Orquesta Usach recorre tres comunas de Santiago, con un tesoro de Richard Strauss y un estreno de Juan Manuel Quinteros

Nicolás Rauss dirigiendo la orquesta Usach
(c) Gary Go. 

 La música y la danza fueron parte de El burgués gentilhombre, la clásica comedia de Moliere, desde su estreno en pleno siglo XVII.

 La historia del ridiculizado Monsieur Jourdain también inspiró un espectáculo que el compositor alemán Richard Strauss y el libretista Hugo von Hofmannsthal concibieron luego del éxito de su ópera El caballero de la rosa.

El proyecto no prosperó, pero Strauss rescató su partitura para una suite orquestal que se estrenó en 1917.

Más de un siglo después, la suite El burgués gentilhombre, Op. 60 será la obra principal en la serie de tres conciertos gratuitos que la Orquesta Usach ofrecerá desde esta semana en diversas comunas de Santiago: el miércoles 3 de junio (19:00 horas, entradas gratis en espaciomatta.cl) en el Espacio Matta de La Granja; el martes 9 (19:00 horas, entrada liberada) en la Casa de la Cultura Violeta Parra de Cerro Navia y el miércoles 10 (19:30 horas) en el Teatro Aula Magna Usach, su habitual escenario en Estación Central. Para este último, las entradas gratuitas se encuentran en Portaltickets. 

En los tres conciertos el director será Nicolas Rauss, quien fue titular de la Orquesta Usach entre 2013 y 2021 y desde entonces ha mantenido un vínculo con el elenco, al que ha dirigido como invitado en sucesivas ocasiones. 

A lo largo de su extensa trayectoria, también ha sido titular en la Orquesta Sinfónica Nacional del Uruguay (Sodre), la Sinfónica Provincial de Rosario y la Filarmónica de Mendoza. 

“Richard Strauss es un compositor posromántico, el autor de Así habló Zaratustra, pero se interesó en esa música y tomó ideas de Jean-Baptiste Lully que son muy barrocas. A él le gustaba el Barroco francés y dio forma a una música humorística, fina y sarcástica, en una orquestación muy divertida”, explica el director suizo.

 “Hay poca cuerda, todos con partes solísticas, y hay instrumentos de viento, piano, percusión y arpa. Es una música que obviamente ridiculiza a este burgués que se quería convertir en noble, pasando diferentes etapas para llegar a serlo”, comentó Rauss. 

Violín Manifesto

Los tres conciertos comenzarán con un estreno absoluto: Violín Manifesto, una obra de Juan Manuel Quinteros (1982) que tendrá a Dustin Cassonett como solista.

Será un reencuentro entre el compositor chileno y la Orquesta Usach, que ya había estrenado su cantata El divino soliloquio y la pieza Percusión Manifesto, las que también fueron publicadas en un disco del sello Aula Records.

Violín Manifesto forma parte de un ciclo que Quinteros ha desarrollado por más de una década, enfocado en obras para instrumento solista y acompañamiento. “Este ciclo busca dar una nueva perspectiva de lo que significa la música concertística, además de tener una profunda consideración de la personalidad del solista en la idea musical de base, en este caso, del violín principal”, explica.

“Desde un interés personal, lo que quiero es plantear el material del solista y como este se ramifica sobre la orquesta, en el contexto de nuestro tiempo y espacio.

Es decir, ¿qué significa una música concertística ahora, para nosotros? Porque es una música que habitualmente se asocia a la tradición y no a la actualidad”. 

“La interacción con el intérprete es fundamental al momento de gestar la obra. He tenido la suerte de trabajar todos estos Manifesti con músicos muy abiertos y sensibles a la gestualidad que propongo, los que a su vez retroalimentan la obra desde su manera de interpretar. 

Para mí es muy importante trabajar sobre ese punto, sobre el individuo y cómo se expresa”, agrega.

Dirigido también por Nicolas Rauss, una selección del programa ya se pudo escuchar en la reciente celebración del Día del Patrimonio, que contempló un concierto de la Orquesta Usach en el Teatro Aula Magna. 

La temporada 2026 del elenco cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. El detalle de la programación se puede encontrar en este enlace.

La temporada 2026 del elenco cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. El detalle de la programación se puede encontrar en  https://extension.usach.cl/mec-category/orquesta-usach/

¿Tu perro necesita terapia? Este es tu libro

 Esta es la guía que necesitas para mejorar el bienestar de tu perro (y el tuyo) 

El etólogo Enzo Roubaud comparte en su nuevo libro consejos para aprender sobre la conducta de tu compañero de cuatro patas y entender cómo funciona la convivencia con animales de compañía. 

En ¡Mi perro necesita terapia!, el médico veterinario Enzo Roubaud invita a mirar el comportamiento canino desde una perspectiva diferente: antes que corregir, comprender. 

Si tu perro ladra excesivamente, tiene conductas destructivas, no se comporta al momento de salir a pasear, este libro puede ser para ti, ya que propone entender qué hay detrás de conductas que muchas veces se interpretan solo como problemas.  

“Mi trabajo está basado en evidencia científica. Mi rol como médico veterinario es manejar las bases de la medicina del comportamiento. ¡Mi perro necesita terapia! es un libro cercano de divulgación y neuropsicología canina”, comenta el autor. “Las conductas no nacen del aire, son la respuesta a procesos internas frente a estímulos de su entorno. 

El verdadero éxito en la modificación conductual tiene que ver con comprender debidamente el origen de estas. Cuando entendemos a nuestros perros y buscamos ayudarlos desde su propia realidad todo cambia a mejor”, agrega. 

Con una propuesta práctica y accesible, ¡Mi perro necesita terapia! combina bases científicas con herramientas concretas para aplicar en el día a día. Ejercicios, ejemplos y recomendaciones que permiten a los lectores mejorar la convivencia con sus animales de compañía y responder de manera más consciente a sus necesidades.  

Respecto al proceso de educar a un animal de compañía, el autor –conocido en redes sociales como @dr.roubaud– explica que este volumen “es un viaje que parte desde el origen de la relación hombre-lobo hasta llegar a la relación actual que tenemos con nuestros perros. Una opción cercana para aprender sobre el mundo canino”.   

De acuerdo con Roubaud, se trata de una publicación ideal “para quienes ya tienen un perro y desean llevar su bienestar emocional a un siguiente nivel, más allá de lo simple o lo mínimo a cumplir. Para perros de cualquier edad, que presenten o no problemas de comportamiento”. 

En un contexto donde los animales de compañía ocupan un lugar central en la vida cotidiana, ¡Mi perro necesita terapia! es una guía necesaria para toda persona que tenga un perro en su vida. Un libro que no solo ofrece soluciones, sino que invita a construir un vínculo más sano, empático y consciente entre humanos y mascotas. 

Enzo Roubaud es médico veterinario y etólogo clínico, especializado en el comportamiento de perros y gatos. Su trabajo integra la práctica clínica, la docencia y la divulgación, combinando la atención de casos con la formación en bienestar animal. 

A través de sus redes sociales (@dr.roubaud) y su presencia en medios, se ha consolidado como una de las voces más influyentes en habla hispana en comportamiento animal. ¡Mi perro necesita terapia! es su segundo libro. 

Primera versión del festival SENTIDOS unirá el Cine Documental y la literatura accesible en Santiago

 La Corporación Chilena del Documental, CCDoc y la Fundación Piñera-Morel, invita a participar en la primera edición de Festival Sentidos, Cine Documental y Literatura Accesible, una iniciativa que busca promover el acceso inclusivo a la cultura a través de actividades de mediación lectora, formación y exhibiciones documentales dirigidas a públicos sordos, ciegos y comunidad general.

El festival se desarrollará entre el 10 y el 12 de junio, contemplando actividades gratuitas en la Biblioteca Nacional de Chile y funciones especiales de cine documental accesible, que contarán con Audiodescripción, Subtítulos Descriptivos y Lengua de Señas Chilena, en la Cineteca Nacional de Chile. La programación propone un encuentro entre cine, literatura y accesibilidad, fomentando experiencias culturales inclusivas y abiertas a distintos públicos.

“Festival Sentidos nace con la convicción de que el acceso a la cultura debe ser una experiencia compartida y verdaderamente inclusiva.

Queremos que tanto el cine documental como la literatura puedan ser disfrutados por personas con distintas formas de percibir el mundo, promoviendo el acceso a una audiencia históricamente excluida de estas experiencias culturales”, señala Diego Pino Anguita, director ejecutivo de la Corporación Chilena del Documental CCDoc y vocero del festival.

“Nos parece fundamental impulsar instancias gratuitas y accesibles que acerquen el documental chileno y la literatura a públicos, que no cuentan con una oferta cultural continua. La idea detrás de este festival es iniciar un espacio que perdure en el tiempo, y donde todos y todas están invitados a participar, estén o no estén en situación de discapacidad”, agrega.

Desde la Dirección Ejecutiva de Asociación CREA, colaboradores estratégicos de Festival Sentidos, han señalado que “el arte no es privativo de los ojos ni de los oídos. Sólo hay que encontrar las herramientas necesarias para difundirlo. En Asociación CreA somos un equipo diverso e interdisciplinario, que aborda la accesibilidad como un desafío creativo.”

Como antesala al festival, se realizará el Taller Introductorio a la Lengua de Señas Chilena, impartido por la Asociación CreA en la Biblioteca Nacional de Chile.

La actividad contará con un máximo de 20 cupos y se llevará a cabo los días miércoles 3 de junio, de 11:30 a 13:30 horas; jueves 4 de junio, de 11:30 a 13:00 horas; y viernes 5 de junio, de 11:30 a 13:00 horas.

Posteriormente, entre el 10 y el 12 de junio, de 10:00 a 12:00 horas, la Biblioteca Nacional de Chile acogerá jornadas de literatura y mediación dirigidas a niños y niñas entre 10 y 14 años pertenecientes a colegios e instituciones de la Región Metropolitana.

Las actividades serán realizadas en colaboración con la Biblioteca Central para Ciegos y se dividirán en dos líneas paralelas: una enfocada en público sordo, a cargo de la Intérprete de Lengua de Señas y artista sorda Macarena Díaz, y otra destinada a público ciego. Ambas incluirán sesiones de cuentacuentos y actividades didácticas vinculadas a la lectura.

Las exhibiciones cinematográficas tendrán lugar en la Cineteca Nacional de Chile y comenzarán el martes 10 de junio con la función inaugural del documental Violeta Existe, dirigido por Rodrigo Avilés a las 18:30 horas.

La programación continuará el miércoles 11 de junio, a las 18:00 horas, con la exhibición de Calafate, zoológicos humanos, dirigido por Hans Mülchi, y finalizará el jueves 12 de junio, también a las 18:00 horas, con la proyección de Hoy y no mañana, dirigido por Josefina Morandé.

Las tres funciones contemplarán cineforos posteriores a las exhibiciones, que incluirán Lengua de Señas Chilena y Audiodescripción simultánea. Las tres películas son gratuitas y para todo público.

Las actividades de literatura y mediación serán de carácter cerrado y estarán dirigidas exclusivamente a los establecimientos e instituciones participantes.

En tanto, las funciones en la Cineteca Nacional de Chile serán gratuitas, abiertas a todo público y por orden de llegada, sin inscripción previa, buscando especialmente facilitar el acceso de personas ciegas y personas sordas.

“El Festival tiene como objetivo realizar exhibiciones y actividades que promuevan el acceso a personas ciegas y sordas, dónde todos y todas pueden participar de la experiencia cinematográfica y aprender a relacionarse con la literatura.

Es una invitación también a las personas que no cuentan con discapacidad, para que sean parte de una experiencia realmente accesible, donde todos cabemos”, manifiesta Diego Pino.

Con Festival Sentidos, CCDoc reafirma su compromiso con el acceso democrático a la cultura y con la creación de espacios inclusivos donde el cine documental y la literatura puedan ser experimentados desde distintas formas de percepción y encuentro.

El Festival es apoyado y financiado por Fondos Culturales Fundación Piñera-Morel, por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través del programa de donaciones culturales, y colaboran directamente la Asociación CreA, la Cineteca Nacional de Chile, la Biblioteca Nacional de Chile, la Biblioteca Central para Ciegos y varias organizaciones ligadas a programas de accesibilidad e inclusión.

Más información en www.ccdoc.cl y en las redes sociales @ccdocumental

Últimas funciones de Veredicto, la exitosa obra de Teatro La Puerta donde el público decide el final

 ¿Inocente o culpable? Paleta en mano, el público tendrá estas dos opciones para cambiar la historia en Veredicto, la obra con la que la Compañía Teatro La Puerta está celebrando 35 años de vida bajo la dirección de Luis Ureta (Los Monstruos, Edipo asesor, Plaga).

El dilema es complejo: Sin tener autorización de sus superiores, el piloto militar Lars Koch, decide derribar un avión secuestrado con 164 pasajeros que iba directo a estrellarse contra un estadio repleto con 70 mil espectadores. ¿Es válido aplicar la lógica del mal menor cuando se trata de vidas humanas?

Luego de argumentos a favor y en contra, y algunos datos que pueden cambiar toda la perspectiva, el público que oficia como jurado es quien decide el final del piloto, si es condenado o liberado, transformado cada función en una experiencia única.

Cerca de 2 mil personas ya han visto el montaje que tiene sus últimas funciones desde este jueves y hasta el domingo 7 de junio en Matucana 100 y que es protagonizada por un elenco de ocho intérpretes: Ana Reeves, Pablo Cerda, Bárbara Ruiz-Tagle, Sergio Piña, Macarena Silva, Víctor Montero, Francisca Celis y Maximiliano Barcazo.  Las entradas ya están disponibles a la venta en Ticketplus.cl 

“Para celebrar estos 35 años, hemos querido poner al público en el centro de esta experiencia en torno a un dilema ético que está planteado de manera muy robusta por el autor y en un marco muy realista”, dice Ureta. “No hay música, ni cambios de iluminación, todo depende de la palabra y la corporalidad de los actores”, agrega el director sobre la obra escrita por el dramaturgo alemán Ferdinand von Schirach y estrenada originalmente en 2015, en Berlín bajo el título Terror.

La crítica ha elogiado la versión de Teatro La Puerta relevando su capacidad de entrar en diálogo con el presente político del país y de ser un espejo de la experiencia democrática reciente.

 “Golpea fuerte en Chile luego de los procesos constituyentes que hemos vivido, que tienen que ver con la idea de si respetamos o no las elecciones de la mayoría. Es una puesta en escena muy efectiva, atractiva visualmente y sospecho que va a tener una larga vida”, comentó el crítico Javier Ibacache en radio Universidad de Chile.

Mientras que Isabel Agurto del sitio especializado Hoy Teatro, destacó la “solidez” del elenco, sobre todo de Ana Reeves, la jueza, “cuya presencia y manejo de las interacciones con abogados y testigos aporta el mayor pulso dramático de la función”, escribe. 

“Ir en grupo es, quizás, la clave para acercarse a Veredicto”, agrega Agurto.  “Lleva a alguien con quien te guste debatir, porque el voto que cada persona emite dice menos sobre el caso del mayor Koch que sobre los principios y valores que cada uno trae consigo”.

Luego de su estreno en Santiago, la obra iniciará una itinerancia que contempla una función en el Teatro Municipal de Ovalle el 18 de junio y su participación en el Festival Biobío Teatro Abierto de Los Ángeles el 25 de junio. Ambas con entrada liberada. 

Últimas funciones en Santiago, del 4 al 7 de junio en Matucana 100 a las 19:00 horas. Entradas entre $7.000 y $12.000.

Obra chileno-alemana abordará las memorias de la fundación de Alto Hospicio

“El Universo en un Grano de Arena

 Un nuevo montaje escénico se está gestando en Iquique y fusionará el teatro autobiográfico con la música en vivo.

Se trata de la obra “El Universo en un Grano de Arena”, una coproducción chileno-alemana entre Espacio Akana de Iquique y el Ensemble Theater Aber Andersrum (TAA) de Bremen, Alemania, que ya inició su proceso de ensayos.

La propuesta plantea un diálogo intergeneracional sobre la niñez, la identidad colectiva construida desde la memoria íntima y la fundación de Alto Hospicio, en la Región de Tarapacá.

A través de un lenguaje juglaresco y melodías interpretadas en vivo, esta obra de carácter biográfico-documental, con raíces en el teatro posdramático alemán, se concreta tras tres años de investigación y escritura.

El proyecto se materializa escénicamente gracias al financiamiento del Fondo de Artes Escénicas, línea Creación y Producción de Teatro, Convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Proceso

La alianza internacional entre Chile y Alemania comenzó en 2023 con el desarrollo de una instancia formativa de perfeccionamiento actoral, gestionada por la artista visual, escenógrafa, directora y gestora cultural chilena residente en Alemania, Cristina Collao (Fondart 2023).

La iniciativa fue impartida junto al destacado actor, dramaturgo, músico y director teatral residente en Alemania, Álvaro Solar en Iquique.

Posteriormente se concretó una segunda etapa de investigación dramatúrgica e intercambio cultural desde Iquique hacia Alemania, para realizar una segunda instancia de perfeccionamiento junto al maestro Solar, gestionada por el actor, director de Akana y actual presidente de Sidarte Tarapacá, Eduardo González, mediante un fondo regional.

Este proceso permitió la convergencia de diversas perspectivas artísticas y metodologías teatrales que hoy dan forma a esta propuesta escénica, impulsada por González y Collao y protagonizada por Eduardo González junto a los músicos Salomón Marabolí y Rubino Moscoso.

La producción estará a cargo del actor, director teatral y productor Jaime Guzmán Brantes.

“El Universo en un Grano de Arena

El cofundador de TAA, coautor, director y dramaturgo de “El Universo en un Grano de Arena”, Álvaro Solar, explicó que “dentro de todo el relato que hace el protagonista existe una conexión con El Principito.

Para mí, esa obra es parte de la inspiración de este trabajo: la idea del ser solitario en el desierto.

Ese desarrollo, lógicamente, pertenece a Eduardo, quien viene de Alto Hospicio y vivió de niño toda la experiencia de una toma de terrenos. Tenemos un testigo directo de lo que ocurrió aquí.

Todo eso me parece muy interesante y me entusiasmó la idea de llevarlo a escena, transformando estas vivencias en un unipersonal que transita entre lo biográfico, lo cómico, lo político, lo poético y lo comediante”.

Por su parte, la cofundadora de TAA, diseñadora integral, asistente de dirección de la obra e impulsora de este puente creativo entre Chile y Alemania, Cristina Collao, comentó que durante esta etapa de puesta en escena “nos hemos estado preguntando, por ejemplo, qué existía antes de la fundación de Alto Hospicio en la línea del tiempo, profundizando en la historia de este territorio.

Nos interesa investigar la memoria transgeneracional y transcultural de la región. Visitamos el Museo Chileno de Arte Precolombino en Santiago para observar ese valioso registro patrimonial y también. estamos trabajando con el Museo Regional de Iquique tratando de establecer conexiones dramatúrgicas, estéticas, simbólicas y temáticas entre distintas líneas temporales, las fundaciones, las migraciones y los esfuerzos humanos por construir vida, comunidad y cultura”.

Collao agregó que el Museo Regional de Iquique, a través de su director, Luis Pérez Reyes, ha facilitado parte de su infraestructura para el desarrollo de los ensayos, colaboración por la que el equipo manifestó su agradecimiento.

En tanto, Eduardo González, coautor y protagonista de la obra, señaló que “esta autobiografía se cruza con la historia social y política del territorio. Lo que buscamos es hacer memoria desde relatos más invisibles, que poseen una riqueza distinta a la de la historia oficial.

A medida que avanza la obra, se van revelando aspectos de la vida de un niño que llega a Alto Hospicio en un momento determinado. ¿Dónde comienza esta historia y cómo se desarrolla en ese contexto del país? Ahí está la sorpresa.

“El Universo en un Grano de Arena

 Es una línea de trabajo que desarrollamos en Akana: trabajar desde el territorio y difundir no solo a los creadores locales, sino también la historia de lo que ha sucedido en este lugar”.

El estreno de la obra está programado para julio en la capital regional, para posteriormente realizar funciones en las comunas de Alto Hospicio y Pozo Almonte.

Toda la información y novedades sobre esta nueva creación escénica están disponibles en la cuenta de Instagram @eluniversoenungranodearena. espacioakana.cl                           

theateraberandersrum.de

Ana María Stuven examina la expansión de la ciudadanía femenina en su nuevo libro

  “El feminismo es un concepto que ha sido comprendido e interpretado de diversas maneras”

A partir de un recorrido histórico amplio y documentado, en su nuevo libro, la académica analiza lo que ha significado la ampliación de la ciudadanía para las mujeres y muestra la pluralidad de tradiciones que han dado forma al movimiento.

En su publicación, Feminismo, la historiadora Ana María Stuven ofrece una mirada rigurosa y crítica sobre la evolución de este movimiento en Chile. Desde la teoría, la historiografía y la práctica social, la autora examina el feminismo como un concepto político en permanente disputa, ligado a los procesos de expansión de la ciudadanía para las mujeres. 

A lo largo de estas páginas, Stuven se distancia de las lecturas lineales o homogéneas del feminismo, proponiendo, en cambio, una interpretación que reconoce su diversidad y complejidad.

El libro reconstruye cómo distintas corrientes —católicas, laicas, liberales, obreras, socialistas y políticas— han configurado el feminismo en el país, evidenciando tensiones, estrategias y resignificaciones en contextos sociales y culturales cambiantes.

“El feminismo es un concepto que ha sido comprendido e interpretado de diversas maneras durante la historia de su uso”, explica la autora.

“La historia muestra que las mujeres actuaron desde marcos culturales, religiosos y políticos diversos, y que esas diferencias forman parte constitutiva de la trayectoria histórica del feminismo.  

Más que una doctrina única, encontramos una pluralidad de feminismos, cuyos significados cambiaron según los contextos históricos y las formas concretas de participación femenina”, agrega. 

De acuerdo con la académica, entender feminismo como un concepto histórico en disputa evita proyectar sobre el pasado los significados actuales y reducir la experiencia de las mujeres a una única forma de conciencia política.

El feminismo como expresión de ciudadanía 

En la publicación la autora destaca el papel central de la agencia femenina en la transformación de la vida pública, y explica que, desde espacios como la educación, la prensa, la beneficencia o la acción política, las mujeres han ampliado progresivamente sus márgenes de acción, disputando nociones clave como derechos, igualdad y ciudadanía, en una trayectoria marcada por avances, ambivalencias y conflictos. 

“La historia del feminismo muestra que los debates sobre las mujeres nunca han sido exclusivamente debates sobre las mujeres. Han sido también debates sobre quién pertenece plenamente a la comunidad política, cómo se entiende la igualdad y cuáles son los límites de la ciudadanía democrática”, comenta Stuven.

Por esta razón, sostiene, las controversias actuales en torno al género “no son ajenas a la tradición democrática; forman parte de una discusión más amplia sobre la inclusión y sobre la forma en que las sociedades redefinen sus principios de igualdad”.

Ana María Stuven Vattier. Periodista de la Universidad de Chile, magíster en Estudios Latinoamericanos y doctora en Historia de la Universidad de Stanford. Profesora titular de las universidades Católica de Chile y Diego Portales.

Ha sido profesora visitante en varias universidades extranjeras, entre ellas, Pittsburgh y Notre Dame en Estados Unidos. Ejerció la Cátedra Neruda en la Universidad de La Sorbonne y la Cátedra Andrés Bello en la Universidad de Leiden.

A lo largo de su trayectoria ha dedicado gran parte de su investigación académica, en parte como Investigadora Responsable de varios proyectos Fondecyt, a la historia intelectual, al rol de la mujer en la historia, especialmente en los siglos XIX y XX, y a la relación entre religión y política.

Patricia Rivadeneira habita la cabeza de Humberto Maturana.

 A cinco años de la muerte de Humberto Maturana (1928-2021) vuelve “A los pies del árbol”, experiencia escénica que pone en relieve uno de sus planteamientos más trascendentes, el de la “autopoiesis”. La pregunta que obsesionó al Premio Nacional de Ciencias durante toda su vida —¿qué es lo vivo? — revive en esta pieza.

Inspirada en “El árbol del conocimiento”, el libro que Maturana escribió con Francisco Varela y que circuló por el mundo, la obra despliega sus fragmentos en un dispositivo escénico con luz y música en vivo. 

La coproducción GAM (2023) es una creación de Manuela Oyarzún, quien dirige a Patricia Rivadeneira y asume el desafío de llevar a escena el planteamiento del recordado biólogo y filósofo. 

La autopoiesis, tesis central de Maturana, postula que todo ser vivo está continuamente creándose a sí mismo: reparándose, manteniéndose, modificándose. En un momento en que la pregunta por lo humano es más urgente que nunca, la obra hace de este concepto una pregunta escénica.

“Humberto Maturana fue un destacado científico que con los años se convirtió en humanista, acercando la lógica de la ciencia y la razón, al reino del corazón y la conciencia. Hoy, el trabajo artístico puede conceder un espacio en el cual integrar ambas dimensiones, contribuyendo a la toma de conciencia de los procesos de desarrollo humano y su despliegue en nuestra cultura”, ahonda Manuela Oyarzún, su directora.

El público verá a una actriz dentro de un dispositivo escénico como si estuviera dentro de la cabeza de Maturana. Acompañada del equipo creativo, ella intentará resolver las preguntas esenciales que hizo el filósofo, acompañándonos a conocer más sobre nosotros mismos, sobre los seres vivos y sobre el amor.

““A los pies del árbol” es una performance filosófica que propone que tanto ciencia como arte son formas de conocer e interpretar el mundo. El teatro, por tanto, es una parte inherente a nuestra evolución como especie, y en el ejercicio de este, se crean vínculos y espacios donde crece el saber", comenta Oyarzún. 

11 al 14 Jun
Ju a Sá— 19.30 h
Do— 18.30 h

Entradas en gam.cl

Workshop online “Construyendo breves narrativas” inicia las actividades de formación del 9º FESTILAMBE de Valparaíso

El sábado 13 de junio, de 11:00 a 13:00 horas, se realizará el Workshop online “Construyendo breves narrativas”, facilitado por Mónica Rojas de la Compañía Teatro La Raíz.

Este es el primero de tres workshops gratuitos enmarcados en la Extensión del Programa de Formación del 9º FESTILAMBE, Festival Internacional de Teatro Lambe Lambe de Valparaíso - Chile, CONTAGIANDO HUMANIDAD, creado y organizado desde el año 2014 por la Fundación OANI de Teatro.

El Teatro Lambe Lambe es el arte de contar grandes historias en pequeños espacios. Este workshop intensivo de dos horas ofrece una inmersión rápida en la dramaturgia del lenguaje de esta disciplina, enseñando a los participantes a transformar ideas complejas en breves narrativas, concisas y de alto impacto.

Se va a explorar cómo la síntesis, el simbolismo y la poética se convierten en los pilares fundamentales para crear un universo completo dentro de una caja. 

Proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, Convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Puede participar cualquier persona interesada en la creación escénica, la escritura creativa o el teatro de objetos, con ganas de experimentar y explorar la síntesis narrativa. Inscripciones en el formulario disponible en el sitio web https://festilambe.cl/ y en los Instagram @festilambe y @oaniteatro.

DRAMATURGIA Y LAMBE LAMBE

Mónica Rojas es actriz (Universidad Bolivariana), pedagoga teatral (Pontificia Universidad Católica), dramaturga de historias breves y gestora cultural (ONG Efic Siete Puertas). Actualmente dirige la compañía Teatro La Raíz, con sede en Casa La Raíz, espacio autogestionado dedicado al laboratorio de las artes escénicas.

Desde este lugar ha impulsado la investigación y creación en formato Teatro Lambe Lambe, especialmente en el desarrollo de microdramaturgias que conectan relatos poéticos, mitologías y memorias del territorio. 

Su enfoque pedagógico busca potenciar la voz autoral de cada participante, articulando escritura y puesta en escena con herramientas sensoriales y visuales propias del formato. Ha facilitado diversos procesos formativos con comunidades y artistas, guiando la creación desde la sensibilidad, la narración y el vínculo con la identidad. 

Para Mónica “el teatro es un espacio de resistencia y memoria. Mi encuentro con el Lambe Lambe fue un viaje hacia el origen de la simbología del objeto, del movimiento y las materialidades.

Es un formato que me encantó porque permite traspasar saberes como el secreto mejor guardado y de una manera muy cercana con el público.

Además, este territorio en miniatura se vuelve tan inmersivo; es un teatro que no necesita grandes artificios tecnológicos para conmover, sino que se sostiene en la mística de cómo está puesto cada detalle, la animación de objetos y la cercanía del relato”.

Sobre su labor en Teatro La Raíz, detalla que “se basa en el trabajo comunitario y la pedagogía teatral. Todo lo que enseño viene de nuestra experiencia en el territorio, desde la gestión de nuestra Casa La Raíz en el Barrio Yungay hasta la formación de nuestro grupo de aprendices, el Semillero.

Llevo a este taller nuestra metodología de investigación sobre la identidad. Teatro La Raíz también realiza talleres y asesorías donde no enseñamos solo a construir cajas, enseñamos a sembrar historias que tengan raíces en un breve espacio”.

Mónica destaca el rol de la dramaturgia al momento de hacer un trabajo pulido, ya que “en el Teatro de Animación, y especialmente en el Lambe Lambe, la dramaturgia es la columna vertebral que sostiene el misterio.

Al no contar con grandes diálogos, cada acción, cada movimiento del objeto y cada silencio debe estar cargado de sentido.

Una dramaturgia cuidada asegura que el espectador, en esos cinco minutos de función, no solo vea una escena bonita, sino que viva una transformación. Sin un texto sólido —ya sea escrito o visual—, la magia de la miniatura corre el riesgo de quedarse solo en lo técnico, perdiendo su fuerza como herramienta de cambio y reconocimiento social”.

Sobre el Workshop señala que “se divide en tres momentos clave.

El primero aborda El Universo en Miniatura, donde activaremos la creatividad a través del ‘Objeto Narrador’; La Brevedad Como Arte, donde entraremos de lleno en la ‘Dramaturgia de la Síntesis’ construyendo micro-clímax y practicando los ‘Guiones Flash’; y cerraremos trabajando De la Palabra a la Escena, donde habrá un momento reflexivo sobre cómo lo visual y el sonido se funden con el texto para terminar de habitar estos fascinantes micromundos”.

Para ella “OANI Teatro y el FESTILAMBE han sido faros para quienes nos dedicamos a este oficio en Chile, vivo con ellos una relación de profunda admiración, colaboración y aprendizaje mutuo.

He tenido el honor de participar en varias versiones del festival, como participante e invitada a los hitos inaugurales, donde el intercambio con compañeras y compañeros ha fortalecido mi visión del Teatro de Animación.

Me siento parte de esta red de lambistas que nos impulsa a seguir profesionalizando y difundiendo el Teatro Lambe Lambe como un estilo teatral vital”. 

Mónica cierra con una invitación: “Vengan con ganas de experimentar, de ‘meter las manos a la obra’ y de jugar con la poética del objeto. Se llevarán herramientas prácticas y una nueva perspectiva para construir esas breves historias que están esperando habitar los fascinantes micromundos del Teatro Lambe Lambe. ¡Es el momento de descubrir que las grandes historias no necesitan grandes escenarios, sino miradas atentas!”.

WORKSHOP ONLINE “CONSTRUYENDO BREVES NARRATIVAS”. Sábado 13 de junio de 10:00 a 13:00 horas Chile.Entrada liberada. Inscripciones abiertas en https://festilambe.cl/

Vuelve Ópera para Todos al Centro para las Artes Zoco con un viaje al corazón del bel canto

 Una reina condenada, amantes enfrentados por rivalidades familiares y heroínas atrapadas entre el amor y el poder. Antes de que existieran las plataformas de streaming o las grandes sagas cinematográficas, la ópera ya narraba historias de pasiones extremas, traiciones, conflictos políticos y destinos trágicos capaces de conmover a públicos de todo el mundo.

Ese universo vuelve a abrir sus puertas en el Centro para las Artes Zoco con una nueva edición de Ópera para Todos, ciclo coproducido junto a Música Plus que se ha consolidado como uno de los espacios dedicados a la difusión del repertorio lírico dentro de la programación del espacio ubicado en Avenida La Dehesa 1500, en la comuna de Lo Barnechea. 

La temporada comenzará el miércoles 10 de junio, a las 19:30 horas, con Bel Canto Puro, un recorrido por una de las tradiciones más virtuosas y admiradas de la historia de la ópera. 

Interpretado por la soprano Tabita Martínez y el tenor Ramiro Maturana, junto al pianista Jorge Hevia, el concierto reunirá arias y dúos que dieron forma al lenguaje del bel canto italiano, un estilo que privilegia la belleza de la línea vocal, la expresividad y el dominio técnico de los intérpretes.

Será una oportunidad para reencontrarse con algunas de las páginas más célebres del repertorio operístico y con una forma de cantar que marcó profundamente la historia de la música occidental.

A partir de ahí, el ciclo avanzará por territorios tan diversos como el verismo italiano de I Pagliacci, la comicidad irresistible de Rossini y Mozart, el lirismo francés de Fausto, el talento emergente de los jóvenes artistas de la Fundación Ibáñez Atkinson y la intensidad dramática de La Traviata.

“Son conciertos que permiten acercarse a la ópera desde su esencia: la voz, la emoción y la fuerza de las historias. Cada programa propone una experiencia distinta y una oportunidad para descubrir o reencontrarse con músicas que han emocionado a generaciones de espectadores en todo el mundo”, señala Andrés Rodríguez, director artístico del ciclo.

La temporada reunirá a destacados cantantes nacionales junto a reconocidos pianistas, convocados para interpretar algunas de las partituras más célebres del repertorio lírico en un formato especialmente concebido para resaltar la expresividad de la voz y la cercanía con el público.

“Cuando iniciamos este proyecto hace tres años teníamos la convicción de que existía un público con ganas de acercarse a la ópera desde una experiencia más cercana y acogedora.

Ver que el ciclo llega hoy a su tercera edición consecutiva confirma que ese interés existe y sigue creciendo”, comenta Javier Chamas, director ejecutivo del Centro para las Artes Zoco.

“Más que presentar óperas completas, buscamos ofrecer distintas puertas de entrada a este universo artístico. Son conciertos que permiten descubrir grandes voces, historias y compositores en un formato accesible, contribuyendo a que el patrimonio lírico forme parte de la vida cultural cotidiana de nuestras audiencias”, añade.

De la comedia rossiniana al verismo italiano y las tragedias de Verdi

La temporada continuará el 1 de julio con selecciones de I Pagliacci, la célebre ópera de Ruggero Leoncavallo inspirada en un crimen real ocurrido en Calabria y considerada una de las máximas expresiones del verismo italiano.

La función reunirá a tres voces experimentadas de la escena lírica nacional: el tenor José Azócar, la soprano Paulina González y el barítono Javier Weibel, quienes abordarán su intensa carga dramática junto a la pianista Svetlana Kotova.

El 22 de julio será el turno de El Barbero de Sevilla, la brillante comedia de Gioachino Rossini que sigue las ingeniosas maniobras de Fígaro para ayudar al Conde Almaviva a conquistar a Rosina. Las voces de Vanessa Rojas, Javier Weibel y Sergio Gallardo, junto al pianista Jorge Hevia, darán vida a una de las obras más populares y divertidas de todo el repertorio lírico.

Más adelante, el 5 de agosto, el ciclo regresará al universo mozartiano con selecciones de Las Bodas de Fígaro. La soprano Camila Romero, la soprano Pilar Garrido y el barítono Ismael Correa, acompañados al piano por Jorge Hevia, interpretarán fragmentos de esta célebre ópera que combina humor, crítica social y una extraordinaria profundidad humana.

Mozart volverá a estar presente el 19 de agosto con La Flauta Mágica, protagonizada por Francisca Prudencio, Gonzalo Quinchahual y Matías Moncada, junto al pianista Marco Antonio Cuevas.

Estrenada en 1791, la obra sigue el viaje iniciático de Tamino y Papageno en una historia donde la sabiduría, el amor y la búsqueda de la verdad se entrelazan con algunas de las páginas más reconocibles de la música clásica.

La programación continuará el 9 de septiembre con selecciones de Fausto, de Charles Gounod, inspirada en la obra de Goethe y en la leyenda del hombre que vende su alma al diablo para recuperar la juventud.

El concierto contará con las interpretaciones de Gonzalo Tomckowiack, Constanza Olguín y Francisco Salgado, nuevamente junto al pianista Jorge Hevia.

Luego, el 30 de septiembre, el escenario recibirá nuevamente a los jóvenes artistas del Youth Opera Program de la Fundación Ibáñez Atkinson, uno de los programas de perfeccionamiento vocal más prestigiosos del país.

Sus integrantes ofrecerán un recorrido por arias y dúos emblemáticos del repertorio operático, en una presentación que permitirá conocer algunas de las voces llamadas a protagonizar el futuro de la lírica nacional.

Finalmente, el 28 de octubre, la temporada culminará con selecciones de La Traviata, la inmortal obra de Giuseppe Verdi sobre el amor, el sacrificio y las convenciones sociales. La función reunirá a Camila Guggiana, Nicolás Noguchi y Javier Weibel, junto al pianista Jorge Hevia, para cerrar el ciclo con una de las tragedias más conmovedoras y populares de la historia de la ópera.

Las entradas individuales y todos los tipos de abonos están disponibles a la venta a través de Punto Ticket y en las boleterías del Centro para las Artes Zoco. Además, se contemplan descuentos especiales para adultos mayores, estudiantes y vecinos de la comuna, junto con convenios y promociones para quienes adquieran abonos anuales de múltiple programación. Estacionamiento liberado.

Más información en el sitio web del Centro para las Artes Zoco. Producen: Fundación Cultural Zoco y Música Plus. 

Teatro Zoco estrena “Inter Alia”, el nuevo drama legal de la autora de “Prima Facie”

 Dirigida por Pablo Halpern y protagonizada por Paola Giannini, Nicolás Saavedra y Diego Leiva, la más reciente obra de la dramaturga australiana Suzie Miller —actualmente en cartelera en el West End de Londres con Rosamund Pike— desplaza el conflicto judicial hacia el interior de una familia enfrentada a la fragilidad de los vínculos, la exposición digital y aquello que los padres desconocen sobre sus propios hijos.

Producida por el Centro para las Artes Zoco, la primera versión internacional del texto –estrenado originalmente en 2025– debutará el 10 de julio en la sala de Lo Barnechea. Entradas en Punto Ticket.

Una madre observa a su hijo y ya no sabe si realmente lo conoce.

Ese es el quiebre que articula Inter Alia, el nuevo drama legal de la dramaturga australiana Suzie Miller, autora del fenómeno mundial Prima Facie. A diferencia de su obra anterior, este thriller psicológico desplaza el conflicto desde el estrado hacia la intimidad de un hogar cruzado por la fragilidad de los vínculos y el abismo que separa a los padres de la vida secreta de sus hijos.

Jessica Parks es una jueza brillante, respetada por su implacable trayectoria en causas de violencia sexual y convencida de que la ley es la única herramienta capaz de ordenar el caos del mundo. Durante años, ha sostenido con precisión quirúrgica el equilibrio entre su reputación pública y una arquitectura familiar aparentemente sólida junto a su marido —un prestigioso abogado penalista habituado a los códigos del poder— y Harry, el hijo de ambos, de 18 años.

Cuando una grave acusación irrumpe dentro de su propia casa, la lógica implacable de la jueza colisiona con el instinto desesperado de una madre obligada a preguntarse hasta dónde estaría dispuesta a llegar para proteger a su familia.

Tras su aclamado estreno mundial a mediados de 2025 en el prestigioso National Theatre de Londres y su posterior consagración en el West End —donde la interpretación de Rosamund Pike le valió el Premio Olivier de este año a la Mejor Actriz—, la pieza llega ahora Chile como uno de los grandes hitos de la temporada. 

Producida por el Centro para las Artes Zoco y bajo la dirección de Pablo Halpern, el próximo 10 de julio debutará en la sala de Lo Barnechea la primera versión internacional del texto con un elenco encabezado por Paola Giannini, Nicolás Saavedra y Diego Leiva. Las entradas ya están disponibles en Punto Ticket.

Una dramaturga en estado de gracia

Antes de convertirse en una de las firmas más cotizadas del teatro contemporáneo, Suzie Miller (Melbourne, 1963) ejerció durante años como abogada de derechos humanos y defensora de menores en Sidney. Lo demostró tempranamente en sus primeras obras: Cross Sections, Transparency y Jailbaby. Pero fue Prima Facie —estrenada en pleno auge del movimiento #MeToo en 2019— la que terminó por consagrarla. 

La obra, protagonizada primero por Jodie Comer y luego montada en distintos países, incluido Chile, desató discusiones públicas sobre la legislación vinculada a agresiones sexuales e incluso impulsó debates jurídicos en Reino Unido y Australia.

Tras ese fenómeno global, Miller volvió a concentrar su mirada sobre la masculinidad contemporánea y los vacíos del mundo adulto frente a la educación emocional de los hombres jóvenes. Así nutrió a Inter Alia —cuyo significado legal en latín es "entre otras cosas"— de un rigor técnico y psicológico igual de descarnado. 

“Prima Facie e Inter Alia funcionan como un díptico porque abordan un mismo tema —las limitaciones del sistema judicial frente a los delitos sexuales— desde dos lugares opuestos”, explica Pablo Halpern. “Prima Facie miraba el sistema desde adentro del tribunal, a través de una abogada defensora que terminaba enfrentando ella misma una agresión. Inter Alia hace el camino contrario: nos sitúa en el lugar de una jueza que ha dedicado su carrera a proteger a las víctimas, hasta el día en que una acusación llega a su propia familia”.

Actualmente en cartelera en el West End de Londres con Rosamund Pike —quien obtuvo el Premio Olivier 2026 a Mejor Actriz por su interpretación—, la obra ya prepara además su desembarco en Broadway el 10 de noviembre, en el Music Box Theatre de Nueva York.

Según ha explicado la propia autora, el origen del texto surgió tras observar cómo las dinámicas de consentimiento, violencia y sexualidad entre adolescentes mutaron radicalmente con la irrupción de los teléfonos inteligentes, la pornografía online y las subculturas digitales masculinas.

Después de las funciones en Londres, relató Miller recientemente, numerosos padres se le acercaban para decirle lo mismo: que la obra los había obligado a volver a hablar con sus hijos sobre temas que nunca habían sabido cómo enfrentar. Ese es, precisamente, el corazón de la obra, explica Halpern.

“Más que una transformación, lo que hay en el personaje de Jessica Parks es una colisión”, dice el también director artístico de Teatro Zoco. “Es una mujer brillante, dueña de un lenguaje jurídico afiladísimo, y al mismo tiempo una madre profundamente humana, vulnerable, atravesada por sus afectos. Lo que verá el espectador es cómo esos dos planos chocan, y el efecto devastador que ese choque produce en ella”.

Una puesta en escena atravesada por internet

La versión chilena incorpora traducción de Pablo Schwarz y apuesta por una puesta en escena de fuerte lenguaje audiovisual, donde el diseño sonoro, el mapping y las proyecciones digitales se convierten en parte central del conflicto dramático.

La producción cuenta con diseño integral de Laurene Lemaitre, composición musical de Alejandro Miranda y mapping de Matías Carvajal, creando un ecosistema visual donde las pantallas, los algoritmos y los contenidos digitales invaden progresivamente la intimidad doméstica.

“La obra no transcurre solamente en lugares físicos”, comenta Halpern. “Transcurre también en aquello que la familia consume desde sus pantallas, en las dinámicas virtuales de los jóvenes en internet y que muchas veces los padres ni siquiera saben que existen. El mapping y el diseño sonoro permiten construir esa otra dimensión: la que entra a la casa sin pedir permiso”.

Para el director, la obra dialoga de manera directa con discusiones extremadamente contemporáneas sobre adolescencia masculina, violencia digital y discursos de odio online.

“Hace pocos meses, fenómenos como la serie Adolescencia instalaron una pregunta incómoda en muchas familias chilenas: qué están viendo los jóvenes frente a sus pantallas y qué narrativas consumen en aislamiento. Inter Alia aborda esa misma inquietud con crudeza y profundidad. Pone a una madre frente a la posibilidad real de no haber conocido jamás al hijo que crió”, concluye.