PELÍCULA | Largo viaje

 Considerada una de las piedras angulares de la cinematografía chilena, Largo Viaje (1967) es un relato crudo y profundamente conmovedor que captura la fractura social de un Santiago en blanco y negro.

Bajo la dirección de Patricio Kaulen, la película se sumerge en la tradición del “velorio del angelito”, transformando el duelo en una odisea urbana a través de los ojos de un niño.

Tras la muerte de su hermano recién nacido, el pequeño protagonista recorre los rincones más hostiles y caóticos de la capital con el único fin de devolverle unas alas de cartón al bebé, en un intento desesperado por asegurar su ascenso al cielo.

Más que un drama, la obra se erige como un antecedente directo del Nuevo Cine Chileno, bebiendo de la estética y la urgencia del neorrealismo italiano

El itinerario del niño por los bajos fondos santiaguinos no solo expone las abismales diferencias sociales de la época, sino que también ofrece un retrato lírico y desgarrador de la pérdida de la inocencia en contextos de precariedad.

Con una narrativa que equilibra la fe popular y la crítica social, la cinta permanece como una pieza fundamental para entender la evolución de nuestra identidad visual y las contradicciones que definen a la ciudad.

Disponible online en Cineteca Nacional

EXPO | Cine en Chile: Un viaje desde el carrete silente hasta el Oscar

 Hay algo profundamente conmovedor en entrar a una sala y encontrarse de frente con la bicicleta de Machuca, el vestuario de Violeta se fue a los cielos o el brillo de los dos Oscar que han puesto a Chile en el mapa global.

La exposición “Cine en Chile: Historia(s) en movimiento”, que celebra los 20 años del Centro Cultural La Moneda junto a la Cineteca Nacional, no es solo una muestra de objetos; sino el espejo de un país que se ha narrado a sí mismo a través de proyectar historias.

El recorrido nos traslada a ese Chile de finales del siglo XIX, cuando el cinematógrafo llegó apenas ocho meses después de su invención en París, y nos conduce hasta la era digital. La muestra incluye objetos como una moviola, los antiguos proyectores y cámaras de 35mm, nos recuerda que el cine ha sido, y sigue siendo, un oficio de artesanos.

 Lo más potente de la muestra es cómo evidencia que Chile, a pesar de su distancia geográfica de las grandes industrias, ha logrado insertarse en el circuito internacional.

La exposición no esquiva los roces políticos ni los fracasos; muestra al cine como un organismo vivo en diálogo con la sociedad chilena.

Es una invitación para todo espectador: para el cinéfilo que quiere ver la mítica tarjeta que dice “And the Oscar goes to…”, para los nostálgicos del videoclub y para el curioso que desea entender cómo pasamos de los carretes de nitrato a la alta definición.

Hasta el 31 de mayo de 2026. En el Centro Cultural La Moneda. Entrada liberada.

Manuel Madariaga: “Aquí, el desafío es entender y traducir el mundo del cine para nuevas audiencias”

Manuel no llegó al cine por la academia ni por linaje, sino por una conexión casi eléctrica. Creció en Temuco, en una época donde tener televisión por cable era un lujo de pocos, pero su padre trabajaba en una empresa de televisión por cable, por lo que tuvo un acceso privilegiado a esa ventana al mundo.

 “Desde muy niño tuve esa cercanía. Veía películas que no estaban en las salas, noticiarios extranjeros, deportes. Me fascinó el mundo que había en la pantalla”, recuerda.

Esa fascinación inicial se transformó en oficio. Tras estudiar Comunicación Audiovisual y pasar por la vertiginosa televisión en vivo (hizo su práctica en la época dorada de “Buenos Días a Todos”, Canal 13), Manuel dedicó 14 años al mundo de la publicidad y la postproducción.

Allí, entre agencias y gerentes de marketing, desarrolló una visión particular sobre su trabajo: la de un artesano en una era intangible.

Para Manuel, la postproducción, el montaje y la corrección de color no son procesos mecánicos, sino manualidades modernas.

“Me siento como un orfebre. Aunque sean herramientas digitales, las tomas existen, los cortes existen. Hay una valoración estética en cada pequeño movimiento, en pulir una imagen hasta que brille”, explica.

Esa meticulosidad es la que ahora vuelca en Juntos, donde asume el desafío de liderar un área que busca ir más allá de la gestión de redes sociales tradicional. Su rol es orquestar el universo digital de la productora: desde la creación de contenido original y nuevos formatos (como podcasts y web series), hasta la gestión de alianzas con marcas que al apoyar al cine buscan algo más que un logo en un afiche.

¿Por qué dejar el mundo publicitario tradicional para sumarse a una productora de cine? Movido por la curiosidad, Manuel lo resume con una analogía gastronómica que define perfectamente el espíritu de Juntos.

 “Si un canal de televisión o el retail pueden ser como un McDonald’s, masivo y rápido, trabajar en una productora de cine es como entrar a un restaurante de lujo o a esa picada donde sabes que se cocina exquisito. Tiene otro gusto, otro tiempo y otro cariño”.

Escribir Juntos: Una metodología para el cine de audiencia y autoría colectiva

Hacer cine en Chile suele debatirse entre dos extremos: la película de autor, a veces desconectada del público, y la película comercial, a veces tildada de “sin alma”.

Desde Juntos, Moisés Sepúlveda, Pancho Hervé y Felipe Egaña proponen una tercera vía: una metodología de escritura creativa que busca películas de alta calidad artística con una vocación de audiencia masiva.

Este método, desarrollado durante los últimos 6 años y aplicado en películas como Inmersión y Oro amargo, se basa en un proceso de 3 a 4 meses para llegar a un guion sólido.

La travesía comienza por una sala de escritura. El método no es un acto solitario. Requiere un equipo mínimo de tres personas con roles definidos para evitar el estancamiento y fomentar la colaboración: El guionista delegado: Quien lleva “la pluma” y escribe físicamente los encargos. Un guionista observador: Aporta ideas, crítica y enriquece la discusión desde afuera.

 Y el guionista jefe: El guardián de la metodología, encargado de que el proceso avance de etapa en etapa. El director/a puede estar presente o no, pero siempre tiene que haber una figura con “el corte final” para dirimir empates.

Para Pancho Hervé, socio de Juntos, esta estructura busca ordenar el proceso de escritura del guion, que puede ser muy azaroso. “Uno nunca sabía cuánto se iban a demorar ni con qué iba a llegar el guionista. Al final podían pasar 6 meses en vez de 2, y en vez de llegar la comedia que habías pensado, llegaba otra cosa.

Era tiempo y plata perdida; además de una sensación de que no estabas participando realmente. Con este método logramos que las cosas se cumplan en mejores plazos y de manera más previsible para todos”, explica.

Primer paso: el alma. Antes de escribir diálogos, se analiza el proyecto en tres dimensiones fundamentales. Generalidad: ¿De qué habla la película respecto al mundo? (Género, tema, mercado). Particularidad: La arquitectura interna, la estructura y artesanía del relato. Y universalidad: ¿Qué dice la película sobre la vida?

Luego se instalan las bases y la bencina. Se trabaja el primer acto para asegurar que la historia tenga energía suficiente para llegar al final. Buscando crear un mundo con un equilibrio precario que esté listo para explotar, de modo que se propicie la aparición del detonante, aquel evento que rompe la rutina y abre el debate, el momento en que el personaje duda y se plantean las preguntas que lanzarán la película hacia el segundo acto.

Una vez planteado el primer acto, se divide la película en 8 “mini-películas” de 10 a 12 minutos cada una. Cada secuencia debe responder a una pregunta dramática: ¿Logrará el personaje X cosa? ¿Sí o no? Esto genera anticipación, manteniendo al espectador preocupado por lo que va a pasar, no solo observando lo que pasa.

Entonces aparece el diálogo y la escritura formal.

Buscando abrir la brecha entre las expectativas del espectador y lo que realmente ocurre. En esta etapa se instala una regla de oro: Las escenas no se unen con un “y entonces”, sino con un “pero” o un “por lo tanto”. Esto garantiza una relación causal y evita que el guion de vuelva plano.

Finalmente, el guion para a la etapa final de pulido. Se vuelve a mirar a la luz de la “idea controladora” para asegurar que el punto de vista inicial no se haya perdido en el proceso ¡Y listo! Ya tienes un guion al estilo de Juntos.

El Método Juntos desafía la idea tradicional del cine de autor. Plantea que la autoría puede ser colectiva, donde el productor creativo, el guionista y el director colaboran horizontalmente. Es un sistema diseñado para que los procesos creativos sean replicables, escalables y sustentables, permitiendo que el cine chileno compita con estándares internacionales sin perder su identidad.

El éxito de esta metodología radica en el entusiasmo que genera en el equipo tras romper el hielo inicial: “A nosotros nos gusta participar en el proceso creativo y hemos logrado que a las personas que trabajan con nosotros les encante esta metodología.

 Algunos tienen reticencia al principio, pero después de probarlo están felices; se logran cosas que uno solo no alcanza y se llega a puerto en plazos mucho más previsibles”, cuenta Pancho Hervé.

Andrea Chignoli, montar QUE SE ACABE TODO

Una vez apagadas las luces del set, la película nace de nuevo en la sala de edición. 

En esta oportunidad, esa misión está en manos de nuestra querida Andrea Chignoli, una de las montajistas más brillantes del cine chileno y miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (sí, los mismos detrás de los Oscar).

Andrea, formada en una familia cinéfila, ha estado detrás del montaje de más de 80 proyectos audiovisuales, entre ellos reconocidos títulos como Violeta Se Fue A Los Cielos (Andrés Wood, 2011), Tony Manero (Pablo Larraín, 2008), Joven y Alocada (Marialy Rivas, 2012) y No (Pablo Larraín, 2012), la primera película chilena nominada a los Oscares.

En palabras de ella, “los montajistas acompañamos a los directores a tomar la decisión final de qué quedará en la película. Yo siempre digo que la historia se escribe en tres momentos: en el guion, en el rodaje y en el montaje. El director necesita dialogar y probar con alguien que no tenga el mismo vínculo emocional con el material.

Yo no estuve en el set ni pasé años escribiendo el guion, por lo que tengo una distancia que me posiciona casi como un espectador. Mi labor es acompañar al director a depurar el relato para que llegue de la mejor manera al espectador.”

Entre los múltiples trabajos y roles en la industria cinematográfica, Andrea ha optado por dedicarse exclusivamente al montaje. Sobre esta elección comenta: “Me gustan los trabajos colectivos y el cine es de las artes más colectivas que existen, pero al mismo tiempo me gusta la soledad.

 El montaje es el espacio perfecto donde hay reflexión y soledad, pero dentro de una creación colectiva. En el montaje encontré el espacio donde se conjuga todo lo que necesito.”

“Cualquier director querría trabajar con Andrea por su currículum, pero en su caso, los logros no esconden secretos: su lucidez y sensibilidad son evidentes. A veces puede ser abrumador, porque ella toma el material y tiene una certeza sobre lo que funciona y lo que no. 

Te obliga a un nivel de exigencia alto; te empuja a argumentar y a aclarar tus propias ideas.”, cuenta Moisés Sepúlveda, director de Que Se Acabe Todo.

MONTAR QUE SE ACABE TODO

Andrea se sumó al proyecto hace casi 10 años, mientras Moisés trabajaba una de las primeras versiones de guion. Cuando en vísperas del Greenlight se optó por grabar la película en planos secuencia, se barajó la idea de prescindir de la montajista.

“No era tan obvio que el montaje debía recaer en alguien externo, pensamos que quizás bastaba con pegar un plano al otro. Sin embargo, decidimos revisar el material con alguien de la expertise de Andrea Chignoli.

Es un privilegio tenerla para evaluar, y comprobar que, si se podía mejorar el material respetando esa puesta en escena continua donde las elipsis ocurren en el set.”, explica Moisés.

Un par de semanas después de concluir el rodaje, Andrea recibió las primeras imágenes de Que Se Acabe Todo. “Quedé fascinada con el material. Cuando Moisés me contó que quería hacer una película sobre un fraude financiero, pensé que sería difícil. Pero logró explicarlo de una manera divertida, con un punto de vista y mucho humor. Me sorprendió mucho ver el primer armado; incluso siendo largo, la película se sostenía.

Creo que Moisés se ganó un premio con la puesta en escena y la dirección de actores; logró simplificar y hacer accesible un tema que es bien árido.”

El montaje de una película como esta tiene una naturaleza diferente a proyectos en los que Andrea ha trabajado antes, como fueron las 500 horas de material de archivo para No, o el relato anacrónico de Violeta Se Fue A Los Cielos. En Que Se Acabe Todo “ha habido montaje, pero tratamos de hacerlo de una manera que casi no se noten los cortes. 

Estamos depurando la historia para darle mayor ritmo y sacar lo que no ayude a la trama central, pero manteniendo el estilo original de Moisés: un relato fluido con una cámara en movimiento”, cuenta Andrea.

Esta película comenzó a editarse en nuestras oficinas de Santiago y actualmente se está trabajando en Limache, donde Andrea vive y trabaja. La semana pasada, Moisés estuvo allá en una suerte de pequeña residencia, para trabajar la obra

“Ella vive en medio de la naturaleza, rodeada de cerros, con un clima hermoso y un lugar soñado para concentrarse. Fue un retiro de tres días de inmersión total, donde el montaje seguía presente incluso en los desayunos y las comidas.”, recuerda el director.

“Moisés es entusiasta, optimista y creativo. Creo que su pasado como mago lo ha ayudado mucho en esta película donde hay varios trucos; tiene una mirada muy original. Ha sido un regalo trabajar con él y con Pancho (Hervé), es un productor que apoya mucho, muy razonable y creativo”, comenta Andrea.

El regreso de Oro Amargo al desierto: Una deuda saldada entre 2.500 kilómetros de pampa

 Está película no estaba completa sin devolverla a la tierra donde se filmó. Para JUNTOS, llevar Oro Amargo de regreso al norte ha sido una muestra de gratitud y de nuestro compromiso por la descentralización de la cultura.

La reciente gira de la cinta por la Región de Atacama y Tarapacá no fue solo un circuito de exhibición, sino el cumplimiento de un compromiso que el equipo sentía desde el rodaje. Francisco Melo, actor y productor ejecutivo de la cinta, lo define como la necesidad de saldar una deuda con el entorno y sus habitantes.

 “El hecho de proyectar la película en Copiapó me dio la sensación de devolverles la mano, de agradecerles por habernos prestado ese paisaje del cual son dueños”.

La travesía fue una epopeya logística que abarcó más de 2.500 kilómetros por tierra, conectando localidades como Copiapó, Caldera, María Elena e Iquique. 

Lejos de la comodidad de las salas comerciales, la productora de la gira, Daniela Raviola, lideró una operación a la antigua, transportando la película en un disco duro físico y montando funciones en teatros, centros culturales y anfiteatros improvisados.

“El desierto es implacable, no puedes controlarlo”, explica Daniela al recordar los desafíos de la ruta, desde fuertes vientos en San Pedro de Atacama que obligaron a cambiar la pantalla inflable por una LED a último minuto, hasta tramos de oscuridad absoluta en carretera con el combustible al límite.

Sin embargo, la hostilidad del clima contrastó con la calidez de las salas. El público local no solo se emocionó con la historia, sino que identificó su propia tierra. 

“Para un santiaguino el norte se ve todo igual, pero la gente allá distinguía las particularidades del territorio, y agradecían que la película retratara bien esa mutación del paisaje”, señala Daniela.

Tras cada función, la dinámica habitual de preguntas y respuestas se transformó en un espacio para compartir experiencias. 

“El público rememoraba a sus padres, sus vivencias personales, lo crudo y lo bello de ser minero. Fue muy bonito ver que una película sea capaz de provocar esa necesidad de contar vivencias personales en público; la gente agradecía verse valorada, que lo que veían en pantalla fuera real y no una caricatura”, ”, relata Pancho Melo. 

El símbolo de esta comunión fue la presencia de Aníbal Vásquez, minero y miembro del elenco cuya experiencia fue fundamental para el rodaje, quien asistió a la función en Copiapó.

 “Fue una experiencia única. Yo soy minero, entonces transformarse en actor de Oro Amargo es difícil para uno, pero fue muy satisfactorio. Es algo que no se puede explicar. Algo hermoso”, comenta sobre la película.

Su participación provocó una ovación cerrada que validó el esfuerzo de la producción.

Al final, recorrer el desierto cargando equipos y enfrentando la incertidumbre de la ruta tiene un propósito claro: descentralizar el cine chileno y, en este caso, devolverlo a su origen.

Para Daniela, el éxito de la gira no se mide solo en tickets cortados, sino en el impacto humano de llegar a rincones donde la oferta cultural es escasa.

“Poder hacer que diez personas en un pueblo en medio del desierto vean la película y se emocionen, hace que todo valga la pena. Es en generar esa instancia donde el cine deja de ser nuestro y pasa a ser, finalmente, de ellos”.

CRIN Chile y el Instituto de Música UAH convocan a reflexionar sobre la infancia como territorio cultural de creación sonora

La Asociación Gremial Creadores Infantiles de Chile (CRIN Chile), a través de su Archivo de Música para la Infancia (AMI), junto al Instituto de Música de la Universidad Alberto Hurtado (UAH), invitan a participar de la convocatoria para el seminario académico: “Artes, músicas y culturas sonoras en las infancias: La infancia como territorio cultural de creación sonora”.

El encuentro, que se llevará a cabo los días 17 y 18 de abril de 2026 en Santiago, invita a investigadores, artistas y educadores a presentar ponencias que desafíen la visión tradicional de la música infantil.

El objetivo es desplazar el foco desde lo meramente didáctico hacia una comprensión de la infancia como un espacio de poética, identidad y patrimonio vivo. Iniciativa que cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras.

En el marco de la actualización de la sección enciclopedia del AMI, este seminario busca documentar y visibilizar las prácticas que configuran las culturas sonoras de las infancias en Chile y América Latina. Se aceptarán trabajos en diversas modalidades, incluyendo ponencias académicas, relatos de experiencia, estudios de caso, investigaciones artísticas y reflexiones teóricas.

Ejes Temáticos Destacados:

-Creación musical y poéticas para la infancia: procesos compositivos, repertorios, composición, dramaturgias sonoras, interdisciplina artística.

-Infancias y experiencias de escucha: musicalidad temprana, juego sonoro, cuerpo y sonido, paisaje sonoro infantil.

Memoria patrimonio y archivo de músicas para la infancia: historia, repertorios tradicionales, transición cultural, archivos sonoros.

-Educación y mediación musical en la infancia: pedagogías, formación de públicos, prácticas educativas y comunitarias.

-Artes escénicas y música en experiencias para la infancia: teatro musical, performance sonora, conciertos escénicos.

-Derechos culturales y acceso a las músicas en la infancia: políticas culturales, circulación, territorios, inclusión y diversidad.

Detalles de la Convocatoria:

Fecha límite de envío: 10 de marzo de 2026.

Modalidad: Presencial (Instituto de Música UAH, Santiago).

Formato de presentaciones: 15 minutos de exposición + 10 minutos de diálogo.

Postulaciones: A través del Formulario https://forms.gle/bbB5WS5tNSyq98wR8

Requisitos de envío: Título, resumen (250-300 palabras), palabras clave (3 a 5), referencias (si corresponde) y una breve reseña curricular (máx. 100 palabras).

Información y Contacto:

Para consultas adicionales, los interesados pueden escribir a comunicaciones@crinchile.cl, indicando en el asunto: Postulación ponencia Seminario Artes, músicas y culturas sonoras en las infancias.

Organizan:

Asociación Gremial Creadores Infantiles de Chile (CRIN Chile)

Instituto de Música — Universidad Alberto Hurtado

La Asociación Gremial Creadores Infantiles de Chile forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile.

Ya están disponibles el tráiler y el poster de “Los Testamentos: de las hijas de GILEAD

 Disney+ dio a conocer el tráiler y póster de la próxima serie dramática original Los Testamentos: De las hijas de Gilead, un nuevo capítulo del showrunner y productor ejecutivo de The Handmaid's Tale. Los Testamentos: De las hijas de Gilead estrena el 8 de abril con sus primeros tres episodios, seguidos de nuevos capítulos cada semana. 

Como una evolución de The Handmaid’s Tale, Los Testamentos: De las hijas de Gilead, basada en la novela homónima de Margaret Atwood, es una historia dramática de paso a la madurez ambientada en Gilead. La serie sigue a las adolescentes Agnes, obediente y piadosa, y a Daisy, una recién llegada y convertida de más allá de las fronteras de Gilead.

Mientras recorren los lujosos pasillos de la exclusiva escuela preparatoria de la Tía Lydia para futuras esposas —un lugar donde la obediencia se impone con brutalidad y siempre bajo justificación divina—, su vínculo se convierte en el detonante que sacudirá su pasado, su presente y su futuro.  

Los Testamentos: De las hijas de Gilead está protagonizada por Ann Dowd, Chase Infiniti, Lucy Halliday, Mabel Li, Amy Seimetz, Brad Alexander, Rowan Blanchard, Mattea Conforti, Zarrin Darnell-Martin,Eva Foote, Isolde Ardies, Shechinah Mpumlwana, Birva Pandya y Kira Guloien. 

La serie fue creada por el showrunner y productor ejecutivo Bruce Miller y cuenta con la producción ejecutiva de Warren Littlefield, Elisabeth Moss, Steve Stark, Shana Stein, Maya Goldsmith, John Weber, Sheila Hockin, Daniel Wilson, Fran Sears y Mike Barker, quien también dirige los primeros tres episodios.  Los Testamentos: De las hijas de Gilead está producida por MGM Television.

Los controles parentales de Disney+ garantizan que la plataforma continúe siendo una experiencia de streaming adecuada para todos los miembros de la familia. Los suscriptores pueden crear perfiles protegidos por un PIN y establecer, para determinados perfiles, límites de acceso basados en la clasificación del contenido.

Sobre DISNEY+ en América Latina.

En América Latina, Disney+ es el servicio de streaming que brinda acceso a la más amplia propuesta en streaming con entretenimiento para todas las edades, incluyendo películas, series, eventos en vivo y otros contenidos de Disney, Pixar, Marvel, Star Wars, National Geographic, ESPN y Hulu. 

Ofrece una colección de contenidos originales exclusivos, entre los que se incluyen largometrajes, documentales, series de acción real y de animación, y cortometrajes, así como también la transmisión en vivo de eventos culturales, y deportivos de la mano de ESPN, la marca de deportes más respetada en la región. 

Para más información, visite disneyplus.com, o encuentre la aplicación Disney+ en la mayoría de los dispositivos móviles y de TV conectada.   

Fotógrafo italiano presenta exposición en espacio público tras pasantía en Casa Espacio

Este viernes 6 de marzo, a las 19 horas, se inaugurará “Encuéntrate en los ojos del otro”, exposición del fotógrafo italiano Pietro Arini, resultado de la pasantía que realizó en Casa Espacio desde septiembre del año pasado.

 La muestra reúne el trabajo desarrollado durante su residencia en Valparaíso y se enmarca en la tercera Acción Salvaje de 2026, una intervención fotográfica en el espacio público impulsada por Casa Espacio, proyecto financiado por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras (PAOCC).

Arini, fotógrafo italiano y estudiante de último año en ESA Saint-Luc (Liège, Bélgica), desarrolló este proyecto durante los seis meses de residencia que realizó en la organización porteña.

 Su trabajo adopta la forma de diarios visuales fragmentados e instintivos, vinculados a la tradición de la fotografía callejera y documental. 

Sus imágenes se sitúan entre la observación y la confesión, atravesadas por su biografía: una infancia mediterránea en Palermo y su vida actual en el norte de Europa.

Durante su estadía en Valparaíso, el artista se integró a distintas áreas del trabajo de Casa Espacio y colaboró en la decimosexta edición del Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso (FIFV), apoyando el trabajo de Imagen Salvaje en el taller Brigadas Juveniles.

 Paralelamente, desarrolló la exposición “Encuéntrate en los ojos del otro”, proyecto que aborda la experiencia de habitar un vacío íntimo: ese espacio que se abre cuando las certezas pierden su forma y el sentido deja de estar garantizado.

La obra explora la fragilidad de la identidad, el tránsito permanente y la vulnerabilidad como condición humana. A través de imágenes realizadas en la ciudad, el autor intenta restituir la experiencia emocional que atravesó durante su estadía.

De este modo, la exposición no sólo habla del fotógrafo, sino también del lugar que habitó: Valparaíso aparece tanto como territorio físico como estado emocional.

En ese cruce se inscribe la pregunta “¿Dónde está Valparaíso?”, eje transversal que guía el trabajo de Casa Espacio durante 2026. La interrogante invita a pensar la ciudad no sólo en su geografía, sino también en la mirada de quienes la habitan —incluso temporalmente— y la traducen en imágenes.

Al instalarse en la calle, la exposición se convierte en un espejo para el barrio y para quienes quieran acercarse. No es el reflejo habitual con que la ciudad suele representarse, sino una mirada distinta que abre nuevas lecturas sobre el territorio.

Intervención en el espacio público - Acción Salvaje

Las Acciones Salvajes corresponden a intervenciones fotográficas en el espacio público impulsadas por Casa Espacio. Se trata de activaciones abiertas que buscan provocar encuentros sociales a partir de la imagen y generar instancias de diálogo en la calle.

El concepto de “salvaje” alude precisamente a esa apertura a lo imprevisto: la apropiación por parte de los transeúntes, las intervenciones espontáneas, el deterioro o incluso la desaparición de algunas imágenes. Todos esos elementos forman parte de la experiencia y de su dimensión social.

Más que una exhibición tradicional, la iniciativa busca activar el espacio público y propiciar pequeñas instancias de encuentro entre vecinos y visitantes, contribuyendo a fortalecer la idea de comunidad y pertenencia en la ciudad.

Con esta actividad, Casa Espacio retoma su programación tras el receso de febrero y da inicio a las actividades del año en su sede ubicada en Buenos Aires 824, en Valparaíso. 

El espacio forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile.

Ministerio de las Culturas inaugura en Porvenir el Cecrea más austral de Chile

 En un hito histórico para la Región de Magallanes y de la Antártica Chilena, hoy se realizó la inauguración del Centro de Creación (Cecrea) Porvenir, el espacio de este tipo más austral del país.

La actividad, que marca un antes y un después en la infraestructura cultural de la zona, busca responder a un déficit histórico de espacios destinados al esparcimiento y desarrollo integral de la niñez y adolescencia en la comuna de la isla Tierra del Fuego. 

La ceremonia fue encabezada por la ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Carolina Arredondo Marzán, acompañada por el delegado presidencial provincial de Tierra del Fuego, José Campos; el seremi de las Culturas, Luis Navarro, y el alcalde de Porvenir, José Parada.

 “Cerramos esta visita a la Región de Magallanes con una hermosa noticia para las niñas, niños y jóvenes de Porvenir: acabamos de inaugurar el Cecrea más austral del país, con lo que reforzamos aún más el compromiso del Gobierno del presidente Gabriel Boric de resaltar y fortalecer el rol de la cultura en todos los rincones de Chile.

 Hoy podemos decir que la cultura dejó de concentrarse en pocos espacios y se consolidó en barrios, comunas y territorios. Eso es algo que nos llena de orgullo”, dijo la ministra Carolina Arredondo. 

La secretaria de Estado agregó: “la cultura sigue siendo un motor de encuentro, de reflexión y de cohesión social. Y esa es una idea que también inspiró nuestra gestión como Gobierno y Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Pusimos a la cultura en el centro y eso quedó reflejado, entre otras cosas, en el crecimiento histórico de nuestro presupuesto, el que se duplicó entre los años 2022-2026”. 

La jornada comenzó con un despliegue de alegría y participación comunitaria, a través de un pasacalle que recorrió desde la Plaza Arturo Merino Benítez hasta el nuevo centro, ubicado en Croacia N°906.

El desfile fue liderado por niños, niñas y jóvenes que exhibieron máscaras creadas por ellos mismos, durante la realización de laboratorios previos. 

Uno de los momentos más emblemáticos fue la presencia de una marioneta de gran formato inspirada en Gabriela Mistral. Esta figura monumental recorrió distintos puntos de la ciudad interactuando con los transeúntes y establecimientos educacionales, simbolizando el vínculo entre la identidad territorial y el fomento de las artes. 

Espacio de derechos y futuro

El nuevo Cecrea Porvenir está diseñado para atender a ciudadanos de entre 7 y 19 años de edad, ofreciendo un lugar seguro y equipado para experiencias creativas que desafíen las limitaciones geográficas y climáticas del territorio.

Al interior del centro, las autoridades recorrieron una exposición que detalló los procesos de "Escucha Creativa", donde se exhibieron trabajos y registros del primer año de implementación del programa. 

La inauguración culminó con el tradicional corte de cinta y la presentación artística de la agrupación local "Oro Fueguino", consolidando este espacio como un centro de referencia para la articulación territorial y el ejercicio de los derechos culturales de las niñeces y juventudes de Tierra del Fuego. 

Como parte de su agenda en la isla, la ministra Arredondo encabezó también la entrega del Sello Acciona al jardín infantil Pepita de Oro (JUNJI), distinción que reconoce la excelencia en la integración de lenguajes artísticos en la educación inicial.

Junto al seremi de Magallanes, Luis Navarro, la secretaria de Estado también sostuvo un encuentro con Puntos de Cultura Comunitaria (PCC) de la provincia: la agrupación folklórica Oro Fueguino y el Club de Adultos Mayores Renacer.