Felipe Betancourt y familia Flor ganan concurso Arte en tu barrio

 Con una propuesta vibrante, participativa y profundamente conectada con el entorno, el artista visual y gestor cultural Felipe Betancourt Rosas fue el ganador del concurso de fotografía Arte en tu Barrio, iniciativa impulsada por Fundación Actual en colaboración con Actual Chile para promover el arte público y la participación ciudadana en nuestros espacios urbanos. 

La propuesta ganadora no se limitó a capturar imágenes de las esculturas del programa: las transformó en parte de "Familia Flor", una performance colectiva de fuerte carácter comunitario que une arte, naturaleza y conciencia ambiental.

A través de máscaras florales hechas con materiales reciclados, vestuarios coloridos y música en vivo, "Familia Flor" invita a vecinos, artistas y estudiantes a co-crear una experiencia estética única que revaloriza el espacio público como lugar de encuentro y expresión. 

Con más de una década de historia, este proyecto escénico ha recorrido ciudades de Chile y del mundo, dejando una huella de color, colaboración y reflexión. Actualmente, "Familia Flor" forma parte del programa “Gigantes del Reciclaje”, cuya próxima exposición —Un viaje al reciclaje creativo— se inaugurará el 8 de agosto en la Aldea del Encuentro (La Reina), con títeres, máscaras e instalaciones creadas a partir de residuos. Una muestra imperdible que demuestra cómo el arte puede inspirar nuevos imaginarios sobre nuestro presente y futuro sustentable. 

El artista visual y gestor cultural Felipe Betancourt Rosas, junto a su colectivo Familia Flor, fue el ganador de nuestro concurso de fotografía de Arte en tu Barrio, realizado a través de redes sociales junto a Actual Chile, con el objetivo de promover la participación ciudadana, visibilizar el arte público y fomentar una mirada más consciente sobre nuestro entorno urbano.

El ganador no sólo capturó a través de su lente las esculturas de nuestro programa, sino además las llenó de colores y las hizo partícipe de Familia Flor, performance colectiva, nacida en Coyhaique en 2012, que fusiona arte, naturaleza y comunidad a través de máscaras florales confeccionadas con materiales reciclados, música en vivo y vestuarios coloridos, invitando a reconectar con el entorno y con uno mismo.

Uno de los sellos distintivos de Familia Flor es su carácter nómada y colaborativo: el proyecto viaja en una maleta, y cada activación cobra vida junto a comunidades locales —vecinos, estudiantes, colectivos territoriales y artistas— que se suman a la creación de los personajes florales. 

De esta manera, se genera una experiencia artística profundamente participativa que promueve la apropiación del espacio público, la creación colectiva y la conciencia ambiental.

A lo largo de más de una década, Familia Flor se ha consolidado como una propuesta escénica única en el panorama artístico nacional e internacional. Su recorrido ha llevado arte, color y reflexión a diversas ciudades de Chile —como Coyhaique, Santiago y Valdivia— y del mundo, incluyendo Londres, Ciudad de México, París y Chicago. Cada intervención convierte plazas, parques y esquinas en espacios de encuentro, donde lo efímero de la performance deja huellas duraderas en la memoria de quienes participan.

El proyecto ha sido parte de importantes plataformas culturales, como el festival “100 en un Día” en Santiago y Valdivia, y actualmente forma parte del programa “Gigantes del Reciclaje”, una propuesta de arte itinerante que promueve la educación ambiental desde el arte contemporáneo.

Próxima exposición: Los Gigantes del Reciclaje – Un viaje al reciclaje creativo

Felipe Betancourt presentará próximamente su trabajo en la exposición “Los Gigantes del Reciclaje: Un viaje al reciclaje creativo”, que se realizará entre el 8 de agosto y el 8 de septiembre de 2025 en la Aldea del Encuentro, comuna de La Reina. En esta muestra, el público podrá sumergirse en un universo donde el reciclaje se transforma en un lenguaje artístico y pedagógico.

La exposición incluirá títeres gigantes, máscaras de gran formato, vestuarios y tótems construidos a partir de residuos industriales, textiles y plásticos en desuso. Además, contará con una instalación que recrea el proceso creativo detrás de estas obras, ofreciendo una experiencia inmersiva que combina arte, sustentabilidad y conciencia social.

El programa contempla también actividades de mediación artística dirigidas a estudiantes de colegios municipales, ampliando el acceso a la cultura y profundizando el impacto educativo del proyecto.

Desde Fundación Actual celebramos la participación de Felipe y de todas las personas que compartieron su mirada sobre el arte en nuestros barrios. Su obra nos recuerda que el arte no solo se observa: se vive, se comparte y se construye colectivamente

Escultura en piedra textil.

Fundación Actual continúa ampliando las fronteras de su programa Arte en tu Barrio con la incorporación de una nueva escultura en la ciudad de Lima, Perú. En esta ocasión, el artista Rodrigo Zúñiga Giese —conocido como el “Tejedor de Piedras”— fue invitado a crear una obra para el acceso del edificio residencial Faisanes 343, ubicado en el distrito de Chorrillos. La escultura, titulada “La Rueca”, fue instalada recientemente.  

Trabajada en piedra caliza y con una técnica única que transforma lo pétreo en apariencia textil, “La Rueca” marcará la primera experiencia de arte público del artista peruano: “Me siento halagado. Es mi primera obra pública y ambiciono tener más oportunidades como esta”.  

Con esta nueva obra, Fundación Actual reafirma su compromiso con el arte en el espacio urbano y con la creación de vínculos significativos entre artistas, ciudad y comunidad. 

Como parte del programa Arte en tu Barrio, Fundación Actual instaló una nueva escultura, esta vez en el distrito de Chorrillos, en Lima Perú. “La Rueca”, del artista Peruano Rodrigo Zúñiga. 

Fundación Actual continúa ampliando las fronteras de su programa Arte en tu Barrio con una nueva intervención escultórica en Lima, Perú. En esta ocasión, el artista Rodrigo Zúñiga Giese —conocido como el “Tejedor de Piedras”— fue invitado a crear una obra para ser emplazada en el acceso del edificio residencial Faisanes 343, ubicado en el distrito de Chorrillos.

La escultura, titulada “La Rueca”, está hecha de piedra caliza y presenta formas circulares y radiales inspiradas en los telares ancestrales del Perú. 

“Le puse La Rueca porque los tejidos pétreos que diseño se asemejan a las formas en que las hilanderas del Perú ancestral confeccionaban sus prendas”, explica el artista, reconocido por su técnica singular que transforma la piedra en superficies que evocan la suavidad del textil.

Autodidacta y profundamente conectado con la materia que trabaja, Zúñiga considera esta obra un hito en su trayectoria: “Me siento halagado. Es mi primera obra pública. Ambiciono tener más oportunidades como esta”. 

Desde 2024, Fundación Actual ha expandido el programa Arte en tu Barrio fuera de Chile, reafirmando con este proyecto su compromiso con la integración del arte en los espacios urbanos y con el fortalecimiento del vínculo entre artistas y comunidades. 

“Me parece excelente que las empresas piensen así, porque a través de esta inversión se da oportunidades a muchos artistas plásticos, y al mismo tiempo se ofrecen obras artísticas a la ciudad”, agrega Zúñiga.

Más allá de embellecer el entorno, la escultura busca generar un diálogo simbólico con quienes la rodean. “Espero que quienes se crucen con ella en su trayecto cotidiano experimenten algo parecido a lo que siento al trabajarla: una conexión emocional con las formas, con la luz y con las sombras mágicas que proyecta cada día y cada noche”, concluye el artista.

“Encrucijadas de lo público: el Plinto y la Plaza” continúa este sábado en el Centro Cultural La Moneda

 Este viernes se inauguró en el Centro Cultural La Moneda el coloquio “Encrucijadas de lo público: el Plinto y la Plaza”, un espacio de reflexión que reúne a destacadas voces del pensamiento crítico, el arte y la academia en torno al significado y el destino del plinto de la ex-estatua de Baquedano en Plaza Italia.

En esta primera jornada, diversas mesas abordaron el simbolismo del espacio público, las tensiones entre patrimonio, memoria y participación ciudadana, y el rol del arte como vehículo de transformación cultural.

 Destacaron las intervenciones que situaron al plinto como ruina viva y lugar de disputa simbólica, reconociéndolo como parte de una narrativa colectiva en construcción.

La conferencia fue inaugurada por Javier Ibacache, presidente del directorio del Centro Cultural La Moneda, quien destacó que esta instancia se inscribe en el compromiso del CCLM por abrir espacios a los debates que emergen genuinamente desde la ciudadanía y por fortalecer el ejercicio de los derechos culturales.

 “Nos encontramos en un proceso de reflexión institucional con miras a los 20 años del CCLM, y este coloquio encarna el propósito de proyectarnos como un ágora para pensar colectivamente el país que queremos ser”.

Fernando Balcells, fundador del Colectivo de Acciones de Arte (CADA) e impulsor de la iniciativa, enfatizó la urgencia de reconocer al plinto como un símbolo cargado de memoria social y política: “Estamos visibilizando un problema que ha sido ignorado por la autoridad.

Hemos solicitado que el plinto sea reconocido como ocupante legítimo de la plaza y declarado monumento histórico autónomo. Aquí hay una historia hecha de muchas historias, que no caben en un relato único”.

Desde una mirada interdisciplinaria, la arquitecta Gabriela Medrano moderó la mesa “Arquitectura, ciudadanía, arte y patrimonio”, donde se debatió sobre el sentido del patrimonio en clave contemporánea: “El plinto y la plaza forman parte de un conjunto escultórico con historia propia.

El patrimonio debe ser entendido como una construcción dinámica, que se nutre del diálogo, la memoria colectiva y la transformación de los espacios públicos en función de los afectos y los derechos ciudadanos”.

La conversación continúa este sábado 12 de julio, entre las 09:30 y las 14:00 horas, con nuevas ponencias que profundizarán en las políticas de representación, el derecho a la ciudad y los futuros posibles de la plaza como espacio de encuentro, conflicto y resignificación.

El encuentro —abierto y gratuito— busca proyectar una mirada democrática y participativa sobre los símbolos urbanos que conforman nuestra historia reciente. Entre los invitados e invitadas se encuentran Rita Segato, Cecilia Vicuña, Elvira Hernández, Raúl Zurita, Voluspa Jarpa, Gabriela Medrano, Pablo Oyarzún, José Joaquín Brunner, Colectivo interdisciplinario feminista Las Tesis, entre otros referentes.

Programa

Sábado 12 de julio

Mesa 3:  Monumentos y ruinas, homenajes y aperturas al porvenir

09:30 a 11:00 horas

Modera: Fernando Balcells, sociólogo.

Expositores: Elvira Hernández, poeta, Premio Nacional de Literatura de Chile (2024); Raúl Zurita, poeta, Premio Nacional de Literatura (2000); Cecilia Vicuña, artista visual, Premio Nacional de Artes Plásticas (2023); José Joaquín Brunner, sociólogo y Pablo Oyarzun, filósofo.

Mesa 4: Movimientos sociales en el epicentro en común de la ciudad

11:15 a 12:15 horas

Modera: Voluspa Jarpa, artista visual

Expositores: Claudio Alvarado L., antropólogo; Javiera Manzi, Socióloga; Karinna Fernández, abogada defensora DDHH; Carolina Benavente, investigadora en arte y cultura y Sibila Sotomayor y Daffne Valdés del colectivo interdisciplinario feminista Las Tesis.

Conferencia con Rita Segato: 12:30 a 13:30 horas. 

Ministra de las Culturas encabeza devolución de bienes patrimoniales al Perú en el Museo Histórico Nacional

(c) Juan Guajardo

 La ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Carolina Arredondo, junto al viceministro de Relaciones Exteriores del Perú, embajador Félix Denegri y el jefe nacional de delitos contra el medio ambiente y patrimonio cultural, prefecto Marcelo Rebolledo de la Policía de Investigaciones de Chile (PDI), encabezó este viernes 11 de julio en el Museo Histórico Nacional (MHN) la ceremonia de devolución de bienes culturales arqueológicos a la Embajada del Perú. En la actividad también participaron la subsecretaria del Patrimonio Cultural, Carolina Pérez, y la directora del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural, Nélida Pozo. 

Se entregaron 19 piezas arqueológicas de origen peruano entre cerámicas y textiles, de las culturas Chancay, Wari y Pativilca que datan entre los años 600 y 1476, y que provienen de contextos mortuorios y ceremoniales, lo que les otorga un profundo valor histórico y simbólico. 

“Con esta entrega no solo estamos devolviendo objetos; también estamos reconociendo el valor cultural de estas piezas y reparando el daño causado al patrimonio y memoria de una nación y de las comunidades que fueron afectadas”, dijo la ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Carolina Arredondo.

“Esto es un acto de justicia, de reconocimiento al valor de las culturas originarias, y de reparación simbólica para las comunidades cuyos saberes están representados en este inconmensurable patrimonio”, agregó la ministra.  

(c) Juan Guajardo

Tras expresar su reconocimiento al gobierno de Chile por este acto de significativo valor, el viceministro de Relaciones Exteriores del Perú, embajador Félix Denegri, destacó que la recuperación de bienes culturales constituye un tema de la mayor relevancia para nuestros países, que tenemos el objetivo común de resguardar nuestra historia e identidad y prevenir daños irreparables a la memoria y al legado de nuestros pueblos.

En ese marco, llamó a intensificar nuestras acciones en el combate al tráfico ilícito de bienes culturales con ese objetivo. 

Estas piezas saqueadas de sitios arqueológicos peruanos, identificadas en colecciones ilícitas en Chile y en plataformas de venta en línea como eBay e Instagram y cuya venta y salida del país están prohibidas, forman parte de un fenómeno global de tráfico ilícito que ha aumentado tras la pandemia, delito que está fuertemente vinculado al crimen organizado y al saqueo de contextos culturales, afectando el patrimonio y el conocimiento de países y comunidades vivas. 

En tanto el prefecto, Marcelo Rebolledo, jefe nacional de delitos contra el medio ambiente y patrimonio cultural de la Policía de Investigaciones de Chile, señaló: “El tráfico ilícito de bienes culturales, se ha convertido en uno de los mercados criminales más lucrativos en el mundo, por lo que la PDI -desde hace más de 20 años- investiga este tipo de delitos a través de sus ocho Brigadas Investigadoras de Delitos Contra el Medio Ambiente y Patrimonio Cultural. 

Por ello, esta restitución es el resultado de un trabajo colaborativo y con cooperación internacional de la PDI, con diversas entidades chilenas y del Perú, lo que permitirá que dentro de poco tiempo los bienes restituidos sean observados y admirados por la ciudadanía”. 

(c) Juan Guajardo

Sobre las piezas

Fueron nueve cerámicas (Caso Quinteros) incautadas por la Brigada Investigadora de Delitos contra el Medio Ambiente (BIDEMA) de la PDI Valparaíso en un museo irregular, incluidas piezas de estilo Chancay y Pativilca (600-1000 d.C.), con cántaros monocromos ovoides decorados con motivos zoomorfos.

Junto con lo anterior también se decomisó un textil Chancay denunciado por venta en Instagram, que corresponde a un fragmento de gasa blanca con diseños antropomorfos y ornitomorfos, elaborado en algodón (1000-1476 d.C.).

Además, nueve textiles detectados en eBay por la Dirección de Recuperaciones del Perú que incluyen piezas de las culturas Chancay y Wari de fibra de camélido y algodón, con diseños geométricos, 600-1000 d.C. 

Sobre el proceso de identificación y recuperación

La Dirección de Recuperaciones del Ministerio de Cultura del Perú identificó estas piezas mediante un riguroso análisis técnico que incluyó un estudio comparativo donde se realizó una evaluación de materiales, técnicas, morfología e iconografía, además de una estimación del estado de conservación e identificación de daños y alteraciones.

 Además, se efectuó una revisión bibliográfica para realizar consultas de publicaciones arqueológicas y catálogos de museos. Así mismo se tuvo se tuvo acceso a información virtual mediante el uso de plataformas como el Sistema Integrado de Patrimonio Cultural Peruano (SIPAC).

(c) Juan Guajardo

Todas las piezas fueron reconocidas como parte del Patrimonio Cultural de la Nación Peruana, amparadas por la Convención UNESCO 1970 (ratificada por Chile en 2014) y el Convenio Bilateral Chile-Perú de 2002. Este marco legal obliga a los Estados a combatir el tráfico ilícito y facilitar la restitución de bienes culturales. 

La recuperación de estos bienes patrimoniales fue posible gracias al trabajo mancomunado y la colaboración del Ministerio de Relaciones Exteriores, BIDEMA de la PDI, Ministerio Público, el Servicio Nacional del Patrimonio Cultural a través de su Unidad de Asuntos Internacionales y Tráfico Ilícito, quién coordinó la evaluación, conservación y embalaje, con apoyo del Consejo de Monumentos Nacionales, el Museo Histórico Nacional y el Centro Nacional de Conservación y Restauración.

El artista Andrés Vio se sube a la Combi en el Arte.

 Fundación Actual lanza una nueva exposición del programa Arte Sobre Ruedas, esta vez de la mano del artista visual Andrés Vio, quien presenta “Círculo en Tránsito”, una muestra itinerante que recorrerá diversos espacios de Santiago.  

La exposición reúne obras seleccionadas especialmente para viajar en la galería móvil de Fundación Actual, con el círculo como figura central y simbólica. Junto a la muestra, se realizarán talleres y actividades con el artista y la comunidad.  

“Me gusta la idea de que el arte se mueva por la ciudad, que se cruce con la vida cotidiana”, señala Vio, quien desde sus inicios ha cruzado la práctica artística con la docencia y la extensión cultural. Su participación en Arte Sobre Ruedas es parte de esa vocación: abrir el arte, compartirlo, activarlo junto a otras personas.  

“Círculo en Tránsito” es una invitación a la pausa, a observar y crear en conjunto. Muy pronto, en tu barrio, plaza, evento o colegio.

“Círculo en Tránsito” es la nueva exposición que a partir de agosto viajará en la Combi del Arte de Fundación Actual llevando obras del destacado artista chileno a diferentes espacios de la ciudad.   

Después de 2 años de un exitoso recorrido con la exposición de Bruna Truffa, en la que más de 265 mil personas tuvieron la oportunidad de conocer el trabajo de la destacada artista chilena, ahora, con la nueva muestra, la Combi comenzará su recorrido ofreciendo además de la exposición, actividades y talleres artísticos impartidos por el artista.

Y es que, desde sus inicios, Andrés Vio ha cruzado la práctica artística con la docencia y la extensión cultural. Su participación en Arte Sobre Ruedas es parte de esa vocación: abrir el arte, compartirlo, activarlo junto a otras personas.

De esa manera, la Combi recorrerá distintas comunas de Santiago —plazas, colegios, eventos— con una propuesta que fusiona el arte contemporáneo y la participación ciudadana. Más que una muestra estática, esta es una experiencia en movimiento que invita a detenerse, observar y participar.

“Me gusta mucho la idea de llevar el arte donde está la vida real. No como un lujo, sino como algo que debe estar presente en todos lados. Que se mueva por la ciudad me parece potente”, comenta Vio sobre su motivación para sumarse a esta propuesta itinerante.

Una galería en tránsito, un círculo que se expande

La exposición reúne una cuidada selección de obras que dialogan con la movilidad de la Combi y con la idea de tránsito, pausa y observación. El círculo, figura central en el trabajo de Vio, aparece como un símbolo cargado de sentido: “El círculo es tránsito, es conexión. Igual que esta exposición, que no se queda quieta y que invita a participar”, señala el artista.

La propuesta curatorial se construye a partir del lenguaje visual que ha caracterizado la carrera de Vio: el uso del diario como material plástico, la geometría como estructura y la exploración espiritual desde lo cotidiano. Su obra se despliega en soportes diversos —papel, madera, objetos— y evoca influencias que van desde el cubismo al Op Art, sin adherirse a una corriente única.

“Círculo en tránsito” no solo exhibe obras: también propone un encuentro directo entre el artista, el público y la creatividad. A diferencia de otros años, la Combi del Arte viajará preparada para realizar talleres en los que las personas podrán participar experimentando con la metodología de Vio y crear sus propias obras junto al artista.

“El arte tiene que salir del museo, cruzarse con la vida cotidiana. Mientras más personas lo experimenten, mejor. Es una puerta de entrada a mundos nuevos. Y a veces, para muchos, es la primera vez. Eso tiene un valor inmenso”, afirma.

Conmemoran los 121 años del natalicio de Pablo Neruda

 Este sábado 12 de julio, a las 12.00 horas, la Fundación Pablo Neruda conmemorara los 121 años del nacimiento de Pablo Neruda y al mismo tiempo se celebrarán los 75 años de la publicación del canto General.

Esta obra de Pablo Neruda representa una de las cumbres de la poesía latinoamericana, con su célebre poema "Alturas de Macchu Picchu", musicalizado posteriormente por los Jaivas. 

Pablo Neruda, seudónimo y posterior nombre de Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto nació en Parral el 12 de julio de 1904 y falleció en Santiago el 23 de septiembre de 1973.

Es considerado entre los más destacados e influyentes artistas de su siglo; además de haber sido senador, cónsul, miembro del Comité Central del Partido Comunista y embajador en Francia.

En 1971 Neruda recibió el Premio Nobel de Literatura «por una poesía que con la acción de una fuerza elemental da vida al destino y los sueños de un continente» y entre sus múltiples reconocimientos, destacó el de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford.

​En 1910 ingresó al Liceo de Hombres de Temuco, donde cursó todos sus estudios hasta terminar el 6.º año de humanidades en 1920.

El entorno natural de Temuco, sus bosques, lagos, ríos y montañas marcaron el mundo poético de Neruda; en dicha ciudad escribió gran parte de los trabajos que integraron Crepusculario (1923), su primer libro de poemas.

El 18 de julio de 1917 publicó su primer artículo, Entusiasmo y perseverancia, en el diario La Mañana de Temuco. ​ En 1918 su poema «Mis ojos» apareció en la revista Corre-Vuela, donde se publicaron otros tres poemas suyos.

Entre este año y 1922, escribió artículos que fueron publicados en los periódicos temuquenses La Mañana y Diario Austral y en revistas literarias de estudiantes de Temuco, la Revista Cultural de Valdivia y Ratos Ilustrados de Chillán.

​ En 1919 publicó trece poemas en la revista Corre-Vuela, comenzó a contribuir en la revista literaria Selva Austral y obtuvo el tercer lugar en los Juegos Florales del Maule con su poema «Comunión ideal» o «Nocturno ideal».

En 1920 conoció a Gabriela Mistral, por entonces directora del Liceo de Niñas de Temuco ​ de cuyo encuentro recordó: «ella me hizo leer los primeros grandes nombres de la literatura rusa que tanta influencia tuvieron sobre mí».

​ Fue elegido presidente del Ateneo Literario del Liceo de Hombres de Temuco y prosecretario de la Asociación de Estudiantes de Cautín. El 28 de noviembre de dicho año, ganó el primer lugar en poesía de la Fiesta de la primavera de Temuco.

Fue cónsul en Birmania, en Sri Lanka, Java, Singapur, Buenos Aires, Barcelona y Madrid donde pregonó su concepción poética de entonces, la que llamó «poesía impura» y experimentó el poderoso y liberador influjo del surrealismo.

En 1923 publicó Crepusculario, elogiado por escritores como Hernán Díaz Arrieta, Raúl Silva Castro y Pedro Prado.

(c) Fundación Pablo Neruda 

​ En 1924 salió a luz su famoso “Veinte poemas de amor y una canción desesperada”, donde todavía se nota una influencia del modernismo. 

Posteriormente, se manifestó un propósito de renovación formal, de intención vanguardista, en tres breves libros publicados en 1926: El habitante y su esperanza, Anillos (en colaboración con Tomás Lago) y Tentativa del hombre infinito.

En 1939 fue designado, por el presidente Pedro Aguirre Cerda, cónsul especial para la inmigración española en París, donde destacó como el gestor del proyecto Winnipeg, barco que llevó a cerca de 2000 inmigrantes españoles desde Francia a Chile.

Poco tiempo después en 1940, fue asignado como cónsul general en México hasta fines de 1943, ​ donde reescribió su Canto General de Chile transformándolo en un poema del continente sudamericano. 

El 21 de octubre de 1971, Neruda fue galardonado con el Nobel «por una poesía que con la acción de una fuerza elemental da vida al destino y los sueños de un continente»

Su última aparición en público fue el 5 de diciembre de 1972, cuando el pueblo chileno realizó un homenaje al poeta en el Estadio Nacional. En febrero de 1973, por razones de salud, renunció a su cargo de embajador en Francia.

Después del golpe militar del 11 de septiembre, su salud se agravó y el 19 fue trasladado de urgencia desde su casa de Isla Negra a Santiago, donde murió en la Clínica Santa María a las 22:30 del 23 de septiembre.

75 años de Canto General (1950 – 2025)

Este 2025 la Fundación Pablo Neruda conmemora los 75 años de Canto General (México,1950), una obra monumental, considerada un clásico de las letras hispanoamericanas y de la poesía contemporánea universal.

Comparado con libros como la Biblia, el Popol Vuh, La Divina Comedia, La Araucana y Hojas de hierba, este libro es también un gran poema que abarca el continente americano, su historia, su geografía, sus conquistadores y conquistados. Fundación Pablo Neruda rinde homenaje a Pablo Neruda y su Canto General, aportando un contenido educativo y poético, para todas y todos.

El Canto General es el décimo poemario de Pablo Neruda, que fue publicado por primera vez en México, en los Talleres Gráficos de la Nación, en 1950 y que empezó a componer en 1938.

Con pocas semanas de diferencia, se imprimió y circuló en Chile una versión clandestina, con pie de imprenta ficticio (Imprenta Juárez, Reforma 75, Ciudad de México), a cargo de Américo Zorrilla y del ilustrador José Venturelli.

La edición original que salió en México incluyó ilustraciones de los muralistas mexicanos Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros.

Neruda explicó en sus memorias que consideraba Canto general como su libro más importante. Lo concibió como un «proyecto poético monumental» que aborda la historia de América Latina, siguiendo a los antiguos cantos épicos y consta de quince secciones, 231 poemas y más de quince mil versos.

(c) Fundación Pablo Neruda 

Casi todos los poemas que lo componen, fueron creados en circunstancias particularmente difíciles, cuando Neruda vivía en la clandestinidad ya que como miembro del Partido Comunista, era perseguido y acusado de «infringir la Ley de Seguridad Interior del Estado e injuriar al presidente Gabriel González Videla.

 En palabras del propio Neruda, el propósito de su libro fue: «Unir a nuestro continente, descubrirlo, construirlo, recobrarlo. Me propuse también abarcar nuestra inmensidad americana sin temer la fulguración de los héroes ni pasar por alto los crímenes que nos han ensangrentado.  Nuestras plantas, nuestras flores deben ser por primera vez contadas y cantadas».

(Pablo Neruda, Congreso Continental de la Cultura, 1953).

Victoria: Una figura que embellece, cuida y transforma

 Kika Mazry Jacob se reencontró con el espacio público de la mano de “Victoria”, una escultura de tres metros de altura que se instalará frente al Condominio Piamonte, en Huechuraba, como culminación del concurso “Vida de Barrio, Piamonte”, organizado por Fundación Actual.  

 “Victoria” es el nombre de la escultura con la que Kika Mazry ganó el concurso Vida de Barrio, y que está pronta a cobrar vida.

 Con esta obra, la artista propone una figura femenina que observa una planta que ha crecido gracias a sus cuidados: una imagen que, lejos de lo literal, se convierte en símbolo de esperanza, identidad y arraigo comunitario.

Mazry es escultora de formación y trayectoria, con un trabajo que se ha caracterizado por el uso de grandes volúmenes, materiales como aluminio y madera, y una estética lúdica que desafía los códigos tradicionales del arte público.

Su lenguaje visual convive entre lo geométrico, lo emocional y lo simbólico, siempre con una atención especial a la relación entre cuerpo, materia y territorio.

Y “Victoria” nace desde esa mirada. La figura blanca, de trazos simples y proporciones amplificadas, recuerda a los juguetes metálicos de otras épocas, apelando a la memoria infantil y al juego como experiencia comunitaria.

La pala y la planta, en tonos tierra-verde, evocan los cerros que enmarcan la zona, y dan forma a una narrativa silenciosa sobre el cuidado y la transformación.

“Quise que Victoria fuera una especie de personaje protector. Que tuviera una presencia amable y fuerte, como una mujer que cuida lo que ha sembrado, que se relaciona con los niños que juegan en la plaza y con quienes transitan por el lugar. Que fuera parte de la vida cotidiana del barrio”, señala la artista. 

El nombre de la obra no solo hace referencia al gesto de la figura, sino que conecta con la historia personal de Mazry. 

“Victoria es una palabra que me ha acompañado en momentos difíciles que terminaron bien. Tiene que ver con el lugar, con mi propia recuperación y también es el nombre de mi hija menor”, comenta. Esa dimensión íntima se entrelaza con lo colectivo, resignificando la escultura como un punto de encuentro emocional con la comunidad.

El concurso —cuyo jurado estuvo integrado por Cristián Salineros F., Pablo Gellona y Alicia Villarreal Mesa— buscaba seleccionar una obra capaz de dialogar con el entorno y aportar valor simbólico al espacio urbano.

En ese contexto, “Victoria” se instala como un gesto de permanencia en medio del tránsito, un hito que, sin ser monumental, se vuelve significativo por su capacidad de resonar con lo cotidiano.

“Huechuraba tiene una historia rica, desde los pueblos originarios hasta las comunidades actuales. Me interesa que las obras hablen de eso, que inviten a inventar relatos. Que un niño diga ‘ahí está la señora que cuida la planta’ y ese personaje pase a formar parte del imaginario del barrio”, explica Mazry, poniendo énfasis en la importancia de lo local como generador de identidad.

Respecto al arte en espacios públicos, es clara: “No todos van a museos o galerías, pero todos caminamos por calles, pasamos por plazas. Cuando una obra aparece ahí, puede emocionar, sorprender o simplemente invitar a detenerse un momento. Y eso ya es valioso”. 

En “Victoria”, Kika Mazry condensa su lenguaje escultórico, su experiencia vital y su deseo de sembrar vínculos. Porque cuando el arte brota desde el territorio y se entrega a la comunidad, no solo embellece un lugar, si no también lo transforma. Y ahí, como dice la artista, “ya hay una victoria”.

Kika Mazry Jacob se reencontró con el espacio público de la mano de Victoria, una escultura de tres metros de altura que se instalará frente al Condominio Piamonte, en Huechuraba, como culminación del concurso “Vida de Barrio, Piamonte”, organizado por Fundación Actual.   

Con esta obra, la artista propone una figura femenina que observa una planta que ha crecido gracias a sus cuidados: una imagen que, lejos de lo literal, se convierte en símbolo de esperanza, identidad y arraigo comunitario.  

Con una estética inspirada en juguetes antiguos y materiales metálicos, Victoria dialoga con la identidad del lugar, evocando historias personales y colectivas. “Es una figura que cuida, que arraiga, que conversa con quienes viven ahí. Ojalá se vuelva parte del imaginario del barrio”, señala la artista.  

La obra fue seleccionada por un jurado compuesto por Cristián Salineros F., Pablo Gellona y Alicia Villarreal, y forma parte del programa de Fundación Actual que incorpora el arte a espacios públicos de la ciudad.  

Danza contemporánea y Performance se unen para reflexionar sobre la problemática del abandono de los ascensores en Valparaíso

Desde el viernes 18 hasta el domingo 20 de julio es la temporada de estreno de “Máquina, de gloria y olvido”, obra de danza contemporánea que se presenta en el Parque Cultural de Valparaíso, Ex-Cárcel.

 Esta creación de la Compañía Amateur busca relevar la problemática de los ascensores en Valparaíso a través de la relación entre el maquinista y un ascensor en resistencia de no ser silenciado y abandonado en el tiempo. 

El Proyecto “Máquina, de gloria y olvido” está financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, Convocatoria 2025, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Entradas vía Ticketplus, enlace disponible en el Instagram @ciaamateur, $5000 público general, $3000 estudiantes y personas mayores.

Marco Orellana, director del montaje, señala: “El año 2023 me impactó ver muchos ascensores en estado de abandono. En el Barrio Puerto había un cartel al lado del Ascensor Artillería que hacía referencia a que el transporte mejora la calidad de vida.

 Me pareció muy fuerte, cuando a simple vista uno se enfrenta al deterioro de este medio de transporte industrial, considerado Patrimonio por la UNESCO”. 

“Investigué más a fondo, con un guía patrimonial, y me mostró documentación de más de 15 ascensores en desuso o en ruina total, quedando los vestigios de la época gloriosa del Puerto. Visitamos varios ascensores detenidos en los cerros, siendo los ascensores Florida, Mariposas y Monjas los que inspiran la obra.

Luego contacté a Belén, me pareció que su trabajo físico se conectaba con la metáfora del ascensor y eso se transmite en la escena; la Suspensión Capilar sube, baja, se detiene, mira, recuerda y resiste, generando similitud a una máquina industrial viva”. 

Belén Ceci, performer, comparte: “Mi disciplina es la Suspensión Capilar, también llamada Fuerza Capilar. Consiste en colgarse desde el pelo y empezar a elevarse. Más que dolor, yo lo describo como una ‘tensión desconocida’.

Cada cuerpo tiene distintos umbrales, a algunos les duele mucho y lloran, otros apenas lo sienten. Se activan músculos del cuello, del trapecio, del rostro. El peinado es técnico y especial, se aprende con la práctica. Hoy en día hay más información y la disciplina está en auge”.

“Transmitir a través de la gestualidad, la corporalidad, es todo un viaje, un gran desafío. Los ascensores hacen falta, conectan comunidades, hacen más accesible el cerro para muchas personas, ya sea por temas de movilidad o por dinero. La falta de ascensores genera también una falta de conexión en la ciudad”.

An Devenires, maquinista en escena, comenta: “Inicialmente mi rol en esta obra era técnico, como maniobrista (o “lonjador” en terminología circense). La Suspensión Capilar necesita a alguien que sostenga. Pero a medida que probábamos se creó una relación escénica. Marco la potenció. Me transformé en el maquinista del ascensor. Es un rol simbólico: sostener, proteger, amar. Se volvió una relación afectiva con Valparaíso, con su ruina y su belleza. De ahí que terminé dentro de la escena, no solo fuera”. 

“Soy porteño, criado acá. Me afecta el abandono del patrimonio, pero también me inspira. Como decimos: ‘supimos hacer cosas con la ruina’. En escena, la relación con Belén/máquina es también una declaración de amor a Valpo, al intento por sostenerlo, por no dejarlo caer”.

El diseño sonoro está a cargo de la compositora Enya de la Jara, y además se utilizará la canción “Valparaíso en la noche” del cantautor y compositor Ángel Parra Cereceda.

Enya comparte: “En esta obra he aplicado muchos recursos de la música popular de Valparaíso; elementos rítmicos del bolero, de la cueca y de los chinchineros, ligado a los sonidos tradicionales e identitarios de la ciudad, como los mismos ascensores, que grabamos al inicio del proceso, y recreo atmósferas de las calles, el área del Puerto y, por supuesto, también del mar. Donde sea que estés viendo la obra, te sentirás en Valparaíso”.

“Las artes escénicas son muy importantes en el mundo artístico, generan un cruce de disciplinas que convergen como no lo hace ningún otro arte. 

Mi trabajo cotidiano, cuando avanzo en las músicas, es bastante solitario, en casa viendo videos o con los apuntes del ensayo, pero el encuentro con el resto de las partes que generan la obra es donde la magia se produce y para mí los momentos más importantes.

Hacer redes, conocer a la gente que trabaja conmigo, relacionarnos y crear en conjunto es lejos lo más satisfactorio y es lo que sustenta a todo el medio en sí mismo, la colaboración es una acción muy poderosa”, cierra Enya.

Para más información seguir a @ciaamateur en Instagram.

COORDENADAS

Viernes 18 y sábado 19 de julio a las 19:00 horas.

Domingo 20 de julio a las 18:00 horas. Teatro del Parque Cultural de Valparaíso - Ex Cárcel. Calle Cumming 590, Valparaíso. $5000 público general. $3000 estudiantes y personas mayores. https://ticketplus.cl/events/maquina-de-gloria-y-olvido 

FOJI finaliza con gran éxito proyecto “Música para vivir mejor” financiado por MIDESO

 El área Psicosocial de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile (FOJI), que tiene por objetivo contribuir al bienestar integral de todos los becados y becadas de la Fundación, se adjudicó en 2024 el Fondo Para Vivir Mejor 2024, entregado por el Ministerio de Desarrollo Social, bajo la línea de acción social, con el proyecto “Música para vivir mejor, somos FOJI”.

El fondo "Para Vivir Mejor" es un fondo concursable que financia proyectos para la superación de la pobreza que apoyen y fortalezcan las labores que realizan las instituciones de la sociedad civil, en particular corporaciones y fundaciones, que trabajan con personas o grupos vulnerables de la sociedad.

El proyecto ejecutado entre 2024 y 2025, contempló principalmente actividades de diagnóstico de necesidades, apoyo, asesoría y conexión a redes con becadas y becados de la OSJR provenientes de la Provincia de Arauco, mediante entrevistas y visitas domiciliarias. Asimismo, se promovió la vinculación con instituciones de la provincia, con el objetivo de que conozcan y valoren a los jóvenes músicos, y de generar redes de apoyo y promoción.

Por otra parte, se ejecutaron actividades formativas y promocionales con becadas y becados de la OSJR Bío Bío y de orquestas base de la Provincia de Arauco, de donde provienen los becados de la OSJR: la Orquesta de Contulmo, la Orquesta Ayekafe de Arauco y la Orquesta de Lebu. También se llevaron a cabo actividades similares con instructores/as y profesores/as de la OSJR Bío Bío, la orquesta de Contulmo y la Orquesta Ayekafe de Arauco.

Se realizaron presentaciones musicales de los músicos OSJR oriundos de la Provincia de Arauco en sus propios territorios, incluyendo el Centro Penitenciario de Arauco, la Escuela Gabriela Mistral de Curanilahue, la Escuela César Montalva de Arauco, el Jardín Infantil Encanto de Sayén de Cañete y la Gobernación Provincial de Arauco (en el contexto de su cuenta pública).

Finalmente, se efectuó una evaluación participativa mediante la exhibición de un mini documental del proyecto, dirigido a instituciones de gobierno, salud y educación en la Gobernación Provincial de Arauco, así como a las y los becados de la OSJR en la UBB.

Marcela Celis, jefa del área psicosocial de FOJI comentó sobre los resultados del proyecto “me siento muy satisfecha, creo que cumplimos el propósito de dar apoyo psicosocial a los becados y becadas de la OSJR Bío Bío, junto con aportar a la descentralización del acceso a la música y el trabajo social, llevando belleza a los territorios, y especialmente a una zona tan marcada por los conflictos y la pobreza como es la Provincia de Arauco.

Fue un proyecto significativo para nosotros como equipo, para los y las becadas que participaron y para las instituciones y personas con que nos relacionamos en la Provincia de Arauco. Ver a un niño pequeño aplaudiendo a los músicos en su jardín infantil, o a un usuario del penal con los ojos brillando, es hermoso” 

Añade sobre el impacto del proyecto que “se cumplió el objetivo del proyecto de contribuir al desarrollo y bienestar integral de nnaj de la OSJR y a la integración social y territorial, con foco en la provincia de Arauco, aportando a la conexión entre la OSJR y las orquestas y comunidades de las que estos provienen. Quedaron experiencias, conexiones e ideas generadas en conjunto”

Finalmente mencionó que los principales aprendizajes y logros de este proceso es reconocer “la importancia del aporte psicosocial en las orquestas de NNAJ, la importancia de conectar con los territorios de los que nuestros becados vienen, para que sea también para el otro lado: ellos vienen, nosotros vamos. Conocer los territorios y que nos conozcan”

Por su parte el compositor y director ejecutivo de FOJI comentó que “La ejecución del Fondo para Vivir Mejor 2024 fue una valiosa oportunidad para fortalecer el acompañamiento psicosocial que brindamos a los jóvenes músicos de la Región del Biobío.

 Gracias a este fondo, pudimos no solo apoyar de manera cercana a los becados de la Orquesta Sinfónica Juvenil Regional, sino también contribuir activamente al bienestar de sus familias y comunidades, promoviendo la cohesión social y el desarrollo integral a través de la música.

Agradecemos profundamente al Ministerio de Desarrollo Social por permitirnos llevar adelante esta iniciativa, que reafirma nuestro compromiso con una sociedad más inclusiva y equitativa” y añade “Confiamos en que la experiencia y aprendizajes obtenidos durante este proceso puedan proyectarse y multiplicarse en el futuro, beneficiando a las distintas orquestas juveniles que forman parte de nuestra fundación, desde Arica a Magallanes”.

Esta iniciativa es parte de las actividades que la Fundación ha realizado y seguirá organizando en busca de dar cumplimiento a su misión institucional, fomentando el desarrollo integral de niños, niñas y jóvenes a través de la música y fortaleciendo además de su formación artística su bienestar y el de las comunidades que los circundan, avanzando así hacia una red de orquestas juveniles más inclusivas, cohesionadas y con impacto sostenido a lo largo de todo el país.

Sobre FOJI

La Fundación Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile, FOJI, se dedicada a promover el desarrollo social, cultural y educacional del país, brindando oportunidades para que los niños, niñas y jóvenes de todo Chile accedan a una mejor calidad de vida a través de la práctica musical de sus elencos; acercando la música de concierto a todas las personas, sin distinción.

Desde su modelo formativo, FOJI busca contribuir al desarrollo integral de los becados/as mediante el fomento de la práctica musical de sus elencos y enseñanza dentro de un marco de respeto y compromiso social, entregando una experiencia formativa caracterizada por ser activa y colaborativa, con acceso social y territorial, que procura las condiciones óptimas para el logro de los objetivos formativos.

FOJI cuenta con financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Más  información en www.foji.cl

La fantasía de “El Carnaval de los Animales” visita el Teatro del Lago

 La Dirección de Extensión Cultural de la Universidad Andrés Bello y la compañía Teatro Visual y de Objetos La Llave Maestra invitan al espectáculo “El Carnaval de los Animales”, que se presentará el sábado 26 de julio, a las 19:00 horas, en el Teatro del Lago. No te pierdas esta oportunidad de disfrutar de un espectáculo mágico para toda la familia. ¡Acompáñanos!

El espectáculo “El Carnaval de los Animales”, es parte de la oferta programática de la Temporada 2025 de la Extensión Cultural de la Universidad Andrés Bello y se enmarca en su esfuerzo por llevar la cultura a distintos lugares de Chile.

La reconocida compañía La Llave Maestra da vida a “El Carnaval de los Animales”, la célebre suite musical del compositor francés Camille Saint-Saëns. En esta creación escénica única, elefantes, tortugas, cisnes, ballenas, medusas, jirafas, libélulas, mantarrayas y otras criaturas fantásticas del reino animal irrumpen en el escenario, invitando al público a un asombroso viaje de movimiento, formas y objetos que nos transporta al corazón mismo del mundo animal.

Concebido como una oda a la belleza y majestuosidad de la naturaleza, “El Carnaval de los Animales” —ballet de formas y objetos— es un espectáculo visualmente deslumbrante, que invita a abrir los sentidos y dejarse llevar por la música, la creatividad y la fuerza de la visualidad.

Desde la compañía explican que “en tiempos de crisis ecológica, se vuelve urgente reconectar con el esplendor de lo animal y rendirle un homenaje colectivo que celebre su fuerza, poesía e importancia vital para el equilibrio del planeta”.

Para enriquecer esta travesía escénica, la compañía ha incorporado a la suite original de Saint-Saëns dos obras complementarias: Danza macabra, del mismo compositor, y Clair de lune de Claude Debussy.

La Llave Maestra, fundada en Pamplona (España) en 2010 y radicada en Chile desde 2013, ha desarrollado un lenguaje poético y sugerente en torno a la materialidad, el cuerpo y el gesto como vehículos para crear imágenes en movimiento. Con una propuesta interdisciplinaria, la compañía fusiona teatro gestual, objetos, máscaras, clown, danza y artes visuales para crear experiencias escénicas lúdicas y emotivas que transportan al espectador a universos llenos de belleza, sorpresa y humanidad.

Las entradas están disponibles en TicketPlus. Más información en cultura.unab.cl