros.

El individuo, sin embargo, se mantiene quieto, en calma, como si viviese en otro tiempo y lugar. Viralizada a través de memes y stickers, la foto de Gino Ángel Rojas Oyarce -más conocido como el personaje de la frucola- se transformó en un emblema, no sólo por su estética, sino que, sobre todo, por su cualidad de testigo.

Precisamente, dicha foto inspiró a un trío de artistas (el actor Felipe Zepeda, el diseñador escénico Nicolás Jofré y el dramaturgo Marcelo Leonart) a reflexionar en torno a uno de los hechos históricos más importantes del último tiempo. 

Según relata Zepeda, fue en un almuerzo con sus compañeros donde surgió la iniciativa de volcar la revuelta en obra. “De pronto nos dimos cuenta que las personas se transformaban en un solo cuerpo, como si el diablo se hubiese liberado. O, mejor dicho, como si la gente se hubiese transformado en ese diablo. El título fue lo primero que apareció”, recuerda. 

“Durante la revuelta, además, surgió una difusa distinción entre el bien y el mal. ¿Quiénes eran los diablos? ¿Los que empezaron con la violencia? ¿Pero quién empezó con la violencia? ¿La violencia son las lacrimógenas? ¿O la violencia es el fuego? Cada uno es el diablo del otro. 

A veces ser el diablo puede ser un orgullo. Y, a veces, una maldición”, agrega Leonart (Noche Mapuche, Tú no eres, hermana, un conejo corriendo desesperado por el campo chileno), a cargo de la escritura del texto. 

Un texto que recoge la figura de un don nadie, un pobre diablo, una persona común y corriente, un oficinista de traje y corbata al que, de pronto, se le apareció el diablo bailando entre los manifestantes en plena zona cero.

Un sujeto que se transforma en protagonista y testigo de la violencia, de la fiesta. 

Un sujeto que se enfrenta a un hombre arriba de un caballo de metal mientras recuerda otras historias, igual o más violentas. Como la de la Carmencita, una vendedora de un mall del barrio alto que también tuvo un encuentro con el diablo antes de que el país entero alzara la voz para decir basta. 

“Uno de los pilares de nuestra metodología de trabajo fue la observación. Muchas veces nos encontramos los tres en las calles y vimos como esos ‘nadie’ comenzaron a transformarlo todo”, agrega Jofré. Ante ello, optaron por dirigir el montaje colectivamente, recogiendo los aportes de cada uno según sus áreas de experiencia.

“El estallido vino a replantearnos muchas cosas, entre ellas, la manera de trabajar. En efecto, fue un proceso colectivo, de comunidad, de encuentro por lo que nos pareció coherente enfrentar la obra de ese modo”, explica Zepeda. 

Estrenar la obra hoy, a dos años de esos eventos, cobra un valor especial para el grupo.

“En un país donde la memoria cada día es más frágil y se intenta borrar con disparos y abusos nos parece relevante recordar que el proceso constituyente fue un triunfo de las personas en la calle. Y aquí nos encontramos narrando lo que nunca pensamos que podríamos narrar: el despertar de un pueblo aletargado en las postrimerías del capitalismo tardío”, señalan. 

Tras presentarse con éxito en el Teatro del Puente (diciembre 2021 y marzo 2022) y Teatro Mori Bellavista (enero 2022) la obra vuelve a escena, esta vez, muy cerca del lugar que la inspiró. 

Importante: El teatro no tendrá abierta su boletería. Todas las compras de entradas deben realizarse por internet previo a la función; Uso mascarilla obligatorio al interior del teatro y al ingresar se exigirá pasa de movilidad. 

Los valores de las entradas son de Valores: $8.000 general y $5.000 estudiante y tercera edad. Entradas disponibles en https://ticketplus.cl/events/proyecto-diablo-teatro-la-memoria