Territorio, arte y ciencia marcan el primer módulo presencial de Microcuradurías

Durante julio, entre saberes ancestrales, observación astronómica y exploración de los ecosistemas del río Loa, estudiantes del diplomado Microcuradurías participaron en el primer módulo presencial del programa, desarrollado en Chiu Chiu, oasis ubicado en el corazón del desierto de Atacama.

La experiencia reunió diversas disciplinas vinculadas al territorio, permitiendo a los participantes profundizar en la relación entre arte, naturaleza, patrimonio, ciencia y cultura, a través de actividades de exploración y experimentación.

La semana comenzó con una aproximación al cielo, las cosmovisiones y la astronomía occidental, guiada por la profesora de historia y geografía Silvia Lisoni, quien administra el observatorio Paniri Caur. La instancia invitó a reflexionar sobre las distintas formas en que las sociedades han interpretado el universo a lo largo del tiempo.

Al día siguiente, la jornada se inició con el taller de alfarería La tierra. De lo impuro, impartido por la cultora indígena Lickanantai y educadora tradicional de Toconce, Cecilia Mendoza, quien compartió conocimientos ancestrales y enseñó técnicas de modelado manual en greda. “Ha sido una experiencia de volver a reencantarme con la niñez y poder explorar la creatividad. 

A veces uno se coarta de darse un tiempo propio y esta actividad genera paz. Además, creó instancias comunitarias que me permitieron conocer más al grupo y darme cuenta de que yo también puedo generar una pieza que tenga valor intrínseco”, comentó Eduardo Araneda, estudiante del diplomado.

Posteriormente, junto a Silvia Lisoni, el grupo recorrió el casco histórico patrimonial de Chiu Chiu, visitando sus calles y la Iglesia San Francisco, considerada el templo religioso más antiguo de Chile, símbolo de la historia y los procesos culturales que han marcado a la localidad a lo largo de los años.

La jornada culminó con Ecosistemas de resistencia: explorando el río Loa, que por primera vez se sumó a las asignaturas del diplomado. El curso fue liderado por Gladys Hayashida, investigadora, divulgadora y directora de Ciencia, Tecnología y Sociedad (C-TyS) de la Universidad de Antofagasta, junto a la bióloga marina Nataly Lobos Parra, especialista en ecosistemas acuáticos del norte de Chile.

A través de una mirada microbiológica del territorio, ambas académicas introdujeron a los estudiantes en las dinámicas de resiliencia presentes en el principal río del desierto más árido del mundo.

“Considero que esta instancia, donde existe un contenido científico que permite inspirar a artistas, es algo sumamente valioso. Desde la comunicación pública de las ciencias, poder vivir y percibir cómo se desarrolla un proceso artístico gatillado por contenidos científicos resulta una experiencia muy significativa”, expresó Hayashida.

En el transcurso de la semana, los estudiantes continuaron desarrollando sus piezas de alfarería y profundizando en la exploración del río Loa. Mediante caminatas, ejercicios de observación profunda y experiencias sensoriales, fueron invitados a escuchar, observar y conectar con su entorno, mientras conocían la biodiversidad del ecosistema desde escalas macro hasta microscópicas.

Para Nataly, la experiencia permitió entablar una nueva visión para estudiar ciencia. “Me pareció muy interesante este cruce entre ciencia y arte. Cuando uno investiga, el río pasa a ser un objeto de estudio y la mirada suele ser netamente empírica. Me impactó descubrir cómo desde el arte puede observarse de otra manera. Pude conectar conmigo misma y eso abrió una nueva perspectiva sobre cómo abordar la ciencia de aquí en adelante”, señaló.

Los cielos que brinda el desierto promueven una amplia contemplación al cosmos, es por ello que el astrofísico José Ricra, compartió una aproximación a las cosmovisiones del altiplano desde la astronomía, reflexionando sobre las múltiples formas de interpretar la inmensidad del universo. 

Durante los últimos días del viaje se realizó la tradicional quema de cerámica, técnica ancestral que permitió solidificar las piezas elaboradas durante el taller de alfarería. 

Asimismo, los alumnos presentaron una muestra final de trabajos desarrollados en la asignatura Ecosistemas de resistencia: explorando el río Loa, dando cuenta de los aprendizajes y reflexiones surgidos durante la semana.

De esta manera, en medio del desierto de Atacama y a orillas del río Loa, los estudiantes de Microcuradurías III vivieron una intensa experiencia de inmersión territorial donde astronomía, cosmovisión andina, alfarería, microbiología y patrimonio se entrelazaron para ampliar las formas de comprender, habitar y relacionarse con el paisaje del norte del país. Ya en octubre, se encontrarán nuevamente en la presencialidad en el segundo módulo que contempla la presentación de su trabajo final y posterior certificación.

La búsqueda de Azucena Germán por preservar lo efímero

 Conversamos con Azucena Germán (México), artista e investigadora que durante agosto realizó su residencia en el Instituto Superior Latinoamericano de Arte (ISLA), bajo la línea de Microbiología y Estudio de ecosistemas locales. La artista, proveniente del estado de Querétaro, en el marco de su proyecto estuvo indagando y experimentando con la liofilización, un método de deshidratación provocado por las bajas temperaturas, que realizó con hojas y flores del norte de Chile.

¿Cómo nace la idea de profundizar en el proceso de la liofilización?

Al principio empiezas en la búsqueda de tu propia identidad, de lo que quieres proponer y de lo que quieres decir. Como artista llevo 20 años de carrera. Empecé con pintura, luego, cuando egresé de la universidad, me acerqué al land art, arte de la Tierra.

Pero surgió la necesidad de conservar el material y de querer participar de convocatorias en las que piden que sean piezas no perecederas, a diferencia del land art, que es más bien efímero.

¿Allí fue donde analizaste cómo conservar una obra?

Sí, comencé a investigar sobre la liofilización, un proceso de secado o deshidratación que utiliza la sublimación. Este método consiste en congelar los elementos y someterlos a bajas presiones, generando un vacío que permite que el agua pase directamente del estado sólido al gaseoso, sin atravesar la fase líquida. Gracias a ello, se evita la oxidación y los materiales conservan sus características originales.

De esta manera, los elementos no se marchitan, sino que mantienen su color, forma e incluso gran parte de sus nutrientes. Esto es clave para la gente de ciencias o de la farmacéutica, que generalmente tratan de conservar los nutrientes.

Y el tema de la bioescultura, ¿por qué querer trabajar con materiales que son dados por la naturaleza?

En realidad, todos los materiales, elementos con los que convivimos y necesitamos nos los da la naturaleza, solo que algunos están mucho más procesados.

Mi trabajo se centra en materiales que se encuentran en un estado más cercano a su origen, casi lo que yo llamaría un estado “crudo”, pero incluso la misma pintura o pigmentos son dados por materiales como plantas, minerales o de origen animal. Por ejemplo la cochinilla, que es un gusanito mexicano, da un color rojo muy especial.

¿Cuéntanos de tu residencia en ISLA?

Estoy enamorada de Antofagasta, me gusta muchísimo. Tiene muchos recursos, tiene mucha variedad, incluso en ecosistemas. Creemos que es un desierto seco que no tiene nada, pero no. Tiene gran variedad de flora, es impresionante. En San Pedro vi cómo a medida que vas avanzando, subiendo o bajando de altura, el paisaje va cambiando constantemente. Encuentras lagunas, salares, quebradas, humedales, estepa, con diferentes tipos de animales. También aquí en Antofagasta, en la zona costera, con toda su variedad de peces. Me siento muy agradecida. 

¿Cómo se desarrolló el proyecto durante tu viaje a San Pedro de Atacama?

En la propuesta que envié aquí a SACO inicialmente mencionaba que quería trabajar con flora endémica, pero al indagar sobre cada una de las que me interesaban, vi que muchas están en riesgo y protegidas. Así que opté por la opción opuesta: utilizar un tipo de planta que fuera muy comercial y que no tuviera problemas con esto. Entonces quise trabajar con las plantas violas. 

Fui directamente a uno de los viveros de la ciudad y ahí empecé a ver opciones. Las que elegí tienen un pétalo muy delgado, lo cual ayudaba al proceso porque no contienen tanta agua, y también son muy coloridas así que podría saber qué sucede con su color. 

¿Cómo trasladaste las flores? 

Compré las plantas completas y llevé conmigo varias opciones de distintos colores durante el viaje. Mi intención inicial era trabajar en San Pedro de Atacama; sin embargo, me trasladé al pueblo de Machuca, que reúne las características necesarias para este tipo de experimentación. Estas condiciones suelen darse a partir de los 3.500 metros sobre el nivel del mar, y Machuca se encuentra aproximadamente a 4.000 metros de altitud.

Allí realicé una primera prueba. No fue directamente en el pueblo, sino en una zona de la denominada estepa altoandina, donde procuré alcanzar los 3.500 metros de altura requeridos para observar el comportamiento del material.

¿Cómo fue el procedimiento?

Lo hice de dos formas. En una coloqué las flores en una gasa húmeda para que no perdiera elasticidad y en otras directamente sobre agua para que se hiciera hielo. Las dejé durante 12 horas, pasando la noche. 

La prueba que estaba en gasa quedó completamente seca, se sentía en el pétalo y el color se veía casi intacto, como si estuviera viva. Las flores que estaban en el agua, se congelaron durante la madrugada, pero ya con luz de día y el pasar de las horas, se volvió nuevamente líquida. Esto me hizo pensar y querer intentarlo directamente en Machuca (a 4000 metros de altura), al ver que la prueba anterior sí me dió resultado, quise intentarlo a más altura. 

Así que coloqué una serie de diferentes flores de colores sobre una bandeja, pero cubiertas solo con gasa seca, ya que lo que buscaba era quitar el agua de mi objeto de estudio, y así, con la propia humedad interna que mantiene la flor, esperé a que se congelara. Las fui a vigilar durante la noche y al tocarlas, las sentí congeladas, esto debido a que la estábamos a menos 6 grados, también las dejé la misma cantidad de horas pero no dió el mismo resultado que el primer día por la humedad ambiental. 

La artista realizó este experimento en dos ocasiones. Sin embargo, en el segundo intento no obtuvo los resultados esperados, ya que las condiciones climáticas habían cambiado producto de las fuertes precipitaciones de agosto en el norte de Chile. 

A pesar de este contratiempo, finalmente, logró llevar a cabo dos procedimientos de liofilización de manera natural.  Los últimos días de su residencia, y gracias a la colaboración del académico de la Universidad de Antofagasta, Juan Morales, quien trabaja en un laboratorio equipado con tecnología especializada para la liofilización, pudo replicar el procedimiento en condiciones controladas. Esto le permitió contrastar los resultados de liofilización obtenidos mediante el método natural en el desierto, con aquellos alcanzados a través de un proceso científico, estableciendo una valiosa comparación entre ambas experiencias.

Así culmina la residencia de Azucena Germán, a quien le deseamos el mayor de los éxitos en el futuro. Esperamos que este acercamiento científico en Antofagasta y el desierto de Atacama, siga ampliando resultados a mediano y largo plazo en su práctica artística. 

Agradecemos especialmente a Gladys Hayashida y al equipo C-TyS UA; Elías Ramírez del Jardín Botánico de Antofagasta; Juan Morales, investigador Microalgas y Compuestos Bioactivos en Universidad de Antofagasta; María José Larrazabal, directora depto. de cs. de los alimentos y nutrición de la Universidad de Antofagasta; y todos quienes colaboraron para llevar a cabo su residencia. 

Escultura, pintura y elementos digitales se suman a MATERIA, el encuentro juvenil de artes visuales de la región

 Quedan las últimas semanas para postular a MATERIA, Encuentro Juvenil de Artes Visuales, iniciativa que reunirá el talento de estudiantes de enseñanza media de la región de Antofagasta a través de ejercicios creativos que serán exhibidos durante el mes de octubre.

En el marco de la convocatoria, conversamos con tres jóvenes representantes de las comunas de Antofagasta, Calama y Tocopilla, quienes ya enviaron sus propuestas y compartieron las motivaciones, reflexiones y procesos que dieron origen a sus proyectos.

Desde Antofagasta, Marivid S. Espinoza, estudiante del Liceo Bicentenario Marta Narea Díaz, decidió participar porque entiende el arte como una herramienta para expresar emociones e ideas que muchas veces resultan difíciles de comunicar con palabras.

“Cuando dejo fluir ese lado me permito sentir de una manera no convencional, sin la presión de tener que dar explicaciones. Lo más lindo de permitirte ser es crear sin preocuparte, sin reprimirte y sin dejar que se nuble tu criterio”, comentó, valorando especialmente los espacios destinados a que las nuevas generaciones desarrollen su creatividad.

Para la realización de su trabajo utilizó una técnica digital basada en la superposición de capas, incorporando colores, texturas y detalles que enriquecen la composición. A través de esta pieza busca reflexionar sobre cómo las personas suelen permanecer inmersas en sus propias realidades, sin alcanzar a percibir todo aquello que ocurre más allá de su entorno inmediato.

Desde Calama, Vicente Otárola, estudiante del Colegio Licancabur, presentó una pintura en relieve elaborada con óleo y acrílico, complementada con detalles construidos a partir de papel mantequilla. Para él, el arte constituye una oportunidad para canalizar ideas, comprender emociones y observar la realidad desde nuevas perspectivas.

“Me parece súper bueno que se dediquen también al territorio, que podamos reconocer los patrimonios y las experiencias que vivimos desde diferentes puntos de vista, y que podamos recordar, reflexionar y resignificar todo aquello que nos rodea en una convocatoria que realmente vale la pena participar”, señaló Vicente, destacando el valor de generar instancias que inviten a los jóvenes a reflexionar sobre su entorno.

Por su parte, Willmer Carabili, estudiante del Liceo Politécnico Bicentenario Diego Portales de Tocopilla, hizo una escultura que representa a una persona ascendiendo por una escalera que se proyecta hacia el cielo. La pieza simboliza los desafíos que acompañan el crecimiento personal y la perseverancia necesaria para alcanzar las metas propuestas.

“Para mí representa el camino al éxito, cada etapa de la vida hasta alcanzar una meta. Muestra que al principio las cosas se ponen difíciles y uno quiere rendirse. Luego aparece la tentación de dejar todo por vencido, pero finalmente llega el cumplimiento de los sueños que te propones”, expresó el estudiante de segundo año medio.

A través de propuestas y técnicas diversas, como la ilustración digital, la pintura en relieve y la escultura, los postulantes de MATERIA han demostrado cómo el arte puede transformarse en un espacio para explorar inquietudes personales, reflexionar sobre el territorio y compartir miradas propias sobre el mundo habitado.

Si eres o conoces a algún estudiante que desee participar de este encuentro, te invitamos a revisar y compartir las bases en nuestro sitio web. ¡No dejes pasar esta oportunidad!

Postula a la Bienal SACO1.3: El trópico de la llama

 La Bienal de Arte Contemporáneo SACO invita a artistas visuales de todo el mundo a postular a la convocatoria de SACO1.3 El trópico de la llama, abierta desde el 25 de agosto hasta el 25 de noviembre de 2026. Las propuestas seleccionadas formarán parte de una exposición de obras site specific en el Muelle Histórico Melbourne Clark de Antofagasta, lugar que desde hace diez años forma parte del circuito expositivo de cada versión.

Esta decimotercera edición de SACO propone una reflexión en torno a un tema profundamente sudamericano: las formas en que sus territorios, imaginarios y estructuras sociales han sido moldeadas por lógicas heredadas de los modelos impuestos desde el Primer Mundo.

La corporación cultural SACO cuenta con financiamiento del plan de gestión del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras (PAOCC), del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile.

La directora de la bienal, Dagmara Wyskiel, destaca tres factores fundamentales de esta postulación: trayectoria, exposición en espacio abierto y conexión con el territorio de Antofagasta. 

“Esta convocatoria invita a reflexionar sobre las diversidades, riquezas, historias, tradiciones y todo lo que tiene América Latina, lo que se ha descubierto y lo que está por descubrirse entre Atlántico y Pacífico. 

Si bien invitamos a artistas de todo el mundo, creemos que va a ser especialmente de gran interés para los creadores latinoamericanos”, afirma Dagmara respecto al tema curatorial.

Un jurado internacional, integrado por profesionales de diversos campos vinculados al arte y la cultura contemporánea, seleccionará siete proyectos, entre los cuales, como criterio, se tomará en cuenta su calidad, su pertinencia en relación con el espacio de intervención y, especialmente, la manera en que dialoguen con el concepto curatorial de esta edición.

Los artistas elegidos realizarán una residencia de producción de 10 días en Antofagasta, instancia en la que podrán desarrollar, materializar y montar sus obras, además de compartir con otros artistas y participar de actividades oficiales de SACO. Las obras serán exhibidas en el Muelle Histórico Melbourne Clark desde mediados de octubre hasta noviembre de 2027.

“El Muelle es un patrimonio que forma parte de la identidad de Antofagasta y del norte de Chile, pero también es un espacio lleno de desafíos para los artistas, ya que es abierto, está expuesto al sol, al viento y a la humedad, y no tiene paredes.  

Las mejores obras que hemos recibido durante estos años son aquellas que reflejaron la comprensión de esas características y las transformaron en oportunidades, aprovechando la escala del lugar, su piso de madera, las grúas y su alta visibilidad”, comenta Wyskiel, invitando a los artistas a inspirarse escuchando el mar, conocer las obras que ya se han presentado allí y pensar en las posibilidades específicas que ofrece el espacio. 

Como parte del programa, y posterior a la inauguración, los artistas participarán además en un viaje de contextualización territorial al Desierto de Atacama, una experiencia destinada a profundizar su vínculo con la historia y el paisaje.

Con esta convocatoria, SACO reafirma su vocación de generar espacios de intercambio internacional y promover una reflexión crítica sobre los territorios del Sur Global desde el arte contemporáneo, poniendo en diálogo las prácticas artísticas internacionales con las particularidades sociales, culturales y geográficas del norte de Chile.

Estudiantes de la Escuela Standard vivieron una jornada musical junto a la Orquesta Filarmónica de Temuco

 Estudiantes de enseñanza básica de la Escuela Standard de Temuco participaron en una nueva Jornada de Formación Musical de la Orquesta Filarmónica de Temuco, instancia que les permitió disfrutar de música clásica en vivo, conocer diferentes instrumentos de cuerda y descubrir cómo funciona una orquesta sinfónica.

La actividad estuvo a cargo de un cuarteto de cuerdas de la Filarmónica, cuyos integrantes presentaron un variado repertorio que incluyó obras de Wolfgang Amadeus Mozart, música folclórica chilena y reconocidas piezas de películas infantiles. Una selección pensada para despertar la curiosidad de los estudiantes y acercarlos, de manera entretenida, a distintos estilos y sonoridades.

Junto con la interpretación musical, la jornada contempló un espacio de mediación en el que los músicos explicaron las características y sonidos de sus instrumentos, además de compartir algunos aspectos de su trabajo y de la coordinación necesaria para tocar en conjunto.

La directora de la Escuela Standard de Temuco, Sharel Najum Flores, valoró la realización de esta iniciativa y agradeció la oportunidad de acercar la música en vivo a sus estudiantes.

“Estamos muy agradecidos por esta experiencia, porque permitió que nuestros niños y niñas conocieran de cerca los instrumentos, compartieran con músicos profesionales y aprendieran de una manera diferente y significativa. Sin duda estas actividades enriquecen su formación”, señaló.

Uno de los momentos más especiales de la jornada fue protagonizado por dos estudiantes, quienes fueron invitados a ponerse al frente del cuarteto y asumir simbólicamente el rol de director de orquesta. De esta manera, pudieron experimentar cómo los gestos, la escucha y la coordinación permiten guiar a los músicos durante una interpretación.

La violista de la Orquesta Filarmónica de Temuco, Yelitza Girot, destacó el entusiasmo de los estudiantes y la importancia de generar instancias en las que puedan involucrarse activamente con la música. “Fue una experiencia muy bonita, especialmente por la posibilidad de que los niños asumieran el rol de director y pudieran dirigir a los músicos. 

Este ejercicio les permite comprender, desde la práctica, la importancia de la comunicación, la coordinación y la escucha dentro de una agrupación musical. Además, transforma la actividad en un encuentro participativo, donde ellos no solo observan y escuchan, sino que también se sienten parte de la música”, explicó.

Esta fue la quinta Jornada de Formación Musical desarrollada por la Orquesta Filarmónica de Temuco, iniciativa que busca ampliar el acceso a la música y generar nuevas experiencias de aprendizaje y encuentro con estudiantes de distintos establecimientos educacionales de La Araucanía.

La realización de estas jornadas es posible gracias al financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, permitiendo que la Orquesta Filarmónica de Temuco continúe llevando la música en vivo a diferentes comunidades educativas de la región y acercando su trabajo a niños, niñas y jóvenes.

"Mi primer libro de redes sociales": lectura fundamental para emprendedores y su "Identidad Virtual"

 El libro entrega las claves para crear contenido atractivo, fortalecer marcas, generar interacción auténtica y desarrollar una presencia digital con credibilidad y propósito. 

Desde Facebook e Instagram hasta TikTok, LinkedIn y la gestión de prensa, esta obra guía paso a paso a quienes desean aprovechar el potencial de los medios digitales y realizar una eficiente Gestión de Prensa para aparecer en televisión, web y radios. 

El periodista y director de @cobremuseo, Juan Ángel Torres, lanzó recientemente su ópera prima titulada "Mi primer libro de redes sociales", el que busca ayudar a los emprendedores nortinos a construir una eficiente "Identidad Virtual" por internet. 

Además, entrega estrategias para solucionar situaciones de alerta o crisis en redes sociales. 

Muchas personas sienten que el mundo digital es complejo o inaccesible, "Mi primer libro de redes sociales", te demuestra exactamente lo contrario: Comunicar, Conectar y Crecer en internet puede ser simple cuando se entiende cómo funciona cada plataforma y cuál es el verdadero valor de una comunidad. 

El libro entrega las claves para crear contenido atractivo, fortalecer marcas, generar interacción auténtica y desarrollar una presencia digital con credibilidad y propósito. Desde Facebook e Instagram hasta TikTok, LinkedIn y la gestión de prensa, esta obra guía paso a paso a quienes desean aprovechar el potencial de los medios digitales sin perder su identidad. 

"Mi primer libro de redes sociales" está escrito por el Periodista y Creador de Contenido, Juan Ángel Torres Escalera, y agrupa la experiencia comunicacional llevada a cabo en el norte, centro y sur de Chile. 

"Es el libro ideal para las y los emprendedores que buscan impulsar su negocio en redes sociales a través de la construcción de una potente credibilidad que te entrega el correcto lenguaje comunicacional. Todos son capaces y puedo ayudarlos en ese proceso", aseguró. 

Consultado sobre la aparición en prensa, el aludido respondió que "en el libro también encontrarán técnicas y formas para una gestión de prensa efectiva, que recursos enviar y de qué forma entrar en contacto con periodistas de televisión o radio". 

"El libro es sin duda un compañero fiel para trabajar en equipo para potenciar la imagen en redes sociales, una identidad virtual y elevar las ventas, todo es un camino y esto puede ser el punto de partida", agregó el periodista. 

El libro puede ser adquirido por diversas plataformas y por redes sociales @miprimer.libro 

Mercado Libre https://www.mercadolibre.cl/mi-primer-libro-de-redes-sociales/up/MLCU4838532880 

Busca Libre -> https://www.buscalibre.cl/libro-mi-primer-libro-de-redes-sociales/9789564242040/p/68517535?srsltid=AfmBOopzUhg1IoPj-mXy9GovmbYMIqTdhwT7eGSmx854b60d8YcKm6lM 

Amazon -> https://www.amazon.com/-/es/Juan-%C3%81ngel-Torres-ebook/dp/B0HCDRRRY8

 

Periodistas reales llevan vivencias en dictadura al escenario del Teatro Camilo Henríquez

 Crónicas de reporteros es la obra protagonizada por los periodistas Orlando Milesi, Carmen Mera y Julio Salviat y que se presentará este 10 y 12 de septiembre en la sala del Círculo de periodistas de Santiago (Amunátegui #31) como parte del Ciclo de Memoria, que junto a la obra Escenas de población en resistencia, conmemoran un aniversario más del golpe de Estado de 1973. 

“Dos jóvenes fueron quemados en la Estación Central durante una manifestación”, fue el titular leído en Radio Chilena durante la mañana del 2 de julio de 1986, cuando el periodista Orlando Milesi recibió, a través de una llamada telefónica, la noticia de que dos jóvenes habían sido atacados y quemados por una patrulla militar.

Ante la falta de confirmación, el equipo recurrió a un párroco de la zona, quien corroboró el hecho. Horas después, Milesi intercedió con el médico Jorge Villegas para atender de urgencia a una de las víctimas, Carmen Gloria Quintana, salvándole la vida. 

Esta reveladora vivencia sobre el conocido Caso Quemados —en el que la otra víctima, Rodrigo Rojas de Negri, no sobrevivió— es uno de los relatos centrales de Crónicas de reporteros, montaje que vuelve al escenario del Teatro Camilo Henríquez, los días 10 y 12 de septiembre en el marco del Ciclo de Memoria, que conmemora un nuevo aniversario del golpe de Estado de 1973. Las entradas ya están a la venta en Ticketplus.cl.

La historia es reconstruida a través del testimonio del propio Milesi, quien junto a otros colegas periodistas de la época, Carmen Mera y Julio Salviat, suben a escena para recuperar sus vivencias profesionales durante la dictadura militar y hasta entrado los años 90.

La cobertura del aluvión en el embalse El Cobre con el presidente Eduardo Frei Montalva, la cobertura en el Maracaná cuando Colo-Colo le ganó a Botafogo en el 73 o el primer concierto de música clásica en la Antártida, son algunos de los relatos recuperados en la obra. 

Para Marcelo Salinas, director del montaje y responsable del trabajo de guion, uno de los grandes desafíos fue justamente “ser capaces de poder resumir ya casi 50 años de historia, de trabajo periodístico en una obra pequeña de 45 minutos”. El proceso se apoyó en entrevistas personales, grabaciones y transcripciones de sus testimonios. “El hecho de que sean tres periodistas y no actores profesionales le da un viaje emocional que al público lo deja profundamente conmovido”, agrega Salinas.

El resultado es un recorrido por distintas épocas del periodismo chileno: Julio Salviat recuerda sus primeros trabajos en La Nación, su paso por la revista Estadio y la evolución tecnológica que transformó la profesión; Carmen Mera reconstruye su trayectoria por El Diario Ilustrado, La Prensa, Canal 9 y la agencia Orbe, además de su posterior vínculo con el teatro; mientras Orlando Milesi recuerda su experiencia en el periodismo popular, su trabajo durante la dictadura y episodios como la cobertura del caso Quemados.

Memoria viva

En esta edición, el Ciclo de Memoria del Teatro Camilo Henríquez destaca por apostar a formatos no tradicionales que ponen en escena la memoria histórica a partir de archivos y hechos reales. En esta misma línea se enmarca Escenas de Población en Resistencia, montaje dirigido por Patricia Artés que abre la cartelera del ciclo los días 3, 4 y 5 de septiembre. La propuesta, llevada a cabo por la compañía Plataforma Escena Crítica y Memoria, es una investigación escénica que rescata la expresión teatral que nació en el circuito popular durante la dictadura militar, forjada entre ollas comunes, barricadas y organización comunitaria fuera de las salas tradicionales.

Ambas obras utilizan herramientas del teatro documental y formatos cercanos a la conferencia performativa —lectura de testimonios reales, proyecciones de archivo histórico y registros sonoros— además de música especialmente creada para activar la memoria sensorial en escena. Así, en lugar de solo reconstruir el pasado mediante personajes ficticios, estos montajes rescatan una memoria hasta ahora dormida, pero vital para entender el presente.

En el caso de Crónicas de reporteros, se evidencia desde la crisis que vive el periodismo y la democracia. “Es muy importante relevar estas historias hoy, en un contexto donde la veracidad de la información está cuestionada constantemente por las fakenews.

 Julio, Orlando y Carmen son un testimonio vivo de cómo se ejercía el periodismo antes de la era digital y en momentos decisivos del país, manteniendo intacto el compromiso con la verdad y la dignidad humana”. 

Coordenadas: 10 y 12 de septiembre en el Teatro Camilo Henríquez – Amunátegui #31, Santiago (Metro La Moneda) Jueves a las 19:30 horas; sábado, a las 16:00 horas.

➔ Entradas: A la venta en boleterías del teatro (1 hora antes de la función) y por sistema Ticketplus.cl 

➔ Valores de las entradas:  $5.000, general - $ 3.000 estudiantes y adultos mayores.

Ficha artística

Dirección: Marcelo Salinas | Elenco: Carmen Mera, Julio Salviat, Orlando Milesi | Diseño Sonoro: Dante Parra | Diseño Iluminación: Marcelo Salinas | Diseño Visuales: Kurt Liebsch | Operación Visuales: Nicolás Fernandois. 

Conoce a los cinco finalistas del premio Plagio a la Creatividad Artística 2026

Foto: Nadia Prado, Tomás Harris, Jorge Marchant,
Arturo Duclos y Natalia Babarovic

 Los escritores Nadia Prado, Tomás Harris y Jorge Marchant junto a los artistas visuales, Arturo Duclos y Natalia Babarovic son los finalistas de la cuarta edición del Premio Plagio a la Creatividad Artística, que busca poner en valor y difundir a creadores nacionales de vasta trayectoria, en literatura y artes visuales, cuya obra innovadora aún no haya sido lo suficientemente reconocida públicamente.

A partir de una convocatoria ciudadana lanzada en mayo de este año, personas de todo el país pudieron postular a sus creadores y creadoras favoritos. Entre las más de 300 postulaciones recibidas se seleccionaron 5 finalistas, uno de los cuales recibirá el Premio Plagio a la Creatividad Artística el próximo mes de octubre.

Fundación Plagio cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras

Fundación Plagio dio a conocer a los cinco finalistas de la cuarta edición del Premio Plagio a la Creatividad Artística 2026, galardón que busca reconocer y visibilizar la obra de creadores nacionales, con una destacada trayectoria en los ámbitos de literatura y artes visuales, y que han realizado aportes fundamentales desde sus disciplinas.

Los finalistas de este año son los poetas Nadia Prado y Tomás Harris; el escritor y dramaturgo Jorge Marchant; y los artistas visuales Arturo Duclos y Natalia Babarovic. Todos ellos fueron seleccionados entre una amplia lista de nominados a través de una convocatoria abierta a toda la ciudadanía. Así, personas de todo Chile tuvieron la oportunidad de postular a sus candidatos en el sitio web de Fundación Plagio.

“Estamos seguras de que generando nuevos espacios de reconocimiento para nuestros creadores podremos inspirar a otras personas a desarrollar su propio potencial creativo. Por eso nos enorgullece presentar por cuarto año consecutivo este premio, con el cual rendimos un homenaje oportuno y necesario a quienes han realizado obras transformadoras desde la literatura y las artes visuales”, destaca Soledad Camponovo, coordinadora general de Fundación Plagio

Fundación Plagio cuenta con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras

Cuarta edición del reconocimiento

En sus primeras tres ediciones, el premio quedó en manos de la poeta antofagastina Soledad Fariña (2023), la fotógrafa Julia Toro (2024) y el artista visual Carlos Altamirano (2025), respectivamente. En esta cuarta versión, además del reconocimiento y difusión pública, el ganador o ganadora recibirá un galardón creado especialmente por la artista nacional Rosario Perriello y un premio de $3.000.000, otorgado por Fundación Plagio.

En esta nueva edición del Premio Plagio a la Creatividad Artística, la selección del ganador o ganadora estará a cargo de un jurado integrado por reconocidas figuras del ámbito artístico y cultural nacional: la escritora y actriz Nona Fernández; la periodista cultural y ensayista Catalina Mena; la fotógrafa y artista visual Julia Toro; el escritor y columnista Rafael Gumucio; y la escritora y directora de Fundación Plagio, Carmen García Palma.

Los finalistas del premio plagio a la creatividad artística  2026

 Nadia Prado (1966): Doctora en Literatura con mención en Literatura Chilena e Hispanoamericana por la Universidad de Chile. Ha publicado los libros de poesía Simples placeres (1992; 2001), Carnal (1998; 2001), © Copyright (2003; 2019), Job (2006), Un origen donde podría sostenerse el curso de las aguas (2010), [J] (2012), Jaramagos (2016), El jardinero (2020), Algún lugar incierto (2021) y Animales distantes (2021); y los ensayos Leer y velar (2017) y El poema acecha en los intervalos (2019; 2022). Ha recibido la Beca de la Fundación Pablo Neruda (1991), el Premio Consejo Nacional del Libro y la Lectura (2004), la Beca Fundación Andes (2005), la Beca Fondart-Artes Integradas y la Beca Consejo Nacional del Libro y la Lectura (2003).

Tomás Harris (1956): Profesor de Castellano y Magíster en Literaturas Hispánicas por la Universidad de Concepción. Poeta y miembro de la generación literaria de 1980, su obra se caracteriza por su marcada visualidad, su carácter intertextual y la indagación en el horror cotidiano. Entre sus obras destacan el poemario La vida a veces toma la forma de los muros (1982) Zonas de peligro (1985), Cipango (1992), Los 7 náufragos (1995), Crónicas maravillosas (1996), Ítaca (2001), Encuentros con hombres oscuros (2001) y Tridente (2005). Ha recibido el Premio Municipal de Literatura de Santiago por Cipango (1992), el Premio del Consejo Nacional del Libro y la Lectura por Los 7 náufragos (1995), el Premio Pablo Neruda (1996), el Premio Casa de las Américas por Crónicas maravillosas (1996), el Premio Atenea por Dunas del deseo (2012) y el Premio Mejores Obras Literarias (MOL) en poesía por La memoria del corazón (2022).

Jorge Marchant (1950): Escritor, dramaturgo y periodista, ha desarrollado una extensa trayectoria literaria que incluye novelas, cuentos y obras teatrales. Su obra explora, entre otros temas, la experiencia homosexual en Chile. Es autor de La Beatriz Ovalle (1977), La noche que nunca ha gestado el día (1982), Matar a la Dama de las Camelias (1986), Me parece que no somos felices (2002), La joven de blanco (2004), Sangre como la mía (2006), El amante sin rostro (2008), La promesa del fracaso (2013), Cuartos oscuros (2015) y Desconfianza (2017), entre otras obras. Sangre como la mía recibió el Premio Altazor (2007) y fue traducida al francés y publicada en España. El amante sin rostro fue finalista del Premio Altazor.

Arturo Duclos (1959): Estudió en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile y egresó como Licenciado en Arte con mención en Grabado (1984). Su obra se caracteriza por la experimentación con procedimientos y técnicas gráficas, pictóricas y objetuales. Ha expuesto en Chile y el extranjero y su obra fue representada por la Galería Ninna Nosei de Nueva York. En 1993 impulsó el proyecto Fondart La Escuela de Santiago, junto a Eugenio Dittborn, Gonzalo Díaz y Juan Dávila. Ha recibido, entre otros reconocimientos, la Beca John Simon Guggenheim (1992) y el Primer Lugar del Gran Premio ENERSIS (2001). Entre 2002 y 2011 se desempeñó como director de la Escuela de Arte de la Universidad del Desarrollo.

Natalia Babarovic (1966): Licenciada en Arte por la Universidad de Chile y Magíster en Artes Visuales por la misma universidad. Su obra, principalmente pictórica, explora el diálogo entre la pintura y medios como la fotografía y el video, retomando géneros tradicionales como el retrato y el paisaje. Entre 1992 y 1994 realizó junto a Voluspa Jarpa el mural El sitio de Rancagua, que se exhibe permanentemente en el hall de la estación de trenes de Rancagua. Ha expuesto en Chile y en países como Gran Bretaña, Bélgica, Francia, Estados Unidos y Perú. Sus obras forman parte de las colecciones permanentes del Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Contemporáneo y el Museo de Artes Visuales. Ha recibido el Primer Lugar de la III Bienal de Arte Premio Gunther (1995) y la Beca Fondart (1994), entre otros reconocimientos.

Acerca de fundación Plagio

Fundación Plagio es una organización sin fines de lucro que desde 2001 fomenta la creatividad, la escritura y la lectura en Chile, a través de concursos, talleres, publicaciones y el desarrollo de plataformas digitales. Su misión es promover la creatividad como motor de desarrollo personal, social y económico.

Foto: Nadia Prado, Tomás Harris, Jorge Marchant,
Arturo Duclos y Natalia Babarovic

Premiación 2026

El nombre del ganador o ganadora del Premio Plagio a la Creatividad Artística 2026 será dado a conocer en una ceremonia que se realizará el próximo 8 de octubre de 2026. 

Fundación Plagio forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile.

Clásicos de Matiné de septiembre: Pateando Piedras, películas sobre realidades marginalizadas

 Este septiembre se cumplen 40 años del lanzamiento de Pateando piedras, el disco fundamental de Los Prisioneros que marcó al rock chileno y expresó, con irreverencia y fuerza, la rebeldía frente a la dictadura y al sistema capitalista. Canciones como “El baile de los que sobran” y “Quieren dinero” surgieron de este álbum y se transformaron en himnos que, hasta el día de hoy, siguen siendo coreados por viejas y nuevas generaciones.

A propósito de esta efeméride, el especial Clásicos de matiné de septiembre en Centro Arte Alameda será PATEANDO PIEDRAS, una selección de películas que abordan la experiencia de jóvenes que, en sociedades marcadas por las pocas oportunidades, la falta de motivación y la exclusión, deambulan por los márgenes. 

El ciclo comienza hoy, viernes 4 de septiembre, a las 16:45 horas, con La Haine, de Mathieu Kassovitz (Francia, 1995, 98 minutos). Tras una noche de disturbios en un barrio marginal de las afueras de París, tres amigos adolescentes —Vinz, Saïd y Hubert— son testigos de un hecho que marcará las 24 horas siguientes de sus vidas: su amigo Abdel ha resultado herido por la policía.

El deambular por la ciudad, la violencia entre bandas y los conflictos con las fuerzas policiales son parte de una jornada atravesada por la rabia y la desesperanza. La exhibición de esta película es posible gracias a la especial colaboración de la Embajada de Francia y el Instituto Francés en Chile, cuya participación queremos destacar y agradecer especialmente.

El viernes 11 de septiembre, a las 18 horas, se exhibirá Caluga o menta, de Gonzalo Justiniano (Chile, 1990, 100 minutos), función que será posible gracias a la Cineteca Nacional de Chile.

 En medio de la miseria y vinculados al mundo de las drogas y los robos, un grupo de jóvenes chilenos intenta sobrevivir a cualquier precio. Niki, un joven desesperanzado cuyo único espacio parece ser la calle, decide adentrarse en ese mundo sin imaginar las fatales consecuencias de sus decisiones.

El viernes 25 de septiembre, a las 17 horas, será el turno de Crónica de un niño solo, de Leonardo Favio (Argentina, 1965, 80 minutos), un clásico del cine argentino que retrata la infancia marginal a través de Polín, un niño solitario cuya vida transcurre a medio camino entre un barrio pobre y un reformatorio.

Finalmente, el domingo 27 de septiembre, a las 18:45 horas, se presentará Rodrigo D: No Futuro, de Víctor Gaviria (Colombia, 1990, 93 minutos). Rodrigo y sus amigos, adolescentes inquietos de los barrios marginales de las laderas de Medellín, pasan sus días causando problemas en un entorno dominado por la violencia, las drogas y el miedo. Rodrigo, sin embargo, sueña con tocar rock y reúne a sus amigos para formar una banda punk que se convierte en una posible salvación frente a la desorientación y la falta de futuro.

Clásicos de matiné: Pateando piedras propone así un recorrido por distintas juventudes marginalizadas que enfrentan la exclusión y la ausencia de horizontes, pero que también encuentran en la amistad, la música y la resistencia formas de sobrevivir y expresar su rebeldía.

Ballet Folklórico Nacional celebra el Mes de la Patria en regiones de Valparaíso y Metropolitana

 Septiembre representa un periodo de profundo significado para las tradiciones del país. Por ello, la dirección artística del Ballet Folklórico Nacional, BAFONA, ha preparado un contundente programa para sus presentaciones en las regiones de Valparaíso y Metropolitana, que se extenderán entre el 7 y el 25 de este mes; todas con entrada liberada. 

Las personas asistentes podrán disfrutar de un espectáculo de excelencia escénica que incluye montajes como la suite "Homenaje a Rolando Alarcón", en la que BAFONA revivirá composiciones inmortales que retratan los paisajes, las memorias y el sentir de nuestro país.

El despliegue técnico y la destreza de la zona central se mostrará en "Huasos", obra inspirada en las tradiciones y danzas del centro-sur de Chile, que integra tonadas, cuecas y diversas expresiones de la cultura campesina. 

Luego, se presentará la fuerza austral de "Patagonia", cuadro que reúne diferentes expresiones artísticas que retratan la dureza, la belleza y la cotidianidad de la vida en las estancias y los campos australes; y para concluir, la representación de "Servidores de la Virgen", un homenaje a la religiosidad popular y a las cofradías danzantes de la Fiesta de La Tirana, obra que integra música, danza y elementos característicos de la tradición nortina. 

El programa contempla, además, la intervención de cantantes solistas y músicos del elenco, con canciones tradicionales que aún permanecen vivas en la memoria de la ciudadanía. 

Itinerario de presentaciones 

El elenco del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, invita a las familias y a la ciudadanía a ser parte de estas funciones, todas con entrada liberada. 

En la Región Metropolitana: Teatro Municipal de La Pintana: lunes 7 y martes 8 de septiembre, a las 19:00 horas; Teatro California de Ñuñoa: martes 15, 19:00 horas.

En la Región de Valparaíso: Gimnasio Juan Vera Velásquez de Santo Domingo, jueves 24, 19:00 horas; y en Gimnasio Municipal de La Calera, calle Teresa s/n, el viernes 25, a las19:00 horas. 

Para obtener mayores detalles acerca de las presentaciones, se sugiere al público consultar directamente las plataformas oficiales y redes sociales de cada municipio.