Horacio Quiroga. El anarquista solitario

 Pocos escritores han encarnado de tal manera su propia leyenda como Horacio Quiroga, una figura fundacional del cuento latinoamericano y maestro del relato macabro.

Sin embargo, tras el mito del «escritor maldito» se esconde un hombre de profundas contradicciones, atrapado entre la efervescente vida literaria de Buenos Aires y su utopía personal y salvaje: la selva de Misiones.

Esta rigurosa biografía se sumerge en esa tensión, para quitar el velo a un retrato íntimo del artista en su lucha constante contra la adversidad y sus propios demonios.

El anarquista solitario es el mapa de una vida al límite, un viaje fascinante a la existencia de un creador que quiso vivir con la misma intensidad brutal con la que escribía.

A través de una larga y exhaustiva investigación, en archivos literarios en Brasil, Argentina, Uruguay y Alemania, además de incluir documentos hasta la fecha inéditos, este libro revela al hombre complejo y atormentado que se ocultaba tras su icónica barba, ofreciendo valiosas claves para comprender la obra de uno de los narradores más poderosos de la lengua castellana.

Esta obra, publicada en Inglaterra por la editorial Cambridge Scholars, y que recientemente apareció en Brasil bajo el sello Iluminuras, viene al encuentro de los lectores de habla castellana, la lengua materna de Horacio, ofreciendo un punto de vista fértil y novedoso sobre la obra del gran cuentista del Cono Sur.

DEL AUTOR

Wilson Alves-Bezerra (São Paulo, 1977). Es poeta, traductor, crítico literario y profesor de literatura. Es el principal investigador de la obra de Horacio Quiroga en Brasil. Tradujo algunos de sus libros: Cuentos de amor de locura y de muerte, Los Desterrados, Cuentos de la Selva, Cartas de un cazador y se publicará, aún en 2023, Los desterrados, todos por la editorial Iluminuras.

En Uruguay, inició la publicación de obras sobre el escritor, con los títulos: Reverberaciones de la frontera en Horacio Quiroga (ensayo, Más Quiroga, 2021) y Nuevos Papeles Íntimos. Cartas inéditas de Horacio Quiroga (Más Quiroga, 2022).

Ha dictado conferencias sobre Horacio Quiroga en Brasil, Argentina, EE.UU y Portugal. Como poeta, fue galardonada por la Cámara Brasileña del libro en 2016. Es docente de la Universidad Federal de S. Carlos, en Brasil.

¿Te dedicas a complacer a los demás? Aprende a poner límites con este libro

¿Te dedicas a complacer a los demás? Aprende a poner límites con este libro

Controla la necesidad constante de agradar con la Dra. Ingrid Clayton, La experta en psicología transpersonal presenta Complacer, una guía para aprender a poner límites y reconectar con la verdadera identidad.

¿Sabes cuál es la cuarta respuesta a un trauma?

En su libro Complacer, la psicóloga clínica Ingrid Clayton explica en qué consiste esta reacción, por qué se activa y cómo ayudar a quienes la padecen.  

Disculparse con quienes nos han hecho daño o buscar la amistad de quienes nos ha humillado. Estas son algunas de las conductas que responden a la complacencia como una reacción al trauma. De acuerdo a la autora, es común reconocer actitudes como luchar, huir o congelarse como reflejo, pero los expertos han descubierto un cuarto impulso muy común, aunque poco comprendido: el complacer. 

Si bien esta respuesta tiene su función como una estrategia para sobrevivir en contextos inseguros, complacer se convierte en un problema cuando se transforma en una reacción automática en la vida cotidiana. En 315 páginas, Ingrid Clayton explica por qué permanecemos en trabajos dañinos, relaciones desequilibradas o entornos tóxicos.  

La autora asegura que, al reconocer este patrón crónico, es posible revertirlo. Con más de veinte años de experiencia clínica y basada en su propia vivencia como “complaciente”, Clayton enseña a sus lectores a “descomplacerse” y volver a ser ellos mismos.

La cuarta respuesta al trauma de la que nadie habla.

Por qué la necesidad de agradar nos desconecta de quienes somos y cómo recuperar nuestra voz

La mayoría conocemos las tres respuestas al trauma: luchar, huir o congelarse. Pero los psicólogos han identificado una cuarta, extremadamente común (aunque poco comprendida): complacer. A menudo se confunde con la codependencia o el “síndrome de la buena persona”, y ocurre cuando, en lugar de alejarnos, nos acercamos a personas o relaciones que nos hacen daño.

- ¿Pides perdón a quienes te han herido? - ¿Ignoras su mal comportamiento? - ¿Buscas vincularte con quienes te hacen daño? - ¿Te obsesiona decir siempre lo correcto? - ¿Te conviertes en alguien que no eres buscando una aprobación que quizá nunca llegue? Es posible que, sin darte cuenta, vivas en modo complacer.

Este libro explica por qué permanecemos en trabajos, relaciones o entornos disfuncionales incluso cuando resulta evidente que deberíamos irnos. Aunque complacer puede cumplir una función —es una estrategia para sobrevivir en situaciones inseguras—, se convierte en un problema cuando se vuelve una reacción inconsciente y repetitiva.

 Basándose en veinte años de experiencia clínica y en su propia recuperación, Ingrid Clayton muestra por qué complacemos, cómo reconocer las señales y qué podemos hacer para dejar de complacer y, por fin, ser nosotros mismos en toda nuestra imperfecta perfección.

«Cuando comprendemos que nuestros síntomas son sinceros, que no son rasgos disfuncionales innatos, y que la curación del trauma requiere soluciones holísticas y basadas en el cuerpo, puede suceder algo maravilloso.

Podemos salir por fin de la rueda del hámster que consiste en esforzarnos más, obtener conocimientos, intentar demostrar nuestro valor y no llegar a ninguna parte. Podemos salir del modo de supervivencia y empezar a curarnos al fin».

Ingrid Clayton es psicóloga clínica titulada, con un máster en Psicología transpersonal y un doctorado en Psicología clínica. Lleva más de dieciséis años ejerciendo en consulta privada y colabora regularmente con Psychology Today, donde su blog Emotional Sobriety ha superado el millón de lecturas. Vive en Los Ángeles.

La Usach presenta temporada 2026 con más de 50 conciertos gratuitos

Lanzamiento temporada 2026
(c) Gary Go

 El edificio de la antigua Escuela de Artes y Oficios, inaugurado hace 133 años, atesora una sala que durante los últimos años se ha transformado en el principal polo musical de la zona poniente de Santiago: el Teatro Aula Magna. 

A partir de la próxima semana, el espacio volverá a ser el núcleo de la Temporada 2026 de la Usach, que contempla más de 50 conciertos gratuitos, un ciclo de cine musicalizado en vivo y actividades en diversas comunas de la capital.

La Orquesta Usach protagonizará la temporada con doce programas a lo largo del año, conducidos por casi una decena de directores invitados.

El primer concierto en el Teatro Aula Magna será el estreno de una versión ampliada de Víctor Jara, un canto libre, obra de Sergio “Tilo” González (1952) que será interpretada el miércoles 1 de abril, junto al Coro Sinfónico Usach.

Más tarde, el elenco ofrecerá actuaciones itinerantes en comunas como Independencia, Cerro Navia, La Granja y Santiago y tendrá ciclos educativos, entre los que destaca la reposición de Perico trepa por Chile, adaptación de la novela infantil realizada por la actriz María Izquierdo. Por primera vez, además, contará con financiamiento directo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, a través de la Ley de Presupuesto 2026.

La titular de esa cartera, Carolina Arredondo, destacó que  “hemos trabajado en estos cuatro años de gobierno para duplicar y descentralizar los recursos de nuestra institución y con ello también hemos sostenido un trabajo importante con las universidades. Las universidades estatales cumplen un rol fundamental en el desarrollo y la vinculación con la ciudadanía. Nos sentimos orgullosos que la Orquesta Usach haya pasado a tener una asignación presupuestaría. Este fondo busca la circulación de la orquesta en las distintas comunas del país”, remarcó.

Quinta muestra de cine fantástico

Por otra parte, la música antigua volverá a ser un foco de la cartelera a través de Syntagma Musicum Usach, ensamble dirigido por el clavecinista Jaime Carter, que ofrecerá ocho presentaciones durante el año.

En paralelo a la actividad de los elencos estables de la Usach, el Teatro Aula Magna recibirá una edición especial de la V Muestra de Cine Fantástico, en la que cinco películas de la década de 1930 serán musicalizadas en vivo, con bandas sonoras originales encargadas a compositores y compositoras chilenas

El ciclo comenzará el 26 de marzo con La máscara de Fu Manchú, cuya partitura fue escrita por Camilo Salinas (1976), y continuará con otros cuatro títulos: Crímenes en la calle Morgue, de Roberta Lazo (1991); Dr. Jekyll & Mr. Hyde, de Tamara Miller (1992); Drácula, de Tomás Brantmayer; y La isla de las almas perdidas, de Mario Oyanadel (1990).

Todas las bandas sonoras serán editadas luego a través de Aula Records, el sello discográfico de la Usach.

Antonia Torres abre convocatoria para su taller de escritura “Me Acuerdo”

 Difundir y enseñar la literatura mediante la metodología de la escritura autobiográfica, fue la razón por la que hace una década la escritora Antonia Torres inició su taller “Me Acuerdo”. Es una instancia de encuentro y formación que en 2026 regresa a la agenda cultural.

El proyecto adjudicó recursos del Fondo del Libro y la Lectura, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Ello permitirá realizar una nueva versión del taller, que actualmente está con convocatoria abierta.

“Creo que el taller ‘Me Acuerdo’ es como el motor de todos mis demás talleres. Supongo que porque repasa muchos géneros y autores que me interesan; y porque es el más ‘democrático’ de todos.

Con su metodología todos comienzan a escribir de manera bastante espontánea y descubren que la escritura es una especie de artesanía cuya maestría se adquiere con la práctica, el ejercicio, el gesto repetido y atento sobre una materia que todos usamos y conocemos, pero a la que atendemos poco de manera consciente: el lenguaje.

Además, usa los ingredientes de la propia biografía, lo que lo hace muy emotivo. Moviliza un material riquísimo que se creía perdido u olvidado”, explica Antonia Torres.

El taller “Me Acuerdo” es teórico-creativo y será de 16 sesiones en Librería Gato Caulle (Yungay N° 768, Valdivia), los miércoles de 19:00 a 21:00 horas.

Está orientado a tres tipos de público: Estudiantes de educación superior (universidades, institutos técnico profesionales, jóvenes en general) con habilidades literarias, de recursos económicos limitados y acceso limitado a este tipo de instancias; Escritores/as o aficionados/as interesados/as en la literatura, la escritura y el desarrollo de un proyecto literario personal mínimo, idealmente entre los 25 a los 50 años; y jóvenes de similares intereses que hayan egresado de la educación secundaria de la Región de Los Ríos.

La convocatoria ya está en marcha y cerrará el jueves 2 de abril. Hay 10 cupos disponibles pensados para residentes de la Región de Los Ríos.

Los/as interesados/as en participar deben escribir al correo electrónico atorresaguero@gmail.com, para solicitar la ficha de postulación en la que se deberá indicar nombre completo, género, edad, ocupación, formación (grado de educación, oficio o profesión), correo electrónico y número telefónico; y lugar de residencia (comuna). También se deberá indicar, en el caso de que así sea, alguna experiencia anterior relacionada con la literatura.

A todo lo anterior se deberá adjuntar una declaración de intención, donde se debe formular en palabras propias las motivaciones para participar en el taller “Me Acuerdo”; y un texto literario de autoría propia, de cualquier género (narrativa, poesía, etc.) de no más de 2 páginas de extensión.

Quienes sean seleccionados participarán gratuitamente en el taller que se extenderá durante abril, mayo, junio y julio. Como parte del proceso está considerada una bibliografía general con repaso de obras de Alejandro Zambra, Jorge Luis Borges, J. C. Coetzee y Nona Fernández, entre otros/as autores/as.

La principal virtud de “Me Acuerdo” es ser taller de escritura autobiográfica. Antonia Torres, explica: “No hay nada mejor que empezar escribiendo sobre lo que conocemos. El ejercicio se vuelve inevitablemente intelectual, pero tiene un origen muy genuino y natural.

Todos tenemos imágenes, recuerdos fragmentarios y aislados muy potentes a los que necesitamos darles sentido. Elaborarlos, como se dice en jerga psicoanalítica.

 Y el arte siempre ha sido una herramienta privilegiada para articular esos destellos, porque su lenguaje tiene una potencia no calculada que permite la emergencia de algo totalmente nuevo, incluso para nosotros mismos como autores. Y ese es justamente el caldo, la sustancia de una obra creativa”.

Las novedades de la convocatoria se pueden seguir a través de las cuentas de redes sociales @antoniatorresaguero en Instagram y Antonia Torres Agüero en Facebook. Consultas al mail atorresaguero@gmail.com.

*Antonia Torres Agüero

(Valdivia, 1975)

Es escritora, periodista (UACh), Magíster el Literatura Hispanoamericana Contemporánea (UACh) y Dra. en Filología Románica (Dr. der Phil) por la Heinrich-Heine-Universität de Düsseldorf. Sus líneas de investigación académica han abordado temas como la memoria en la poesía y la narrativa chilenas de postdictadura, las representaciones literarias del espacio, así como los cruces interdisciplinarios entre el derecho y la literatura. 

Es autora de los libros de poesía Las estaciones Aéreas (Barba de Palo, 1999), Orillas de tránsito (Secretaría Regional Ministerial de Educación, 2003), Inventario de equipaje (Cuarto Propio, 2006), Umzug (Cuarto Propio, 2012), la traducción al alemán de este último, Mudanza/Umzug (Trad. Karolin Viseneber, Düsseldorf University Press, 2015), la antología de su obra Las secretas costumbres (Aparte, 2020) y Los detalles del mundo (Aparte, 2022). 

También ha publicado las novelas Las vocales del verano (2017) y Libros Marcados (2023), ambas bajo el sello Penguin Random House; además de algunos cuentos en antologías. En el género ensayo-crónica literaria publicó este año La voz de lejos. Crónicas, lecturas y recados (Aparte, 2025). 

En ensayo académico publicó Las trampas de la nación. La nación como problema en la poesía chilena de postdictadura. Lenguaje, sujeto, espacio; bajo el sello alemán Peter Lang Verlag el 2013. Durante su carrera académica fue becaria del Servicio de Intercambio Académico Alemán DAAD, así como de Conicyt y participó de congresos tanto en Chile como en Canadá, México, Alemania y Polonia. Ha dictado clases en la Universidad San Sebastián, Austral de Chile, de Los Lagos y Heinrich-Heine de Düsseldorf. Ha sido responsable y colaboradora en proyectos de investigación académica DID, Fondecyt y PIA-ANID.

 Ha obtenido las Becas de Escritura para Cuento (2018) y Ensayo (2021 y 2025) del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. Asimismo, algunos premios y menciones, como el Concurso Fernando Santiván, Arte Joven de Valparaíso, de Poesía Joven Armando Rubio, Luis Oyarzún de la Región de Los Lagos. 

El año 2023 obtuvo el Premio a la Mejor Obra en la categoría poesía publicada por su libro Los detalles del mundo (Aparte 2022), del Ministerio de las de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Fue la Poeta Residente de la Cátedra Gonzalo Rojas 2025-2026 de la Universidad de Concepción. 

Desde hace casi una década dicta los talleres de escritura y creación de literaria autobiográfica Me Acuerdo, de poesía La Máquina de cantar, de escritura y paisaje Escritura y Vagabundeo, de lectura de cuentos Vidas mínimas, de derecho y literatura Justicia Imaginada, entre otros, de manera presencial y telemática.

Teatro Municipal de Temuco abre audiciones para su Coro Infantil

 El Teatro Municipal de Temuco invita a niñas y niños de la ciudad a participar en las audiciones para integrarse a su elenco infantil de Coro, una de las agrupaciones formativas con gran trayectoria dentro de la institución y que desde hace casi dos décadas ha contribuido al desarrollo musical de nuevas generaciones en la región.

La convocatoria está dirigida a niñas y niños entre 8 y 14 años, que cuenten con memoria musical y entusiasmo por el canto, cualidades fundamentales para formar parte de este elenco que promueve el aprendizaje musical, el trabajo en equipo y la experiencia de presentarse en distintos escenarios culturales.

Las audiciones se realizarán los sábados 14 y 21 de marzo, a las 10:00 horas, previa inscripción al correo teatromunicipal@temuco.cl y se desarrollarán en dependencias del Teatro Municipal de Temuco, instancia en la que los postulantes podrán demostrar sus aptitudes vocales y su interés por integrarse a esta agrupación artística.

La directora del Coro Infantil del Teatro Municipal de Temuco, Ivoshka Tello León, extendió la invitación a las familias de la ciudad a ser parte de esta experiencia artística. “Invitamos a todas las niñas y niños que disfrutan cantar a que se atrevan a participar.

El coro es un espacio donde pueden descubrir su voz, aprender a trabajar en conjunto y vivir la música desde el escenario. Lo más importante es que tengan entusiasmo y muchas ganas de cantar”, señaló.

El Coro Infantil del Teatro Municipal de Temuco, fundado en 2005 y dirigido desde sus inicios por la maestra Ivoshka Tello, se ha consolidado como un importante espacio de formación coral para la infancia en la región.

A lo largo de su trayectoria ha realizado numerosas presentaciones en espacios culturales de la comuna y ha participado en destacados encuentros y producciones musicales, entre ellas la cantata Carmina Burana de Carl Orff y las óperas La Bohème de Puccini y Carmen de Bizet, además de festivales corales en Chile y en el extranjero.

Como elenco formativo bajo el alero del Teatro Municipal de Temuco, el Coro Infantil participa regularmente en diversas actividades artísticas de la institución, incluyendo conciertos y presentaciones que forman parte de la temporada cultural del teatro, como sus tradicionales galas anuales.

 Estas instancias permiten que niñas y niños de la comuna tengan la experiencia de presentarse en uno de los escenarios culturales más relevantes del sur de Chile.

Para el Teatro Municipal de Temuco, este trabajo formativo resulta fundamental, ya que a través de sus elencos infantiles se promueve el acercamiento temprano al arte, incentivando en este caso, el desarrollo del talento vocal y la vocación musical en las nuevas generaciones.

Muchos de sus integrantes continúan posteriormente su camino artístico integrándose al Coro de adultos del Teatro Municipal de Temuco u otras agrupaciones, proyectando así el valor del canto coral como parte del desarrollo cultural de la ciudad.

EL SOL Y LA LUNA abren programación familiar en GAM 2026

"Las islas también duermen" de la
compañía Proyecto Fuego

 Este 2026 GAM quiere que el lema de su campaña “Brutalmente creativos” la vivan todos los públicos, por lo que preparó una oferta con creaciones familiares que servirán de inspiración para niños y niñas, despertando la imaginación de todas las edades.

La invitación es a sumergirse en historias con personajes mágicos y mensajes que ayudarán al aprendizaje y el disfrute. Teatro, danza, circo y música forman parte de la apuesta.

“Este año queremos ser una alternativa entretenida para que las familias vengan a disfrutar del centro, del barrio Lastarria y de nuestra programación. Cada mes contaremos con una oferta artística diversa, sumado a talleres y programas educativos.

Fomentamos el valor de lo presencial, el vivir en espacios en comunidad, porque creemos que ayuda a niños, niñas y jóvenes a potenciar la creatividad, la empatía y la imaginación”, comenta la directora ejecutiva de GAM, Alejandra Martí Olbrich.

“Las islas también duermen” abrirá la programación dedicada a la familia, entre el 14 y el 29 de marzo. El año pasado la obra, dirigida por María Paz González, encantó a las infancias y sus acompañantes con una puesta en escena inmersiva y sensible, que combina relato, música original y visualidades poéticas. 

En escena, el Sol y la Luna cuentan la vivencia de Simbad, el marino, quien declara su hogar sobre el lomo de una ballena dormida. El montaje, que tiene funciones distendidas, invita a imaginar otras formas de cuidar el planeta y convivir con la naturaleza. 

En abril, entre el 11 y el 19, la compañía Manada, dirigida por Francisco Medina, traerá dos de sus obras más queridas. “Lavarropas", donde las prendas de una familia cobran vida, moviéndose y bailando para celebrar la diferencia, y “Un bosque", donde la audiencia es invitada a adentrarse en un bosque para habitar el silencio, la belleza y la diversidad.

En mayo, del 2 al 10, vendrá otra de las favoritas del público infantil y la crítica, “El niño de los fósiles”. La pieza de Teatro Marote, creada especialmente para la comunidad neurodivergente, es dirigida por Scarlett Carrasco y está inspirada en un hecho real que tuvo lugar en Los Vilos en la década del 70. 

A través de marionetas, y usando la técnica del marote -muñecos híbridos a escala humana manipulados por intérpretes-, la obra nos sumerge en la vida escolar y las aventuras del pequeño Gabriel, un niño que no calza con los modelos de enseñanza de la época. Una invitación a acoger la diferencia. 

En junio, será el turno de “Infinita, paisajes de Gabriela”, una producción GAM con el sello de la compañía La llave maestra (“El carnaval de los animales”, “Pareidolia”, entre otros). 

Se trata de un tributo a Gabriela Mistral, a través de un viaje onírico por sus recuerdos, sus obras y su vida. En escena, la poeta chilena es llevada por personajes de sus obras a un mundo mágico, espiritual y emocional de su propia memoria. Las funciones serán entre el 20 de junio y el 5 de julio. 

En música, el grupo Nerven&Zellen celebrará sus 10 años con “NZ Canal infantil en vivo”, una performance que reúne música, baile y Lengua de Señas Chilena. En escena, la compañía interpretará sus videoclips con canciones populares del grupo Mazapán. 8 y 9 de agosto.

Agosto y septiembre estarán reservados para el circo contemporáneo, que traerá dos montajes. “Tormenta”, un espectáculo de circo familiar de la compañía El Límite de lo Propio que combina acrobacias, malabares y danza para jugar con las fuerzas y energías de la tormenta. Del 22 al 30 de agosto. 

Por su parte, tras una residencia en GAM, el Colectivo Circo Virtual presentará “Sismo” una experiencia escénica-telúrica que reflexiona sobre la naturaleza humana. Del 27 de agosto al 13 de septiembre.

Además, habrá dos festivales dedicados a las infancias: Famfest, certamen internacional de teatro familiar, y FestiCrin, muestra donde se presentarán creaciones musicales de distintas bandas. 

A estos imperdibles familiares se suman los ya tradicionales panoramas, como las lecturas maratónicas, los talleres de invierno, los laboratorios para las infancias, las actividades en Biblioniños y las funciones educativas.

Entradas en gam.cl.

TEATRO UV mantiene abierta la Convocatoria a la Cartelera Teatral 2026 hasta mediados de marzo

 Hasta el 15 de marzo está abierta la convocatoria para ser parte de la Cartelera Anual 2026 Sala Negra Juan Barattini Carvelli (JBC). 

El objetivo principal de Sala Negra es aportar al desarrollo de las artes escénicas en la región, en contacto con el medio local, nacional e internacional.

Esta instancia fomenta la reflexión y creación a través de espacios de educación artística, mediación, producción y difusión de la cartelera, que surge de la iniciativa de la Escuela de Teatro de la Universidad de Valparaíso.   

El formulario de postulación, las bases y preguntas frecuentes están disponibles en el link de la bio del Instagram @salanegrajbc y en historias destacadas. Los días 16 y 17 de marzo se notificará la inadmisibilidad. 

El Comité de Públicos Programadores recibirá el material de las obras admisibles y se reunirá el jueves 26 de marzo para dirimir las obras seleccionadas. Se realizará la publicación de resultados el lunes 30 de marzo.   

Fernanda Campos, Coordinadora de Extensión y Vinculación con el Medio, señala: "La función que cumple la Escuela de Teatro en términos de ecosistema cultural es de un valor fundamental para la sociedad en la que vivimos hoy en día, sobre todo con las cosas que están pasando a nivel nacional, internacional, el cambio geopolítico, cómo estamos viviendo nuestras vidas.

En ese sentido, el arte juega un papel importante respecto a la construcción y el cuestionamiento en torno hacia qué mundo nos dirigimos, instala preguntas que nos tenemos que hacer todas las personas en términos de ciudadanía y, mayor aún, de humanidad”.   

“Las artes siempre han ocupado un lugar que es contrahegemónico, bordea los márgenes, tantea los límites, y en ese sentido el deber de una universidad pública es mayor en términos de responsabilidad.

Con esa misión y visión de futuro instalamos la Escuela como puente para hacer muchas cosas en torno a las comunidades de las que formamos parte, el territorio, ser una especie de nodo sinérgico entre actores y agentes de la sociedad. 

A las compañías, trabajadoras y trabajadores de las artes y las culturas, les invitamos a ser parte de nuestra cartelera y a seguir vinculándonos en diversos contextos. La educación artística para nosotros es fundamental y las obras seleccionadas serán parte del Programa de Mediación Escena Compartida, en vínculo con diversos establecimientos educacionales y organizaciones sociales”. 

Memoria escuela  

El 14 de octubre del año 2004 se firmó el Decreto Exento N°02686 con el cual se crea en la Universidad de Valparaíso la Carrera de Actuación Teatral, año en el que se realiza el primer proceso de Admisión. En marzo de 2005 parten las clases de la primera generación.   

Andrés García hace clases en la Escuela desde su fundación. Al respecto, comenta: “En términos de infraestructura se ha ido ampliando cada vez más; partimos con una sala de clases, las demás nos las prestaban otras carreras.

No teníamos focos, con suerte uno o dos. Ya en segundo año se nos hizo pequeño el espacio y en tercer año nos instalamos en Avenida Brasil. Así fuimos creciendo, paso a paso, poco a poco, a través de proyectos, comprando y mejorando equipamiento, haciendo un traspaso de lo analógico a lo digital”.    

“Evidentemente por la Escuela ha pasado una gran cantidad de estudiantes, profesoras y profesores, que van dejando su huella. Diferentes manos han consolidado este proyecto; puestas en escena con los talleres de título, montajes interesantes, potentes; el Encuentro Teatral Escalera Arriba; el Festival de Creación Juan Barattini Carvelli; la misma Sala Negra, que empieza a funcionar de manera incipiente entre 2010 y 2011. 

Por esa misma época nace el Área de Extensión, la Sala Negra todavía era verde y surge de la necesidad de canalizar el impulso creativo de esta comunidad”.  

“No partimos como temporada, sino que como espacio público. Empezamos a trabajar con las primeras producciones teatrales de titulados de la zona. Hubo una sinergia de compañías que necesitaban mostrar su trabajo y nosotros abríamos la Sala.

Myriam Espinoza nos prestaba unas galerías de construcción artesanal de su compañía, El Cité. El 2012 se materializa la temporada teatral y el 2015 llegan las graderías que se enviaron a diseñar a Barcelona a través de un proyecto PMI adjudicado por la Universidad. Les invitamos entonces a ser parte de esta historia”, cierra Andrés. 

La Orquesta Sinfónica Nacional abre su temporada 2026 con el debut en Chile de dos destacadas artistas

 La Orquesta Sinfónica Nacional de Chile dará el vamos a su nueva temporada con un concierto que reúne a dos destacadas figuras femeninas en el escenario, en un mes marcado por la fuerte presencia de mujeres en la batuta.

El concierto, apoyado por la Embajada de Grecia, se presentará el viernes 13 y sábado 14 de marzo a las 19:30 horas en la Gran Sala Sinfónica, y contará con la dirección de la maestra griega Zoe Zeniodi y la participación de la pianista rusa Asiya Korepanova como solista invitada.

Actual directora principal de la Filarmónica de Buenos Aires, Zeniodi ha desarrollado una destacada carrera internacional, dirigiendo importantes orquestas en Europa, América y Asia, y presentándose en salas como el Carnegie Hall y la Filarmónica de París.

“Es la primera vez que conduzco en Chile y tengo que decir que estoy extremadamente emocionada de trabajar con esta maravillosa orquesta. Muy feliz y honrada de iniciar la temporada con un repertorio tan majestuoso”, expresó la maestra.

El programa, de gran fuerza y que combina lo clásico y lo contemporáneo, tendrá una primera parte dedicada a la música de Ludwig van Beethoven, incluyendo dos obras de su autoría.

 La primera será la célebre Obertura Egmont, inspirada en el drama de Johann Wolfgang von Goethe. Compuesta entre 1809 y 1810, retrata el heroísmo y la lucha por la libertad del conde Lamoral de Egmont, figura histórica cuya muerte representó la resistencia contra la dominación.

 La directora destaca su simbolismo: “Es una obra contra la opresión y un llamado a la paz. En tiempos de tanta turbulencia en el mundo, es importante recordar que la música siempre puede acompañarnos y darnos esperanza”.

Tras ello vendrá la interpretación del Concierto para piano n.º 5 en mi bemol mayor, op. 73, “Emperador”, una de las más afamadas obras del genio de Bonn y del repertorio pianístico universal. Estrenado en 1811 en Leipzig, el concierto se distingue por su carácter monumental y por el diálogo permanente entre el piano y la orquesta.

Junto con ello, la obra tiene un gran significado histórico para esta orquesta, pues la interpretó en 1984 junto al legendario pianista Claudio Arrau en la Catedral Metropolitana de Santiago, bajo la dirección del maestro Víctor Tevah.

La obra tendrá como solista en esta ocasión a la destacada pianista rusa Asiya Korepanova, quien también debutará junto a la Sinfónica Nacional de Chile. Reconocida internacionalmente por su virtuosismo y amplitud de repertorio, además de pianista es compositora y artista visual.

 Ha interpretado más de sesenta conciertos para piano y se distingue por proyectos creativos que integran música, poesía y artes visuales.

En tanto, la segunda parte del programa contará con la Sinfonía n.º 5, “A la memoria de mis padres”, del compositor georgiano Giya Kancheli. Será la primera vez que la orquesta interprete esta obra escrita en 1977, la que se caracteriza por una profunda intensidad espiritual y la combinación de elementos del folclore georgiano con la tradición sinfónica europea, creando un lenguaje sonoro marcado por contrastes, silencios y una poderosa dimensión introspectiva.

Junto con las funciones, el miércoles 11 se desarrollará también una masterclass con la solista en piano, mientras que el viernes 13 a las 18:00 horas se retomará “La Previa”. Ambas iniciativas son gratuitas, coordinadas por el Área de Educación y Mediación del CEAC (con cupos limitados e inscripción a través de www.ceacuchile.cl/educativo/la-previa) y cuentan con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

(c) Jacqueline Uribe

La temporada de la Sinfónica Nacional continuará el viernes 20 y sábado 21 de marzo con un concierto que tendrá en la dirección a otra destacada batuta femenina, la directora invitada y consejera artística del elenco, Barbara Dragan.

 La maestra abordará un programa que tendrá obras de la compositora chilena Leni Alexander, el checo Antonín Dvořák y el ruso Alexander Scriabin.

Las entradas para todos los conciertos de la temporada están disponibles en ceacuchile.ticketplus.cl y en las boleterías de la Gran Sala Sinfónica Nacional (Av. Vicuña Mackenna 20) y del Teatro Universidad de Chile (Av. Providencia 43, salida Metro Baquedano). Más información en ceacuchile.cl.

Territorio, desarraigo y color se unen en la exposición de Hoda Madi en Sala GASCO Arte Contemporáneo

La tierra es el eje central de “Tierra Velada”, la nueva exposición de la artista iraní Hoda Madi, que se presentará entre el 10 de marzo y el 30 de abril de 2026 en la Sala GASCO Arte Contemporáneo.

La muestra reúne una serie de pinturas y obras creadas en técnica mixta que abordan el desarraigo y la memoria a través del recurso de la tierra y la arena, incorporadas directamente en la superficie pictórica.

A primera vista, el trabajo de Madi se inscribe en el campo de la abstracción con grandes superficies cromáticas, texturas densas y ausencia de referencias figurativas directas. 

Sin embargo, el uso de tierras provenientes de distintos territorios —adheridas al soporte mediante acrílico y otros aglutinantes— introduce una dimensión biográfica y geográfica que amplía esa lectura. Cada obra funciona como un fragmento físico y simbólico del lugar.

Nacida en Irán en 1970, Madi dejó su país en 2006 y vivió en Malasia antes de radicarse en Chile. Su producción reciente puede entenderse como una reflexión sobre el desplazamiento forzado y la imposibilidad del regreso.

En “Tierra Velada”, la pintura se convierte en un espacio donde confluyen historia personal y territorio, y donde el color remite tanto a cualidades formales como a geografías específicas.

En algunas de sus obras, la artista incorpora además fragmentos de escritura provenientes de diarios personales, que luego son parcialmente cubiertos por capas de pintura. Estos restos de texto, en persa e inglés, permanecen visibles como vestigios, reforzando la idea de superposición y memoria.

Al mezclar tierras y pigmentos de distintas procedencias, Madi tensiona nociones de pertenencia fija y fronteras cerradas. Sus obras proponen un territorio pictórico compartido, donde materiales y signos culturales conviven en un mismo plano.

La exposición podrá visitarse con entrada liberada, de lunes a viernes de 9:00 a 17:00 hrs, en la Sala GASCO ubicada en Santo Domingo 1061 (metro Plaza de Armas). Con esta nueva exposición, la primera que se inaugura en 2026, la Sala de exposiciones comienza a celebrar sus 25 años aportando a la escena artística nacional.

Perfil de la artista

Hoda Madi (Irán, 1970) inició su formación profesional en Odontología antes de dedicarse a la pintura. Desde su salida de Irán en 2006, ha desarrollado su práctica artística en Malasia, Estados Unidos y Chile, donde actualmente reside.

Su trabajo combina acrílico y técnicas mixtas, incorporando arena y otros materiales para construir superficies de alta textura.

En una primera etapa, su interés estuvo marcado por la astronomía, motivo que la llevó a viajar a Chile atraída por sus cielos, para luego centrar su investigación en las cualidades matéricas de la tierra y los paisajes del norte del país. A través de capas de pigmento y materiales orgánicos, su obra explora la relación entre territorio, identidad y memoria.

Cuarenta y cinco escalones: los más difíciles de la vida

¿Qué pasa cuando la vida se derrumba y obliga a empezar desde las ruinas? Esa es la pregunta que atraviesa Cuarenta y cinco escalones, el nuevo libro de Juan Carlos Díaz Saenger, publicado por Editorial Forja.

Una novela íntima y profundamente humana, donde cada peldaño duele, pero también acerca a la posibilidad de volver a empezar.

Los escalones más difíciles de la vida son aquellos que se suben a oscuras, después de tocar fondo. Esos Cuarenta y cinco escalones dan vida a la segunda novela de Juan Carlos Díaz Saenger, que se despliega como un viaje interior marcado por el desarraigo, la memoria y la búsqueda de sentido. 

Se trata de una obra íntima y profundamente humana, donde cada peldaño posterior a la caída duele, pero también acerca —con esfuerzo y lucidez— a la posibilidad de reconstrucción.

Con una prosa sensible, directa y emocionalmente honesta, el autor construye la historia de Pablo, un hombre común enfrentado a una pérdida radical que lo obliga a replantearse su pasado, sus vínculos y el sentido mismo de su existencia.

 Desde los recuerdos de su infancia en Valparaíso hasta la experiencia del quiebre amoroso, Pablo se convierte en un involuntario Odiseo contemporáneo que intenta reconstruir su vida. Cada escalón es una prueba, una caída y, al mismo tiempo, una posibilidad de ascenso.

La metáfora central de la novela —la caída y el ascenso— nace de una vivencia personal reelaborada literariamente. Como señala el propio autor: “Sí, hubo una experiencia personal que luego el narrador reconstruye con las imágenes y los sentimientos que quedaron de aquello. La historia, en este caso, tiene ese referente doloroso reelaborado desde las cenizas que permanecieron en el tiempo”.

Esa dimensión confesional, transformada en materia narrativa, le otorga a la novela una densidad emocional que conecta de inmediato con los lectores. Sin buscar moralejas ni respuestas cerradas, la historia interpela desde experiencias universales: el amor y el desamor, la confianza y el engaño, la dicha y el dolor, el desarraigo y el reencuentro. En esa tensión entre fragilidad y resistencia radica su fuerza.

Tras publicar dos libros de poesía y una novela, Díaz Saenger con este nuevo título, consolida una escritura reflexiva y madura. Más que afirmarse en un estilo, el autor profundiza una búsqueda: “Solo puedo decir que es una búsqueda permanente por comunicar de mejor manera los acontecimientos de los personajes, sus sentimientos y decisiones que los llevan a situaciones límite y a enfrentarlas con toda la humanidad que les es posible. No sé si es ‘mi voz’ narrativa, solo busco ser sincero al expresarla”.

Cuarenta y cinco escalones es, una novela fuerte y delicada a la vez, que aborda las segundas oportunidades con una mirada lúcida y profundamente humana. Una obra que confirma una voz literaria sólida y que invita al lector a reconocerse en sus propias caídas y reconstrucciones.

Sobre el autor: Juan Carlos Díaz Saenger nació en Concepción en 1950. Estudió Literatura en la Universidad de Chile y Sociología del Trabajo en la Universidad Católica de Lovaina, Bélgica. Durante su formación participó en los talleres literarios de Nicanor Parra y Enrique Lihn, experiencias que marcaron su mirada crítica y su sensibilidad literaria.

Es autor de dos libros de poesía y de la novela El soñador (Editorial Forja, 2020). Además, ha desarrollado una destacada labor como traductor de obras clásicas como Papaíto piernas largas y Mi querido enemigo (J. Webster), El jardín secreto (F. Hodgson), En familia y Sin familia (H. Malot) y El origen de las especies (Charles Darwin), entre otras, también para Editorial Forja.

Disponible en www.editorialforja.cl y en las principales librerías y plataformas del país.