Nueva exposición de Delight Lab en Centro Cultural La Moneda

 IRL será parte de exposición de Delight Lab en Centro Cultural La Moneda

Con motivo de la conmemoración de los tres años desde el 18 de octubre de 2019, Delight Lab accede a la invitación del Centro Cultural La Moneda por reinterpretar libremente ese momento, su impacto y sus significados, reactivando un diálogo necesario a través del arte. 

La exposición “No dejes morir mis llamas” busca representar parte de los imaginarios presentes en la subjetividad ciudadana durante los meses siguientes al estallido social del llamado 18 O, poniéndose a disposición de los públicos con el fin de activar un debate que es difícil, que supone miradas contrapuestas, que tiene en la violencia – en sus diversas interpretaciones – un vértice relevante y que tuvo en los monumentos, y especialmente en el monumento del general Baquedano, un espacio de confrontación en la disputa social y política. 

Serán tres áreas expositivas, una instalación de grandes dimensiones que cita al monumento al General Baquedano y 34 luces que se proyectan desde el suelo al cielo, una serie de fotografías y texto y la obra de experiencia VR (realidad virtual) titulada 34+, desarrollada por el estudio creativo IRL. Esta obra comparte el mismo concepto que la instalación No dejes morir mis llamas, pero desde diferente formato y técnica. Se trata de una experiencia virtual que consiste en la contemplación del Monumento al General Baquedano, que es dinámica. 

La narración es acompañada de un poema escrito por Octavio Gana, inspirado en los manifestantes y en una cita a Ulysses del escritor irlandés James Joyce (1842-1941), texto que también fue usado por la artista Lotty Rosenfeld (1943-2020) en su instalación Moción de Orden. En esta obra se suma la participación de Gustavo Gatica en la narración.

“Con la realidad virtual pudimos trabajar sobre un monumento incómodo, que habría sido imposible de intervenir pues ni siquiera nos dejaban acceder a él. A su vez, poder usar tecnología inmersiva y narrar un relato, hacer ocurrir cosas que no podrían ser en la realidad evocando un mundo onírico imaginario, a su vez poético, buscando una sanación”, agrega Andrea Gana, la otra integrante del colectivo Delight Lab. 

“Estamos demasiado contentos de tener la posibilidad de mostrar IRL en un museo de esta magnitud, era nuestro sueño. Sobre todo, por la escasez que hay de VR Station o de la tecnología VR en los museos nacionales en Chile. 

Creemos que hay una carencia ahí todavía muy grande y que estamos con muchas ganas de empezar a desarrollar obras originales o poder traer obras de afuera en este formato, como lo hemos visto en otros grandes museos de capitales del mundo de manera permanente. Qué bueno que se empezó a abrir el espacio para esto, es bastante rupturista acá en Chile”, comenta Melisa Nicitich, Directora Creativa IRL. 

“Este es un buen experimento y somos tan inquietos en lo que es desarrollo, además, siempre cada dos o tres meses está saliendo un nuevo software, una nueva posibilidad, nosotros ya estamos desarrollando nuestra primera influencer virtual que queremos meter en distintos metaversos, uno de ellos probablemente sea IRL y luego estamos dispuestos a entrar a todos los que podamos. Entonces, ahora estamos en el desarrollo de personajes virtuales más allá del nuestro”, agrega Nicitich. 

El público podrá visitar la exposición desde el jueves 27 de octubre, de martes a domingo entre las 10:00 y 18:30 horas en el Hall Central del Centro Cultural La Moneda, nivel -3 y estará en exhibición hasta el 6 de noviembre. La entrada es liberada.

Presentan la primera exposición retrospectiva del artista alemán Harun Farocki

Desde el 11 de noviembre al 11 de diciembre la Pinacoteca UdeC recibirá “Desconfiar de las imágenes”, una muestra que reúne nueve videoinstalaciones creadas por el destacado cineasta entre los años 1995 y 2014, y curada por el equipo de programación de Frontera Sur.

 Desde finales de los años sesenta, la obra de Harun Farocki (1944-2014) ha tenido una influencia decisiva en la historia del cine político. 

A través de más de 100 producciones que plantean una reflexión sobre la relación entre sociedad, política e imagen en movimiento, estas no solamente se exhibieron en cine y televisión, sino que, casi un tercio, fueron videoinstalaciones. 

Estas últimas llegarán por primera vez a Chile en el marco de la quinta edición del Festival FRONTERA SUR en Concepción bajo el título “Desconfiar de las imágenes”. Financiado por el Fondo de Fomento Audiovisual del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Convocatoria 2022 y en colaboración con la Dirección de Extensión y Pinacoteca Universidad de Concepción, la Corporación chilena del video, Luz clarita, Labcrimen y Festival Proceso de Error, la instalación reúne algunas de las obras realizadas por el artista alemán durante un período abierto desde 1995 hasta el final de su carrera.

“El trabajo de Farocki nos parece fundamental, ya que, además de ser muy relevante en el contexto de la historia del cine y del arte, se reactualiza con las distintas problemáticas que van surgiendo en la realidad”, asegura Cristian Saldía, director de FRONTERA SUR. “Es un artista que aborda la relación entre las imágenes y la destrucción de los seres humanos, escribiendo, enseñando, montando y remontando sus materiales y los de otros. De esta manera, revela las distintas formas de poder involucradas en la producción, distribución y recepción de las imágenes contemporáneas”. 

Disponible desde el 11 de noviembre al 11 de diciembre en la Sala Marta Colvin de la Pinacoteca UdeC, la exhibición incluirá nueve videoinstalaciones que abordan temáticas como el significado de trabajar con imágenes existentes, en lugar de producir nuevas imágenes propias (Interface [Schnittstelle], 1995), el cómo las tecnologías de imágenes militares encuentran su camino hacia la vida civil (Eye / Machine I, II [Auge / Maschine I, II], 2000), o la conexión entre la realidad virtual y el ejército estadounidense (Serious Games III: Immersion [Ernste Spiele III: Immersion], 2009). 

Asimismo, otras obras de Farocki reflexionan en torno a los estilos en gráficos por computadora (Parallel I [Parallel], 2012), los límites de los mundos del juego y la naturaleza de los objetos (Parallel II, III [Parallel II, III], 2014) y una exploración a los héroes de los videojuegos (Parallel IV [Parallel IV], 2014). 

Este año, el Festival FRONTERA SUR celebrará su quinta edición del 15 al 27 de noviembre de 2022, en una modalidad híbrida, divida en dos bloques: desde el 15 al 19 se marcará el retorno a las actividades presenciales con exhibiciones de películas en salas de la ciudad de Concepción, y del 20 al 27 a través de su plataforma digital. 

En las funciones presenciales, habrá instancias de diálogo y reflexión (Compartir el cine y Diálogos FS) y actividades de formación, mediación con estudiantes de enseñanza media. Todas ellas estarán abiertas al público con acceso liberado y serán anunciadas durante el lanzamiento de la programación en las próximas semanas. 

FestiCRIN da a conocer su parrilla para su edición 2022

El pasado martes, en el Centro Cultural GAM, se anunció la programación del octavo FestiCRIN, certamen que contará con 24 espectáculos gratuitos para disfrutar en familia, estos serán distribuidos en 5 sedes durante el mes de noviembre. 

La Asociación Gremial de Creadores Infantiles de Chile, CRIN Chile, es la encargada de desarrollar y organizar el  festival que se realizará los días 5, 13, 19, 20 y 26 de noviembre en Santiago, San Antonio, Rancagua, Curacaví e Independencia, respectivamente.

Se recibieron más de 35 propuestas de diversos puntos del país, las cuales fueron evaluadas por un jurado conformado por Andrés Pérez, Cecilia Álamos, Lula Saitua y Camilo Cintolesi, destacadas músicas y músicos nacionales.

El evento cuenta con el financiamiento del Fondo de la Música del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, convocatoria 2022. Más información sobre horarios, bandas y el festival en www.festicrin.cl 

Esta es la octava versión del Festival Nacional de Música para la Infancia, FestiCRIN, lo que lo posiciona como uno de los encuentros de música infantil gratuitos más importantes del país.

Daniela Guzmán, presidenta de CRIN Chile, señala que “estamos felices con la alta participación e interés que hubo de las bandas por ser parte de FestiCRIN”, agrega que “esperamos seguir creciendo y poder llegar a más regiones abriendo espacios para la música infantil y las familias en todo el país”.

Guzmán añade que “queremos agradecer el trabajo y apoyo de espacios culturales y municipios que permiten llevar FestiCRIN a diversos lugares, como es el caso de la Ilustre Municipalidad de Curacaví, La Municipalidad de Independencia y la Corporacion Cultural de Independencia, GAM, Casa de la Cultura de Rancagua y el Centro Cultural de San Antonio”, puntualizó.

FestiCRIN es una instancia que reúne a creadoras y creadores de música para la infancia con sus públicos, y cuyo foco es abrir espacios familiares educativos y entretenidos, apuntando por la descentralización.

En el evento de lanzamiento participaron integrantes de agrupaciones como: Dúo Manzanares, Banda Porota, Volantín, Arlequín y la Banda de las Tortuguitas, Canciones Para Pichikeche, Musicanciones, Wachún, Los Fi, Jugando, Cantando y Hablando Voy Pensando, entre otros, quienes serán parte de la próxima edición del Festival. 

Entre las autoridades y entidades colaboradores presentes en la conferencia asistió Felipe Mella, Director Ejecutivo del GAM, Carla Zuñiga, Centro Cultural San Antonio, Carolina Bustamante, Coordinadora Oficina Protección Derechos de Niñeces y Juventudes, Independencia, Claudia Abarzúa, directora de la Fundación Cultural Lo Prado, Isidora Moulian, Directora de la Corporación Cultural y Patrimonio de Independencia.

Blanca Lewin protagoniza monologo sobre salud mental

 Fue en Buenos Aires, a la salida de una de sus presentaciones de Muchacho de luna –en la que Paulo Brunetti se ponía en la piel de García Lorca – que el actor coincidió con Blanca Lewin y en plena conversación notó que había hallado a la protagonista de su segunda apuesta como director teatral. 

“Aquí está la madre, me dije”, comenta sobre el inicio de la versión local de He nacido para verte sonreír que se mantendrá en cartelera hasta el próximo sábado 19 de noviembre en Teatro Finis Terrae. “Un espectáculo sensible de actuaciones impactantes. Una joya de la dramaturgia argentina”, describe Marco Antonio de La Parra, director de Teatro Finis Terrae. 

Original del prolífico autor trasandino Santiago Loza –el dramaturgo argentino vivo más montado en el mundo y que anteriormente estuvo en Teatro Finis Terrae con su obra El mar de noche –, el elogiado texto cuenta la despedida de una madre a su hijo que pronto será internado para curar un trastorno psiquiátrico.  

Un drama íntimo, profundo y desgarrador sobre el amor y la salud mental. “Tenía una deuda con Santiago desde 2014 (…) años después, cuando leí el texto de esta obra me di cuenta que sí lo era: el momento de volver a dirigir y saldar mi deuda con este brillante autor que tanto admiro”, agrega el director. 

Blanca Lewin, en tanto, también considera una gran oportunidad trabajar con un relato de Loza. “Coincidentemente en la pandemia tomé un taller de dramaturgia con él, así que me siento muy honrada de poder interpretar un texto suyo del que sólo espero estar a la altura”, dice sobre lo que para ella implica un doble desafío pues se trata de la primera vez que protagoniza un monólogo. 

“El miedo a la locura es algo que ha habitado dentro de mí siempre, mucho más que a la muerte. Enfrentarse a ese miedo ha sido un lindo proceso.  Y de casualidad me he encontrado sincrónicamente con personas y literatura que me han abierto una ruta en ese camino”. 

En el diseño escenográfico, Paulo optó por el talento del mítico Ramón López, quien aporta un sello diferenciador a la puesta en escena. “En los otros países, los montajes han sido muy realistas, o pasa en la cocina o en el cuarto del chico. 

A mí me llaman mucho la atención las cabezas, las mentes de estos dos personajes; la madre y el hijo. Y cuando conversé con Ramón, que para mí es un honor tenerlo a mi lado, ambos coincidimos en que hacer algo realista era romper con lo escrito por Santiago, entonces nos quisimos ubicar en la cabeza de estos personajes, sobre todo del hijo. La madre entra y sale de la mente del hijo porque son los miedos que entran y salen de su cabeza”, concluye el director.

Las funciones serán hasta el 13 de noviembre, de jueves a sábado, 20.30 horas; domingos 19 horas. *No habrá funciones 29 y 30 oct. 

Valor de las entradas: $12.000 general, $7.800 adulto mayor, $6.000 estudiantes
Teatro Finis Terrae (Pocuro 1935, Providencia, Stgo.) https://ticketplus.cl/events/he-nacido-para-verte-sonreir

Taller SIGLO XX estrena obra y nueva imagen

 El próximo 13 de abril, Taller Siglo XX Yolanda Hurtado cumple 10 años. Hoy da inicio a la celebración de su primera década presentando una renovación de su imagen, nombre y oferta programática con miras hacia el futuro. 

Desde ahora el espacio cultural acoge el nombre de Espacio Taller, con su sala Yolanda Hurtado. ¡Gracias por todo Taller Siglo XX, bienvenido Espacio Taller! 

“Los momentos difíciles marcan, más aún a un lugar como el nuestro, que siempre ha estado lleno de vida. Tras haber resistido un estallido social y una pandemia, logrando mantenernos vigentes en la escena y con toda esa experiencia impregnada, nos pareció importante dar cuenta de la revitalización que enfrentamos en este nuevo contexto. 

Aún más conscientes de lo que somos y buscamos, decidimos refrescar nuestra oferta, nombre e imagen para fortalecer la identidad y valores del espacio, comenzando así las celebraciones de este décimo aniversario y marcando una nueva etapa de crecimiento y creación”, explica Bárbara Vera, directora artística de Espacio Taller.

 El lanzamiento coincide, y no casualmente, con el estreno de La felicidad de las tórtolas, la más reciente creación de la compañía La trompeta que marca su retorno a las tablas después de siete años.

 “Consideramos relevante acompañar este cambio con un hito programático que diera cuenta de nuestra línea curatorial. 

Recibimos con alegría y orgullo el regreso de esta reconocida compañía, que trae un nuevo trabajo que también aúna pasado, presente y futuro, reúne figuras jóvenes y consolidadas y propone escénicamente con libertad, experiencia y frescura”, agrega. 

La felicidad de las tórtolas, de Ximena Carrera, muestra el encuentro entre una dramaturga y el protagonista de su obra, en un juego de realidad-ficción que aborda las grandes preguntas del sentido de la existencia. Sebastián Vila está a cargo de la dirección, en tanto el elenco lo forman Felipe Zambrano y la misma autora. El estreno es este jueves 27 de octubre en la sala Yolando Hurtado de  Espacio Taller  y tendrá una breve temporada hasta el 13 de noviembre. 

Fundado en 1985 por la actriz Yolanda Hurtado, Taller Siglo XX nace  como un espacio para el teatro y las artes en la casa ubicada en Ernesto Pinto Lagarrigue 191, Barrio Bellavista, Recoleta. 

Aquí se realizaron talleres de desarrollo personal, clases de pintura y teatro, conversaciones, charlas y exposiciones; además del estreno de la destacada obra Dos en el desván, creada por Yolanda Hurtado y Carlos Genovese.

Tras un receso iniciado en 2009, el espacio levanta el telón en nueva etapa de existencia -esta vez como Taller Siglo XX Yolanda Hurtado- el día sábado 13 de abril de 2013, en memoria y como un reconocimiento de su familia a la inspiradora de esta labor cultural, la actriz y matriarca, Yolanda Hurtado Dvoredsky. En esta etapa se realizan ciclos musicales, teatrales, conferencias, seminarios, exposiciones de pintura y escultura con destacados artistas e intelectuales nacionales y extranjeros.

En el marco de la conmemoración de su décimo aniversario, el lugar se revitaliza con la fuerza de haber resistido los efectos del estallido social chileno de octubre 2019 y la pandemia mundial por Covid 19 que inició en 2020 y que incluso aún nos aqueja.

En esta tercera etapa surge Espacio Taller con su sala Yolanda Hurtado, refrescando su imagen y vinculación con los públicos, el medio artístico-social, y el entorno.  

“Sabemos que los cambios son procesos. Partimos esta transición con una nueva página web, actualización de nuestro logo, imagen, redes sociales y la progresiva instalación de nuestra refrescada y fortalecida identidad. 

Espacio Taller no es sólo un cambio de nombre, es el inicio de una nueva etapa que trae consigo la experiencia de los más de 35 años de trabajo que ha tenido este lugar. 

Avanzando hacia este nuevo e inesperado futuro, queremos consolidar y compartir nuestros valores inspirados en la concepción artística de Yolanda Hurtado: ser un lugar que convoca al encuentro, a la vida y a la democratización del arte para liberar el potencial de cada persona, públicos y/o creadores”. 

Presentan novela de detectives de un joven escritor de 16 años

 “J&B Detectives: La leyenda de Sibú” cuenta la historia de una pareja que celebra su aniversario en Costa Rica y de dos investigadores que son contratados para resolver la desaparición de un chico. Durante estos sucesos se ven involucrados en una aventura con dioses y asombrosos poderes. 

Julián Gómez-Munita es el autor de esta novela llena de intriga, la que nace de un viaje que hizo a los 13 años hacia este país de Centroamérica, donde escuchó de un guía turístico la historia de algunos dioses de la zona, resultándole bastante peculiares. 

Es por esto que nace su interés por el tema y luego de tres meses de investigación y casi dos años de trabajo en este libro, hoy publica junto a Trayecto “La leyenda de Sibú”. 

“Todo esto es como introducir ese mundo de cultura nativa de Costa Rica en un libro. Creo que son dioses súper desconocidos, pero el hecho de que estén en un libro hace que pase a ser parte de algo más. Es también una forma de compartir esa cultura”, comenta Julián. 

A Julían siempre le ha gustado escribir y es por esto que ha participado en distintos concursos de poemas y cuentos, porque le llama todo lo que tenga que ver con la imaginación. “Es súper emocionante porque es como un sueño que se hace realidad. Es poder lograr una meta que te propusiste”, afirma. 

La historia está orientada a un público jóven, ya que el autor lo escribió pensando en algo que a él podría interesarle, al igual que a personas de su edad. Es por esto que le gustaría que con su libro: “la gente de mi edad se motive a leer, que le guste la historia, que se entretenga, que tengan que leerlo hasta el final y que se diviertan con la aventura que hay en el libro”.

Obra inclusiva busca democratizar la danza y el placer.

 Basándose en la experiencia de sus cinco intérpretes --todos con distintas edades, corporalidades y origen en las artes escénicas--, Colectivo En/Puja replantea las hegemonías del placer, encarnando la erotización de la vida y el desgobierno de los sentidos en un montaje que conjuga coreografías, electroacústica, audiorelatos y videomapping.

Utilizando diversos instrumentos de accesibilidad universal, como interpretación en lengua de señas y audiodescripción, el proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, convocatoria 2021; fue ideado también para la apreciación de personas en situación de discapacidad, públicos ciegos, con baja visión y personas sordas.

“La obra surge por instalar el placer desde distintas perspectivas poner en valor este sentir del ser humano, ponemos en valor este goce, pero también hacemos una revisión y cuestionamos cómo nuestra cultura y nuestra sociedad nos ha instalado y normado acerca de quién es y cómo pueden sentir placer”.

Así describe su directora y creadora de la idea original, Rocío Argandoña, a la génesis de PlaZer, segunda obra de danza en gran formato de Colectivo En/Puja que se estrena el próximo 29 de octubre en GAM.

Basándose en la experiencia de sus cinco intérpretes --todos con distintas edades, corporalidades y origen en las artes escénicas--, el proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, convocatoria 2021; busca replantear las hegemonías del placer, encarnando la “erotización de la vida” y el “desgobierno de los sentidos”.

En una puesta en escena que conjuga coreografías, electroacústica, audiorelatos y videomapping quieren instalar otra perspectiva del placer por la de “Plazer”, rompiendo formas ortográficas, estéticas y corporales.

“No está centrado desde lo sexual. Lo valoramos y le damos la importancia que amerita, pero también planteamos el placer de la contemplación, de cómo nos comunicamos, descubrimos nuestros sentidos, le damos valor a todo nuestro cuerpo como una zona erógena y cómo vamos haciendo una erotización de la vida también.

Estos cinco intérpretes entran en diálogo, nos hacen entrar en sus placeres que se van entretejiendo con sus historias”, agrega.

Con la asesoría y colaboración de Asociación Crea, la obra utiliza diversos instrumentos de accesibilidad universal, como interpretación en lengua de señas y audiodescripción, para la apreciación de personas en situación de discapacidad, públicos ciegos, con baja visión y personas sordas.

“Sabemos que es un derecho de las personas el poder acceder al arte y la cultura, pero estamos súper lejos de eso y, si no son las instituciones, somos nosotros -quienes trabajamos en las artes escénicas-, los que tenemos que comenzar a generar los cambios. Es una tremenda oportunidad poder hacer la instalación de estas herramientas y queremos que se queden con nosotros. No nos imaginamos trabajando de otra manera que no sea accesible. Ha sido un proceso de mucho, mucho aprendizaje”, continúa.

Compuesta por 10 escenas con momentos coreográficos con todes les cuerpos en escena con interacciones que se transformarán en solos, dúos y tríos, PlaZer es interpretada por Carmen Aros (bailarina), Consuelo Cerda (bailarina), Javier Muñoz (actor y bailarín), Marcela Cerda (actriz), Diego Ramos (artista circense), y se mantendrá en cartelera de jueves a sábado, hasta el 19 de noviembre.

“Es sencilla, pero no por eso menos compleja. Es una gran danza democrática en la que muchas personas pueden sentirse identificadas, no sólo en sus historias, sino que también en el movimiento, en el cuerpo y cómo se instala en escena. Queremos llegar y calar en todas y todos con esa cercanía, con esa sutileza, con historias contagiosas y rebeldes que nos van a invitar a viajar por distintos pasajes.”, concluye. 

La biblioteca del fin del mundo

 Editorial Forja presenta La biblioteca del fin de mundo, el nuevo libro de cuentos de Abraham Vega que abarca diversas temáticas que transitan entre las filosofías del mundo, el cambio climático, los oscuros laberintos de los mitos, el dolor humano y el inabarcable océano de los sueños. Un texto que explora los órdenes y desórdenes que parecen regir secretamente el universo.

Hay temas que han llamado la atención de la humanidad desde hace siglos, otros que recuerdan el dolor de la cruel situación de mujeres y hombres que sufrieron el maltrato, la represión y el exilio, y algunos más contemporáneos y de innegable actualidad, como es el cambio climático, sus causas, efectos, miedos y respuestas.

Así es la variada gama de tópicos que Abraham Vega acoge en los relatos que dan vida a La biblioteca del fin del mundo, que se presentó este fin de semana en la Biblioteca de El Tabo.  

Tal como lo explicó la periodista y escritora Soledad Araya Martínez, “el cuento que da nombre a este libro es una historia que une magistralmente las civilizaciones, culturas y sueños de Ptytias y Xulf, dos escribanos de pueblos muy distantes como distintos, que se dan a la tarea de encontrar una biblioteca cósmica perdida que contiene todo el conocimiento del universo, para decirlo en simple.

Es tan subyugante este texto que una vez iniciada su lectura no quieres que termine y no lo puedes soltar hasta que suspiras su última palabra”.

“A través de estos catorce nuevos cuentos, Vega nos lleva y nos trae, nos eleva y nos sumerge, nos confunde… pero siempre, siempre, nos emociona. El amor, la ilustración, la amistad, el dolor, la filosofía, un adiós son ingredientes infaltables en sus cuentos. Todo junto o por separado, con su majestad la madre naturaleza siempre presente, fuente de inspiración inagotable para este autor”, agregó.

Abraham Vega Faúndez es oriundo de Constitución. Allí estudió ingeniería y luego emigró a Canadá, donde cambió la ingeniería por las ciencias. Se graduó en Ciencias de la Tierra, M.Sc. en Geología y se especializó en temas de medioambiente.

La crisis ambiental ha sido una de sus permanentes preocupaciones, por lo que ha escrito varios artículos en diarios y revistas especializadas. En los años 90, pensando en soluciones para esta crisis, inició un programa de difusión científica con alta audiencia y obtuvo el reconocimiento como periodista científico otorgado por el Conseil de Presse du Québec, Canadá.

Su interés por las letras lo llevó a cursar estudios específicos sobre literatura latinoamericana. Con Editorial Forja publicó el volumen de cuentos El centro del centro y otros relatos circulares, el que fue seleccionado y adquirido por el Consejo Nacional del Libro y la Lectura para su distribución en bibliotecas públicas.

La biblioteca del fin del mundo es su segundo libro de cuentos y ya está a la venta en editorialforja.cl y en Librerías Antártica. También está disponible en formato ebook en las principales tiendas del ramo.

Finaliza circulación de proyecto de mediación artística de la UMCE

Calenda Maia

 Ocho encuentros, seis comunas de la región metropolitana y más de 400 estudiantes han participado del proyecto de mediación artística “Arte+Afectos. Conectando con el patrimonio artístico de la UMCE”.

A las comunas de Tobalaba, La Granja, La Cisterna, Ñuñoa y Peñalolén, se suma Cerro Navia, completando la circulación de este proyecto que busca acercar a las comunidades jóvenes con el patrimonio artístico de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación. 

La Orquesta de Cámara UMCE, el Coro DEMUS, la agrupación de música y cultura medieval Calenda Maia y la exposición de artes visuales “Arte+Afectos”, finaliza su itinerancia este  2 de noviembre en la Casa de la Cultura, las Artes y las Ciencias  Violeta Parra de Cerro Navia. 

Se realizarán dos conciertos mediados junto a la Orquesta de Cámara UMCE y el Coro DEMUS. Se trata de experiencias con la práctica musical que inician, incluso, antes de cada función, a través de un trabajo de mediación artística guiado por Gonzalo Bustamante y fortalecido en escena por la mirada pedagógica de David Miranda, director de la orquesta. 

Las estrategias participativas y la conversación son claves para acercar a los/as estudiantes al universo musical de la agrupación y conectar con el ejercicio interpretativo de la música de cámara. 

Lo mismo ocurre con el Coro DEMUS, donde tanto el cuerpo de voces como su director, Guillermo Vergara, despliegan una zona de contacto con el público que permite el diálogo cercano y una experiencia musical desde otros lugares, no convencionales, motivando el involucramiento de los/as estudiantes. 

Se suma a la programación el concierto de la agrupación Calenda Maia, a las 19:00 horas, y la muestra de artes visuales “Arte+Afectos”, que permanecerá abierta al público desde el 2 al 30 de noviembre. Serán casi un centenar de estudiantes del Colegio Neptuno, de la Escuela Básica Herminda de la Victoria y de la Escuela Especial Sargento Candelaria, los y las  protagonistas de este último encuentro, el octavo del proyecto que inició su circuito a fines del 2021. 

 El primer colegio participará de las actividades mediadoras y funciones de las agrupaciones musicales el día 2 de noviembre, durante la mañana; y, la comunidad de las escuelas, visitará la Casa de la Cultura, las Artes y las Ciencias para ser parte de las actividades de mediación artística de la muestra de artes visuales “Arte+Afectos”, que reúne obras de la Pinacoteca UMCE. 

La experiencia de contacto con obras de artistas como Mono González, Bororo, Ebe Bellange, Mario Toral, es guiada por la mediadora artística Claudia Vergara, quien, a través de estrategias participativas, diálogo y movimiento, posibilita la conexión de las vivencias de los/as jóvenes, especialmente, en contexto de pandemia, con los relatos que subyacen en cada obra de la exposición.

Diego Pinto Veas, director de la Dirección de Vinculación con el Medio y Extensión, de la UMCE, comenta que la relación de la universidad con las prácticas artísticas es profunda y sostenida en el tiempo, por lo que promover una educación artística, sobre todo, en la comunidad joven, es un desafío constante por lo que aporta y promueve en su formación. 

“Es importante el desarrollo de la expresión artística en los estudiantes pues les permite activar otras habilidades, conectadas con las emociones y el universo sensible, y no solamente con aquello vinculado históricamente al desarrollo curricular tradicional”, explica destacando el potencial de este proyecto, financiado por el Ministerio de Educación y que se articula a la misión de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación. 

La invitación es a seguir las redes sociales de la UMCE para conocer cada hito de esta iniciativa, que prontamente presentará su sitio web, y, también, a asistir, especialmente, al concierto de Calenda Maia, el 2 de noviembre, a las 19:00 horas, en Casa de las Culturas, las Artes y las Ciencias Violeta Parra de Cerro Navia.  

El concierto y la exposición de artes visuales “Arte+Afectos” son instancias gratuitas y abiertas a la comunidad estudiantil, sus familias y habitantes de Cerro Navia y comunas cercanas. Esta última estará abierta hasta el 30 de noviembre en el espacio cultural municipal.

“EL NIÑO DE PLOMO” se estrenará gratis en Extensión UCM

 “El 1 de febrero de 1954, tras muchos años buscando un legendario tesoro en la cordillera de Los Andes, dos pirquineros chilenos descubrieron en la cumbre del cerro El Plomo, a 5400 metros de altura, el cuerpo de un niño Inca congelado por más de 500 años. 

Un niño muerto en un sacrificio ritual no era el tesoro que esperaban encontrar. Sin embargo, decidieron llevarlo a Santiago, la ciudad a los pies de la cordillera, dejando a la montaña sin su tributo sagrado”, dice la introducción de la película, “El niño de plomo” que se estrenará en el Centro de Extensión de la Universidad Católica del Maule (UCM). 

Posteriormente, el filme dará paso a un recorrido por un Santiago inhóspito, donde progresivamente se asoma una cordillera majestuosa que albergará a los personajes: una mujer y un niño que emprenden un enigmático viaje al Cerro El Plomo, cumbre sagrada Inca. 

El niño, llamado Mateo, es quien fuerza la expedición, este siente que hay un vacío y oye un llamado. Scarlett, su niñera, desesperada por volver al refugio, trata de ignorar la voz de la naturaleza, pero la montaña exige a su niño de vuelta. 

La cinta, dirigida por Daniel Dávila y escrita en parte por la cineasta chilena Elisa Eliash, muestra a través de las pantallas, un relato personal, subjetivo y potente, además de un soundtrack a cargo de la banda del director, Luna in Caelo y la participación del productor británico John Fryer. 

No te pierdas este increíble filme que buscará sorprender al público el próximo lunes 7 de noviembre a las 19:00 horas, en el Centro de Extensión de la UCM, Talca ¡La entrada es gratuita y puedes asistir con tu familia y amigos/as!