Los cuentos de Bluey ya se escuchan en español

El clásico “un cuento más” a la hora de dormir volvió a tener banda sonora en español, pues “Book Reads - Las historias de Bluey”, la serie digital que reúne a figuras muy queridas leyendo los libros de la perrita más famosa de la televisión infantil, ya tiene sus primeros episodios disponibles para el público hispanohablante de América Latina.

Detrás del fenómeno hay una razón que va más allá del entretenimiento. Bluey aborda las emociones, el juego y la vida en familia sin dar lecciones y sin subestimar a los chicos, y es, de hecho, uno de los pocos programas infantiles que también ha conquistado a los adultos, y en especial a madres y padres.

Algo que la investigación empieza a explicar: un estudio que analizó los 150 episodios de las tres primeras temporadas encontró un mensaje claro de resiliencia en casi la mitad de ellos, enseñando a los chicos cómo afrontar los desafíos de la vida real, casi siempre de la mano de un adulto de la familia.

Llevar esas historias a la lectura en voz alta, y ahora en español, suma un ingrediente que suele encender el gusto por leer con el placer de escuchar un cuento en el idioma de casa. 

Los primeros cuatro títulos disponibles reúnen algunas de las historias más queridas por los seguidores de la serie. En "Abuelitas", leída por Gina Torres, Bluey y Bingo juegan a ser dos ancianas en la cocina y terminan enfrascadas en una gran duda: ¿las abuelas pueden bailar? Para resolverla, no les queda más que llamar por video a su verdadera Nana. Es uno de esos cuentos que los fans citan una y otra vez entre sus favoritos. 

Itatí Cantoral, en tanto, pone voz a "Hora de Dormir", tal vez la historia más célebre de todo el universo Bluey, en la noche en que Bingo se propone dormir sola en su cama por primera vez y, mientras cae rendida, se deja llevar por un sueño que la lleva a recorrer un universo entero. Es uno de esos episodios que los fans recuerdan de memoria y que suele encabezar las listas de favoritos, tan capaz de emocionar a los adultos como de encantar a los más chicos. 

Kali Uchis lee "Bingo", un cuento contado desde la mirada de la hermana menor, sobre su mundo propio y el valor de aprender a arreglárselas sola. Y Jaime Camil narra "El Arroyo", donde Bluey descubre que la naturaleza, con sus espinas, sus piedras y sus pequeños bichos, puede dar algo de miedo al principio, hasta que la curiosidad gana y aparece la belleza del mundo salvaje. 

Más allá de quién preste su voz a cada relato, lo que convierte este estreno en una verdadera novedad para las familias latinoamericanas es que estas historias ya se pueden escuchar y leer en español, sin intermediarios ni subtítulos, en la misma lengua en la que los chicos piden un cuento antes de dormir.

Esa cercanía — la de compartir la lectura en el idioma de casa, con la calidez y el humor que hicieron de Bluey un fenómeno global — es la que transforma un momento cotidiano en un plan para disfrutar en familia. 

Los nuevos episodios se estrenan dos veces por semana en canal oficial de YouTube de Bluey Español y en bluey.tv, dentro de la sección en español. 

Acerca de Bluey Book Reads

La primera temporada de Bluey Book Reads se estrenó en febrero de 2024, con una lectura a dos voces a cargo de las famosas hermanas Kylie Minogue y Dannii Minogue; tanto la primera como la segunda temporada han acumulado más de 91 millones de vistas, y la cifra sigue aumentando, en los canales digitales de Bluey.

La serie, creada inicialmente para plataformas digitales, ganó un Premio Lovie en 2024 y también fue galardonada como Mejor Serie de Marca en la categoría Web/App en los Premios Kidscreen de 2025.

Bluey Book Reads es un encargo de BBC Studios Digital Brands junto con BBC Studios Kids & Family, y es una producción de Ludo Studio y BBC Studios Digital Brands, producida por Siobhan McKenna (BBC Studios Digital Brands), Sasha Folker (Ludo Studio), Alice England (Ludo Studio) y Joe van Vugt (Ludo Studio). Los editores de video son Anthony Pham, Daisy van Ghert y Georgia Mackay (Ludo Studio). 

Acerca de Bluey

Bluey es una producción de Ludo Studio, ganadora de un premio Emmy®, para ABC KIDS (Australia), y es una coproducción de ABC Children's y BBC Studios Kids & Family. Financiada en asociación con Screen Australia, Bluey se enorgullece de estar 100% creada, escrita, animada y posproducida en Brisbane, Queensland, Australia, con financiamiento del Gobierno de Queensland a través de Screen Queensland y del Gobierno de Australia. BBC Studios Kids & Family posee los derechos de distribución y mercadería a nivel mundial. 

Acerca de Ludo Studio

Ludo Studio es un estudio australiano ganador de premios BAFTA, varios premios Emmy®, Logie y Peabody, y una de las empresas más influyentes de 2024 según la revista TIME, que crea y produce series dramáticas originales con guion, animación e historias digitales creadas por un increíble talento local, distribuidas a nivel mundial y que son muy apreciadas por el público de todo el mundo. ludostudio.com.au 

Acerca de BBC Studios Brands & Licensing

La división BBC Studios Brands & Licensing es la fuerza impulsora que permite ampliar el patrimonio intelectual de BBC Studios a través de innovadoras extensiones de marca, fomentando así un profundo compromiso de los fans en todo el mundo. La asociación de nuestras marcas icónicas — entre ellas, Doctor Who y Bluey — con las marcas, promotores y editoriales más importantes del mundo despierta la imaginación de los fans y crea momentos memorables que realzan la fama de las marcas.

 Nuestra diversa cartera abarca productos de consumo, entretenimiento en vivo, videojuegos y publicaciones, mientras que BBC Studios Digital genera más de mil millones de visitas al mes, ofreciendo oportunidades de publicidad y contenido de marca. Con el respaldo de equipos galardonados, nos enfocamos en encontrar oportunidades visionarias para potenciar el impacto global de la marca y el crecimiento digital.

Silencio Blanco celebra el Día Nacional del Títere y la Marioneta en Casa OANI con su primera creación: “DE PAPEL”

 Los días 28 y 29 de agosto la compañía de teatro de marionetas Silencio Blanco tendrá funciones y un taller en Casa OANI de Valparaíso, esto en el marco del Día Nacional del Títere y la Marioneta que se celebra de manera oficial cada 25 de agosto desde este año, a propósito del nacimiento de Sergio ‘Tito’ Guzmán Vallejos, destacado maestro y referente histórico del arte titiritero en Chile.

 El sábado 29 de agosto a las 18:00 horas es la función de la obra ‘De Papel’ abierta a público. Entradas a $2000+cargo previa inscripción vía Passline.

Una marioneta de papel se relaciona con sus manipuladores y con el público, conviviendo y dialogando con la inocencia más profunda, la de su niñez. ‘De Papel’ es una invitación a jugar y a redescubrir la simpleza e ingenuidad en situaciones cotidianas.

El Plan de gestión de OANI Teatro está financiado por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, Convocatoria 2026 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

La dirección de Casa OANI es Lo Venegas 489. Se puede subir en la micro E 519, que se estaciona en Yerbas Buenas, y en el Colectivo 38 (de abajo), que se toma en la Plazuela Ecuador. 

SILENCIO BLANCO

Santiago Tobar, cofundador de la compañía, director e intérprete en la obra ‘De Papel’, señala: “En el año 2010 creamos ‘De Papel’ como un ejercicio de investigación. Con Luchito, el protagonista, realizamos nuestro primer ejercicio de manipulación de una marioneta, descubriéndola como herramienta narrativa, conociendo sus escalas, proporciones, sus ritmos, su propia humanidad que comenzaba a presentarse frente a nosotros. Aprendimos todo lo que incorporamos en cada proyecto, es nuestra escuela hasta el día de hoy, luego de 16 años”.

Sobre el carácter de la compañía, detalla: “Nace de querer acercar más al espectador a la escena, una forma de convivir amable, transversal. Al estar en silencio en escena pensamos que el espectador debe comunicarse con sus recuerdos, memorias, su presente, sus sueños, lo cual permite compartir la historia de la obra con las experiencias de cada espectador.

Quisimos hacer Silencio Blanco con marionetas blancas para que cada uno pueda vestirlas en su imaginación, y utilizamos materiales cotidianos que nos relacionan con nuestras infancias, nuestras vidas, para volver a hacernos humanos”.

Dominga Gutiérrez, cofundadora de la compañía, productora e intérprete, comenta: “Creo que uno de los desafíos más bonitos en torno a producción ha sido presentar ‘De Papel’ en espacios y contextos tan diversos y distintos.

‘De Papel’ es la primera obra con la que hemos recorrido el mundo, fue un poco la que nos dió cuero para seguir adelante. Cuando recién comenzamos con esta obra, nos fuimos a viajar por Bolivia y Perú, presentando en calles, plazas, colegios, parques. Estuvimos dos meses viajando con la obra, transformándola constantemente desde el mismo 2010”. 

“Luego volvimos a Chile y decidimos hacerla de manera profesional. Desde entonces hemos recorrido más de 20 países, con nuestras distintas obras, pero casi siempre vamos con ‘De Papel’. Hacemos talleres, hacemos encuentros de mediación, presentaciones en colegios, comunidades locales.

Recientemente estuvimos en Noruega, en Corea del Sur, Canadá, Alemania, Rusia.  En noviembre estaremos con ‘De Papel’ en Lincoln Center de Nueva York. Es muy bonito seguir circulando con esta obra que fue el germen de nuestra compañía”.

“Es un orgullo realizar esta función en el marco de la primera conmemoración del Día Nacional del Títere y la Marioneta en Casa OANI, un lugar de tanta trayectoria e importancia para el Teatro de Animación”.

Camilo Yáñez, intérprete, detalla: “Para ensayar y desarrollar nuestros juegos relacionados a la obra lo que hacemos es pasarla por nuestros cuerpos antes que, por la marioneta, es decir, la obra la hacemos nosotros mismos y realizamos las dinámicas entre nosotros mismos antes de manipular la marioneta, lo cual nos da una confianza mucho mayor al momento de realizarla”.

“Estamos felices de estar en Casa OANI, siempre nos hacen sentir cómodos los espacios que se dedican a la animación de objetos, así que esperamos que sean jornadas de mucha retroalimentación y encuentro”.

Ricardo Pacheco, coordinador técnico, comparte: “De Papel es una obra que técnicamente es muy adaptable a los espacios, si bien cuenta con una propuesta de iluminación teatral ideal para el espectáculo, el desarrollo de la obra no se ve perjudicado ante la ausencia de equipos técnicos.

El mayor desafío que conlleva esta obra y es crucial para el buen desarrollo, es la distribución del espacio para la audiencia, donde se vela por una visibilidad completa del escenario y las butacas de los espectadores tengan cierta elevación, evitando así que la gente se pueda perder detalles del espectáculo, que en su mayoría del tiempo la marioneta se encuentra a nivel de piso”.

“Cuando la obra se realiza en un espacio convencional donde se cuenta con equipos de iluminación teatral, ésta logra potenciar un ambiente común y manipulable hacia el ojo del espectador, donde podemos guiar la atención hacia puntos específicos del espacio por el que la marioneta transita, evitando distracciones visuales, además de poder aumentar la magia de la manipulación en ciertos momentos donde es necesario abstraerse de un espacio convencional hacia uno más onírico.

Otra cosa que se logra con la iluminación es poder indicarle al público presente cuándo son interpelados e invitados a ser parte del espectáculo”.

“Lo llamativo de esta obra es que todo lo que se presencia en ella viene de la simpleza del juego, nos invita a imaginar que este ser de papel tiene vida y una personalidad muy marcada, que se mezcla con la gente y se integra socialmente a través de su inocencia y energía.

Que una marioneta logre interactuar con un público sin la necesidad de las palabras es el claro resultado de que la audiencia quiere creer en la ilusión que le presenta la obra y se entrega al juego sin mayor resistencia”, cierra Ricardo.  

Coordenadas

DE PAPEL Fecha y horario: sábado 29 de agosto a las 18:00 horas. Casa OANI. Lo Venegas 489, Cerro Cárcel, Valparaíso. Entradas a $2000+cargo vía Passline.

Fragmentos: la importancia de la música en las series del productor ejecutivo Ryan Murphy

 Con sus primeros cinco episodios ya disponibles en Disney+, la nueva serie de FX, Fragmentos, comienza a desplegar el particular universo del productor ejecutivo Ryan Murphy: un relato ambientado en la vibrante ciudad de Los Ángeles de los años 80, donde la adolescencia, el misterio y la obsesión se entrelazan en una historia tan inquietante como atrapante.

La nueva producción recupera, además, uno de los rasgos que atraviesan buena parte de la obra del reconocido productor ejecutivo: una cuidada identidad visual y una selección musical capaz de convertirse en protagonista.

Basada en la aclamada novela bestseller de Bret Easton Ellis, la serie sigue a un grupo de privilegiados estudiantes de último año de una exclusiva escuela preparatoria mientras exploran la identidad, el sexo, los celos y la obsesión, así como los peligros que se esconden bajo la superficie de la adolescencia estadounidense. 

En el centro de la historia está Bret (Igby Rigney), un aspirante a escritor con gran capacidad de observación, cuya realidad empieza a desmoronarse con la llegada de Robert Mallory (Homer Gere), un nuevo estudiante misterioso y magnético.

 Su incorporación, justo antes de su último año escolar, coincide con el creciente terror generado por “The Trawler”, un asesino serial que tiene como objetivo a adolescentes por toda la ciudad. 

Bret está acompañado por su círculo social de élite, formado por Susan Reynolds (Kaia Gerber), Debbie Schaffer (Hayes Warner) y Thom Wright (Graham Campbell), un grupo glamoroso con una dinámica compleja, inmerso en una vida de lujo, belleza, fiestas y excesos.

La promesa de su juventud contrasta con el mundo oscuro y cínico de los adultos que los rodean: Terry Schaffer (Wes Bentley), Liz Schaffer (Evan Rachel Wood) y Steven Reinhardt (Jordan Roth).

Desde sus primeros minutos, Fragmentos, de FX, deja en claro que la música tendrá un papel fundamental en la construcción de su universo. Let’s Go All The Way, el recordado éxito que llevó al dúo de new wave Sly Fox a los rankings en los años 80, acompaña el tráiler de la serie en un remix que funciona como mucho más que una elección estética.

En el universo de Ryan Murphy, las canciones también cuentan historias: ayudan a definir una época, construir una atmósfera y, sobre todo, conectar a los personajes con el mundo que los rodea. Una fórmula que el productor ejecutivo convirtió en una de las señas de identidad de sus grandes éxitos.

En 2009, Glee sorprendió al público con una historia centrada en un particular club de canto de una escuela secundaria. Desde su estreno, la serie siguió las aventuras y desventuras de un grupo de personajes carismáticos, moviéndose con naturalidad entre la comedia más aguda y el drama, mientras abordaba distintas problemáticas sociales. Pero fue al final de su primer episodio cuando Glee dejó en claro que la música sería mucho más que un elemento secundario: sus protagonistas interpretaron una versión de Don’t Stop Believin’, de Journey, en una escena que se convertiría en uno de los momentos más recordados de la serie.

A partir de ese momento, la serie se convirtió en un verdadero fenómeno, cosechando el reconocimiento de la crítica y numerosos premios, entre ellos los Emmy® y los Golden Globes®, pero, sobre todo, conquistando al público.

Glee trascendió la pantalla y dio lugar a giras, álbumes, DVD e incluso videojuegos, convirtiéndose en una presencia imposible de ignorar. Su gran acierto fue transformar canciones de distintas épocas, tanto clásicas como contemporáneas, en el motor de una historia que conectó con toda una generación.

La combinación de drama y música convirtió a Glee en una expresión de una de las grandes pasiones de Ryan Murphy: su fascinación por la cultura pop y por aquellas canciones y fenómenos que forman parte del imaginario colectivo.

En la serie, esa mirada se tradujo en una manera particular de utilizar la música popular como recurso narrativo, capaz de acompañar a los personajes, definir momentos clave y conectar la historia con el público.

El interés de Murphy por explorar nuevas formas de integrar la música en sus producciones lo llevó a trasladar esta fórmula a su siguiente gran éxito, una propuesta radicalmente diferente de Glee a American Horror Story, de FX.

Estrenada en 2011, American Horror Story, de FX, es una serie antológica que redefinió el género a través de temporadas independientes que exploraron escenarios tan inquietantes como una casa marcada por los asesinatos, un aquelarre de brujas, un circo de fenómenos, un hotel embrujado o un mundo al borde del apocalipsis.

Sin embargo, hay un elemento que se mantiene constante a lo largo de sus distintas entregas: el papel central de la música. Lejos de funcionar únicamente como acompañamiento, las composiciones y canciones elegidas contribuyen a construir la atmósfera, marcar el tono y reforzar el universo de cada historia, hasta convertirse, en muchos momentos, en un personaje más dentro de la serie.

Esta mirada también consolidó la colaboración de Ryan Murphy con el compositor Mac Quayle, quien se incorporó a la serie en su cuarta temporada y se convirtió desde entonces en uno de sus principales colaboradores musicales.

Con la música como uno de los elementos fundamentales de las producciones de Ryan Murphy, no sorprende que Fragmentos, de FX, también cuente con un equipo musical de primer nivel. La serie incorpora canciones originales compuestas por la estrella del pop y artista nominado al Grammy® Troye Sivan, junto al cantante y compositor Leland, nominado al Golden Globe®.

A este dúo se suma Hayes Warner, una joven artista pop en ascenso que, además de aportar música original a la serie, hará su debut como actriz interpretando a Debbie Schaffer, la novia de Bret.

La incorporación de figuras de la música a sus producciones es, de hecho, otra de las marcas distintivas del universo de Ryan Murphy. La fórmula puede rastrearse desde la participación especial de Demi Lovato en Glee y la incorporación de Ariana Grande a Scream Queens, hasta el extenso desfile de artistas que pasaron por American Horror Story, de FX, entre ellos Patti LaBelle, Adam Levine y Lady Gaga.

Por eso, no debería sorprender que, en medio de alguno de los momentos más impactantes, inquietantes o provocadores de Fragmentos, de FX, una canción del pasado o un éxito actual termine resonando en la cabeza de los espectadores.

Después de todo, a lo largo de su carrera, Ryan Murphy convirtió la música en mucho más que un acompañamiento: en una pieza fundamental de su manera de contar historias y, sin dudas, en uno de los ingredientes de la fórmula que lo convirtió en uno de los productores más reconocidos de la televisión.

Los primeros cinco episodios de nueva serie de FX, Fragmentos, ya están disponibles exclusivamente en Disney+, con estreno de nuevos episodios cada jueves a las 12 a. m.

Los controles parentales de Disney+ garantizan que la plataforma sea una experiencia de streaming adecuada para todos los miembros de la familia. Los suscriptores pueden crear perfiles protegidos por un PIN y establecer, para determinados perfiles, límites de acceso basados en la clasificación del contenido.

Sobre DISNEY+ en América Latina

En América Latina, Disney+ es el servicio de streaming que brinda acceso a la más amplia propuesta en streaming con entretenimiento para todas las edades, incluyendo películas, series, eventos en vivo y otros contenidos de Disney, Pixar, Marvel, Star Wars, National Geographic, ESPN y Hulu. 

Ofrece una colección de contenidos originales exclusivos, entre los que se incluyen largometrajes, documentales, series de acción real y de animación, y cortometrajes, así como también la transmisión en vivo de eventos culturales, y deportivos de la mano de ESPN, la marca de deportes más respetada en la región. 

Para más información, visite disneyplus.com, o encuentre la aplicación Disney+ en la mayoría de los dispositivos móviles y de TV conectada.

Masterclass de Gustavo Santaolalla en teatro CA660 “La música como identidad y puente cultural”

 El destacado músico, compositor y productor argentino Gustavo Santaolalla dictó una Masterclass exclusiva en Fundación CorpArtes, titulada: “La música como identidad y puente cultural”, en torno a sus procesos creativos.

 La clase magistral se realizó el sábado 22 de agosto a las 19:00 horas, en el Teatro CA 660 y contó con Alfredo Lewin, como moderador.

En el marco de la gira “Ronroco Tour” Gustavo Santaolalla impartirá en exclusiva la clase magistral "La música como identidad y puente cultural". En esta Masterclass íntima, el artista desarma su proceso creativo: cómo la identidad latinoamericana se ha convertido en un lenguaje universal y cómo transformó el ronroco, instrumento musical de cuerda pulsada, perteneciente a la familia de los charangos, originario de Bolivia, en el sonido de una generación, a través de The Last of Us.

Esta actividad dirigida a músicos, estudiantes, profesionales del arte, gamer, geek, fanáticos de la serie y videojuego The Last of Us y público en general interesado en la música y la creatividad.

La experiencia promete ser una invitación imperdible, enriquecedora y motivadora; brindando una oportunidad única de aprender y profundizar en el arte de la composición y producción musical, y entender el proceso creativo de uno de los artistas más influyentes e importantes de la música contemporánea.

Además, de escuchar anécdotas de su carrera que abarca décadas de éxito y colaboración con artistas de renombre.

Con una destacada carrera internacional, Santaolalla ha sido reconocido con 17 Latin Grammys, 2 premios Grammy, 2 BAFTA, 1 Golden Globe y 2 premios Oscar consecutivos por su trabajo en cine.

Es autor de icónicas bandas sonoras como The Last of Us, y una figura clave en la producción de artistas y proyectos fundamentales de la música latinoamericana, como Los Prisioneros y ha sido una figura influyente en la música latinoamericana y mundial.

“Tener en nuestra cartelera a Gustavo Santaolalla, uno de los músicos argentinos más influyentes de la escena musical contemporánea; con una trayectoria inigualable, ganador de 2 premios Óscar; que imparta una Masterclass íntima y que nos comparta sus procesos creativos, para nosotros es un tremendo honor”, señala José Tomás Palma, director ejecutivo de Fundación CorpArtes.

Además de la Masterclass, el artista argentino en su gira “Ronroco Tour” contempló una presentación el domingo el 23 de agosto en el Teatro Municipal de Santiago.

De lo figurativo a la abstracción: exposición recorre las transformaciones de Kandinsky a 160 años de su nacimiento

 

Quince reproducciones autorizadas por la Galería Estatal Tretyakov permiten recorrer diferentes períodos del artista ruso y observar la transformación de su lenguaje pictórico, marcado por una particular utilización del color y una estrecha relación con la música y la espiritualidad.

¿Qué ocurre cuando una pintura deja de intentar representar aquello que vemos y comienza a buscar una forma de expresar aquello que sentimos?

Hace más de un siglo, Wassily Kandinsky fue uno de los artistas que llevó esa pregunta hasta sus últimas consecuencias. Considerado una figura fundamental en el surgimiento del arte abstracto, abandonó progresivamente la representación tradicional de los objetos para convertir el color, las líneas y las formas en protagonistas de sus composiciones.

A 160 años de su nacimiento, su trayectoria vuelve a ser el centro de “160 años de Kandinsky: El Padre de la Abstracción”, exposición presentada por la Dirección de Extensión Cultural de la Universidad Andrés Bello, en conjunto con la Embajada de Rusia en Chile y la Galería Estatal Tretyakov de Rusia.

La muestra reúne 15 reproducciones de pinturas de Kandinsky autorizadas por la Galería Tretyakov, selección que permite aproximarse a diferentes períodos de su trayectoria y observar las transformaciones que experimentó su lenguaje artístico.

“Para Extensión Cultural de la Universidad Andrés Bello es un honor y una gran oportunidad realizar esta exposición de Kandinsky, con 15 reproducciones de sus pinturas autorizadas por la Galería Tretyakov de Rusia. Hemos querido conmemorar los 160 años del nacimiento de este gran pintor, padre de la abstracción, quien utilizó de una manera única y particular el color en sus obras, además de establecer una importante relación con la música y expresar un profundo sentido espiritual a través de su arte”, señala Felipe Karadima, director de Extensión Cultural de la Universidad Andrés Bello.

Cuando pintar dejó de significar representar

La importancia de Kandinsky en la historia del arte está estrechamente vinculada con su progresivo alejamiento de la tradición figurativa.

De origen ruso y posteriormente nacionalizado alemán y francés, desarrolló una mirada en la que el valor de una obra no dependía necesariamente de reproducir objetos reconocibles o imitar la naturaleza. En cambio, otorgó autonomía al color y a las formas como herramientas capaces de transmitir emociones e ideas.

Su camino hacia el arte tampoco fue convencional. Kandinsky estudió inicialmente derecho y economía mientras se formaba paralelamente en dibujo y pintura. A los 30 años decidió abandonar su carrera anterior para dedicarse al arte y trasladarse a Múnich para continuar su formación.

Las expresiones del arte popular ruso y su interés por diferentes tradiciones culturales también influyeron en la construcción de un lenguaje visual que terminaría contribuyendo a una de las grandes transformaciones del arte moderno: la posibilidad de que una pintura pudiera prescindir de la representación reconocible del mundo y construir significado mediante sus propios elementos visuales.

Quince reproducciones para recorrer sus transformaciones 

Precisamente esa evolución constituye uno de los ejes de la exposición.

Las reproducciones seleccionadas permiten observar diferentes momentos de la producción de Kandinsky y reconocer los cambios que experimentaron sus composiciones, desde obras todavía vinculadas a elementos reconocibles hasta el lenguaje abstracto por el que terminaría siendo conocido.

Para Karadima, esta posibilidad de comparar diferentes períodos es uno de los principales atractivos de la muestra.

“Lo especial de esta exposición es que, a través de las 15 reproducciones, podemos recorrer distintos períodos de Kandinsky. Es sorprendente observar las grandes diferencias entre ellos y descubrir la evolución y los profundos cambios que experimentó su estilo a lo largo de su trayectoria”.

El recorrido permite así aproximarse no solo a algunas de las características más reconocibles de su producción, sino también comprender que la abstracción de Kandinsky fue el resultado de una búsqueda y una transformación desarrolladas a lo largo del tiempo.

Color, música y espiritualidad

Uno de los elementos centrales de esa búsqueda fue su concepción del color. Para Kandinsky, los colores no constituían simplemente una característica estética de la pintura, sino que podían provocar emociones y establecer relaciones que trascendían la representación de objetos concretos.

Esta concepción estuvo estrechamente relacionada con su interés por la música. Kandinsky exploró las posibilidades de construir una pintura capaz de funcionar de manera semejante a una composición musical: sin necesidad de representar un objeto reconocible para provocar una experiencia emocional en quien la observa. 

A ello se sumó una dimensión espiritual que atravesó buena parte de su pensamiento artístico y que desarrolló también en sus escritos teóricos.

La exposición permite aproximarse a estas distintas dimensiones de su trabajo y descubrir cómo color, formas, música y espiritualidad confluyeron en la construcción de un lenguaje que tendría una profunda influencia en el desarrollo posterior del arte moderno.

Una invitación a acercarse a la abstracción

A través de este recorrido, la muestra busca acercar al público al legado de Kandinsky y entregar herramientas para comprender las transformaciones que experimentó su pintura.

Las reproducciones permiten poner en diálogo diferentes momentos de su trayectoria y observar cómo aquello que podría parecer una ruptura radical —el abandono de la representación figurativa— fue en realidad parte de un proceso artístico desarrollado durante años.

“160 años de Kandinsky: El Padre de la Abstracción” se presenta en el Campus Casona de Las Condes de la Universidad Andrés Bello, ubicado en Fernández Concha 700, Las Condes. La exposición puede visitarse de lunes a viernes, entre las 09:00 y las 18:00 horas, y los sábados, entre las 09:00 y las 13:00 horas. Los domingos permanece cerrada y la entrada es gratuita.

La Orquesta Sinfónica Nacional de Chile trae los sonidos de “West side Story” de Bernstein y el Concierto de piano de Gershwin

 “Americana 250” es el título del concierto que la Sinfónica Nacional de Chile presentará el viernes 28 y sábado 29 de agosto a las 19:30 horas en la Gran Sala Sinfónica Nacional.

El programa –que cuenta con el apoyo de la Embajada de Estados Unidos– tendrá en la dirección al maestro australiano Vladimir Fanshil y contará con la participación del destacado pianista estadounidense Norman Krieger, en lo que será el debut de ambos artistas junto a esta orquesta.

Director asociado de la Sinfónica Nacional de la Radio Polaca, Fanshil se ha presentado recientemente junto a agrupaciones como la Filarmónica de Berlín, la Konzerthaus Orchester Berlin y la Orquesta del Festival de Budapest. Ha sido descrito por la reconocida directora Marin Alsop como un músico "profundamente inteligente, apasionadamente comprometido y capaz de inspirar confianza y energía".

El concierto que dirigirá será iniciado con los Preludios dramáticos, op. 23, del compositor y abogado chileno Domingo Santa Cruz, una de las figuras fundamentales en el proceso de institucionalización de la música como disciplina académica en la Universidad de Chile. Compuesta en 1946, la pieza refleja la influencia de autores como Claude Debussy y Richard Wagner en su formación.

Tras la obra de Santa Cruz, la orquesta dará vida a una de las piezas más emblemáticas y populares del repertorio sinfónico estadounidense del siglo XX: las Danzas sinfónicas de "West Side Story", de Leonard Bernstein.  Basada en el célebre musical estrenado en 1957, la obra combina la energía urbana de Nueva York con los ritmos latinos presentes en los barrios donde transcurre la historia, como el Mambo y Chachachá.

El programa cierra con el Concierto para piano y orquesta en fa mayor, de George Gershwin, compuesto en el verano de 1925 por encargo del director Walter Damrosch y la New York Symphony Orchestra. Heredero del espíritu de la afamada Rhapsody in Blue, la obra es una de las principales expresiones de la fusión entre el jazz estadounidense y la tradición sinfónica europea.

La interpretación de este último contará también con el debut del pianista Norman Krieger, cuya carrera ha estado marcada por colaboraciones con directores como Zubin Mehta, Michael Tilson Thomas y Leonard Slatkin.

Reconocido por su técnica y musicalidad, ha sido descrito por el periódico The Angeles Times como un pianista que "posee una técnica excepcional" y "se comunica con urgencia, pero con un control estricto". 

Formado en la prestigiosa Juilliard School junto a Adele Marcus y posteriormente con Alfred Brendel en Londres, Krieger es también director artístico del Festival de Música Prince Albert en Hawái y profesor en la Escuela de Música Jacobs de la Universidad de Indiana.

Tras culminar agosto, la temporada de la Sinfónica Nacional continuará el viernes 4 de septiembre con el tradicional cierre del Festival de Música Contemporánea, organizado por la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. 

Luego de ello, el sábado 12 de septiembre marcará un hito al presentar un concierto especial con el regreso del maestro Ari Rasilainen, en su primera presentación como director titular nombrado de la Sinfónica Nacional de Chile, con un programa que incluye obras de Borodin, Rautavaara y Elgar.

Las entradas para todas las actividades del CEAC se encuentran disponibles a través de www.ceacuchile.ticketplus.cl, además de las boleterías de la Gran Sala Sinfónica Nacional y del Teatro Universidad de Chile, con valores desde los $5.000 y descuentos para estudiantes, personas mayores, funcionarios de la Universidad de Chile, socios Coopeuch, Vecino Providencia y Patrimonio Cultural.

Un viaje escénico por las capas de la Tierra, el cuerpo y la memoria.

¿Qué ocurre realmente cuando la tierra tiembla? ¿Qué se mueve: el suelo que habitamos, nuestros cuerpos o también nuestros recuerdos? “Sismo” propone un viaje hacia las profundidades del planeta y, al mismo tiempo, hacia aquellas capas íntimas de nuestra memoria que se activan frente a un fenómeno tan presente.

La propuesta es una creación multidisciplinar del Colectivo Artístico Circo Virtual en coproducción con GAM que explora los movimientos telúricos desde una mirada material, filosófica y lúdica a través del circo contemporáneo. 

Cuerpo, sonido, luz y tecnología se entrelazan para construir una experiencia escénica y sensorial que invita a reflexionar sobre nuestra relación con la tierra y con nosotros mismos.

En escena, un expedicionista emprende la búsqueda por comprender los sismos y las distintas capas que componen la Tierra. En su recorrido se encuentra con un paisaje que lo transforma y lo lleva a cuestionar dónde ocurre verdaderamente el movimiento: ¿afuera o dentro del cuerpo? ¿En el presente o en la memoria?

A través del malabarismo con pelotas, el protagonista traza en el aire las ondas invisibles de la energía terrestre, generando un diálogo entre cuerpo y espacio. Cada rebote se encuentra con la música de una batería en vivo y los juegos de luces, dando forma a una atmósfera tecnológica y sensorial que parece surgir de un particular laboratorio científico.

“Es un viaje metafórico y filosófico para entretenernos y pensar sobre nuestra vibración. Nos interesa que sea una obra transversal, que pueda ser disfrutada por distintas generaciones”, adelanta Juan Pablo Corvalán, dramaturgo, director e intérprete de esta aventura.

Mediante la manipulación de objetos, el teatro, el movimiento, la música y la iluminación, “Sismo” convierte un suceso natural que muchas veces provoca temor en una experiencia de conexión, descubrimiento y belleza.

“Pensar cómo habitamos nuestro planeta, de dónde venimos y por qué somos como somos es fundamental. En este sentido, Sismo también es una forma de preguntarnos por nuestras capas y las diversas cosas que nos hacen vibrar”, explica Corvalán.

28 Ago al 6 Sep
Ju y Vi— 19 h. Sá y Do— 17 h. Entradas en gam.cl

Presentación de Esperé, un relato poético sobre la espera

 “Encontré ahí, entre la nada y el polvo, una varita mágica, una larga vara en cuya cumbre flotaba un copo de sol. Quise pedirle un deseo, pero ella era todavía muy joven. Aún debía aprender a hacer magia. Esperé.

Un relato poético sobre la espera, la magia y el lento paso de las estaciones, ilustrado mediante bordados sobre telas teñidas con tintes naturales. 

Acerca de esta paciente y delicada espera se trata el libro más reciente de la escritora e ilustradora radicada en Algarrobo, María Jesús Gallastegui, publicado por Ediciones Mis Raíces que cuenta con sutiles bordados de su autoría. 

El proyecto fue financiado por el Fondo del Libro y la Lectura, Convocatoria 2026. 

Sobre la autora: 

María Jesús Gallastegui es licenciada en Historia y profesora, profesión que ha complementado con estudios en literatura e historia del arte. Participa permanentemente en el taller de creación literaria de Cecilia Beauchat y es diplomada en edición de LIJ. 

Bordadora, creadora en textil y de libros para la infancia, todos escritos en clave poética e ilustrados mediante bordado y distintas técnicas textiles. 

Está convencida de que la infancia necesita más poesía, tanto como el mundo necesita más belleza. Es la autora e ilustradora de "Licancabur y Quimal" y "Esperé" de Ediciones Mis Raíces.

El nuevo libro de la escritora e ilustradora María Jesús Gallastegui fue lanzado el sábado 22 de agosto a las 12:00 horas en el Centro Cultural de Casablanca ubicado Av. Portales 2, Casablanca, región de Valparaíso.

“Esperé” está disponible en librerías de todo Chile y en www.misraices.cl

GAM celebra septiembre con clásicos teatrales chilenos.

“La pérgola de las flores”

 En el marco de las fiestas patrias, GAM presenta "Puro Chile, pura cultura", un ciclo de teatro chileno con tres montajes que van desde importantes clásicos que siguen vigentes, hasta grandes puestas en escena.

Vuelve “La pérgola de las flores” (28 Ago al 13 Sep), la aclamada versión de Héctor Noguera -quien integró el elenco original en 1960- con más de 30 intérpretes que llevan a escena el texto original de Isidora Aguirre y música de Francisco Flores del Campo. 

La obra está situada a fines de los años 20, donde la pérgola de San Francisco está en peligro por los planes de urbanización que amenazan con su expulsión. Las pergoleras, junto a estudiantes, obreros, periodistas y artistas, se oponen a la medida que es defendida por el alcalde y la elite santiaguina. Y por supuesto en medio de ese conflicto está Carmela de San Rosendo, interpretada en esta ocasión por Bernardita Nassar.

Esta producción GAM es un clásico que sigue vigente hoy en día, retratando el choque entre los intereses de los trabajadores con la clase alta y de personajes populares en contra de los vicios de la clase política.

“Tres Marías y una Rosa”

Otro montaje emblemático que llegará en septiembre será “Tres Marías y una Rosa” (3 al 13 Sep). 

Estrenada en 1979, en uno de los momentos más complejos de la dictadura militar, la obra se convirtió en un fenómeno de público -con más de tres años en cartelera- y recorrió América y Europa. 

Hoy, este clásico fundamental regresa bajo la dirección de Loreto Valenzuela, quien integró el elenco original y ahora lidera una nueva versión que busca conectar esa memoria viva con las audiencias actuales.

Inspirada en hechos reales, nos sitúa en un taller de arpilleras en una población marginal, donde cuatro mujeres luchan por el sustento de sus familias frente a la cesantía y la ausencia de sus compañeros. A través de la confección de estas telas que denuncian la opresión y la crisis, las protagonistas encuentran no solo una forma de sobrevivir, sino un espacio de resistencia y sororidad.

Con las actuaciones de Malucha Pinto, Carolina Paulsen, Luciana Ibáñez y Constanza Mora, el montaje mezcla dramatismo y humor popular, retratando la dignidad humana en medio de un entorno tenso, donde la risa y el llanto se entrelazan para enfrentar la adversidad.

La cartelera finalizará con “Chiloé, cielos cubiertos” (24 Sep al 4 Oct), en versión de La Dramática Nacional, dirigida por Carolina Araya, Nelda Muray y Carola Rebolledo. 

Chiloé, cielos cubiertos”

Con una puesta en escena monumental, que mezcla realismo crudo con la magia de los mitos, el montaje narra la vida de los chilotes de Curaco de Vélez en los años 70.

La historia presenta a un grupo de mujeres que enfrentan la soledad de un invierno eterno, mientras sus hombres parten hacia la Patagonia en busca de un sustento. 

En este rincón del mundo, los vivos, las ánimas y los seres mitológicos conviven y se cuestionan, bajo un cielo gris, cuál es su verdadero propósito en la vida.

Con 22 actores en escena, música en vivo y danzas tradicionales, la experiencia trasciende el teatro convencional para convertirse en una verdadera fiesta del patrimonio cultural.

Videojuegos chilenos participarán en la mayor feria de la industria en Europa

 Nueve empresas chilenas desarrolladoras de videojuegos estarán presentes en la versión 2026 de Gamescom Alemania, en la ciudad de Colonia, la mayor feria de esta industria en Europa y una de las más relevantes a nivel mundial. 

La instancia reúne anualmente a más de 350 mil visitantes, más de 1.500 expositores y representantes de más de 120 países, consolidándose como uno de los principales puntos de encuentro para desarrolladores, publishers, inversionistas, distribuidores, medios especializados y entusiastas de los videojuegos. 

Chile tendrá un stand articulado por ProChile, en que participarán tres empresas:  TimeHunters, AONE Games y PlayMe Studios, las que buscarán fortalecer su posicionamiento internacional, generar nuevos vínculos comerciales y explorar oportunidades de negocios con actores clave de la industria.

 También asistirán a la feria los estudios chilenos BCS Studios, DeadlyCrow Games, Niebla Games, GAMALYTIX, Bekho Team y Red Eclipse Testing, reforzando la presencia del ecosistema nacional en uno de los principales escenarios internacionales para la industria. 

"Esta es una de las ferias más relevantes para el mundo de los videojuegos”, sostuvo el agregado comercial de ProChile en Alemania, Germán Vergara. Explicó que “ofrece a las empresas chilenas instancias de reunión B2B, que son clave para hacer negocios y encontrar inversión para el desarrollo de sus proyectos.

Estar aquí aporta diversificación a la canasta exportadora de Chile y nos da una vitrina para mostrar lo que puede hacer nuestro país a nivel internacional. Estas exportaciones de propiedad intelectual traen muchos beneficios para el país". 

La participación chilena en Gamescom Alemania 2026 forma parte de los esfuerzos por impulsar la internacionalización de la industria nacional de videojuegos, un sector que ha fortalecido sostenidamente su presencia en mercados globales y que hoy constituye una expresión relevante de la economía creativa y de las exportaciones de servicios basados en conocimiento. 

En 2025, las exportaciones de servicios relacionados a los videojuegos sumaron US$ 9,5 millones, 20,9% más que en 2024. Este año, hasta julio, el sector había exportado más de US$ 6,9 millones, un alza de 30,3% respecto del mismo período de 2025.