Publican las deliciosas recetas de una de las pioneras de los libros de cocina

 Sin duda que la cocina se transformó en un desafío primordial durante el confinamiento y preparar un libro de recetas más aún.

Por eso este esperado y completo libro, reúne cien recetas de una de las más reconocidas chef del país, Martita Serani, quien tiene el doble mérito de recopilar una fantástica selección de preparaciones e incluso, incorporar algunas recetas enviadas por algunas seguidoras de sus redes sociales.

Desde el clásico cramble de manzana hasta unos sofisticados camarones tandoori desfilan por la cocina de Martita Serani.

Aperitivos, acompañamientos, sopas, carnes, guisos, preparaciones sin carne y deliciosos postres conforman el volumen de Lo mejor de Martita Serani, quien esta vez además incluye selectas recetas de sus seguidores.

“Han sido meses de mucha introspección, de replantearse el estilo de vida, la importancia de la familia y los buenos amigos. Y qué mejor que compartir con ellos, la más sabrosa cocina.

El año 2020 fue de gran incertidumbre y desconcierto, nos cobijamos al interior de nuestras casas para compartir la cocina, de lunes a lunes. Todos almorzamos y comimos juntos, por al menos ocho meses y la necesidad nos obligó, a hacer algo novedoso e increíble en el día a día”, asegura Serani en la introducción de su libro.

Martita Serani es chef, banquetera y profesora de cocina. Reconocida autora de los best sellers gastronómicos En equilibrio, Imperdibles, Martita Serani en familia, Invitar sin complicaciones y Celebremos. La llaman la reina de la comfort food.

El libro está disponible en librerías y también en formato digital.

Teatro La Puerta conmemora sus 30 años de historia

 Con una función online y conversatorio en Sala Negra en Línea de Sala Negra Juan Barattini Carvelli de la Universidad de Valparaíso, Teatro La Puerta celebrará con el público sus 30 años de historia con la obra Tsunami. 

En esta oportunidad la compañía ha trabajado el concepto de Sostenibilidad y su aplicación tanto en el plano global de la sociedad chilena, como en la realidad del propio colectivo artístico. 

Las expresiones de los numerosos movimientos ciudadanos tendientes a desencadenar cambios en nuestro país a nivel educativo, político, económico, son entendidas por la compañía como el deseo (metafórico) de una suerte de tsunami que quiere desarticular tanto las estructuras anquilosadas de la institucionalidad proveniente del siglo XX, como las prácticas cotidianas de los individuos, estableciendo una interrogante que atañe a todas las esferas de nuestra cultura. 

La revolución social surgida en Chile el 19 de octubre de 2019,  las múltiples oleadas del movimiento estudiantil del Siglo XXI, la nueva ola feminista, el movimiento No+ Afp, entre otros ejemplos, son expresiones sociales y culturales que instan a la compañía a reflexionar escénicamente respecto de las convulsiones y deseos de transformación que evidencian las manifestaciones de la sociedad civil en los últimos años (sostenibilidad social) y el deseo de ponerlas  en relación a su propia historia como colectivo artístico (sostenibilidad artística) con tres décadas de actividad y vigencia. 

La Compañía de Teatro La Puerta es uno de los más destacados colectivos teatrales con los que hoy cuenta la escena teatral chilena. Desde su formación en 1990, La Puerta ha participado activamente en la esfera de la creación escénica nacional, recorriendo con sus obras el territorio desde Arica y el desierto nortino, hasta la austral Punta Arenas. 

A lo largo de sus 30 años de existencia y de la mano de 36 montajes estrenados, La Puerta, bajo la dirección de Luis Ureta, ha realizado un proyecto teatral sostenido en el tiempo, evolucionando en la exploración de los lenguajes de la teatralidad, donde la problemática del trabajo actoral destaca como eje principal de su propuesta escénica. 

En los últimos años, La Puerta ha mantenido una constante y fructífera participación en los más importantes eventos teatrales de nuestro país. Muestra de ello es la marcada presencia que la Compañía ha tenido en las distintas versiones de los Festivales Santiago a Mil, de Dramaturgia Nacional y de Dramaturgia Europea Contemporánea.

Taller Siglo XX estrena obra crítica y feminista sobre la maternidad.

 A partir de las complejas transformaciones físicas y emocionales que experimentan las mujeres durante el periodo posterior al parto, un grupo de artistas escénicas crea la obra (Puerperio), montaje biográfico y documental que cuestiona los discursos socioculturales que a lo largo de la historia han buscado promover la idea de una maternidad rosa.

La obra toma como punto de partida el puerperio, etapa que va desde el parto hasta que el organismo de la mujer vuelve a su estado habitual, es decir, unas 6 a 8 semanas.

Eliana Furman, directora de este montaje, explica que a partir de su propia experiencia en torno a la maternidad comienza a investigar sobre la temática.

“Sin embargo, desde una perspectiva emocional, este rango de tiempo puede ser mucho más largo, transformándose en un tramo crítico que cambia para siempre la vida de la madre y que, por su desconocimiento, provoca que muchas mujeres vivan algunos de sus procesos de maternaje con vergüenza y en soledad”.

Pero junto con visibilizar un tema tabú, el montaje propone reflexiones sobre otros asuntos, como el linaje femenino, la elección de la maternidad, el aborto y la violencia obstétrica.   

“Creemos que además de abordar un tema del que nadie habla, la obra es un aporte porque coincide con la discusión sobre la Ley Adriana en un momento particular en el que la pandemia ha afectado fuertemente a las mujeres, sobre todo madres, en los ámbitos laborales y de la salud mental”, agrega la directora de Puerperio. 

Luego de exhibirse este año en formato online en el Ciclo Teatro Hoy de Fundación Teatro a Mil, el Festival Mestiza y la temporada on demand del Festival Santiago Off, (Puerperio) se presenta por primera vez de manera presencial en el Taller Siglo XX Yolanda Hurtado ( Ernesto Pinto Lagarrigue 191, Barrio Bellavista, Recoleta), entre el 18 y el 28 de noviembre, con funciones de jueves a sábado a las 20:00 horas y domingo a las 19:00 horas.

Para quienes no puedan asistir al teatro en forma presencial, en las mismas fechas y horarios se exhibirá la versión audiovisual de la obra a través de la plataforma digital de Taller Siglo XX.  

Los valores de las entradas son las siguientes: Presencial $ 5.000 general y $ 3.000 estudiante o tercera edad. Online $ 1.000 general

Compra a través de Ticketplus.  Más información @proyectopuerperio  www.tallersiglo20.cl

Músicos chilenos entran a vitrina mundial gracias al cine nacional

Magnolia

 Sin duda que el largometraje Historia de un Crack, primero en su tipo en la historia de Coquimbo y La Serena, trae diversos beneficios para la zona, tales como turismo por la muestra de las locaciones o también aporta para que otras muestras artísticas tengan una vitrina al mundo.

Cuando hablamos de cine no sólo nos referimos a una película en particular, sino de arte en general. Y es que no podemos entender el cine sin otras muestras artísticas, tales como la danza, la música y otras, las que están íntimamente relacionadas.

Así lo entendió también el director de la película recientemente estrenada Historia de un Crack, Mario Selim, quien con su opera prima en materia de largometraje pasó a la historia de la conurbación Coquimbo-La Serena por ser el primer producto cien por ciento de la zona en los 126 años de la historia del cine.

La producción cuenta con más de un centenar de actores oriundos de la conurbación y más de 50 locaciones entre Coquimbo y La Serena que se podrán mostrar al mundo, sobre todo pensando en que ya se realizó un pre estreno en el último Festival de Cine de La Serena, Fecils, en su séptima versión.

Pero no solo se quedó en los actores y las locaciones. Esto, porque el director, nacido en La Serena, quiso hilar un poco más fino y ser aún más auténticos de la zona: apostó por musicalizar los 103 minutos de duración con diversas bandas musicales locales.

“Siempre consideré que era necesaria la participación de los artistas locales en la película”, asegura Mario Selim, quien no solo se refiere a los actores, que en su mayoría son de la zona, sino también en otras áreas como la música.

La Mestizón

“La región de Coquimbo tiene amplia tradición musical; es cuna de grandes músicos y artistas de calidad y de talla mundial, por lo que la presencia de música local y artistas regionales para mí era y es muy importante”, agrega el cineasta. 

Uno de los grupos que participó en la banda sonora de Historia de un Crack fue Magnolia, que este mes se encuentra cumpliendo nada más ni nada menos que la mayoría de edad internacional: 21 años en las pistas.

Sobre la invitación a participar, el músico de Magnolia, Claudio Araya, comentó que “fue algo realmente maravilloso”, principalmente por el hecho, según dice, de ser el primer largometraje rodado en la conurbación de Coquimbo-La Serena.

“Estamos súper contentos: que sea una película grabada en nuestra ciudad natal y poder participar con uno de nuestros temas ícono es algo que nos tiene felices y agradecidos”.

De similar idea es el cantante Baller, quien comenta que “cuando me llegó la invitación para participar con mi música en la película la recibí con mucho honor y mucha ilusión porque se estaban fijando en mi talento y mi forma de hacer arte, y eso para mí es muy importante”.

Por otro lado, Matías Saravia, de La Mestizón, indica que “la invitación la tomamos súper bien y súper contentos con participar con nuestra música en la película de Mario”.

 Para grupos locales, el poder mostrar su música no siempre es algo que sea tarea fácil, principalmente por el centralismo que existe en nuestro país.

Baller

Sin embargo, mostrarse a través del séptimo arte le entrega una vitrina al resto del mundo, sobre todo considerando que Historia de un Crack comenzará su ciclo de presentaciones en festivales.

“Esta instancia permite la descentralización para que otros productores se fijen en el talento que hay en la zona”, esgrime Baller, artista formado en 2019.

Por otro lado, Saravia, de La Mestizón, sostiene que “claramente se descentraliza utilizando entes musicales locales”, enfatizando en que “con La Mestizón y con los chicos de Magnolia, que es una gran banda local, se descentraliza porque con normalidad se utiliza lo que está en Santiago”.

Además, eso trae otros beneficios para los artistas: “claramente nos sirve para poder difundir el tema y para el renombre de la banda nos beneficia bastante”, sostiene Saravia.

Junto a ello, Araya, de Magnolia, indica que “el primer beneficio es para nuestra trayectoria como banda, sobre todo estar ahí en esta película que es muy hermosa y emocionante”. Además, “nos junta, nos une con otras disciplinas, en este caso con el cine, y también hemos hecho cosas con gente de danza, teatro y esto suma para formar una comunidad artística con identidad para el mundo”, puntualiza el músico.

En la banda sonora también participan el grupo de rock iquiqueño Asesinos de Marilyn y el artista colombiano radicado en Chile Xtiago, quién, además, interpreta uno de los personajes de la película.

MAVI presenta la exposición Suelo

 La exposición Suelo se exhibe desde el 18 de noviembre 2021 en el MAVI y es una pregunta desde la escultura por aquello que nos sostiene y por nuestra manera de movernos en el mundo.

 La exposición Suelo reúne una serie de esculturas en yeso, una maqueta de la topografía del suelo de Acúleo, dibujos en diferentes formatos, dos piezas de video y el libro de dibujos Arriba del suelo, abajo del suelo; con los que la artista apunta a mostrar su práctica escultórica de los últimos cuatro años.

 En ella reflexiona sobre modos de su hacer material en torno al suelo y el valor de fijar un piso desde donde modelar imágenes en un presente en constante cambio

Suelo surge primeramente de la curiosidad por ver el molde desaguado de la Laguna de Aculeo, ver la topografía expuesta. Surge de la pregunta por ese espacio inédito e intenta dar cuenta de él desde las caminatas y cruces con el hacer artístico. 

A partir de esas salidas a terreno, Francisca comienza a llamar a esta planicie: suelo, porque esta palabra nombra mejor la actual cara de la “laguna”. Este nombre a su vez se relaciona con sus trabajos previos, en los que excavar en el suelo es un modo dibujar y obtener esculturas vaciadas en dichos moldes. 

El diálogo entre las visitas a la laguna y las reflexiones del hacer del taller tienen eco en una serie de esculturas que alimentó su consciencia del movimiento y la continuidad de los espacios como el constante entrar y salir de un hoyo, llenar vertiendo dentro un molde o prolongar una estructura fuera de él. Las esculturas usan el suelo de textura, de contenedor, de soporte; asumen la escala del cuerpo y sus movimientos. 

Cerca de la laguna de Acúleo, Francisca tiene su taller que define como una espacio de soberanía personal, en este lugar explica “no tengo que estar inventándome y reinventándome, está todo lo que necesito, no hay ingenio, una cosa lleva a la siguiente”. 

Al mismo tiempo que el suelo es entendido como una zona de actividad escultórica, sus materiales son usados para dibujar sobre papel, imágenes de gran formato fabricados con arena y tinta china que replican bidimensionalmente formas afines a las ensayadas por las esculturas expuestas en las salas del MAVI.  

“Me esfuerzo por reconocer en el andar dentro de ese molde un relato personal, que ponga al centro una relación táctil con el lugar, hacer consciente cómo nos desplazamos y nuestra escala en ese paisaje. Explorar la experiencia de ese vacío haciendo en materiales imágenes tangibles”, señala Francisca Sánchez. 

La exposición busca reponer el lugar de la mano, del pie, de la pausa: “por mucho tiempo pensé que las fotografías de algo eran lo cierto, hasta que se hicieron tan livianas que dejé de creerles, algo similar pasó con las palabras, nombrar algo comenzó a funcionar más como distancia que como puente. Para acortar camino usé la mano y dibujé excavando. El suelo es el primer hecho escultórico cierto que me permitió recuperar la certeza”.

La mugre: libro sobre violencia y abandono infantil

 El psicólogo Diego Rosas Wellmann incursiona en un mundo del cual poco se habla, pero que afecta a toda la sociedad: los niños que sufren la violencia y el abandono. Son ocho relatos conmovedores, no solo porque nos enfrentan a una realidad que muchas veces soslayamos o derechamente no queremos ver ni menos hacernos cargo, sino porque son realidades de niños que están ahí, muy cerca de nosotros.

El libro, reúne ocho cuentos que nos muestran los problemas presentes en los servicios de justicia y que afectan a nuestros niños: la violencia, el tedio, la depresión, la vigilancia, la locura y la corrupción. Historias donde los protagonistas reprimen su impotencia e intentan preservar la cordura en un sistema tenso y mecánico, anhelando una salida que permita que sus vidas no terminen en una la tragedia.

Un mesiánico adolescente es evaluado psicológicamente, dos delegados que atienden a estudiantes con problemas ideológicos, una profesional cansada de trabajar con la memoria de víctimas, un adulto que padece de tormentos durante su cesantía, una familia asfixiada por las visitas de los asistentes sociales, una mujer perdiendo la razón por la congoja de su pareja, un niño que se extravía en un barrio donde la realidad se le torna monstruosa, una funcionaria que rememora la vida de siete infantes.

Rosas Wellman relata con soltura y precisión la vivencia de cada niño, como si tratara de ser fiel a cada palabra, cada gesto de esos jóvenes que sufren lo indecible y que tratan de abrirse camino por la senda de los adultos. La mano magistral del narrador nos envuelve en forma progresiva en un ambiente que no solo imaginamos, sino que vivimos, haciéndonos cómplices tanto de su desventura como de quienes intentan salvarlos.

¿Qué es la mugre? En la presentación del libro, el escritor Tony Riveros dijo: “El diccionario la define como una suciedad grasienta que se incrusta en una superficie y es difícil de remover. 

Pero, ahora, ¿qué hacemos con ella? En este libro quizá hallemos una respuesta. Estos cuentos operan simbólicamente como un detergente literario, reducen la tensión superficial de nuestra aversión a enfrentar la crudeza, emulsionan la prosa con notable poesía y envuelven las historias en partículas coloidales que son removidas de las páginas y se van a posar en nuestra memoria, desde donde, difícilmente, serán removidas”.

La mugre de Diego Rosas Wellmann nos enfrenta a una realidad que necesitaba una voz como esta que, venciéndolo todo, nos relata las cosas como son, sin tamices, adornos o sentencias moralistas, y con una versatilidad literaria como pocas. Un gran acierto, una lectura necesaria para el Chile de hoy y una voz de alerta para los adultos.

Diego Rosas Wellmann es oriundo de Coyhaique y psicólogo de la Universidad de La Frontera, con estudios de magíster y especialización en el ámbito jurídico y forense. Publicó su primer libro de poemas, Resquemores (Editorial Bogavantes) en el año 2019.

La mugre es su primer libro de cuentos, publicado por Editorial Forja, y ya está a la venta en editorialforja.cl y en las principales librerías del país. También está disponible en formato electrónico (ebook).

Orquesta Sinfónica Juvenil Región de Los Ríos realiza concierto en Valdivia

Luego de un 2020 marcado por ensayos y presentaciones online debido a la pandemia, la Orquesta Sinfónica Juvenil Región de Los Ríos está de regreso en vivo. El elenco es dirigido por el maestro Vicente Toskana-Lanzendorff y el domingo realizó su primer concierto con público en sala en la Escuela Manuel Anabalón de Panguipulli.

La vuelta a la presencialidad fue preparada con ensayos vía web y también en sala, desde octubre, en el Colegio Bicentenario de Música Juan Sebastian Bach de Valdivia.  Ello permitió que algunos músicos se conocieran y que quedaran de manifiesto los grandes avances técnicos y artísticos logrados pese a la pandemia.

Para el retorno seguro se sugirió que los músicos pudieran contar con su esquema de vacunas al día, más la obligatoriedad en el uso de mascarilla y la sanitización de instrumentos y espacios ocupados durante las clases.

“Hay mucha responsabilidad en lograr que todo este proceso se cumpla como corresponde. Teníamos muchas ganas de volver a tocar en vivo y por eso estamos muy expectantes sobre lo que significa escuchar nuevamente los aplausos de manera presencial.

En medio de la crisis sanitaria, nos las ingeniamos para no interrumpir las clases con los instructores lo que, sin duda, condujo que ahora solo se puedan ver mejoras. Esto muy conforme con todo el trabajo que se ha hecho hasta el momento”, dice el director.

La orquesta depende de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile (FOJI) y la integran 51 intérpretes de Valdivia, Panguipulli, Futrono, Lago Ranco y Los Lagos, seleccionados tras una rigurosa evaluación.

De esta forma se vuelven becados de la fundación y se les permite vivenciar una experiencia que complementa la formación de sus respectivas orquestas de base en cada comuna.

Tras su presentación en Panguipulli, ahora la Sinfónica Juvenil tendrá una gala en Valdivia. El martes 14 de noviembre, a las 19:30 horas, tocará en la Iglesia San Francisco (Yerbas Buenas N° 181 con entrada liberada.

El recinto contará con aforo limitado de aproximadamente 200 personas y debido a los límites de espacio en el escenario el elenco tocará dividido en ensambles de cuerdas, piano y percusión; y de vientos, piano y percusión. 

En el repertorio destacan “Biafra” y “Musica Universalis”, que el compositor inglés Alex Baranowski cedió exclusivamente para la orquesta de Los Ríos. Por lo tanto, serán un estreno nacional. 

También se tocarán obras de Eric Whitacre (“Octubre”), John Williams (“Dartmoor, 1912”, de la película “War Horse”, con arreglos de Stephen Bulla), Gustav Holst (Suite Los Planetas Martes, Venus, Júpiter), Richard L. Saucedo (“Dreamsong”) y George Gershwin (Tributo a Gershwin con arreglos de Jack Bullock). 

María La Mónica rinde homenaje a Camarón: una leyenda del flamenco.

 

María La Mónica junto a Adrián Lozano, Ale Tamayo y David León, con su espectáculo “¡Ay José!”  rinden homenaje a José Monje Cruz, conocido artísticamente como Camarón, un artista de etnia gitana español considerado por muchos como el mejor cantaor de flamenco contemporáneo.

María La Mónica vivió desde pequeña en el ambiente flamenco en las fiestas familiares, donde sus tíos le contaron de Camarón, el joven gitano que cantaba en casa de su abuela, a cambio de un plato de comida. A casi 30 años de su muerte, este cantaor es una verdadera leyenda en el mundo flamenco.

Para “¡Ay, José!”, María elige canciones de distintas épocas, rememorando todas sus facetas para hacer un recorrido por la obra del maestro: “Al padre santo de Roma”, “Canastera”, “La Leyenda del tiempo”, entre otras.

María, con tan solo 8 años, escuchaba los discos de Camarón y a los 10 ya conocía el libro de Enrique Montiel: “Camarón, Vida y Muerte del Cante”.

No sorprende, entonces, que a los 18 años creara junto a sus primas el grupo flamenco Las Mónicas, que durante 10 años editó ocho discos, de los que fue la principal autora y productora y donde, reflejó su personalidad sensible y alegre.

 En 2015 montó su propia banda, estudió técnico de sonido, además de otros cursos relacionados con las artes escénicas y la música. Durante toda su trayectoria ha trabajado en sus producciones creando su propia empresa de espectáculos, premiada en 2010 por Mujer Joven Empresaria.

Una artista con grandes cualidades escénicas y artísticas y una gran capacidad para abordar proyectos innovadores. Llegando incluso a crear su propio estilo, el afromenco de “Carretera y Mantra”, su primer disco en solitario de 2019,  en el que fusiona el flamenco andaluz con el jazz, el funk y las influencias afroamericanas

María La Mónica es todo un show. En el escenario muestra su genio natural, flamenco y sincero. Aunque no se considera bailarina se toma la libertad de bailar cuando así lo siente. Además, sorprende tocando el cajón flamenco en alguno de sus temas.

En sus presentaciones trata de contagiar alegría, entusiasmo y positividad a los asistentes. Sabe exactamente cómo conectar con el público, haciéndolo partícipe del espectáculo, no quiere que exista barrera entre audiencia y artista.

 La presentación de María la Mónica para Chile, será el viernes 19 de noviembre a las 22:00 horas, a través de a través de www.allflamenco.net,  www.teatrosanjavier.cl  y el Canal Youtube de Teatro San Javier: https://www.youtube.com/channel/UCZBgmiikzThi3RKwvlyZqdw

Cierra el ciclo online Miradas Regionales con el primer documental que se adentra en la CAM

Este mes de noviembre, llega a su fin el ciclo Miradas Regionales, programa que exhibe documentales con temáticas desarrolladas en regiones y cuyo objetivo, es formar audiencias para este tipo de obras audiovisuales y es abierto y gratuito para los públicos de manera virtual a través de su web y streaming en sus redes sociales. 

En el contexto actual de la crisis en Wallmapu, se exhibirá el primer documental que logra entrar con su cámara al interior de la Coordinadora Arauco Malleco, una agrupación que tiene bajo si muchos enigmas y conjeturas, siendo para algunos la verdadera resistencia del pueblo Mapuche y para otros acusados de terroristas con vínculos ilegales.

“CAM, liberar una nación de Edgard Wang, nos narra desde adentro sobre esta organización mapuche en los márgenes de la clandestinidad que marcó un quiebre en la política nacional tras la quema de tres camiones en 1997.

A través de las voces de sus protagonistas, somos testigos in situ de su proyecto de liberación nacional, que pugna contra un territorio controlado por la industria forestal y resiste una permanente persecución política del Estado chileno.

“CAM, liberar una nación” está disponible hasta agotar stock de tickets gratuitos en www.miradasregionales.cl y contará con un conversatorio junto a su director Edgard Wang vía streaming de Facebook live del fanpage de miradas regionales el mañana 16 de noviembre a las 20 hrs.

También el cortometraje documental “Tübachi Monguen Mu” del director Antonio Caro será parte de la exhibición de este mes. El cortometraje nos cuenta la historia de Juana y Juan, una pareja Pewenche, quienes reciben a su cuarta hija en un hospital de la ciudad.

Mientras se preparan para viajar de regreso a su comunidad en los Andes, los médicos deciden que el bebé debe mantenerse en una incubadora. Dos puntos de vista sobre la salud se entrelazan a lo largo de la primera semana de una vida.

Esta será exhibida vía streaming de Facebook live del fanpage de miradas regionales el jueves 25 de noviembre a las 20 hrs.

 El programa Miradas Regionales, persigue aumentar las opciones de circulación para obras regionales que no cuentan con un circuito establecido, más allá de festivales y exhibiciones eventuales, es gratuito por lo que democratiza las opciones del público de acceder a estos contenidos y con las charlas de cine foro junto a sus directores busca la formación de audiencia.

La red de Miradas Regionales se articula en el trabajo de asociación y gestión de nueve organizaciones culturales, con el respaldo de catorce espacios del norte del país que dan espacio a la cultura, cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras.

Para finalizar, si bien los streaming online de las exhibiciones de los documentales más los conversatorios con sus directores será vía Facebook, el contenido junto al material educativo de las obras, elaboradas por un doctor en cine y educación, quedará alojada en el sitio web del programa www.miradasregionales.cl, esto con el fin de poder ser usados por profesores de establecimientos educacionales, como una herramienta de sus clases online, facilitando contenido acorde a la pauta del Ministerio de Educación para los alumnos durante estos tiempos de modalidad virtual.

Puerto de Ideas cautivó al público en su regreso a las calles de Valparaíso

La ruta de sergio Larraín

 Fueron más de 40 las actividades realizadas en Puerto de Ideas Valparaíso, que desde el 2011 ofrece una experiencia única en Latinoamérica: reunir al público con importantes pensadores, artistas, autores y científicos, para que juntos puedan reflexionar, a través de diversas disciplinas, el pasado, presente y futuro.

Es lo que se pudo vivir una vez más entre el 8 y 14 de noviembre en la ciudad puerto, gracias al aporte de Colbún, Coopeuch y el Ministerio de las Culturas. Una vibrante jornada marcada por el reencuentro con la experiencia presencial, tras la versión digital del año pasado. Fueron cerca de 70 los invitados de diferentes áreas del conocimiento y las artes que realizaron charlas y conversaciones presenciales, las que además fueron transmitidas por streaming para todo el mundo. 

“Espacio Brasil”, el ex Hotel Iberia, y el Paseo Yugoslavo, funcionaron como puntos de encuentro en Puerto de ideas, donde las actividades cautivaron al público.

La primera actividad presencial fue “8 de agosto de 1828, un día histórico como cualquiera”, a cargo del historiador Rafael Sagredo quien, en un inaudito relato, recreó el Chile de mediados del siglo XIX y, principalmente, el proceso de la constituyente que sesionó en dicha ocasión en Valparaíso, recorriendo diferentes hechos históricos que dialogan con el presente.

“El artículo 1 fue el más discutido, la definición de nación chilena y lo que más tiempo les llevó era si los entonces araucanos, hoy mapuches, formaban parte de la constitución chilena… cuando vayan a leer la Constitución de 1828 van a saber la respuesta”, comentó Sagredo. 

También destacaron las intervenciones urbanas, como el piano itinerante que durante la mañana del sábado llenó de música las calles del barrio puerto, rememorando la llegada del primer clavecín a Chile en el Siglo XVIII, o como los recorridos fotográficos por donde el fotógrafo Sergio Larraín captó rincones e históricas postales del puerto, además del homenaje a la pintora y grabadora Roser Bru con una muestra en el nuevo Museo del Grabado Universitario de la Universidad de Playa Ancha.  

“Este año fue especial porque nos propusimos descubrir nuevos lugares de encuentro al aire libre y pudimos reencontrarnos con el público en la presencialidad.

Nos deja muy contentos la recepción que tuvieron todas nuestras actividades, ratificando la necesidad y las ansias que tiene la gente por participar de buenas conversaciones, por reflexionar en torno a los temas que hoy nos preocupan”, dijo Chantal Signorio, directora del festival.

“Puerto de Ideas es una invitación a pensar y crear colectivamente. Hoy celebramos el hecho que pudimos contar con excelentes expositores, nacionales e internacionales, a quienes pudimos mirar a los ojos y eso representa un nuevo inicio que es lo que este festival representa”, agregó la directora del festival.

Espacio Brasil

La psicoanalista francesa Cynthia Fleury abordó ante un expectante público el resentimiento en la sociedad, las enfermedades del ser humano, el egoísmo y la solidaridad.

“Hay un objeto común entre el psicoanálisis y la política y es exactamente, el resentimiento y es lo más poderoso que destruye la democracia”.

Sin embargo, agregó que “si no existiera el resentimiento en la historia no habría derechos humanos, progreso, avance mundial. 

El resentimiento también puede ser un gran motor. El desafío es cómo los ciudadanos luchamos contra él, protegiéndonos a nosotros mismos y amparándonos en la colectividad”

 Asimismo, y en la reflexión respecto de la autoridad y su rol en la sociedad, la socióloga peruana Kathya Araujo explicó que “la autoridad no es algo que toca solo a las clases altas, nos atañe a todos y cada uno de nosotros”, sosteniendo que “hay una tensión desde hace unas décadas con la distribución histórica del poder que hoy está cambiando”.

Las letras nuevamente fueron parte importante del festival y este año participaron reconocidos autores nacionales e internacionales.

El colombiano Héctor Abad Faciolince, autor de “El olvido que seremos”, profundizó en los aspectos de sus vivencias y procesos creativos.

 “Siempre soñaba con ser escritor, y mis escritos me parecían malos frente a los escritos de quienes yo admiraba. Creo que ese es el problema de cualquiera que se acerque al oficio artístico”, reflexionó.

En la misma línea, el escritor irlandés Colm Tóibín, hizo un recorrido por su vida como escritor.

“Como dijo Henry James, el novelista tiene que hacer 3 cosas: dramatizar, dramatizar y dramatizar. Yo tenía que buscar drama en mi pequeño pueblo en Irlanda, ¡donde no pasaba nada!”, recordó de sus inicios como narrador. 

Otro de los autores que concitó gran audiencia fue el cronista argentino Martín Caparrós, quien presentó su último libro “Ñamérica”, donde plasmó su mirada de América Latina.

“El espíritu latinoamericano se plantea como una puesta en escena, pero lo que nos identifica es lo que hacemos todos los días, eso es lo real, no esas representaciones que buscan los turistas”, reflexionó.

Piano la Clave de Valparaíso 

Mientras que la escritora trans Camila Sosa, quien participó de forma telemática desde Argentina, se refirió a su premiado libro “Las malas” al expresar que “una novela que está hecha a mi medida de escritora. No es una suerte de realismo mágico, habla de lo que yo viví”.

Este año también se consideraron cerca de una decena de actividades online, en las que participaron desde diferentes lugares del mundo, destacados exponentes de diversas áreas, como la escritora canadiense Margaret Atwood, la clasicista inglesa Mary Beard, la periodista turca Ece Temelkuran, el geógrafo social británico Danny Dorling y el neurocientífico estadounidense David J. Anderson, quienes se conectaron con cientos de espectadores.

Finalmente, la música fue la encargada de cerrar este reencuentro de Puerto de Ideas con su público, a través del homenaje a los 100 años de Astor Piazzolla, con el concierto “Del Pacífico al Atlántico”, donde músicos locales reinterpretaron el repertorio insigne de uno de los más importantes compositores de tango del mundo, haciendo vibrar al público asistente en el Espacio Brasil.