Llega el 15° Festival FINTDAZ con espectáculos presenciales gratuitos.

Obra: Hoy es ahora 

 El arribo de una ballena gigante, shows de danza, de teatro, workshops y malabarismo para niños y adultos, son solo algunas de las actividades que traerá la celebración de la décima quinta versión del Festival Internacional de Teatro y Danza FINTDAZ, que volverá a la presencialidad, tras dos años de programación virtual.

La ciudad de Iquique, Caleta Chanavayita y comunas de la Región de Tarapacá, como Alto Hospicio, Pozo Almonte, Huara y Pica, podrán disfrutar de los espectáculos gratuitos que traerá nuevamente este encuentro de las artes, entre el 17 y el 25 de junio del 2022 y que es organizado por la Compañía de Teatro Antifaz.

A teatros, centros culturales, gimnasios y establecimientos educacionales, llegarán un total de 19 compañías provenientes de Alemania, Italia, España, Argentina, República Dominicana, Brasil y Chile.

Sobre el tan esperado escenario real, se podrán ver obras que abordan tópicos como diversidad sexual, migración, amor, injusticia y feminismo, no solo con el objetivo de entretener, sino que también de educar, generar reflexión y cumplir el rol de las técnicas artísticas, que contribuyen al mejoramiento de la calidad de vida de una persona.

El director general, Abraham Sanhueza López, expresó con mucha emoción que “falta muy poco para volver a encontrarnos en el FINTDAZ que conocíamos y vibrábamos hasta el 2019.

Serán nueve jornadas en las que tendremos teatro de comedia, teatro drama, danza, malabarismo y realismo mágico, acompañado también de talleres formativos, así es que tendremos panoramas por doquier y totalmente gratuitos para la comunidad”.

Poder llevar a cabo el festival de manera ininterrumpida, a pesar de los obstáculos de la pandemia, trajo la oportunidad de acercarnos a audiencias de Argentina, Bolivia, Ecuador, Perú, México, Colombia, Brasil, Uruguay y Chile, llegando a casi tres millones de accesos totales en la web www.fintdaz.cl.

“Fueron períodos difíciles, aún lo siguen siendo para el mundo de las culturas y las artes, pero fieles a nuestro compromiso como Compañía Antifaz, pudimos acceder a las aulas virtuales de colegios transmitiendo parte de nuestra programación y generando mediaciones a partir de todo lo visto”, recordó Sanhueza.

La Compañía de Teatro Profesional Antifaz es financiada por el Ministerio de las Culturas, Las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro.

Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística.

Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Cabe recordar que FINTDAZ 2022 es financiado por el Ministerio de las Culturas, Las Artes y el Patrimonio, a través del FONDART Nacional y Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, Ley de Donaciones Culturales, el Gobierno Regional de Tarapacá a través del FNDR de Asignación Directa – Fondo de Cultura y Minera Doña Inés de Collahuasi.

Posada del Corregidor abre sus exposiciones

 Este martes 26 de abril a las 18:00 horas se se inauguran las exposiciones de los artistas visuales Catalina Donoso “Arar el jardín” y Cristián Salineros F. “Uri” en la histórica galería del centro de la comuna en el marco del Proyecto “Cabo de Hornos”.

 Ambas muestras reúnen las obras más recientes de ambos destacados artistas visuales, que se presentan en el marco del Proyecto “Cabo de Hornos”, iniciativa de extensión hacia la sociedad y de interacción entre organismos de educación superior vinculados con la formación artística.   

La Municipalidad de Santiago, a través de las Subdirecciones de Cultura y Patrimonio junto a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile invitan a la inauguración de esta dupla de artistas que forman parte de este proyecto de extensión artística. 

A estas dos instituciones se adhieren como patrocinadores el Departamento de Arte de la Universidad Alberto Hurtado, la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica y Taller Bloc. 

Bajo la coordinación de Enrique Matthey, artista y académico de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, “Cabo de Hornos” es un proyecto iniciado el año 2019, el cual desarrolla un conjunto de duplas de exposiciones con treinta artistas nacionales, durante un ciclo de tres años, junto a un programa de actividades de extensión y mediación en la Posada del Corregidor.

Este conjunto se distingue por explorar, a través de la aventura y experiencia del lenguaje en sus producciones artísticas, procurando que el contenido actúe en complicidad con la forma. De este modo la apariencia de las obras cobra una relevancia que es vital ya que concentran la voluntad en los procedimientos y los materiales de cada artista.

En estas nuevas exposiciones, tanto Catalina Donoso B. como Cristián Salineros F., exploran y examinan en su trabajo aspectos inusuales de lo que consideramos habitualmente como pintura y escultura, llevando a los visitantes a experimentar un balance extremo a través de la pintura monocroma y con una fuerte presencia corporal en el caso de Donoso, como el desbaste extremo y transfiguración  a través del fuego como presenta en su más reciente trabajo. 

Salineros F. combina en “Uri”, una mirada retrospectiva hacia temáticas que yacen en sus primeras obras: la relación entre naturaleza, el territorio y el paisaje, la conexión con las formas orgánicas y la escultura a gran escala que alcanzan niveles de instalación en espacios interiores como en el caso de la galería. 

En este espacio reúne objetos aparentemente inconexos: un tronco quemado, tierra, botas y un árbol, los cuales no siguieron un camino predeterminado, pero sin embargo se presentan como un conjunto de capas de la exploración e investigación que ha realizado Salineros por aunar conceptos como ser y lugar.

Desde sus palabras Salineros F. expresa “Considero que las piezas que se exhiben son en realidad una sola pieza que se fragmenta y se distribuye en ambas salas del primer piso”. 

Al verlos como un todo, los objetos introducen al visitante a repensar la relación que tenemos con la naturaleza, pero no de un modo reconocible. Tras ser despojados de sus significados, lleva al visitante a reparar en las condiciones improbables que conlleva el medio natural: el fuego o la intemperie, el calor extremo, la humedad o la luminosidad, la fragilidad o fortaleza de los materiales. Finalmente, arte, ciencia, memoria y azar, son métodos o maneras de explicarnos u orientarnos en nuestra relación con el mundo y la naturaleza. 

La exposición de poesía visual que transforma la RUTA 68 en una galería de arte

 Un gran revuelo ha generado entre los viajeros que circulan por la Ruta 68 -desde Santiago a Valparaíso- la serie de letreros publicitarios con mensajes y símbolos totalmente ajenos a lo que es la publicidad tradicional. 

Lo que pocos saben, es que se trata de una exhibición de arte única y rupturista al aire libre, que busca conectar el viaje con la poesía visual ¿Qué hay detrás de todo esto? 

Se trata de un proyecto de Metro21 con financiamiento del Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes (Fondart), que reúne a poetas visuales que exponen su arte en la carretera. 

La exposición de arte “VIA CRISIS” consiste en una exhibición sobre 15 vallas publicitarias de la ruta 68 que tiene como fin, convertirse en un poema visual de 15 versos. Además, esto va enlazado con una playlist de Youtube para vivir una experiencia inolvidable. 

Metro21, es una galería de arte urbano que ha realizado grandes intervenciones urbanas, y propone dar un nuevo significado a las vallas publicitarias como plataforma expositiva y ejercicio democrático de la cultura. 

“Las obras de Vía Crisis quieren sorprender al viajero tratando de posicionarse en lugares comunes, pero extraños para el arte, en lugares donde consumo y contemplación se contraponen, se contradicen. 

El poema, compuesto por 15 versos, atraviesa esta carretera, deteniéndose en el concepto de la CRISIS que habitamos en esta época. Desde ahí nos interesa detenernos en los paradigmas que rigen hoy los comportamientos de los consumidores”, explicó Josefina Andreu, directora de la galería. 

Un aspecto importante del proyecto, es que cada una de las obras, se encuentran tanto en localidades pobladas como también en zonas deshabitadas, y comparten la característica de pertenecer en una autopista en donde el trayecto está usualmente marcado por mensajes publicitarios. 

“Todos los días nos movemos de un punto a otro. La prisa nos obliga a usar medios de transporte, velocidad y motores para desplazarnos cada vez más rápido. A su vez, la carretera es un no-lugar que sirve como puente entre dos puntos. Nuestra invitación es a que los viajeros hagan un alto y contemplen el lugar por donde están circulando. Vean los poemas pero que también contemplen a las comunidades que existen en este trayecto, concluyó Josefina. 

Un motivo adicional para viajar entre Santiago y Valparaíso o Viña del Mar. La exhibición estará montada en la carretera desde el 15 de abril al 15 de mayo y contará, con una muestra en el Emporio Echaurren, ubicado en la calle Clave Nº243, Valparaíso, donde se podrá ver un documental sobre el proceso artístico y estarán montadas las obras originales que conforman el poema en la carretera. 

La muestra en el Emporio Echaurren se inaugura el día sábado 07 de mayo a las 15:00 hrs y se podrá visitar hasta el sábado 7 de mayo. 

La dirección artística fue llevada a cabo por Martín Gubbins, poeta, artista y rutero chileno, quien además es autor de una decena de publicaciones de poesía, poesía visual y sonora editadas en varios países, donde además ha realizado numerosas performances y recitales. 

En la escritura colectiva de poemas participaron, Delight Lab, el reconocido estudio de arte y diseño audiovisual y experimentación en torno a la luz, el video, el espacio y el sonido con una trayectoria de once años; Alejandra del Río, destacada poeta chilena, quien el año pasado recibió el Premio a la Edición de la Cámara Chilena del Libro, por su obra “Escrito en Braille”; Ana Lea-Plaza, docente universitaria, editora y traductora, en conjunto con Fernando Pérez Villalón, doctor en Literatura Comparada; Anamaría Briede, quien desarrolla su trabajo visual con los medios de dibujo, poesía, sonido, movimiento y espacio; Andrés Anwandter, poeta, traductor e investigador; Carlos Cociña, figura de la poesía latinoamericana quien lanzó su primer libro, Aguas servidas (primera edición: Santiago, Talleres Editorial Granizo,1981);  Kurt Folch, quien, como poeta ha publicado “Viaje nocturno” (1996),” “Thera” (2003), “Paisaje lunar” (2003), entre otros y Soledad Fariña, reconocida poeta, quien en 2018 ganó el Premio por Trayectoria de la Fundación Pablo Neruda y por el colectivo montenegrofisher, ambos artistas visuales y poetas que colaboran en un espacio fluido de investigación visual, física y sonora. 

Para conocer más acerca de esta actividad hay que ingresar a  www.metro21.cl 

Este es un proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, Convocatoria 2021 del Ministerio.

Miradas Regionales 2022 reabre sus ciclos de cine presencial.

 La película “La partitura” inauguró el regreso del ciclo de cine presencial de Miradas Regionales que se presentará en 13 comunas del norte de Chile.

Luego de dos años de presentaciones online “Mirada Regionales” se encuentra en pleno proceso devolver a las actividades presenciales, programando obras audiovisuales en 16 espacios culturales de ciudades como Iquique, Antofagasta, La Serena, Vicuña, Monte Patria entre otros.

En ese contexto, la película documental “La partitura” es la elegida para encabezar este nuevo ciclo, introduciendo al espectador en la vida de jóvenes con un trastorno social, conductual y comunicacional que, a nivel nacional, está presente en 1 de cada 51 niños.

Se trata del autismo, que según el estudio “Estimación de la prevalencia de trastorno del Espectro Autista en población urbana chilena” realizado el año 2020, habla de una mayor incidencia de este trastorno en Chile comparado con países como México, Colombia o incluso Estados Unidos.

Durante el mes de abril será posible ver este documental dirigido por Francisca Silva, que trata sobre el seguimiento documental de un año a un grupo de adolescentes diagnosticados con “Trastorno de Espectro Autista” (TEA,) que, guiados por dos profesores que dirigen un taller de composición musical, aprenderán nuevas formas para expresar sus sentimientos convirtiéndose, en una conmovedora e inolvidable aventura tanto para quienes atraviesan la experiencia como para los espectadores.

La pieza audiovisual tiene una duración de 64 minutos, con las que  ha ganado y sido nominada en su género a nivel nacional como mejor documental en festivales de cine como en 7º Festival Internacional de cine de La Serena, 16º Festival In-Edit Chile, entre otros.

Las funciones serán a partir del 25 de abril 2022 (19:00 hrs), cuando se presentó en la Casa Municipal de la Cultura de Iquique y La Serena en la Casa La Gaviota. Teatro Puerto donde hubo, además, un cineforo con la directora.

El 26 de abril, a las 19:00 hrs, se presentará en Copiapó, en la Sala de Cámara y Vicuña en la Sala de Microcine Centro Cultural Municipal (cineforo con la directora).

El 27 de abril (19:00 hrs) se presentará en Ovalle en el CEIA Ovalle (cineforo con directora).

El 28 de abril (19:00 y 19:30 hrs) se presentará en Calama en la Biblioteca Norte de Calama y Monte Patria en el Centro Cultural Huayquilonko. Finalmente, el 29 de abril  (19: 00 hrs) se presentará en La Serena en la Casa de la Cultura de Las Compañías, Arica en el Ex Cine Colón y Alto Hospicio en el Centro Cultural Vida y Arte.

El programa de Miradas regionales persigue aumentar las opciones de circulación para obras regionales que no cuentan con un circuito establecido, además de organizar festivales y exhibiciones eventuales gratuitamente, esta red audiovisual se articula en el trabajo de asociación y gestión de nueve organizaciones culturales, con el respaldo de catorce espacios del norte del país que dan espacio a la cultura.

El Centro Cultural Organizarte ejecutor de este programa, es financiado por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Asimismo, es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística.

Contempla además exhibiciones especiales para un público escolar el cual incluye material pedagógico como fichas educativas que fortalecerán los contenidos en función de sus materias escolares lo que ofrece a los profesores, la oportunidad de participar junto a sus colegios y proponer una actividad mucho más atractiva para los estudiantes.

Estas fichas son realizadas por un especialista de cine y educación, la que busca motivar y fortalecer nuevas audiencias, con el fin de incorporar el hábito de apreciar, conocer y comprender el cine documental.

Se abre la invitación a todos, para que puedan participar en una fuerte reflexión acerca de lo que significa tener este tipo de trastornos de la sociabilización y comunicación y el trabajo que hacen distintas personas, para avanzar en una mejor inclusión a través de distintas áreas, como en este caso: el cine.

Todo esto, acompañados de la misma directora quien por medio de un conversatorio posterior a la presentación del documental podrá ahondar más en la historia detrás de este registro audiovisual y de las técnicas que se utilizaron para su producción. 

Nueva novela marca el retorno a la literatura de Gabriela Wiener

 Editado bajo el sello Literatura Random House, llega a librerías Huaco retrato de Gabriela Wiener.

Un huaco retrato es una pieza de cerámica prehispánica que buscaba representar los rostros indígenas con la mayor precisión posible. Se dice que capturaba el alma de las personas, un registro que ha sobrevivido oculto en el espejo roto de los siglos.

Estamos en 1878, y el explorador judío-austriaco Charles Wiener se prepara para ser reconocido por la comunidad académica en la Exposición Universal de París, una gran feria de "progresos tecnológicos" que cuenta entre sus atracciones con un zoo humano, culmen del racismo científico y del proyecto imperialista europeo. Wiener ha estado cerca de descubrir Machu Picchu, ha escrito un libro sobre el Perú, se ha llevado cerca de cuatro mil huacos y también un niño.

Ciento cincuenta años después, la protagonista de esta historia recorre el museo que acoge la colección Wiener para reconocerse en los rostros de los huacos que su tatarabuelo expolió.

Sin más equipaje que la pérdida ni otro mapa que sus heridas abiertas, las íntimas y las históricas, persigue las huellas del patriarca familiar y las de la bastardía de su propia estirpe -que es la de muchos-, la búsqueda identitaria de nuestro tiempo: un archipiélago de abandonos, celos, culpas, racismo, vestigios fantasmales ocultos en las familias y la deconstrucción de un deseo tercamente anclado en un pensamiento colonial.

Hay temblor y resistencia en estas páginas escritas con el aliento de quien recoge los pedazos de algo que se rompió hace tiempo, esperando que todo vuelva a encajar.

La crítica ha dicho:

«Con esa inteligencia tremenda y ese humor irreverente, Wiener rescata del archivo familiar una historia íntima que es también la historia infame de todo nuestro continente», Valeria Luiselli

«Conmociona muchísimo. [...] Aborda todas las posibles fusiones, mestizajes y cómo contravenir lo establecido, cómo abrir los ojos, demoler prejuicios. [...] Si alguien quiere saber lo que es la literatura poscolonial tiene que leer a Gabriela Wiener», Marta Sanz

«El mejor libro que he leído sobre la filiación y el amor en la condición poscolonial contemporánea», Paul B. Preciado

«El desenfado y la gracia de Gabriela Wiener le sirven en Huaco Retrato para hablar de la familia, el deseo, el racismo, el colonialismo, su ser migrante con ternura y crudeza, vulnerable pero firme como su hermosa escritura», Mariana Enríquez

«Seguirle la pista a Gabriela Wiener, caminar detrás de ella, soñando con alcanzarla, es uno de los pocos lujos que nos quedan», Alejandro Zambra

«Gabriela Wiener es pura rebeldía, humor y ternura a un mismo tiempo», Sara Mesa

«Una autobiografía colectiva en clave descolonial; un ajuste de cuentas que no teme a la propia autocrítica; un lenguaje que sobrecoge y estremece», Cristina Rivera Garza

«Gabriela Wiener nos anima a descolonizar nuestra mirada [...] con una escritura que maravilla y hace devorar este lanzamiento literario. [...] La voz narrativa de Huaco retrato [...] lucha desde un lugar incómodo donde escarba para conocerse a sí misma y también a los demás», Celia Torres, El Español

«Wiener se estrena en la ficción para reconstruir la memoria saqueada de su familia que puede ser la de muchas, una mirada sobre cómo la violencia colonial [...] y el racismo marcan las formas de relacionarse con el otro [...] De una honestidad brutal, que escuece», Marta Ailouti, El Cultural

Gabriela Wiener (Lima, 1975) es autora de los libros Sexografías, Mozart con priapismo y otras historias, Llamada perdida, Dicen de mí y del libro de poemas Ejercicios para el endurecimiento del espíritu.  

Sus textos han aparecido en diversas antologías y han sido traducidos al inglés, portugués, polaco, alemán, francés e italiano. Fue redactora jefe de la revista Marie Claire en España y hoy publica regularmente columnas de opinión para elDiario.es, Vice y para el contenido en español del New York Times, así como una videocolumna en lamula.pe.

Ganó el Premio Nacional de Periodismo de su país por un reportaje de investigación sobre un caso de violencia de género. Es creadora de varias performances literarias que ha puesto en escena junto a su familia y de la obra de teatro Qué locura enamorarme yo de ti. En la actualidad reside en Madrid.

En abril vuelven las tardes de cine gratuitas a Las Condes

 Luego de más de dos años de receso obligado por la contingencia, la Corporación Cultural de Las Condes retoma sus exitosas “tardes de cine” gratuitas con un programa dedicado a cuatro películas de época dirigidas y protagonizadas por mujeres.

El ciclo MUJERES X MUJERES se presenta entre el 6 y el 28 de abril, en funciones los miércoles y jueves, a las 16:00 horas, en el Teatro Centro Cultural Las Condes (Apoquindo 6570) y el Teatro Los Dominicos (Apoquindo 9085), respectivamente. La entrada es liberada y, en el caso del Centro Cultural, se debe además contar con Pase de Movilidad habilitado.

PROGRAMA

6 y 7 de abril – MARÍA ANTONIETA, de Sofia Coppola (Estados Unidos, 2006).  124 min.

Filmada en el Palacio de Versalles, cuenta la historia de la famosa princesa austríaca que, con 14 años de edad, se casó con el príncipe heredero al trono de Francia. Con Kirsten Dunst como María Antonieta.

13 y 14 de abril – EL PIANO, de Jane Campion (Nueva Zelanda, 1993). 121 min.

Luego de enviudar, una mujer muda escocesa es obligada a casarse con un desconocido granjero de Nueva Zelanda. Su protagonista, Holly Hunter, ganó el Oscar a Mejor Actriz por este papel.

20 y 21 de abril – MADAME BOVARY, de Sophie Barthes, (Reino Unido, 2014). 118 min.

Adaptación de la novela de Gustave Flaubert sobre una bella y soñadora mujer que se siente insatisfecha en su matrimonio. Emma Bovary es encarnada por la australiana Mia Wasikowska.

27 y 28 – ORLANDO, de Sally Potter (Reino Unido, 1992). 90 min.

 Basada en el libro homónimo de Virginia Woolf, narra la mágica historia de un hombre que vive varios siglos y finalmente se convierte en mujer. La versátil actriz Tilda Swinton protagoniza el filme. 

Proyecto patrocinado por Ley de Donaciones Culturales

El ciclo de cine durará entre el 6 al 28 de abril y las funciones serán a las 16:00 horas los miércoles serán los miércoles en el Centro Cultural Las Condes (Apoquindo 6570). Entrada liberada (previo retiro de tickets numerados a partir de las 15:00 horas). Se requiere Pase de Movilidad habilitado

Los jueves las funciones serán en Los Dominicos (Apoquindo 9085). Entrada liberada. 

Últimos días de expo sobre historia del tatuaje y su dimensión histórica

©Robert Doisneau 
Cárcel de Nanterre -1950

 En la actualidad, alrededor del 40 % de la población mundial tiene al menos un tatuaje; sin embargo, sus orígenes, evolución y por qué se ha transformado en un fenómeno masivo siguen siendo un misterio para la gran mayoría de las personas.

Es por eso que la exposición TATAU. Arte en la piel, que se presenta hasta el 24 de abril en el Centro Cultural Las Condes, ha concitado la atención de un público diverso que quiere comprender mejor esta expresión tan extendida.

La muestra multidisciplinaria, inédita en su tipo, investiga en los orígenes ancestrales del tatuaje y a su incorporación al mundo del arte y es curada por Verónica Besnier junto al equipo de la Corporación Cultural de Las Condes, además de contar con la participación de las embajadas de Francia y Bélgica.

TATAU. Arte en la piel está concebida en cuatro capítulos interrelacionados y en ella se exhiben desde centenarias piezas de arte prehispánico hasta la obra del artista belga Wim Delvoye, que utiliza el cuerpo de otro hombre como soporte, así como una sección con obras de artistas contemporáneos nacionales, que incorporan el tatuaje en sus creaciones.

En el marco de la exposición, se presentará este jueves 21, a las 18:30 horas, en el Teatro Centro Cultural Las Condes y con entrada liberada, la película El hombre que vendió su piel, de la directora tunecina Kaouther Ben Hania, que ganó el Festival de Venecia (Mejor Actor) y fue nominada al Oscar como Mejor Película Internacional en 2021.

La sorprendente cinta se inspira en hechos reales: en 2007, el artista Wim Delvoye, conocido por sus polémicas obras, llevó su arte al lienzo humano, creando TIM, una obra de arte viviente protagonizada por Tim Steiner, quien aceptó tatuarse la imagen de una virgen con una calavera al estilo mexicano.

La exposición está en las Salas de Exposición Centro Cultural Las Condes (Apoquindo 6570 / 22 896 98 19). Entrada liberada con Pase de Movilidad (mayores de 12 años). 

Las Condes celebra el mes del libro con kamishibai, cuenta cuento y taller.

"Para viajar lejos no hay mejor barco que un libro".  Emily Dickinson

Si bien en pleno siglo XXI es posible tomar un avión y estar en menos de 24 horas al otro lado del mundo, la pandemia impuso limitaciones al desplazamiento y el libro volvió a ser el mejor “medio de transporte”, lo que se tradujo en un alza importante de su demanda.

Lo interesante es que hoy, tras dos años y con más libertad de movimiento, la tendencia se mantiene y actualmente hay escasez de papel a nivel mundial. Es que los libros no pasan de moda y son irreemplazables; nos ayudan a mantenernos informados, entretenidos, a extender lazos con otras personas y con otras culturas, a fomentar nuestra creatividad.

Y este mes están de fiesta, pues el 23 de abril se celebra el Día Internacional del Libro y de los Derechos de Autor, fecha instituida y promovida por la Unesco.

Por ello, la Biblioteca de la Corporación Cultural de Las Condes, en conjunto con la Corporación del Libro y la Lectura presentan un entretenido panorama familiar: KAMISHIBAI Y CUENTACUENTOS EN EL MES DEL LIBRO.

La cita será los sábados 23 y 30 de abril, a las 12:00 horas, en el Teatro del Centro Cultural Las Condes, con entrada liberada y Pase de Movilidad habitado, y contará con la presencia de destacadas editoriales. El 23 será el turno del tradicional teatrillo japonés mientras que el 30 se presentará un cuentacuentos que culminará con un taller.

Programa

Sábado 23, 12:00 horas - KAMISHIBAI con Francisca Martínez

¡Me asustaste! Texto de Yolanda Sánchez e ilustraciones de María José Arce. Ediciones RB

La Aldea

La aventura de Alicia, una niña que recorre las costas del norte de Chile en busca del "animal más peligroso del océano". En su búsqueda se encontrará con seres vivos de todas formas y colores y conocerá los misterios del océano.

La aldea de los animales. Texto e ilustraciones de Nelda LaTeef. Ediciones RB

Basado en un relato folclórico africano, narra la historia de un grupo de animales que trabajan juntos para salvar su aldea en tiempos de sequía, mientras entrega un mensaje sobre perseverancia, unión y respeto por el otro.

Cuentacuentos Un avión aterriza donde puede. Texto de Lía Schenck e ilustraciones de Sebastián Santana. Editorial Caligrafix

La aventura extraordinaria de los hermanos Ema y Nando quienes, entre bocetos de historias, personajes extravagantes, tostadas y chocolate, viven una historia inolvidable.  

Sábado 30, 12:00 horas - CUENTACUENTOS con Conchita Quintana y Mónica Lepin

Historias geniales. Texto de Jane Kent e ilustraciones de Isabel Muñoz. Editorial Vicens Vives

Me asustaste

Un relato en primera persona sobre la vida de Coco Chanel, la diseñadora de alta costura que revolucionó el universo de la moda, permitiendo a las mujeres de todo el mundo vestir de una manera mucho más cómoda sin perder la elegancia.

Taller Coco Chanel y la moda en muñecas de papel, manualidades con diseños de muñecas y ropa de papel basados en los icónicos modelos de la diseñadora francesa.

Semog. Texto de Juan Manuel Grippaldi e ilustraciones de Juan Manuel Díaz. Editorial Caligrafix

Semog es una pequeña semilla que sueña con crecer y ser un gran árbol, pero cuando llega el momento de nacer se encuentra con una realidad muy diferente.

Teatro Centro Cultural Las Condes, Apoquindo 6570. Entrada liberada con aforo controlado y Pase de Movilidad habilitado (desde los 12 años) . 

Patricio Guzmán vuelve a Cannes con Mi país imaginario

 “Sin duda el regreso de Guzmán a Cannes hace que la delegación chilena cobre aún más fuerza.

 Estamos en esta edición, que se realizará del 17 al 28 de mayo, con dos películas en la Quincena de Realizadores: 1976 de Manuela Martelli y Pamfir coproducción con Ucrania, además de un corto en competencia Las criaturas que se derriten bajo el sol de Diego Céspedes”, valora la directora Ejecutiva de CinemaChile, Constanza Arena que añade que a esto se suma la relevante presencia de los nuevos proyectos chilenos en el mercado de Cannes.

Por su parte, para la productora de la película Alexandra Galvis Mi país imaginario es un filme sobre el Chile actual. “Su trilogía, terminó con un deseo: que Chile recupere su alegría. Ahora recurre exclusivamente a voces femeninas para escuchar los cambios de Chile desde el estallido social hasta la creación de la Convención Constituyente. 

Es por eso que el cineasta conversa con figuras fundamentales del quehacer político e intelectual de Chile como la periodista Mónica González, el colectivo feminista Las Tesis, la constituyente mapuche Elisa Loncón, la escritora y actriz Nona Fernández, la fotógrafa Nicole Kramm y la politóloga Claudia Heiss, entre otras.

Tras haber filmado la trilogía de Nostalgia de la luz, El botón de nácar y La cordillera de los sueños el director, regresa a Chile para filmar los nuevos procesos políticos del país después del 2019, bajo su mirada personal.

Patricio Guzmán nació en 1941 en Santiago de Chile. Estudió en la Escuela Oficial de Arte Cinematográfico en Madrid.

Ha dedicado su carrera a los filmes documentales, que han estado presentes en numerosos festivales de cine a nivel internacional, otorgándole cerca de 70 premios durante su trayectoria como documentalista. 

Entre 1972 y 1979 realizó La Batalla de Chile, una trilogía de 5 horas sobre el Gobierno de Salvador Allende. Este film funda las bases de su cine. La revista norteamericana CINEASTA le nombra entre uno de los “10 mejores films políticos de todo el mundo”. 

Después del golpe de estado de Pinochet, es detenido y encarcelado por dos semanas en el estadio Nacional. En 1973 se va de Chile exiliado a Cuba, posteriormente a España y luego a Francia, pero sigue profundamente unido a su país y a su historia. 

La Cordillera de los Sueños, fue presentado en su Premiere mundial en Selección Oficial del Festival de Cannes 2019, donde ganó Premio Ojo de oro/Mejor Documental y clausuró con esta cinta una trilogía que se inició con Nostalgia de la Luz (Premio del Cine Europeo a Mejor Documental, 2010) y siguió con El Botón de Nácar (Oso de Plata, Mejor Guión, Berlín, 2015). Con esta película ganó este año el Premio Goya a Mejor Película Iberoamericana, siendo el primer documental en 36 ediciones de este premio en obtenerlo. 

Su filmografía está compuesta, entre otras cintas, por: La cordillera de los sueños (2019), El botón de Nácar (2015, La Nostalgia de la luz (2010), Mi julio Verne (2005), Salvador Allende (2004), El caso Pinochet (2001), La memoria obstinada (1997), Pueblo en vilo (1995), La cruz del sur (1992), En el nombre de dios (1987), La rosa de los vientos (1983), La batalla de Chile I-II-III (1972-1979). 

Muestra fotográfica clave Warria abierta a la comunidad

 En el foyer del Teatro de la Universidad de Concepción, se encuentra desplegada la serie fotográfica “Clave Warria”, cuyo lanzamiento, el pasado miércoles 20 de abril, abrió la temporada de dos semanas en que estará abierta a público general. 

La muestra, exhibe una selección de obras que integran la serie, que fue resultado del trabajo conjunto entre el Programa de Interculturalidad UCO1995 y la mirada autoral del fotógrafo y escritor Juan Huenuan. 

“Clave Warria” integra relatos visuales consensuados, situados y conectados con la realidad social y cultural de personas mapuches de la warria (ciudad) y fue concebida como un gesto de archivo y memoria, pero, también, como un repositorio de imágenes que podrá ser utilizado en difusión y divulgación académica de acciones relacionadas con interculturalidad. 

La inauguración de la muestra fotográfica reunió al autor de la serie, Juan Huenuan, con parte de los y las protagonistas de los retratos, quienes compartieron impresiones y rescataron el aporte de la práctica fotográfica al diálogo intercultural y desmontaje de una serie de estereotipos que perviven en torno a los pueblos originarios.  

Serie Clave Warria
Ph. Juan Huenuan

Estuvo presente, también, Mario Cabrera, director de la Corporación Cultural de la Universidad de Concepción; Rodrigo Herrera, Coordinador del Programa de Interculturalidad UCO 1995, de la Vicerrectoría de Relaciones Institucionales y Vinculación con el Medio (VRIM) de la Universidad de Concepción; el equipo de Programa, familiares y amigos del fotógrafo autor de la serie y retratados/as. 

Juan Huenuan, desde una mirada retrospectiva, rescata los inicios de este trabajo conjunto con el Programa de Interculturalidad, recordando el interés inmediato que le produjo el desafío de activar la serie. 

“Siento que es una puerta abierta, un trabajo para nada cerrado porque hay warrias más al sur, al norte, entonces, hay rostros y territorios que son mucho más diversos. Me interesa tener la posibilidad de seguir indagando en aquello y vivir esta dinámica de conversación con los retratados, por ejemplo. 

Vamos a seguir trabajando y viendo la manera de hacer crecer este registro que sentimos es relevante porque le hace un fotógrafo mapuche, que retrata con su ojo de mapuche a su comunidad”, explica develando la dimensión política que tiene esta muestra y sus proyecciones.  

Por su parte, Rodrigo Herrera, Coordinador del Programa de Interculturalidad, coincide en la relevancia de este proceso creativo pues, efectivamente, éste nace de un problema, que es el mal uso de las imágenes, por ejemplo, en medios de comunicación u otras instancias de divulgación cultural y/o académica. 

“Yo creo que eso es lo más rescatable de este proyecto, la posibilidad de advertir y hacernos cargo de un problema, llevar ese camino de una manera que fueran representadas las inquietudes de las personas que sienten y viven esta situación”, comenta de esta muestra que es pensada como una contribución a la visibilización del mundo mapuche urbano, o warriache, en tanto realidad demográfica, social y cultural. 

Ph. Pauli Barrenechea

Cecilia Llancapán Llancao, fue una de las retratadas de la serie, y, también, recupera de la muestra la posibilidad de compartir la experiencia de ser mapuche en la ciudad. “Es un registro de fotografías de personas mapuches que vivimos en la ciudad. 

A muchos de nosotros nos hubiese gustado todavía vivir en nuestras comunidades, pero la vida con nuestra familia nos trajo acá a la warria y queremos demostrar que estamos acá caminando por las calles, pero nunca perdiendo nuestra identidad. Así que los dejo a todos invitados a esta muestra fotográfica”.

“Clave Warria”, estará abierta a la comunidad penquista, desde el 20 de abril al 4 de mayo, en el foyer del Teatro Universidad de Concepción (O’Higgins 660). 

La entrada es liberada y puedes asistir en horario de lunes a viernes, de 12:00 a 15:00 horas y de 15:45 a 20:00 hrs. Sábado, el horario es de 12:00 a 17:00 horas.