“Punto de fuga”: un recuento del escape de cuatro frentistas de la Cárcel de Alta Seguridad

 Durante el gobierno del ex presidente Eduardo Frei Ruiz-Tagle, Chile fue testigo de la fuga más espectacular en la historia del país: Ricardo Palma Salamanca, Mauricio Hernández, Pablo Muñoz Hoffman y Patricio Ortiz Montenegro, miembros del Frente Patriótico Manuel Rodríguez (FPMR) fueron rescatados desde el interior de la Cárcel de Alta Seguridad en helicóptero.

A este evento se le conoció como “Operación Joaquín” o Vuelo de Justicia”. Todo el proceso no duró más de 58 segundos.

A través de una historia relatada en primera persona, Claudio Martínez Cerda, autor de “Punto de fuga” hace un recuento apasionante acerca de cómo se fueron dando las condiciones sociopolíticas y sistémicas para que la reconocida Operación Vuelo de Justicia o fuga del siglo resultara de manera tan asombrosa.

A través de sus páginas, el autor toma como eje central el rescate de Palma Salamanca, Hernández Norambuena, Muñoz Hoffman y Ortiz Montenegro, relatándolo en calidad de testigo y protagonista a la vez, ya que Martínez Cerda se desempeñaba como Director Nacional de Gendarmería en pleno 1996.

Para Claudio Martínez, este libro llega en un momento importante. Tras la publicación del libro “Puntapeuco: la historia desconocida” (Ril Editores, 2019) el autor procesó información archivística y realizó una investigación exhaustiva de lo que significó el rescate en helicóptero y la construcción de la Cárcel de Alta Seguridad.

“Luego de procesar la información desde documentación que tenía archivada hice una investigación exhaustiva de todo el publicado, y me entrevisté con actores claves. A partir de esto fue como rescatar un disco duro desde mi memoria, de mis propias vivencias.

En ese momento surgen emociones que ya parecían olvidadas; tal como ocurre al interior de la familia que se ve naturalmente afectada por el vértigo de la función pública que me tocó vivir, y de cómo inesperadamente me convertí en protagonista de un hecho inédito en la historia penitenciaria chilena”, comenta el autor recordando su proceso creativo.

“Punto de fuga”, además de ser el relato de la fuga del siglo, también busca ser una visita a uno de los momentos más intensos de la historia contemporánea de Chile: el periodo de la transición a la democracia en Chile. 

Es un recorrido funcional, que sirve para recordar que a pesar de que el país se encontraba nuevamente viviendo en democracia, aún existían grupos de resistencia armada; como lo fueron el Frente Patriótico Manuel Rodríguez y el Movimiento Juvenil Lautaro, quienes cometieron delitos que se califican como actos terroristas. Entre ellos, el secuestro de Cristián Edwards y el asesinato a Jaime Guzmán, lo que posteriormente derivó en la creación urgente de la Cárcel de Alta Seguridad (CAS).

El hecho ocurrido en la CAS llevó a que Martínez renunciara a su cargo como Director Nacional de Gendarmería, convirtiéndose en una especie de “quinto pasajero”, al ser el único que asumió la responsabilidad política en ese momento.

Hoy, con la perspectiva del tiempo reflexiona sobre lo ocurrido y añade: “No es propiamente un reflejo de una debilidad del sistema penitenciario, sino más bien es la debilidad de sectores transversales de la política que no fueron capaces de dar el sustento a un régimen que habría impedido este rescate. […] Ese fenómeno de una u otra manera está presente en el Chile de hoy cuando no se logra trazar una línea clara entre lo que es la violencia y lo que es una reivindicación social legítima.

 Mientras no seamos claros frente a esos límites seguirá habiendo un mensaje confuso para la ciudadanía que siempre cree ver en el Estado una suerte de cómplice pasivo, y muchas veces de actos delictuales altamente graves. La construcción y puesta en marcha de la Cárcel de Alta Seguridad fue un intento de trazar esa línea. Si se mira con la perspectiva del tiempo fue una decisión correcta, porque significó más allá del rescate en helicóptero el fin de las acciones armadas en Chile post dictadura.”

“Punto de fuga” se encuentra disponible para preventa en nuestra tienda virtual, y en librerías a partir del 28 de julio.

Aula Records presenta el primer registro de bandoneón con quinteto de vientos

 El músico argentino Leandro Ragusa junto al  Quinteto de Vientos Usach ensamble de la Orquesta Clásica Usach, publican Eolia, primer registro de bandoneón con quinteto de vientos.

Las Islas Eolias son un archipiélago ubicado en el mar Mediterráneo, hacia el sur de la península itálica y en las cercanías de Sicilia. Es un territorio de particular belleza, poblado de volcanes y paisajes que han servido como escenografía para clásicos del cine, así como para la mitología. 

Eolo, el dios griego que tenía el dominio de los vientos, habitaba una isla flotante que llevaba ese nombre: Eolia, una denominación histórica que ahora tiene una nueva lectura desde el sur del mundo.

De ahí viene el título del disco que el bandoneonista argentino Leandro Ragusa y el Quinteto de Vientos Usach, nacido en la Orquesta Clásica de la Universidad de Santiago de Chile (Usach), publicarán el próximo jueves 11 de agosto a través de Aula Records, el sello discográfico de la institución, en el Auditorio de la Facultad de Administración y Economía de la Usach, ubicada en Alameda 3363, Estación Central (Metro Estación Central). La entrada es gratuita, previa inscripción en este formulario.

En la ocasión, Leandro Ragusa y el Quinteto de Vientos Usach ofrecerán un concierto comentado, donde interpretarán todas las obras que forman parte del disco. 

Quinteto de vientos Usach

Luego, presentarán el álbum en Buenos Aires: el viernes 26 de agosto (19:00 hrs.) en la Sala Sinfónica del Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla y el domingo 28 de agosto (11:30 hrs.) en la Usina del Arte.

Además, el jueves 25 de agosto, los integrantes del ensamble ofrecerán clases magistrales de flauta, oboe, clarinete, fagot y corno, en el auditorio del mismo Conservatorio Manuel de Falla.

Leandro Ragusa, un bandoneonista, compositor y director que ha tenido el tango como uno de los ejes de su trabajo, pero lo ha extendido a sonoridades y regiones diversas, explica que “es un disco que tiene una relación íntima con el viento, que es lo que aúna todo el proyecto. Es música escrita para instrumentos aerófonos”.

Entre Buenos Aires, Nueva York y Montreal, ha tocado con diversos ensambles y ha grabado seis discos, entre proyectos colaborativos y un debut solista titulado El Aleph (2021). “En este caso no quería un nombre que tuviera relación con el tango ni que tuviera sesgos regionales, porque es un disco más internacionalista”, advierte Ragusa. 

Eolia, de hecho, es un ejemplo de una colaboración que atraviesa fronteras concretas y simbólicas.

Luego de ver sus presentaciones a través de Internet, Leandro Ragusa contactó directamente al Quinteto de Vientos Usach, preparó una suite y otras cinco piezas para aliarse a esa formación y en enero, aterrizó en Santiago para grabar directamente en el Teatro Aula Magna Usach. 

“Es el primer disco de bandoneón y quinteto de vientos que existe en la historia. No solo no hay otras grabaciones, tampoco hay arreglos”, enfatiza. “El quinteto de vientos es un formato estable dentro de la música de cámara, pero nunca se había unido con bandoneón y por eso, yo tenía muchas ganas de hacerlo. Al juntarlos, se logran sonoridades no solo bonitas, sino novedosas”.

Efectivamente, es un álbum cuyas referencias son múltiples. Aun cuando el sonido del bandoneón remite inmediatamente hacia Argentina, se nutre de la música europea y de tradición escrita del siglo XX, del jazz y hasta del cine, con una pieza final que cita el clásico Eraserhead de David Lynch.

“Hay cosas de tango y del folclor cuando escribo, pero con un contexto distinto porque no utilizo armonías de la música popular argentina, sino que lenguajes y estrategias de distintos lugares. Hay cosas de Debussy, recursos de la música aleatoria, un montón de elementos distintos. Es difícil meter este disco en un solo lado”, detalla el músico argentino. 

Pablo Valdés, clarinetista del Quinteto de Vientos Usach, asegura que ese eclecticismo fue notorio desde los ensayos previos a la grabación.

 “Generalmente, con la música para quinteto de vientos tienes la sensación de que el autor ya conoce mucho la literatura de otros compositores, pero en este caso sentimos que todo era nuevo, algo que nunca habíamos tocado. Tiene un sello muy único y eso lo hace súper especial”.

Leandro Ragusa 
(c) Matías Fiumani

El Quinteto de Vientos Usach está conformado por cuatro integrantes de la Orquesta Clásica Usach: Diego Vieytes (flauta), Diego Agusto (oboe), Alejandro Vera (fagot) y Pablo Valdés (clarinete), a quienes se suma Sebastián Villegas (corno). 

Eolia es la segunda grabación en la que participan luego del disco Enrique Soro, el último de los románticos (Aula Records, 2022), que reunió a tres ensambles de la Orquesta Clásica Usach en torno a la obra del compositor chileno. Y habrá más: próximamente, estarán también en discos con obras de los compositores chilenos Claudio Pérez Llaiquel y Julio Hernaiz.

“Para nosotros siempre ha sido importante dar visibilidad a compositores vivos, siempre queremos tocar música nueva y hacer nuestro camino de forma original”, indica Pablo Valdés. “Que empiecen a aparecer grabaciones nos da un piso para seguir creciendo y ampliando el abanico que nos puede dar el camino de la música”.

La carátula y el arte de la edición en CD de Eolia fueron creados por Aranda Feres, estudiante de Diseño e Ingeniería Civil en Diseño e Innovación de la Universidad Católica de Chile, que ha explorado también la confección de vestuario a partir de textiles usados y la creación de joyería. 

Habiendo colaborado antes con el Quinteto de Vientos Usach, en esta ocasión utilizó técnicas digitales para dar forma a una idea que nació en conversaciones que mantuvo con el propio Leandro Ragusa.

Aranda Feres

“Es un juego geométrico estilo Bauhaus, con las letras blancas del título y unos delgados rectángulos que comienzan ordenados de manera equidistante, como representación del bandoneón, y terminan desordenados en representación del viento, característica que une todos los instrumentos involucrados con el disco”, explica Aranda Feres.

“Los colores corresponden a lo que me alude la música del disco. Sonidos de diferentes orígenes, con un sentimiento oscuro y misterioso, disruptivos y difíciles de encasillar. El uso del negro y blanco tiene relación con el tango y la música tradicional del bandoneón. El lila, al no ser un color primario, se sale de las casillas de la Bauhaus, así como lo hacen las melodías y armonías. La portada es para la Bauhaus lo que Eolia es para la música tradicional argentina”, detalla Feres.

Eolia se podrá encontrar a partir del jueves 11 de agosto en plataformas digitales, mientras que las copias en CD estarán disponibles a través de aula.records@usach.cl, así como en los conciertos de la Orquesta Clásica Usach.

Sala Sazié inaugura ciclo de cine censurado durante la dictadura

 Durante el mes de agosto, Cineclub Sala Sazié de la Universidad de Chile programa el ciclo "Imágenes subversivas: el cine censurado en dictadura", con el fin de abordar temas y géneros cinematográficos que fueron sistemáticamente censurados durante el período de nuestra historia y ahondaremos en las características de estas obras.

El ciclo es organizado como resultado del proyecto Fondecyt sobre censura cinematográfica 1960-2000, que ha conducido el profesor Jorge Iturriaga de la Facultad de la Comunicación e Imagen de la Universidad de Chile.

El martes 2 de agosto se inicia el ciclo con la película "Beyond the valley of the dolls" (1972) de Russ Meyer, un drama cómico que nos permitirá hablar de la recepción del cine erótico, entre otros aspectos.

Fundada en 1961, la Cineteca de la Universidad de Chile es el centro de conservación audiovisual de mayor historia en nuestro país. Cuenta con unidades especializadas de investigación, restauración fílmica, catalogación y documentación, además de exhibiciones periódicas de películas patrimoniales con fines educativos.

La actividad se llevará a cabo los martes 2, 9, 16 y 23 de agosto a las 18:30hrs, en el cine Club Sazié en la Casa Central de la Universidad de Chile (Av. Libertador Bernardo O'higgins 1058, Santiago). El ingreso es gratuito y por orden de llegada, con aforo limitado.

Kollahuara celebra 50 años de vida con concierto en Santiago

 Una historia de comunión musical andina que ya cumple cinco décadas de vida. La agrupación chileno boliviana partió su historia en 1971 cuando una serie de estudiantes de ambos países, dedicados al cultivo e investigación sonora, indagaron en los sonidos folclóricos que nos une como territorio. 

Desde aquella fecha muchos han sido los expertos y seguidores que destacan el gran aporte que han hecho en la perpetuación de raíces altiplánicas.  

Con una activa carrera, el grupo Kollahuara -o la "estrella de los pueblos del altiplano"- compuesta por Juan Silva, Hernando Hurtado, Alfonso Venegas, Erick Hernández, Juan Luis Figueroa, José Luis Castillo, Sebastián Lizana e Isaac Jeldres, se prepara para celebrar medio centenario el próximo sábado 6 de agosto, mismo día en el que fundaron el proyecto en aquel lejano 1971.

En esta oportunidad la banda además presentará en vivo su último disco “Sillustani”(2019). Una fiesta que correspondía al año pasado, pero que por motivos de pandemia tendrá lugar el próximo mes en la Sala Ical ubicada en Avenida Ricardo Cumming #350, desde las 19:00 horas y con un valor de $5.000. 

Este primer concierto de celebración lleva por nombre "Ñoqanchis, llajta runa", que significa "nosotros, la gente del pueblo" en idioma quechua. La inspiración viene de un viaje que realizó el integrante Juan Silva desde Lima a Huaraz, donde conoció a un profesor primario quechua quien le compartió relatos e historias de ruta. 

"Durante nuestra conversación me llamó mucho la atención que siempre usaba el pronombre "nosotros" al referirse a las obras y actividades realizadas en el pueblo. Le pregunté la razón y me explicó que, según la tradición de los pueblos originarios, el trabajo comunitario era el pilar fundamental de la organización de la gente; que era la comunidad la que tomaba las decisiones y se organizaba para realizarlas", cuenta el músico.  

De ahí que "Ñoqanchis", o sea "nosotros", se transforma en la base para toda la vida del pueblo en todas sus manifestaciones. Una forma de comunicación horizontal, respetuosa y recíproca, que incluye a las personas, a los animales y a la naturaleza que los sustenta. Con esa idea es que Kollahuara se prepara para conmemorar estos 50 años en una serie de fechas que parten en Santiago.  

"Hemos titulado nuestro concierto con este bello nombre porque todos estos años no significarían nada si hubiéramos olvidado los principios que nos motivaron al fundar este grupo. Desde el primer día quisimos compartir con nuestros amigos, pero no sólo la música, también la amistad, nuestro pensamiento y sueños", profundiza Juan Silva sobre la energía que los acompaña en este aniversario: la eterna y gratificante nostalgia de recordar aquellos tiempos en los que eran jóvenes estudiantes que soñaban con una sociedad más justa y solidaria, cuando la frase "Nosotros, la gente del pueblo" retumbó más fuerte que nunca en sus corazones.  

Una fecha imperdible para resignificar lo que entendemos como comunidad, el nosotros, todo con la música de uno de los proyectos más relevantes en el registro histórico de nuestros sonidos autóctonos. 

"Nunca hemos olvidado las palabras, la sencillez y la convicción de aquel querido y recordado profesor primario del Perú profundo. Nuestras canciones sólo buscan honrar lo que usted y su comunidad, como tantas otras, significan para la cultura popular de nuestro continente: un legado inmaterial que debemos respetar profundamente. "Ñoqanchis" ilumina cada día nuestro pensamiento y trabajo musical". 

El concierto será en la Sala Ical (Av. Ricardo Cumming #350) a las 19:00 horas. Valor de la entrada $5.000.

Coro Madrigalista Usach regresa a los conciertos para recorrer ocho siglos de historia del motete

 La Escuela de Notre Dame es el nombre que se usa habitualmente para identificar al grupo de compositores que trabajaron en torno a la emblemática catedral de París, entre los siglos XII y XIII. La mayoría de sus identidades se perdieron en el tiempo, pero no sus obras. Entre ellas, se conservan algunos de los primeros motetes de la historia: piezas vocales, con textos religiosos, que son un testimonio de la transformación que vivió la música durante la Edad Media, en los albores de la polifonía. 

Esas creaciones que se remontan a través de los siglos fueron un punto de partida. El motete tuvo su auge durante el Renacimiento y a lo largo del tiempo ha sido recuperado por múltiples compositores, incluso contemporáneos. Es un género que ha atravesado la historia y así se podrá escuchar en el próximo concierto del Coro Madrigalista Usach: Antología del motete, desde el siglo XIII al siglo XXI es el programa que la agrupación ofrecerá el próximo miércoles 3 de agosto (19:30 hrs.) con entrada gratuita, previa inscripción en este formulario.

El escenario será el Teatro Aula Magna Usach, que volverá a acoger público en una presentación propia del Coro Madrigalista Usach luego de las restricciones impuestas por la pandemia. Aunque el elenco participó del estreno de la zarzuela Destinos vencen finezas, en el Festival Internacional de Música Antigua (FIMA) realizado en abril pasado, hay que retroceder hasta la temporada 2019 para encontrar otro concierto con estas características. “Hay una gran alegría por volver a los escenarios, porque es el contexto de todos los músicos”, valora Rodrigo Díaz, director del conjunto, que en los dos años anteriores solo pudo realizar actuaciones televisadas. “Una grabación es interesante, pero los cantantes tienen un vínculo especial con el público”, subraya.

También integrante del grupo Syntagma Musicum Usach, Rodrigo Díaz dice que el programa tiene un objetivo educativo: “Me interesa que el público vea el desarrollo que tuvo el motete a través del tiempo. Hacer un panorama histórico es atractivo desde el punto de vista pedagógico y para mostrar que la voz humana es quizás el único instrumento que se ha mantenido por siglos”, señala.

Coro Madrigalista Usach
(c) Gary Go

“Motete viene de la palabra mot, que en francés significa ‘palabra’, porque en el origen se empezaron a intercalar textos dentro del canto gregoriano, que era la base”, explica. “Es una forma de música sacra que siempre ha interesado a los compositores, porque permite experimentar y es más libre que otras formas como la misa, que siempre tiene una estructura similar. Es como lo que ocurre con el madrigal en la música profana”. 

De este modo, el concierto comenzará con un motete de un autor anónimo de la Escuela de Notre Dame, fechado en el siglo XIII, y avanzará cronológicamente con otras nueve obras de compositores que representan diversos periodos: Guillaume Dufay (1397-1474) y Tomás Luis de Victoria (c.1548-1611) desde el Renacimiento; Claudio Monteverdi (1567-1643) y Johann Sebastian Bach (1685-1750) para el Barroco; Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) en el Clasicismo; Anton Bruckner (1824-1896) como un ejemplo romántico; y Maurice Duruflé (1902-1986), Arvo Pärt (1935) y Franz Biebl (1906-2002) desde el siglo XX hasta la actualidad.

Cada una de las obras, además, tiene una historia detrás. Nuper rosarum flores, por ejemplo, fue escrito en 1436 por el compositor franco-flamenco Guillaume Dufay para la consagración de la imponente catedral de Santa María del Fiore de Florencia, cuya cúpula fue diseñada por el arquitecto Filippo Brunelleschi. “Hay crónicas de la época que hablan del estreno, donde estuvo el Papa, y dicen que la gente quedó maravillada. O sea, fuera de serie”, apunta Rodrigo Díaz.

Rodrigo Díaz, director coro Madrigalista Usach

Al otro extremo en la línea del tiempo está el compositor estonio Arvo Pärt, uno de los precursores del minimalismo y figura reconocible de la música sacra contemporánea. 

Su motete Da pacem Domine fue comisionado por el músico español Jordi Savall para rendir homenaje a las víctimas de los atentados ocurridos en 2004 en Madrid. “Hay muchos motetes por encargo. A veces, eran tan famosos que después se hacían misas sobre un motete, como el que vamos a interpretar de Tomás Luis de Victoria”, concluye.

El del miércoles 3 de agosto será el primero de los tres conciertos que realizará el Coro Madrigalista Usach a lo largo de 2022. En septiembre dedicará una presentación al repertorio hispánico, entre los siglos XVI y XVIII, y en diciembre hará un concierto de Navidad.

4° Festival ecológico de teatro infantil comunitario FETIC

 

¿Pueden la educación ecológica y el teatro ir de la mano?

En el Festival FETIC creen que sí, la instancia que reúne a las familias en torno al teatro, promueve además diversas expresiones artísticas e invita a vecinas y vecinos de diferentes barrios en Renca, Lo Prado y Conchalí, a participar en tres jornadas que prometen mucha diversión mediante una variada cartelera que incorpora talleres, muralismo, oficio tradicional organillero-chinchinero y obras teatrales cuyo tema central es la convivencia y la ecología.

“Nuestro objetivo como compañía es divulgar la flora y fauna de Chile, y a partir de eso surgió la idea de compartir con otras compañías que abordan temas relacionados, en torno a un encuentro teatral” nos dice Eduardo Medel, director de la compañía Teatro Ecológico de Chile. De esta manera el festival FETIC se ha convertido en una importante contribución para la difusión del cuidado medioambiental y de la alianza entre experiencia artística y educación ambiental.

Este año FETIC celebra su cuarta versión y lo hará itinerando por tres comunas de la capital, en las que transformará canchas, plazas y sedes vecinales en escenarios para disfrutar del teatro y la cartelera complementaria.

“Nada de esto sería posible sin el trabajo comunitario en los distintos territorios, donde vecinos y vecinas se unen para articular en conjunto con nuestro equipo, esta instancia de encuentro y entretención, de manera amigable con el medioambiente” nos comenta, Lorena Ramírez Flores, Gestora Cultural. 

Cada fin de semana será una jornada del festival, los sábados se realizarán los talleres y las mañanas de los domingos todos los shows artísticos.

“FETIC está pensado para público infantil y familiar, queremos que a partir de sus experiencias en este encuentro y de las obras de teatro, surjan reflexiones que puedan compartir y desarrollar posteriormente en familia o en grupo” comenta Marcela Paz Moreno, organizadora del Festival.

Este Festival está financiado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, al respecto sus organizadores se manifiestan felices en tanto les permite generar un mercado sectorial y territorial asociado a la actividad artística, también porque visibiliza la cultura comunitaria, la organización barrial y la circulación teatral.

“Que se valore esta alianza entre educación medioambiental con la actividad artística, para nuestro equipo es muy estimulante y hoy totalmente necesario.

Las personas deben implicarse y entender que en el presente todas, todes y todos somos agentes de cambio”, señala Marcela. 

Sobre el Festival Lorena nos dice que "las jornadas están pensadas en que la gente pueda desplazarse y seguir la itinerancia, dando valor a los territorios, a su tradición y la actividad cultural comunitaria que en ellos se realiza”.

El Festival FETIC es una idea de la compañía de Teatro Ecológico de Chile, encuéntralos en redes:

@fetic_oficial @teatro_ecologico_de_chile

Conciertos de guitarra en el Museo de Artes Visuales

Esteban Espinoza 

 El concierto del domingo 31 de julio, a las 16:30 h, tiene la particularidad de presentar dos generaciones de intérpretes, uno consolidado y profesor universitario, como es el caso de Esteban Espinoza y, por otro lado, el joven Cristian Medina, recientemente titulado y próximo e iniciar estudios de postgrado en Europa.

El instrumento que utilizarán es una guitarra Masaru Kohno, Japón 1979. Este instrumento pertenece y es facilitado por la Fundación Guitarra Viva Ernesto Quezada.

Esteban Espinoza es un aplaudido y premiado guitarrista chileno. Con sus diez premios nacionales e internacionales, el estreno en Chile de obras para guitarra sola y conciertos para guitarra y orquesta, la participación en los festivales de guitarra más importantes de Chile, y giras internacionales por Sudamérica, Centroamérica y Europa, se posiciona como uno de los mejores guitarristas de Chile del momento.

Realizó sus estudios de Licenciatura en Ciencias y Artes Musicales e Interpretación Musical con mención Guitarra Clásica bajo la guía del profesor Guillermo Nur Gómez en la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso. Fue becado por el Gobierno de Chile para realizar estudios de Postgrado en Interpretación de Guitarra Clásica en el Instituto Superior de Arte, La Habana, Cuba.

Destaca su versatilidad a la hora de interpretar disímiles estilos desde la guitarra clásica, siendo el público de todo Chile, Sudamérica y gran parte de Europa quien ha podido constatar su alto nivel interpretativo y sensibilidad musical en sus presentaciones, seminarios y clases magistrales. Actualmente es profesor de guitarra, jefe del Departamento de Guitarra y jefe de Carrera de Interpretación Musical en el Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso.

Cristian Medina finaliza sus estudios musicales titulado con distinción máxima en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Comenzó sus estudios en 2014 con el maestro Ernesto Quezada en la misma institución.

Cristián Medina

Fue becado por la fundación Guitarra Viva para estudios de pregrado y de la corporación “Amigos del municipal” del teatro municipal de Santiago (2019).

Ha tomado clases magistrales con diversos músicos de destacado renombre internacional como Marcin Dylla, Lorenzo Micheli, Alvaro Pierri, entre otros. Ha obtenido distinciones en premios nacionales e internacionales presentándose en diversas salas de Europa y Latinoamérica.

Actualmente es parte del programa de perfeccionamiento de la Fundación Guitarra Viva con el Dr. Nicolás Emilfork.

El último domingo del mes, la entrada al Museo de Artes Visuales MAVI UC es gratis para todo público, por lo que el ingreso a esta actividad no tiene costo.

Para entrar es necesario tener pase de movilidad. No se requiere inscripción previa, pero es importante considerar que el aforo es limitado y la entrada será por orden de llegada. Más información sobre estos conciertos en https://www.mavi.cl/2022/07/18/guitarras/

Música imaginada: Aula Records reedita la discografía solista de Horacio Salinas.

Horacio Salinas dirigiendo a la Orquesta 
Clásica Usach. (c) Gary Go. 

 Candidato al Premio Nacional de Artes Musicales, el compositor y guitarrista publicará cinco discos con obras que ha creado para cine, teatro y otros proyectos, a través del sello discográfico de la Usach.

Horacio Salinas (Lautaro, 1951) es el autor de algunas de las canciones más emblemáticas de la Nueva Canción Chilena. Primero como director de Inti-Illimani y luego en Inti-Illimani Histórico, desde la segunda mitad del siglo XX ha firmado melodías capitales del cancionero latinoamericano. Pero esa nutrida trayectoria, que lo ha llevado además a hacer presentaciones, literalmente, alrededor del mundo, no ha agotado su caudal creativo.

Desde los años 80 también ha construido un repertorio de música para cine, teatro, televisión y danza, así como un catálogo de canciones que dialogan con la poesía de autores latinoamericanos, desde los chilenos Jorge Teillier y Patricio Manns al venezolano Aquiles Nazoa y el cubano Nicolás Guillén. Son piezas estampadas en viejos cassettes y discos compactos o registros que han permanecido inéditos, pero ahora tendrán un nuevo aire.

Aula Records,  el sello discográfico de la Universidad de Santiago de Chile (Usach), publicará Música imaginada, una colección de cinco discos que estará disponible en formato digital durante el último trimestre de 2022 y luego circulará en CD y vinilo. 

Específicamente, serán dos volúmenes con obras para teatro, cine y televisión, compuestas entre Europa y Chile, desde 1980 a 1997; el disco Remos en el agua, lanzado originalmente en 2003; Río, una música inédita creada en 2006, para una obra de videodanza de la coreógrafa Mariela Cerda y El Húsar de la Muerte” (2020), banda sonora para la película de Pedro Sienna, interpretada por la Orquesta Clásica Usach y ya editada a través del mismo sello discográfico.

El anuncio se produce justo cuando Horacio Salinas es postulado por la misma Usach para el Premio Nacional de Artes Musicales 2022: “Me honra mucho que la universidad respalde esta nominación. Creo que represento una parte de la música que ha sufrido cierta distracción de parte de las autoridades que piensan en la música chilena.

La Nueva Canción Chilena ha tenido una difusión bastante grande en el mundo y no ha tenido el mismo respaldo de parte de este premio”, comenta.

En cuanto al proyecto de reeditar su repertorio solista, el autor de “El Mercado de Testaccio” cree que “es importante cumplir con algo que ya nos advertía el maestro Sergio Ortega en el Conservatorio: hay que evitar componer música para el ropero, es decir, tener las partituras guardadas en cajones. Ha sido bastante prolífica esta faceta de mi composición que ha nacido para acompañar imágenes y es lo que recupera este proyecto de Aula Records”. 

El primer avance de la publicación es el single “El valle”, ya disponible en servicios de streaming, junto a una segunda composición titulada “La hostería”. 

Ambas melodías fueron escritas precisamente para esa obra de videodanza de Mariela Cerda, ambientada en la comuna de Río Hurtado, en la región de Coquimbo.

 “En ‘El valle’ hay un pizzicato de las cuerdas para acompañar la imagen de los campesinos que trabajan en la cosecha de la uva. ‘La hostería’ la compuse imaginando estos viejos locales que se encuentran en poblados lejanos a Santiago, donde se baila una especie de música valseada que ya es parte del pasado”, comenta Salinas.

Aunque Música imaginada contempla composiciones creadas para distintos contextos y abarca cuatro décadas de trabajo, Horacio Salinas cree que hay un elemento inalterable a través del tiempo.

“Siempre he tenido una obsesión con algo que sentí desde muy niño y dice relación con la energía de la música de raíz folclórica, el gesto de la comunidad frente a su música. Eso me pasa con la música de la Fiesta de La Tirana, la cueca de Los Chileneros, pero también con música húngara, mexicana, griega o céltica. Vivir la música y el baile de esa manera me emociona. Si se puede hablar de algo en común en lo que he hecho desde el comienzo, desde ‘Tatatí’ o ‘Alturas’, es el pálpito de la música como una manifestación ligada a la tradición y la vida de la comunidad”.

Junto con facilitar el acceso a la obra de Horacio Salinas, Música imaginada revitalizará también un lazo histórico: la colaboración con Vicente Larrea, uno de los responsables de la particular iconografía asociada a la Nueva Canción Chilena. Junto a Luis Albornoz y a su hermano, Antonio, dieron vida a las carátulas más emblemáticas del movimiento, publicadas principalmente por el sello discográfico Dicap y mantuvieron, un estrecho vínculo con Inti-Illimani. De Vicente Larrea es, de hecho, el arte del primer álbum y el tradicional logotipo del grupo.

“Desde ahí viene una amistad que se ha mantenido a través de los años”, recuerda el diseñador, quien ha apoyado la candidatura de Horacio Salinas al Premio Nacional de ARTES Musicales y que  creó, la portada de “El valle” y también se hará cargo de la visualidad en la reedición de los cinco discos.

“Cuando vi que estaba postulado al premio, llamé al ‘Loro’ y le dije que a título personal iba a hacer la quijotada de apoyarlo con algo de gráfica”.

Así, se desencadenó un proceso que recoge parte de esa vasta historia: “Me puse a dibujar temas relacionados con la música de la Unidad Popular y las piezas que compuso Horacio, su fineza y delicadeza en el uso de los instrumentos. 

Los colores fueron una consecuencia lógica: todo el trabajo de Horacio está relacionado con la música chilena y latinoamericana y representan bien a los que somos los latinoamericanos. 

Son colores alegres, muchos bastante básicos, que ocupan espacios que se forman entre la intersección de las letras con la pauta musical. Es un concepto simple y dio un resultado vistoso y alegre”, detalla.

Para Vicente Larrea, su labor es “un complemento que identifica visualmente” a las composiciones de Horacio Salinas.

 “Tienen ciertos acordes, sonidos típicos de nuestra música, y esta gráfica tiene lo mismo en forma visual. Las letras son un poco rústicas, están hechas a mano alzada, y representan mucho de la cultura gráfica que hemos desarrollado en los últimos 60 años”, concluye Larrea.

Lúdico concierto teatral sobre árboles celebra el día de la niñez.

 Un viaje visual y sonoro se despliega como un gran cuento para narrar la travesía de dos árboles que buscan reencontrarse. 

Teatro de objetos, música y narración oral se mezclan en la puesta en escena que recrea situaciones, acciones y emociones que podría tener un árbol en su vínculo con la humanidad.

En palabras del filósofo Francis Hallé “Un árbol es tiempo hecho visible”. Ésta fue una de las premisas que recogió la compañía Organismo Teatro para trabajar en su más reciente creación, Árbol(es), que continuará con funciones entre el 4 y el 7 de agosto en Taller Siglo XX Yolanda Hurtado.

Un concierto teatral que mezcla música, narración oral y teatro de objetos para desplegar un gran canto a lo arbóreo que reflexiona en torno a un ser vivo históricamente invisibilizado.

“Los árboles son testigos del tiempo, parte importante de la cultura de un pueblo y memoria histórica de las sociedades. Resulta urgente relevarles y posicionarles como seres con derechos, al igual que nosotros, los seres humanos.

Lamentablemente, se han ido alejando poco a poco de nuestro entorno y la marcada desigualdad existente en cuanto a especies arbóreas, en muchos lugares de nuestro país, nos distancia mucho de aquel debate”, dice el autor y director de la puesta, Emerson Velásquez.

Arbol(es) invita a toda la familia a un viaje visual y sonoro que se despliega como un gran cuento para narrar la historia de dos árboles que fueron desterrados del lugar en el que siempre han vivido. Lanzados cada uno a los distintos extremos de la ciudad, iniciarán la travesía para reencontrarse. Se trata de un relato fragmentado en cuatro estaciones, cantado a una voz.

¿Qué vínculos establecemos actualmente con los árboles de nuestra sociedad? ¿Podríamos decir que nuestro origen pudo haber sido arborícola? Son parte de los cuestionamientos que plantea el montaje protagonizado por Valentina Soto Lambert, Nelson Castro, Rafael Pastene y Mical Romero

La obra mezcla la narración oral, la música y el teatro de objetos, invitando al espectador a un viaje sonoro y teatral de carácter inmersivo y rapsódico, instalando reflexiones en torno a la figura del árbol en las sociedades.

Árbol(es) se despliega como un gran cuento que especula en lo desconocido, en la vida y sueños de dos árboles que son desterrados de su propio territorio, de su propio hogar, viéndose enfrentados -con sus raíces al descubierto- al mundo de los desvelados, en la búsqueda de algún espacio posible donde poder encajar.

Un concierto teatral dedicado a todos aquellos árboles desterrados, desaparecidos y disidentes de nuestro país.

PIM PAU llega en agosto al teatro Mori de Parque Arauco.

 “Fiesta Tucumpá!” se define como un espectáculo para toda la familia, que convoca a niños y adultos a sumergirse en un show donde la palabra es juego, la música es juguete y el cuerpo es instrumento. 

Esta fiesta cuenta con canciones como “La Mascota”, “Umacapiruá”, “Tucumpá”, “Los opuestos”, “Viajando en tren” y “Adivinador”; todos himnos ya conocidos por el público de PIM PAU.

 El show se estará presentando el domingo 14 de agosto en el Teatro Mori de Parque Arauco con funciones a las 15:00 y a las 17:00. Las entradas ya están disponibles a través de www.ticketplus.cl

 Además, el día anterior 13 de agosto, el conjunto va a realizar un encuentro de formación pedagógica de 10:00 a 14:00 en la Sala Isidora Aguirre del Centro Cultural Estación Mapocho. El encuentro está basado en la Musicalización y Expresión Creativa, que propone jugar a través del arte y aprender a través del juego, priorizando la participación del niño y de la niña. La información detallada y las entradas se pueden encontrar a través de www.santiagooff.com. 

Cabe destacar que este proyecto se realiza en el marco de una gira del conjunto por Chile visitando las ciudades de Panguipulli y Valdivia; donde estarán presentando el show en la Casona Cultural de Panguipulli el miércoles 10 de agosto a las 11:00 y en el Teatro Municipal Lord Cochrane de Valdivia el jueves 11 a las 17:00. 

Además, el mismo 11 de agosto se realizará el Encuentro de Formación Pedagógica en el Centro de Creación (CECREA) de Valdivia, entre las 10:00 y las 14:00. Todas estas actividades serán gratuitas.   

PIM PAU es un proyecto argentino/brasilero de arte, música y educación; para niños y adultos, que se ha posicionado como una revelación por su interesante propuesta y su rápido crecimiento. Ellos deciden poner al juego como el eje central de sus actividades; cargadas de una identidad lúdica y de la incesante búsqueda de nuevos caminos para la entretención familiar. 

Este 2022 será un gran año para PIM PAU: retomó las giras por las ciudades más importantes de Argentina, Uruguay, Chile, Cuba y México.  En julio, estrenó  el video “Toca el tambor” y “Tomate perita” con un nuevo single en Spotify. 

 Desde la publicación de su disco Recreo en 2016, la banda se ha presentado en teatros y festivales a lo largo de Argentina, Chile, Colombia, Uruguay y Brasil; y desde la presentación de su segundo disco Corazón de crianza en 2019, el conjunto se ha consolidado como una propuesta novedosa, diferente y convocante dentro de Latinoamérica y el mundo. 

En mayo pasado se reeditó su primer libro Arte y Educación en las Infancias (Umacapiruá Ediciones, 2021) —que fue declarado de Interés para la Educación y la Comunicación Social por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires—, planean otros trabajos en una nueva colección, Pipoca, de libros para las infancias. 

Hoy sus videos acumulan millones de visitas en Youtube, y sus canciones son escuchadas y utilizadas con fines educativos en diversos países de América y Europa; como Francia, España, Estados Unidos, República Checa, Brasil, México y Colombia. El conjunto está integrado por Cassio Carvalho, Eva Harvez y Lucho Milocco. Todos docentes, artistas y realizadores audiovisuales. 

PIM PAU es un proyecto didáctico, atractivo Y novedoso; y encuentra su espacio ideal en este mes de los niños. Las entradas para ambas actividades ya se encuentran a la venta y con las plazas cada vez más limitadas; por lo que se recomienda apresurarse para reservar un lugar en esta aventura familiar.