Documental sobre la trayectoria de la icónica actriz Delfina Guzmán llega gratis a Quintero

 Tras dos funciones con alta participación de público, el ciclo de cine chileno en Quintero continúa este mes de mayo con un documental sobre la icónica actriz nacional Delfina Guzmán.

La película se proyectará este viernes 22 de mayo a las 18:00 horas en el Centro de Actividades Comunitarias, con entrada liberada e ingreso por orden de llegada.

 La iniciativa se enmarca en el Plan de Gestión financiado por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, Convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, además del auspicio de la Municipalidad de Quilpué y la colaboración de EFE Trenes y la Municipalidad de Villa Alemana. 

Dirigida por Ricardo Carrasco Farfán y construida a partir de un amplio material de archivo y testimonios de la propia actriz, además de personas cercanas a su extensa trayectoria, Delfina: ¡Cállese, apúrese y no se luzca! es una película especial para quienes crecieron viendo sus trabajos actorales y mantienen un profundo cariño por su figura. 

Al respecto, el director señala: “Más que una película sobre una actriz, es un viaje profundamente humano hacia la memoria, la fragilidad, la lucidez y la enorme fuerza interior de una mujer que ha atravesado la historia cultural de Chile con una voz única y rebelde.

 Es una película que conmueve, que hace reír y reflexionar, pero sobre todo que deja una sensación difícil de olvidar: la de haber compartido un momento íntimo con alguien profundamente libre. Ver Delfina es encontrarse también con nuestras propias memorias, con el paso del tiempo y con aquello que todavía nos emociona del ser humano”. 

La producción fue realizada por su hijo, Joaquín Eyzaguirre, y tardó cuatro años en realizarse. Con una duración de 80 minutos, el documental explora la intimidad de la actriz a través de emotivos recuerdos que recorren distintos momentos de la vida de Delfina. 

A través de su voz, archivos y memorias, el documental reconstruye el itinerario de una mujer que rompió moldes, desafió la moral de su tiempo y pagó el precio de su libertad. Se trata de un retrato íntimo sobre la vejez, el arte y la inquebrantable voluntad de ser uno mismo. 

Tras esta función, se llevará a cabo la última proyección del ciclo de cine chileno en Quintero, donde se exhibirá Me rompiste el corazón, película dirigida por Boris Quercia y protagonizada por Daniel Muñoz, quien interpreta a Roberto Parra y sus andanzas de amor con la Negra Ester. 

La actividad se realizará el viernes 29 de mayo a las 18:00 horas en el Centro de Actividades Comunitarias, con entrada liberada e ingreso por orden de llegada. 

El Centro Cultural Quilpué Audiovisual forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile. 

Revisar toda la programación en www.quilpueaudiovisual.cl. RRSS @ccquilpueaudiovisual

La voz de Andrés Pérez revive en un teatro abandonado.

 “Rescate” es un montaje que nos sumerge en un diálogo íntimo entre el Teatro Windsor de Chañaral, en actual estado de abandono, y la voz inmortal de uno de los más destacados creadores del teatro chileno.

La dramaturgia se compone gracias a los registros de audio del director Andrés Pérez Araya (1951-2002), quien narra la obra invitando a presenciar cómo un espacio silenciado sigue dialogando con su historia. 

Sin recurrir a la inteligencia artificial, el público vivirá una experiencia sensorial y poética, con historias relacionadas a los teatros antiguos y deshabitados del norte de Chile en la voz real del fallecido director. 

Fundado en 1886, el Teatro Windsor de Chañaral, región de Atacama, es una histórica construcción de madera que fue un centro cultural y social vital para la comunidad. Se cuenta que Andrés Pérez trabajó en este lugar, y desde ahí empieza la fábula que se narra en este montaje.

“Se trata de una investigación escénica y tecnológica que busca reactivar teatros abandonados mediante archivos sonoros, registros audiovisuales, dramaturgia contemporánea y nuevas tecnologías, entendiendo el teatro como un lugar de memoria viva”, explica el director y dramaturgo Alejandro Moreno.

En escena, se contará la historia de un grupo de niños, la de la vida de un caracol, la de una actriz francesa que vivió en Chile y la de una mujer que trabaja en un cabaret en Punta Arenas

La obra es un espectáculo de dramaturgia que emerge del habla, del ritmo, de las pausas y de la memoria contenida en la voz del creador de “La Negra Ester”. Son relatos y fábulas que Pérez nunca contó de esta forma, pero que se vuelven posibles mediante una escritura escénica que trabaja con su archivo sonoro como materia viva.

Moreno tomó todos los archivos de audio que encontró del fallecido director y los transcribió. Así comenzó un trabajo con el Ingeniero en Sonido, Joaquín Vallejo, para armar frases mezclando distintas palabras. 

Según cuenta el dramaturgo, “este proyecto más que inteligencia artificial es un proyecto de artesanía artificial, ya que nosotros construimos manualmente, análogamente, el habla de Andrés Pérez. No fue un proceso mecánico de un software, fuimos juntando como un collage de palabras".

“Es una invitación a detenerse, a escuchar y a conectar con la memoria desde un lugar sensible. Reflexionar sobre el patrimonio teatral hoy implica reconocer que los espacios abandonados, las voces ausentes y las historias no contadas siguen teniendo algo urgente que decirnos. La emoción se convierte así en el motor del sistema escénico y en una forma de resistencia frente al olvido”, concluye Moreno.

La obra es un tributo a Andrés Pérez en el marco del mes del teatro, donde cada 11 de mayo se celebra el Día Nacional del Teatro en conmemoración a su natalicio.

28 May al 7 Jun. Ju a Sá — 19 h. Do — 18 h Entradas en gam.cl

Séptima región la nueva novela de Nicolás Poblete que nos arrastra hacia el abismo que caracteriza a las sectas

 Las sectas se caracterizan por su jerarquía, en cuya cima encontramos a un carismático líder que ejerce un poder increíble en sus discípulos. Basta pensar en Charles Manson, a cargo de “La familia”, en California; en David Koresh, autoproclamado profeta que se creía el nuevo Cristo y que causó la muerte de 72 personas en Waco, Texas en 1993; o en Jim Jones, fundador de “El Templo del Pueblo”, pastor evangélico quien, en 1978, en un lugar remoto de Guyana, llevó a la muerte a 918 personas.

En Chile es conocido el caso de “Antares de la luz”, secta que en el 2012 cometió un brutal crimen al quemar vivo a un recién nacido en una hoguera, ya que, según su líder, que aseguraba ser la reencarnación de Dios, el bebé era el “anticristo”.

Pero ¿qué ocurre cuando la secta está formada por solo dos personas? ¿Un discípulo y su maestro? Es lo que vemos en Séptima región a partir de la dupla Renato y Eneas. Renato, terapeuta ocupacional, ha quedado viudo a los cuarenta años y se halla en un estado de profunda vulnerabilidad.

Su crisis, derivada de un sentimiento de culpa extremo, lo lleva a aceptar la invitación de un ex colega que ha optado por una vida ascética en un sector rural de la llamada “Séptima región”.

Eneas convoca a Renato a su morada y, a partir de ahí, se desarrolla un terrible y alucinante proceso de expiación donde vemos en pleno funcionamiento el lavado de cerebro que ocurre en una secta: las trampas mentales se mezclan con la culpa del acólito, que, rayando en el masoquismo, se somete a feroces y exponenciales pruebas dispuestas por su maestro, quien ejerce una seducción irresistible, una verdadera hipnosis que lo hace ingresar en una dimensión inédita que desestabiliza todas sus creencias.

Séptima región es un lugar que ya no existe y que se desarrolla en el paisaje rural correspondiente a la Región del Maule, donde la naturaleza acusa el peligro de su extinción. Pero la séptima región es, también, aquella área en nuestro cerebro que nos ayuda a procesar información somatosensorial.

Prestando especial atención a los estímulos que reconocemos gracias a nuestros sentidos, Nicolás Poblete crea un universo rico en percepciones y alucinaciones, repasando nociones antropológicas y ritos ancestrales, para hablar de un fenómeno que está mucho más cerca de lo que creemos.

Reacciones a Séptima región.
 
“Después de un accidente que fractura hasta la médula, después de una pérdida irreparable, después de los sueños que se confunden con las pesadillas, siempre queda algo: el miedo que acelera el corazón, que recuerda que, entre la carne, los huesos y los analgésicos, hay una vida precaria que sigue latiendo.

En Séptima región, Nicolás Poblete se inmiscuye en una vida así de liminal, la de un hombre transparente como papel de arroz, porque sus pérdidas han sido muchas: Renato.

En esa coyuntura, la escritura de Poblete descompone —como un vidrio de bordes finos, el sol— la siquis de quienes, en la vulnerabilidad, se aferran, como su Renato, a líderes carismáticos; de esos que, tras la catástrofe, prometen reinos luminosos. Con frases limpias como las del Apocalipsis, aquí, ese líder se llama Eneas, pero a diferencia del clásico, este, el que ausculta la escritura de Poblete, conduce a un purgatorio”.
–Cristián Opazo
 
“Nicolás Poblete incursiona con lúcida maestría en la búsqueda de la trascendencia a partir de una realidad física privada de sentido, reconvertida en un tránsito inevitable hacia ‘la disolución del yo’, de quien vislumbra el retorno a la esencialidad existencial, por sobre las constreñidas limitaciones humanas y que, en el esfuerzo compartido de una solidaridad necesaria, atraviesa la materia e ilumina parte imprescindible del trayecto humano”.
–Juan Mihovilovich 
 
“Nicolás Poblete nos tiene acostumbrados a su prosa pulcra y poética, así como a una arquitectura cuidadosa, finamente armada en cada una de sus novelas. En Séptima región se adentra en el mundo del duelo y en el proceso de la sanación, donde la naturaleza, la sabiduría ancestral y la búsqueda interna permiten avanzar por las paredes resbalosas de los muros que encierran a las personas cuando enfrentan una pérdida.

 La mano del otro que guía, que conforta y a la vez confronta, esa mano que escarba en las entrañas de la memoria es finalmente la guía para salir del abismo y ver una luz, cualquier luz, pero al menos un destello que ilumine hacia la ruta de salida”. –Beatriz García-Huidobro

Ministerio de las Culturas abre convocatoria para el Concurso de Composición Musical Luis Advis 2026

 Hasta el 5 de agosto estará abierta la convocatoria para la edición 2026 del Concurso de Composición de Obras Musicales Luis Advis, organizado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, a través del Fondo para el Fomento de la Música Nacional y junto a la Seremi de las Culturas de Tarapacá, que rinde homenaje a la figura del destacado compositor nacional nacido en Iquique.

El certamen -que ya suma 22 años- reconoce a compositoras y compositores nacionales en tres géneros: música docta, música popular y música de raíz folklórica. 

Para esta versión, cada uno de los géneros recibirá obras originales e inéditas en los siguientes estilos: tonada en música folklórica, balada en música popular y composiciones para charango y orquesta en el caso de música docta.   

Quienes resulten seleccionados como finalistas podrán presentar la obra participante en vivo, en un concierto a realizarse en la Región de Tarapacá. Allí podrán optar a los siguientes reconocimientos: $6.000.000 primer premio; $4.000.000 segundo premio y $3.000.000 tercer premio.

Adicionalmente, las obras finalistas en los géneros popular y folklórico, que no obtengan los premios anteriores, recibirán $1.000.000. 

Pueden postular personas naturales de nacionalidad chilena o extranjera residentes en Chile, con cédula de identidad otorgada por el Servicio de Registro Civil e Identificación de Chile, mayor de 18 años. 

Bases de convocatoria y postulación disponible en https://luisadvis.cultura.gob.cl/.

Se realizó MJAZZ 2026 en Santiago.

 Del 13 al 15 de mayo, la capital chilena fue el escenario de MJAZZ -Mercado Iberoamericano de Jazz y Músicas Adyacentes-, encuentro internacional que, en su quinta edición global y tercera realizada en Chile, se consolidó como una de las principales plataformas de articulación, circulación y networking del jazz en Iberoamérica.

Con la participación de más de 10 bandas en vivo y una red de programadores, agentes y profesionales especializados provenientes de 8 países, MJAZZ no solo presentó música: activó conexiones entre escenas, festivales y mercados internacionales, posicionando a Santiago como un nodo estratégico dentro del circuito global. 

SANTIAGO COMO NODO ESTRATÉGICO DEL JAZZ CONTEMPORÁNERO

Con esta edición, MJAZZ posicionó a Santiago como un espacio de articulación internacional, conectando escenas locales con circuitos globales y fortaleciendo el desarrollo del jazz contemporáneo en la región.

“En MJAZZ somos nosotros quienes convocamos y traemos a programadores, promotores y tomadores de decisiones desde distintos países, para conectarlos directamente con los artistas en espacios diseñados específicamente para esa vinculación.

No es un encuentro casual: es un mercado estructurado donde las reuniones, los showcases y las instancias profesionales están pensadas para que los propios músicos puedan generar relaciones, acuerdos y circulación internacional de manera concreta.” Lorena Amarillo, directora de MJAZZ global.

Además de showcases, reuniones profesionales y actividades de networking, uno de los hitos de esta edición fue la firma de un Circuito Latinoamericano de Jazz, iniciativa orientada a fortalecer la colaboración y circulación artística entre distintos países de la región. 

Entre los invitados internacionales destacaron representantes de circuitos clave de programación y producción como Branco Produções (Brasil) con más de 7 festivales en su haber, la Fundación Circuito Argentino de Jazz, además de agentes culturales y profesionales vinculados a redes de circulación en América Latina, Estados Unidos y Europa. 

UNA PLATAFORMA DE INDUSTRIA, NO UN FESTIVAL

MJAZZ no es un festival tradicional, sino un mercado profesional donde la música funciona como un dispositivo de conexión.

Su estructura combina showcases en vivo, rondas de negocios (speed meetings), encuentros profesionales, workshops y espacios formativos, y networking internacional, todo orientado a generar circulación concreta de artistas, proyectos y colaboraciones.

SHOWCASES: EL CORAZÓN DEL MERCADO

La convocatoria 2026 recibió más de 100 postulaciones, seleccionando a 10 proyectos que participaron tanto en escenario como en instancias de vinculación profesional: Mauricio Gallardo Proyect, Binaural, Marcos Cifuentes & Marimbismos (Argentina), Jorge Díaz Cuarteto, Golosa La Orquesta, Vane Bravo Trío, Nico Navarrete Cuarteto, Cimbalon Guachaca, Trío Lindo (Chile / Argentina) y Compañía Limitada.

MJAZZ 2026 es una producción de Audiomúsica y The Global Jazz SpA,
con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile y la colaboración de Hotel Las Majadas, entre otros aliados estratégicos.

Nano Stern llega por primera vez al Teatro CA660 de Fundación CorpArtes

El próximo viernes 22 de mayo a las 20:00 horas, el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes recibirá por primera vez todo el talento de Nano Stern, uno de los músicos nacionales más destacados de las últimas décadas. 

En formato acústico y acompañado de su banda en vivo integrada por Cristián Carvacho, Ramiro Durán y Miguel León, el autor de "Agua clara", "Ley de vida" y "Festejo de color", dará un concierto íntimo que se podrá disfrutar en un espacio de vanguardia y acústica de excelencia en Las Condes. 

Reconocido por la potencia de su performance en vivo y su virtuosismo en la guitarra y diversos instrumentos, en su cancionero se recorre cómodamente la música de raíz folclórica, el rock, el folk, la trova y la experimentación musical. 

Actualmente, Nano Stern se encuentra presentando su más reciente álbum Refugio (2025) grabado en Nueva York, el cual lo tiene realizando conciertos a lo largo del país y el extranjero. 

“Recibir a uno de los cantantes más destacados de su generación es un verdadero hito para nuestro Teatro. Este concierto será una experiencia única, ya que permitirá al público apreciar la versatilidad de Nano Stern y su banda en un formato íntimo, y escuchar en vivo su más reciente álbum en un espacio de primer nivel”, asegura José Tomás Palma, director ejecutivo de Fundación CorpArtes. 

Nano Stern en concierto se presentará el viernes 22 de mayo a las 20:00 horas, en el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes, ubicado en Rosario Norte #660, piso -2, Las Condes. Las entradas se pueden adquirir en www.corpartes.cl y los valores van desde los $20.000 hasta los $35.000, desde 15% de descuento para estudiantes, tercera edad y convenios. 

Sobre Nano Stern 

Nano Stern, es uno de los más destacados cantantes, multiinstrumentistas y compositores de una generación de músicos chilenos que nace producto de los referentes del cancionero popular tradicional y sus vínculos con los ritmos y estilos contemporáneos. En su cancionero se recorre cómodamente la música de raíz folclórica, el rock, el folk, la trova y la experimentación musical. 

Nacido en Chile a principio de los años ochenta, Nano Stern comenzó su relación musical apenas a los tres años cuando empieza a tocar el violín. En su adolescencia, el rock llega a su lado y comienza a formar bandas con las cuales experimenta por vez primera la adrenalina del escenario. 

Hoy en día se destaca como uno de los músicos chilenos más importantes de los últimos años, reconocido por la potencia de su performance en vivo, su talento con la guitarra y el fuerte compromiso social presente en su discurso, que lo tiene posicionado, además, como un líder de opinión en el país y se encuentra presentando su más reciente álbum “Refugio” grabado en New York, realizando conciertos a lo largo del país e internacionalmente.  

Nano Stern en concierto presentado por Fundación CorpArtes, es un proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.  

Sebastián Preece y María Elena Cárdenas inauguran exposiciones en la Posada del Corregidor

Las propuestas de Sebastián Preece y María Elena Cárdenas abordan distintas aproximaciones a la experiencia y la memoria. Preece se centra en la huella tecnológica como registro de lo vivido, mientras que Cárdenas investiga la intimidad doméstica y los objetos cotidianos como espacios de reflexión sobre el tiempo y la fragilidad.

En conjunto, ambas exposiciones establecen un diálogo entre lo residual y lo cotidiano, así como entre la imagen y su descomposición, proponiendo diversas formas de habitar y recordar.

Cabo de Hornos es un proyecto de arte, docencia y extensión impulsado por el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de Chile, en colaboración con la Municipalidad de Santiago.

Desde 2019, ha reunido once duplas de artistas visuales chilenos en el Centro Patrimonial Posada del Corregidor del Corregidor —inmueble colonial y monumento histórico administrado por la Municipalidad— generando exposiciones que dialogan desde la materialidad, el lenguaje y el pensamiento visual contemporáneo, bajo la coordinación del artista y académico Enrique Matthey. 

Para el municipio, esta vinculación con el área de extensión de la Universidad de Chile resulta fundamental, ya que la Posada se ha consolidado como un espacio clave para la exhibición del arte contemporáneo chileno, fortaleciendo la relación con la escena artística nacional y poniendo este patrimonio al servicio de la comunidad. 

En el marco del Día del Patrimonio Cultural 2026, que se realizará los días sábado 30 y domingo 31 de mayo, la Posada del Corregidor invita a visitar sus exposiciones como parte de la programación del Casco Histórico.

Además, el domingo 31, los artistas junto al coordinador del proyecto, Enrique Matthey, estarán presentes para compartir con el público, conversando sobre el desarrollo de la iniciativa, sus procesos creativos y el montaje de las muestras.

Obras y artistas

El artista visual Sebastián Preece presentará “Pantallas sin título”, una instalación compuesta por televisores sin señal que revelan su estructura tecnológica interna: memoria, cristales, líquidos, luz LED y electricidad. En esta obra, la mancha se convierte en un universo que emerge entre la información de la pantalla, el vidrio y el reflejo, proponiendo una lectura material y abstracta de la imagen contemporánea.

“Pantallas sin título” de Sebastián Preece  

“Genealogía especular” reúne el trabajo pictórico de María Elena Cárdenas, constituido por una serie de  pinturas al óleo y obras gráficas en papel, que representan principalmente espacios cotidianos en los que que habita la artista. Objetos, ornamentos, mobiliario, conviven eventualmente con figuras humanas en escenas de acumulación y desorden, enfrentándonos a una sugerencia de lo residual, lo marginal e incluso fantasmagórico en instancias biográficas. 

Con esta aproximación pictórica, se interpela a la extrañeza del objeto cotidiano, y se tensiona así mismo el ejercicio de memoria, en toda su vulnerabilidad. María Elena Cárdenas

Reseñas biográficas 

Sebastián Preece Rioseco vive y trabaja en Santiago. Su obra se centra en el ciclo de vida del espacio arquitectónico y su influencia en quienes lo habitan, combinando arte, arqueología y memoria.  Ha participado en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, destacando la VIII Bienal de La Habana, la IV Bienal del Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago (Subversiones / Imposturas) y en la 54ª Bienal de Venecia (Illuminations). En 2017 cofundó _UN ESPACIO, proyecto dedicado a la arquitectura y la escultura contemporánea, junto al artista y arquitecto Manuel Peralta Lorca. Su trabajo ha sido reconocido con la Beca Pollock–Krasner y la Beca Nacional Fondart del MINCAP. Desde 2005 ejerce docencia en escuelas de Arte y Arquitectura en Chile. 

Conoce más de su obra en web www.sebastianpreece.com  - www.un_espacio.cl  y en Instagram @_unespacio

María Elena Cárdenas Ortega es Profesora de Artes Visuales en la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación (UMCE) y Licenciada y Magíster en Artes Visuales por la Universidad de Chile.  Su obra forma parte de colecciones institucionales como el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos, la Colección CCU y la Colección Metro de Santiago, Entre sus exposiciones individuales destacan Pintura de Cámara(Sala Gasco, 2014) e Imagen Fija(Sala Puntángeles, Universidad de Playa Ancha, Valparaíso, 2011). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, destacando Coordenadas para un Mapa Sensible(Museo de la Memoria y los Derechos Humanos, 2024) y Políticas del Espacio(Galería Concreta, Matucana 100, 2021).  Desde 2017 se desempeña como docente en la Escuela de Artes Visuales de la UMCE. 

Conoce más de su obra en Instagram @maríaelenacárdenas_arte 

 Coordenadas:

Inauguración:

20 de mayo a las 18:00 horas 

Visita la Exposición:

Entre el 22 de mayo al 27 de junio; Centro Patrimonial Posada del Corregidor (Esmeralda 749). Metro Plaza de Armas y Bellas Artes. Lunes a viernes de 10:00 a 13:00 horas y de 14:00 a 17:00 horas. Sábado 10:00 a 13:00 horas.  Entrada liberada. 

Ciclo especial de cine: Dogma 95, Directores del Mes de mayo en Centro Arte Alameda

 En mayo, el ciclo “Directores del Mes” de Centro Arte Alameda estará dedicado a una de las corrientes cinematográficas más radicales e influyentes de las últimas décadas: Dogma 95. La iniciativa cuenta con financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras. 

Surgido en Dinamarca en 1995, el movimiento vanguardista transformó la manera de entender y realizar cine, proponiendo un retorno a la esencia de la puesta en escena y rechazando los artificios técnicos de la industria audiovisual contemporánea. Fundado por los cineastas daneses Lars von Trier y Thomas Vinterberg, el manifiesto Dogma 95 también sumó posteriormente a Kristian Levring y Søren Kragh-Jacobsen, consolidándose como una propuesta estética y política que marcó a toda una generación de realizadores alrededor del mundo.

A través de un estricto “voto de castidad”, Dogma 95 impulsó películas realizadas con cámara en mano, iluminación natural y sonido directo, privilegiando las actuaciones, los conflictos humanos y la crudeza emocional por sobre los efectos especiales o las grandes producciones.

Más de treinta años después de su aparición, sus películas continúan siendo referencias fundamentales para comprender las posibilidades del cine contemporáneo. La iniciativa cuenta con financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras. 

La programación comenzará el martes 12 de mayo a las 20:15 horas con “Los Idiotas” (Idioterne / Dogma #2, 1998), dirigida por Lars von Trier, una provocadora obra que explora los límites de la provocación social y las convenciones de la normalidad a través de un grupo de jóvenes que decide comportarse como personas con discapacidad intelectual en espacios públicos. 

El ciclo continuará el martes 19 de mayo a las 20:15 horas con “La Celebración” (Festen / Dogma #1, 1998), dirigida por Thomas Vinterberg, considerada la primera película oficial del movimiento y una de las obras más influyentes del cine europeo de finales de los noventa.

La exhibición coincidirá además con el cumpleaños de Vinterberg, en una función especial dedicada al realizador danés. Ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes, la película retrata una reunión familiar marcada por secretos, violencia y tensiones que emergen durante una celebración aparentemente tradicional.

Finalmente, el sábado 23 de mayo a las 21:00 horas se exhibirá “Julien Donkey-Boy” (Dogma #6, 1999), del director estadounidense Harmony Korine. Considerada una de las apropiaciones más singulares del manifiesto fuera de Europa, la película construye un retrato fragmentado y visceral de una familia disfuncional, llevando los principios Dogma 95 hacia una dimensión aún más experimental y sensorial.

Las funciones se realizarán en Centro Arte Alameda - Sala CEINA, ubicado en Arturo Prat #33. | ¡Las entradas ya se encuentran disponibles en PASSLINE!

Centro Arte Alameda forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile.

De Star Wars a Miyazaki: los esperados estrenos y adelantos internacionales que llegarán a CINELEBU

 El Festival Internacional de Cine de Lebu volverá a transformarse en uno de los puntos cinematográficos más atractivos del país con una programación que mezclará cine de autor, esperados estrenos internacionales y adelantos de grandes franquicias globales que llegarán al certamen antes, o en paralelo, a su estreno comercial en Chile.

La edición 2026 del evento incluirá títulos que han generado expectación entre fanáticos del cine y la cultura pop, consolidando a CINELEBU como una vitrina que conecta al Biobío con las tendencias audiovisuales internacionales.

Uno de los grandes atractivos será el reestreno de The Wind Rises, la aclamada obra de Hayao Miyazaki, considerado uno de los cineastas más influyentes de la animación mundial. 

La película, reconocida por su sensibilidad visual y narrativa, volverá a la pantalla en el marco del festival.

A ello se suman adelantos vinculados a algunas de las producciones más comentadas de la industria, entre ellas The Mandalorian & Grogu, película inspirada en el universo Star Wars que debutará internacionalmente durante mayo, y Michael, la esperada biopic sobre Michael Jackson dirigida por Antoine Fuqua y que ha sido éxito en taquilla a nivel internacional.

La programación también contempla el estreno nacional de Belén, dirigida por Dolores Fonzi y reconocida recientemente en los Premios Goya 2026.

Desde la organización destacan que uno de los objetivos del festival es acercar al público regional películas, tendencias y experiencias cinematográficas que normalmente sólo circulan en grandes capitales o circuitos especializados, fortaleciendo además el acceso descentralizado a la cultura, con entradas gratuitas y abiertas a la comunidad.

CINELEBU sigue siendo considerado como uno de los festivales más importantes de Latinoamérica y del Cono Sur en siendo calificador para los Premios Oscar y Goya, reuniendo cada año a destacados realizadores, actores, productores y referentes de la industria audiovisual internacional.

Nueva edición del premio Plagio a la creatividad artística incluirá inéditos encuentros abiertos con creadores nacionales.

 Por cuarto año consecutivo, Fundación Plagio abre la convocatoria del Premio Plagio a la Creatividad Artística, un reconocimiento destinado a artistas y escritores nacionales de vasta trayectoria que han generado una transformación creativa en su disciplina, que han permanecido en los márgenes o fuera del canon y que no han recibido el reconocimiento que merecen.

Por eso invita a la ciudadanía a nominar a creadoras y creadores en www.plagio.cl. 

Posteriormente, un jurado de especialistas estará a cargo de elegir al ganador o ganadora, de entre los distintos nominados.

 En esta edición 2026, el jurado estará compuesto por cinco destacadas figuras del ámbito cultural: la actriz y escritora Nona Fernández; la periodista cultural y ensayista Catalina Mena; la fotógrafa y artista visual Julia Toro (ganadora del Premio Plagio 2024); el escritor y columnista Rafael Gumucio y la escritora y fundadora de Fundación Plagio, Carmen García Palma. 

Además del reconocimiento público, el o la ganadora 2026 recibirá $3.000.000 y un galardón creado especialmente por la artista Rosario Perriello.  

Ciclo de encuentros con finalistas de la versión anterior  

Como parte de la convocatoria de esta nueva edición del premio, Fundación Plagio junto con la Facultad de Comunicación y Letras de la Universidad Diego Portales (UDP) presentarán el ciclo “Encuentros con artistas que traspasaron los límites”, donde cuatro finalistas de la versión anterior del Premio Plagio dialogarán abiertamente sobre sus procesos y experiencias creativas. Participarán los artistas visuales Carlos Altamirano y Virginia Errázuriz, y los escritores Pía Barros y Carlos Cociña. 

Cada encuentro se realizará en el Estudio de TV de la Facultad de Comunicación y Letras UDP (Vergara 240, Santiago). La entrada es liberada y quienes deseen asistir deberán inscribirse previamente a través de un formulario disponible en el sitio web de Fundación Plagio. 

De esta manera, el premio no solo reconoce la trayectoria de creadores vigentes, sino que también amplía su alcance generando un espacio de diálogo que acerca a escritores y artistas con obras relevantes a nuevas generaciones, cumpliendo con el objetivo central de difundir obras que merecen ser reconocidas por su aporte fundamental a la literatura y a las artes visuales en Chile. 

Postula a tu creador favorito/a  

Personas de todo el país podrán nominar a sus creadores preferidos completando un formulario disponible en www.plagio.cl hasta el 3 de agosto. Las nominaciones ciudadanas serán revisadas por Fundación Plagio, que elaborará una lista de finalistas a partir de ellas. Luego, el jurado definirá al ganador o ganadora.

Fechas clave:

Convocatoria para nominar creadores: 12 de mayo al 3 de agosto de 2026

Ciclo de encuentros con finalistas (en UDP): mayo – junio 2026

 Sobre Fundación Plagio

Fundación Plagio es una entidad cultural chilena dedicada a promover la creatividad como motor de transformación social. Desde 2023 entrega el Premio Plagio a la Creatividad Artística, reconociendo a artistas y escritores de trayectoria que han generado un impacto profundo en sus disciplinas. Ganadores de la distinción: Carlos Altamirano (2025), Julia Toro (2024) y Soledad Fariña (2023).