miércoles, 7 de enero de 2026

La película más reciente de la saga de las motos de luz ya se encuentra disponible en DISNEY+

A partir de hoy se puede disfrutar en Disney+ TRON: ARES, la película más reciente que expande la icónica e innovadora saga de TRON con una nueva historia explosiva en la que se explora qué significa ser humano cuando el mundo digital colisiona con el mundo real.

Protagonizada por Jared Leto, Greta Lee, Evan Peters y Jodie Turner-Smith, entre otros, la tercera entrega de la franquicia nacida en 1982 es un viaje vertiginoso hacia un universo que, de la mano del director noruego Joachim Rønning, fusiona guiños inconfundibles a su emblemático legado con elementos de última tecnología. 

Estos son 5 datos reveladores del detrás de escena de TRON: ARES.

Las motos de luz tenían fuentes de iluminación internas con 10.000 luces led que se operaban de forma remota.

“Las motos de luz son la joya más preciada del legado de diseño de TRON. Se han ganado un lugar en la historia de los vehículos cinematográficos que son casi sagrados. Syd Mead diseñó la original y cuando comencé a actualizarla, sentí que estaba trabajando sobre un artefacto religioso”, confiesa el diseñador de producción Darren Gilford.

Durante el rodaje de TRON: ARES, las motos de luz iban a ser conducidas a 200 km/h y remolcadas por un camión bajo la lluvia, lo que llevó al equipo de Gilford a diseñar vehículos superresistentes.

Se soldaron 10.000 luces LED personalizadas en su interior y se utilizó un acabado automotriz de alto brillo para que las motos no se astillaran. Además, cada uno de esos paneles LED podía ser controlado de manera independiente por el departamento de iluminación mediante una consola.

El control remoto de la iluminación de las motos permitía al equipo ajustar las luces según lo requería la escena e incluso apagarlas por completo inmediatamente entre tomas, ahorrando batería.

La inconfundible túnica de Kevin Flynn rinde homenaje al look de 1982 

TRON: ARES marca el regreso a la pantalla del recordado Kevin Flynn, el personaje interpretado por Jeff Bridges que hizo su debut en la película original de 1982 e inmediatamente conquistó a las audiencias con un look inconfundible: una vestimenta tipo kimono, con influencias budistas y japonesas, que contrasta marcadamente con el aspecto de los demás personajes.

En el nuevo film, Flynn luce una versión actualizada de la túnica. Cuenta la vestuarista Alix Friedberg: “Nos inspiramos en esa silueta y en el diseño de iluminación original de la película de 1982, en el que los personajes se iluminan desde dentro.

 La forma del corazón en la delantera de su túnica es una réplica exacta de lo que llevaba en la película de 1982 y en la parte de la espalda tiene el mismo patrón de circuitos en cascada”. 

Se cerraron las calles del centro de Vancouver durante seis semanas para rodar las escenas de persecución con motos de luz.

Tras una excelente experiencia durante el rodaje de la película de 2010 TRON: EL LEGADO, Rønning y su equipo decidieron regresar a la ciudad canadiense para la filmación de TRON: ARES. 

Como las escenas de persecución con motos de luz transcurrían durante la noche, el equipo gestionó el cierre de las calles del centro de Vancouver durante seis semanas para rodar entre las siete de la tarde y las seis de la mañana todos los días.

De todas maneras, el alto tránsito de peatones en la zona implicó grandes esfuerzos de seguridad por parte del equipo de locaciones. 

“Nos preocupaba mucho la velocidad de las motos. Cuando estás filmando escenas así, tienes que asegurarte de que cada rincón esté cubierto porque si no, alguien podría decidir salir por una puerta justo en el camino de las motos.

Tuvimos 70 asistentes de producción, 17 agentes de policía y dos sargentos. Fue como tener un pequeño ejército cada noche”, relata la encargada de locaciones Anne Goobie.

Se fabricaron 18 trajes de luz completos para Jared Leto.

Los trajes de luz de TRON: ARES son altamente sofisticados y fueron fabricados por un equipo de 75 personas en el reconocido estudio Wētā Workshop en Nueva Zelanda. 

Cada traje tenía su propia fuente de luz dentro de un disco montado en la mochila y podía operarse de manera remota desde una consola. Cada casco también contaba con su propia fuente de energía.

El traje de Ares (Jared Leto) tenía alrededor de 110 piezas moldeadas en silicona. 

Se fabricaron 18 trajes, entre trajes parciales y completos, para Leto y sus dobles de acción y fotografía, con un total de más de 700 piezas.

Las improntas visuales de las tres redes están asociadas a los colores primarios y tienen inspiraciones épicas.

En TRON: ARES, los personajes no se adentran en un único mundo virtual o Red, sino que se mueven en tres Redes: la Red de la compañía de informática ENCOM, la Red de la corporación Dillinger y la Red de Flynn. 

Para que resulten fácilmente identificables por parte de las audiencias, el aspecto visual de cada Red se asoció a uno de los tres colores primarios que, a su vez, remiten a mundos emblemáticos del cine y la literatura.

Para la Red de Dillinger se optó por el rojo, con guiños al Infierno de Dante Alighieri. “Para complementarlo, ENCOM fue verde, como Ciudad Esmeralda en El mago de Oz. 

Y la Red de Flynn mantiene el mismo azul de antes: instantáneamente reconocible para los fans”, completa Gilford.

Por otra parte, el equipo recurrió a metáforas visuales para ilustrar el lenguaje informático dentro del film. Así, la seguridad del sistema de ENCOM se visualiza como un castillo medieval, su cortafuegos es literalmente un gigantesco muro de fuego, y sus datos caen como gotas de luz en una estructura similar a una catedral.

TRON: ARES ya está disponible en Disney+. 

“Vietnam, Israel y Trump sus guerras en vivo y en directo”.

 En su nuevo libro el Premio Nacional de Humanidades José Rodríguez Elizondo entrega un testimonio/ensayo autobiográfico notable sobre los nuevos escenarios bélicos en el mundo.

Después de haber sido testigo directo en la guerra Vietnam y de haber vivido la dinámica israelí entre procesos de paz y expansión territorial, hoy relata en detalle esos acontecimientos y analiza los escenarios de los conflictos mundiales con Trump como uno de sus protagonistas.

Desde el dato duro a las ideas, la obra se estructura en tres partes: Vietnam (crónica), Israel (análisis y testimonio diplomático) y “La guerra tibia” (aplicaciones al presente). Combina escenas en vivo (bombardeos, decisiones de líderes), con síntesis geopolítica (realpolitik, límites de la victoria militar).

La obra es una herramienta de memoria, un relato de experiencias que marcaron profundamente al autor en lo filosófico, político e intelectual. “Son lecciones sobre el poder, la diplomacia y también sobre la reconciliación”, comenta Rodríguez Elizondo.

En Vietnam, Israel y Trump, José Rodríguez Elizondo —testigo directo y lúcido analista de la historia contemporánea— entrelaza memoria, diplomacia y geopolítica para iluminar las continuidades de la guerra en el siglo XX y sus mutaciones en el XXI.

Desde el fragor del Vietnam de los años sesenta, donde recorrió un país devastado por el fuego y la propaganda, hasta su experiencia en un Israel dividido entre la búsqueda de paz y el impulso expansivo, el autor reconstruye medio siglo de conflictos que moldearon el orden mundial y proyectan aún sus sombras sobre la actualidad.

Con el rigor del periodista y la mirada crítica del diplomático que ha conocido desde dentro las lógicas del poder, Rodríguez Elizondo muestra que las guerras no solo se libran en los campos de batalla, sino también en la mente y el discurso de los Estados.

En la última parte introduce el concepto de la “guerra tibia”: ese escenario global posterior a la Guerra Fría donde la confrontación adopta formas económicas, tecnológicas o religiosas, y donde la disuasión nuclear vuelve a amenazar la sensatez.

Escrito con la precisión del reportaje y la densidad del ensayo histórico —y concebido como una continuidad de El día que me mataron. Y otros capítulos de mi memoria—, este libro invita a reflexionar sobre la fragilidad de la paz, el olvido de los pueblos y la peligrosa normalización del conflicto. Una lectura iluminadora para comprender las guerras de ayer que aún laten en el presente.

Sobre el autor

 JOSÉ RODRÍGUEZ ELIZONDO. No solo ha vivido intensamente. También ha sabido reflejarlo en su obra, como periodista, escritor prolífico, crítico de arte, dibujante, diplomático reconocido e importante referente de la política internacional. Ha vivido en la ex República Democrática Alemana, Perú, España e Israel.

Entre sus libros de la última década están: Historia de la relación civil-militar en Chile (2018); Todo sobre Bolivia (2017); Historia de dos demandas: Perú y Bolivia contra Chile (2014); El mundo también existe (2014); Chile y la Ley de la Selva (2024); El día que me mataron. Y otros capítulos de mi memoria (2019).

Fue abogado de la Contraloría General, Fiscal de la Corfo, directivo de la ONU, editor internacional de la revista peruana Caretas, director de Cultura e Informaciones de la Cancillería y embajador en Israel.

Actualmente es director del Programa de Relaciones Internacionales de la Facultad de Derecho de la Universidad de Chile, donde publica la revista Realidad y perspectivas.

Es miembro de número de la Academia Chilena de Ciencias Sociales, Políticas y Morales; Premio de periodismo Rey de España y Premio Nacional de Humanidades y Ciencias Sociales.

Disponible en l en formatos impreso e Ebook en librerías y canales digitales.

"Hija del desierto"

Andrea Amosson vuelve al norte chileno con una novela de rebeldía, memoria y raíces ancestrales

Ambientada en la década de 1920, en la árida y luminosa frontera del norte grande chileno, Hija del desierto es la nueva novela histórica de Andrea Amosson, una historia de pasión, ciencia y libertad protagonizada por una mujer que se atreve a desafiar las normas de su tiempo.

La novela sigue la vida de Albúmina Azócar, la última hija de un patriarca marcado por el duelo, que crece en un territorio dominado por la sequía, el viento y las convenciones sociales.

En una zona atravesada por la minería y el trabajo físico extremo, Albúmina sueña con aprender más de lo que se le permite: convertirse en arqueóloga y revelar que las momias más antiguas del mundo no son las egipcias, sino las Chinchorro, originarias del norte de Chile.

La historia se sitúa en un momento clave de las grandes exploraciones científicas del siglo XX, en paralelo al descubrimiento de la tumba de Tutankamón, una época en la que la investigación y el conocimiento estaban mayoritariamente en manos masculinas.

 “Me interesaba explorar cómo una joven acomodada, en una zona agreste y conservadora, podía desear naturalmente algo que para su época resultaba profundamente transgresor”, señala Amosson.

Fiel a su trabajo narrativo, la autora utiliza la ficción histórica para dar voz a quienes quedaron fuera de la historia oficial. “La ficción histórica permite completar vacíos, rescatar aportes subvalorados y aprender de manera más cercana, a través de personajes que sienten como nosotros”, explica.

En Hija del desierto, la búsqueda de identidad y libertad atraviesa toda la narración. Albúmina es una joven inteligente y analítica, pero también profundamente emocional, consciente de que el crecimiento personal implica dolor y renuncias.

 “Creo que la búsqueda de la voz y el camino propio, en relación con los límites impuestos desde afuera es una tensión permanente.  Esta búsqueda está presente a lo largo de toda la historia de la humanidad y creo que no es específica de las mujeres, sino que de cualquier grupo que haya sido marginado o no hegemónico, o con escaso acceso al poder.

Así es que me parece que ese proceso de construir la identidad propia es siempre una lucha, de la cual ojalá salgamos airosas. Pero la protagonista de Hija del desierto entiende que para crecer no podrá evadir el dolor”, afirma la autora.

Con una prosa evocadora y una poderosa ambientación del desierto, Hija del desierto es una novela sobre memoria, raíces ancestrales, deseo y resistencia, protagonizada por mujeres que se niegan a ser borradas de la historia.

Sobre la autora
Andrea Amosson (Antofagasta, 1973) es escritora y docente de escritura creativa. Reside en Texas (EE.UU.) y cuenta con formación en periodismo y un Magíster en Literatura Hispanoamericana y Chilena. Es autora de Las lunas de AtacamaLas mujeres de la guerraLa maestra Bernarda y La pasión de las mujeres Milet. Ganadora del International Latino Books Awards 2017, su obra ha sido reconocida en Chile y en el ámbito literario hispano de Estados Unidos.

El 18° Festival de Cine Chileno da a conocer las películas que darán vida a la Competencia Radiografía Nacional FECICH 2026

 El Festival de Cine Chileno (FECICH) dio a conocer la selección oficial de su Competencia Radiografía Nacional, sección que anualmente premia la creatividad y mirada de autor del cine chileno contemporáneo.

En esta edición, la competencia reúne 28 producciones cinematográficas nacionales, distribuidas en 8 largometrajes (ficción/documental), 8 cortometrajes (ficción/documental) y 12 cortometrajes de animación, consolidando una programación para todo público.

Con relación al conjunto de cintas que serán parte de la competición, Sebastián Cartajena, director artístico, asegura: “Este año hemos recibido obras de gran calidad artística y con un fuerte componente temático.

Películas contingentes de nuestra realidad chilena, películas que esperamos logren conectar y también ser significativa con nuestro público. Es de destacar también la abundante cantidad de cortometrajes de animación que hemos logrado reunir y esto da cuenta también de un gran momento de la animación chilena.

Creemos que esta selección representa películas que darán mucho que hablar durante el 2026 y los años venideros”.

FECICH sigue ratificando el compromiso del festival con la comunidad y la cultura en la Región de Valparaíso ofreciendo un espacio de promoción, distinción y reflexión en torno a la cinematografía nacional.

Selección Oficial Largometrajes ficción-documental

●       La corazonada. Dir. Diego Soto

●       Lo que no se dijo. Dir. Ricardo Valenzuela Pinilla

●       Al sur del invierno está la nieve. Dir. Sebastián Vidal Campos

●       Matapanki. Dir. Diego “Mapache” Fuentes

●       Cobija. Dir. Pamela Pequeño

●       Si vas para Chile. Dir. Sebastián González Méndez y Amilcar Infante

●       Desierto verde. Dir. Meliza Luna Venegas

●       Después de la niebla. Dir. Miriam Heard Bey

 Selección Oficial Cortometrajes ficción-documental

●       Carta a Guni. Dir. Diego Acosta

●       Úrsula. Dir. Edison Cájas

●       Lengua muerta. Dir. José Jiménez

●       Silencio azul. Dir. Matías Rojas Ruz

●       Código sigma. Dir. Catalina Covarrubias

●       Agua fría. Dir. Antonia Martínez Valls y Meme Cabello

●       Mamita Lidia. Dir. Juan Bautista Tagle y Joaquín Nercasseau

●       Jugo en polvo. Dir. Sofía Flores Pinto

 Selección Oficial Cortometrajes Animación

●       Los carpinchos. Dir. Alfredo Soderguit

●       En las estrellas bailan los perros. Dir. Constanza Barríos, Florencia de la Maza, Matías Yunge González y Raimundo Bucher

●       Ngau Kahua. Dir. Loreto Gómez

●      ¿Dónde mueren las aves? Dir. Daniela Estay

●       Give Origin. Dir. Esmeralda Gardeweg Maturana

●       Merrimundi. Dir. Niles Atallah

●       Hilos fronterizos. Dir. Alice Volpi

●       La pena no duerme de noche. Dir. Martín André y Josefina Montino

●       Gaspar. Dir. Enrique Tapia

●       Charagua. Dir. Elías Aguilera

●       El tamagochi escarlata. Dir. Francisco Visceral Rivera

●       Petra y el sol. Dir. Malu Furche y Stefania Malacchini

El 18° Festival de Cine Chileno es financiado por el Gobierno Regional de Valparaíso, organizado por el Centro Cultural Quilpué Audiovisual junto a la producción de Ciudad Cultural y el auspicio de la Municipalidad de Quilpué.

 Y cuenta con la colaboración de EFE Trenes Valparaíso, DUOC UC sede Viña del Mar, la Municipalidad de Villa Alemana, Café con Historia Quilpué, El Molino y Sous Sol Restaurante, además de diversas instituciones culturales y académicas, medios de comunicación y aliados estratégicos que fortalecen su programación y proyección nacional.

 Redes Sociales: @fecich.clwww.fecich.cl

La novela La ciudad de las luces muertas de David Uclés ganó el Premio Nadal 2026 en su 82ª edición.

David Uclés. Premio Nadal 
2026
 Una vez más, coincidiendo con el Nadal, se ha realizado la entrega del Premi Josep Pla 2026 de prosa en lengua catalana que ha galardonado a Francesc Torralba por su obra Anatomia de l'esperança. 

El acto de proclamación se celebró ayer martes, como cada 6 de enero, en el transcurso de la tradicional cena literaria en el Hotel Palace de Barcelona. 

El jurado del Premio Nadal de Novela 2026 lo han integrado Víctor del Árbol, Juan Luis Arsuaga, Inés Martín Rodrigo, Care Santos y Emili Rosales. 

La dotación económica del Premio Nadal es de 30.000 euros. Este año se han presentado un total de 1.207 obras, procedentes de España y de todo el mundo. 

El jurado del Premi Josep Pla 2026 en su 58.ª edición lo han integrado Montse Barderi, David Bueno, Jaume Clotet, Manuel Forcano y Glòria Gasch. La dotación económica del premio es de 10.000 euros. Se han presentado 42 obras. 

En Chile la novela será publicada en marzo del 2026.

En su nueva novela, David Uclés construye un relato en el que la palabra, la pintura, la música y la escena actúan como la conciencia profunda de la sociedad; son ellas las que pueden iluminarla cuando todo parece perderse. 

Una historia deslumbrante, de un autor tan innovador como único, que recuerda que la luz regresa cuando alguien se atreve a imaginarla.

Sinopsis de "La ciudad de las luces muertas"

David Uclés, ganador del Premio Nadal 2026 y
Francesc Torralba, premio Josep Plá 2026

La luz se va en Barcelona todo un día, la solar y la artificial. Solo sobreviven una sutil claridad que nadie sabe de dónde procede y el resplandor del fuego.

Las Barcelonas que han existido convergen y se superponen en el mismo lugar: reaparecen edificios desaparecidos y surgen otros del futuro. En ese territorio donde conviven tiempos y miradas que jamás debían coincidir, la ciudad queda desbordada por todas sus épocas.

El suceso provocará que un puñado de escritores y artistas vuelvan a la vida y se crucen en encuentros improbables. Así, Picasso hará llorar a Simone Weil y Cortázar retratará a Laforet; Miró barnizará a los transeúntes; Bolaño se adelantará a su muerte, García Márquez huirá en una barca y George Orwell protegerá a Montserrat Caballé, Núria Espert y Jordi Savall de los proyectiles de la guerra.

En medio de esta ruptura del tiempo, un fotógrafo capaz de revelar con su cámara lo que aún no ha ocurrido y muchos otros personajes unirán sus artes para intentar comprender qué ha pasado y cómo recuperar la luz perdida.

David Uclés (Úbeda, 1990) es escritor, músico, dibujante y traductor. 

Es el autor de la novela La península de las casas vacías (2024), el gran fenómeno literario del momento, con más de 300.000 ejemplares vendidos, que ha recibido los halagos de Ian Gibson, Gioconda Belli, Leonardo Padura o Irene Vallejo y ha sido reconocida con una veintena de premios, entre los que destacan el Premio Cálamo, el Premio de la Crítica Andaluza, el Premio Dulce Chacón o el Premio San Clemente.

También ha sido la candidata española al Premio de Literatura de la Unión Europea y finalista de la Bienal Vargas Llosa.

En 2024 fue elegida mejor novela española del año por el jurado de Babelia. Está siendo traducida a más de quince idiomas y será adaptada al cine. Uclés colabora con La Vanguardia, El País, Diario Jaén y Cadena SER. 

Su novela La ciudad de las luces muertas, la cuarta en su trayectoria, recibió la beca Montserrat Roig en 2022 y ha sido premiada con el Premio Nadal de Novela 2026.

martes, 6 de enero de 2026

“¡Arriba el telón! Exploraciones teatrales en el cine”: Ciclo especial en el marco de Festival Teatro a Mil 2026

 Un ciclo especial titulado “¡Arriba el telón! Exploraciones teatrales en el cine” se proyectará en los Clásicos de Matiné de Centro Arte Alameda durante enero.

Desde el 9 al 30 de enero, cinco películas conjugarán escena y representación, tendiendo puentes entre la pantalla y las tablas. 

Lo anterior, en una alianza con el Festival Internacional Teatro a Mil 2026, transformándose en un espacio dedicado a explorar el teatro en todas sus formas a través del cine, con

Comenzando el viernes 9 de enero a las 16:30 horas, en “Eva al desnudo” (1950) de Joseph Mankiewicz, en la cual la joven Eva (Anne Baxter) aspira a convertirse en actriz y triunfar en los escenarios.  

Se las ingenia para introducirse en un grupo de actores de teatro y hacerse amiga y confidente de la famosa y veterana actriz Margo Channing (Bette Davis), gran dama de la escena neoyorquina.

El deseo de actuar y los celos la consumen hasta el punto de comenzar a traicionar a sus compañeros en su escalada hacia el éxito. Ella halaga, atrae, seduce, pero también pisotea a todo el que se cruza en su camino: escritores, directores y productores.

A continuación, el domingo 18 de enero a las 16:30 horas se proyectará La hierba errante (Ukikusa) (1959) de Yasuhiro Ozu, delicado remake en color de una película muda que el propio director había realizado en 1934.

La historia sigue a un grupo de actores ambulantes que llega a un pequeño pueblo costero, donde el intérprete principal se enfrenta a su pasado al reencontrarse con una antigua amante y con un hijo ilegítimo, en un relato íntimo sobre el tiempo, la memoria y los afectos.

El ciclo continúa el viernes 23 de enero a las 16:45 horas con En búsqueda de Ricardo III (1996), dirigida y protagonizada por Al Pacino, una obra híbrida entre el cine y el documental que revisita el drama de William Shakespeare. 

A través de ensayos, conversaciones y reflexiones personales, Pacino indaga en los temas del poder, la lujuria y la traición, interrogándose sobre la vigencia de los textos shakesperianos y sobre los desafíos de acercarlos al público contemporáneo.

El sábado 24 de enero a las 20:45 horas se exhibirá Romeo + Julieta (1996), la deslumbrante y poco convencional adaptación de Baz Luhrmann que traslada la tragedia isabelina a un escenario moderno y vibrante.

Con Leonardo DiCaprio y Claire Danes como los amantes protagonistas, la película sitúa el conflicto entre Montescos y Capuletos en un caótico suburbio playero, donde la violencia contemporánea contrasta con el lenguaje original de Shakespeare, dando lugar a una versión hiperbólica y profundamente visual.

Finalmente, el ciclo finaliza el viernes 30 de enero a las 16:45 horas con Campanadas a medianoche (1965), de Orson Welles, quien retoma su fascinación por Shakespeare tras Macbeth y Otelo. 

En esta adaptación que combina diversas obras del dramaturgo, Welles encarna a sir John Falstaff, entrañable y excesivo mentor del príncipe Hal, futuro Enrique V, a quien aparta de sus deberes reales para conducirlo por una vida de exceso y desorden, en una de las interpretaciones más memorables del cine shakesperiano.

La iniciativa cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales. Colaboradoras.

Artistas extranjeros exponen sus obras en cine CCC

Ventana Migrante - Laura Sarmiento
 Tras una amplia convocatoria en la que participaron múltiples habitantes de la Región Metropolitana, el Centro de Cine y Creación —también conocido como Cine CCC— será sede de la exposición “Ventana Migrante”, un evento que reúne las obras de múltiples artistas y colectivos migrantes formados por habitantes de Santiago.

El proyecto tiene como fin ser una instancia única para que artistas de distintas disciplinas se encuentren y colaboren en un espacio común, generando un entorno inclusivo para comunidades migrantes que buscan generar nuevas alianzas y redes creativas, promoviendo el arte como un puente entre culturas y experiencias.

“CCC se encuentra ubicado en un barrio santiaguino muy diverso y esta actividad nos permite poner en valor la diversidad cultural que posee la ciudad”, afirma Camila Vergara, productora ejecutiva del Cine CCC.

 “Los artistas migrantes deben afrontar las complejidades de integrarse en un ecosistema creativo sin las herramientas o los contactos para lograrlo. Esta iniciativa busca lograr una conexión concreta de los artistas con la vida cultural del barrio”.

Ventana Migrante - Hyshell Flores
La actividad contará con una producción audiovisual creada por Marel Corral, y una serie de fotografías realizadas por Ariel Gómez, Hyshel Flores, Laura Sarmiento, Micaela Valdivia y el Colectivo La Vampy.

“Ventana Migrante” se realizará el jueves 15 de enero a las 19:00 hrs, en la galería de Cine CCC, ubicado en Raulí #581, cerca al metro Santa Isabel. La actividad contará con entrada liberada y los asistentes podrán votar por su obra favorita.

Más información en cineccc.cl y en la cuenta de Instagram @cineccc.  Proyecto financiado por el Fondart Regional Culturas Migrantes 2023.

Día Regional del Teatro 2026 tendrá tres jornadas de funciones gratuitas en Iquique

 Enero es el mes del teatro en Tarapacá, y la región lo celebra con una nueva edición del Día Regional del Teatro, que este año tendrá tres días de funciones gratuitas, que se desarrollarán los días 8, 9 y 10 de enero, en espacios culturales emblemáticos de Iquique.

La conmemoración a don Guillermo Jorquera Morales, es la culminación de un proceso que incluyó, durante el mes de diciembre, actividades en establecimientos educacionales, talleres abiertos a la comunidad y acciones formativas dirigidas a personas afiliadas al Sindicato de Actores y Actrices de Chile, filial Tarapacá SIDARTE, fortaleciendo el vínculo entre las artes escénicas y el territorio.

Este año, la programación se realizará en el marco del convenio entre SIDARTE Tarapacá y la Seremi de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Tarapacá, orientado a fortalecer el acceso, la circulación y el desarrollo de esta disciplina artística.

La celebración estará, además, marcada por el reconocimiento a las personas y organizaciones que, durante el último año y a lo largo de la historia del teatro regional, han tenido un rol protagónico en el desarrollo de las artes escénicas en Tarapacá, relevando trayectorias, aportes artísticos y compromisos que han contribuido a la construcción de identidad cultural, memoria y comunidad en la región.

Programación

El 9 de enero, es día del natalicio del destacado director de la histórica Compañía TIUN–TENOR, figura fundamental del teatro en el norte de Chile y nacido en la ex Oficina Salitrera Bellavista, por lo que este hito busca relevar el valor del teatro como expresión artística y social, así como su aporte a la memoria y a la identidad cultural del territorio.         

La programación iniciará el jueves 8, a las 21 horas, en el Salón Veteranos del 79, con la presentación de la obra “2 años y un día juntos” (+12), a cargo de Akana Teatro. 

El viernes 9 de enero, en el mismo horario, la celebración se trasladará al Teatro Municipal deIquique, uno de los escenarios centrales de esta edición, con la obra “Cosmoandina”(+7) de La Pacha Teatro, la cual estará cerrando su gira nacional gracias al Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, Convocatoria 2025. En este caso, la entrada es liberada previa inscripción en el formulario que se encuentra disponible en el Instagram @cosmoandina.narración.

El cierre de la celebración, se realizará el sábado 10 de enero, en el mismo horario, en el frontis de la Casa de la Cultura, con la presentación de “Los viajes de Payapampa, el Cóndor, el Zorro y la Quínoa”, a cargo de Circo Gatoviajero, una propuesta pensada para público mayor de 6 años, que busca acercar las artes escénicas al espacio público.

Revisa las actividades gratuitas del festival Santiago OFF 2026

 
Historia de amor para un
alma vieja
El Festival Internacional Santiago Off celebra sus 15 años con una variada cartelera de espectáculos gratuitos y con actividades formativas gratuitas provenientes de la Escuela Off 2026, su espacio de formación artística abierto a la comunidad.

En el marco de la celebración de sus 15 años, el Festival Internacional Santiago Off 2026 invita al público a participar de una destacada programación de actividades gratuitas que se desarrollarán entre el 22 y el 31 de enero en distintos espacios culturales de Santiago y la Región de Valparaíso.

 La propuesta contempla funciones al aire libre, montajes teatrales nacionales e internacionales y una amplia oferta formativa a través de la Escuela Off 2026.

Con más de una década y media de trayectoria, Santiago Off reafirma su compromiso con el acceso democrático a las artes escénicas contemporáneas, promoviendo el encuentro entre artistas, públicos y comunidades, y fortaleciendo la circulación de nuevas voces, lenguajes y prácticas escénicas.

Espectáculos gratuitos de Chile y España

La inauguración del Festival Santiago Off 2026 se realizará el jueves 22 de enero a las 19:00 horas, en la Plaza de la Cultura del Centro Cultural Estación Mapocho, con una experiencia artística única que reunirá, de manera simultánea, el concierto de la banda chilena Metalengua, la presentación de la cantautora colombiana La Muchacha y la acción performática Hoguera, de la compañía La Patriótico Interesante.

 Esta apertura marca el inicio de una edición especial que reafirma la insurgencia escénica como una práctica de creación, encuentro y circulación para las artes escénicas contemporáneas.

Ese mismo espíritu inaugural se extenderá con la obra chilena de circo y danza “Mujeres que tejen en el aire”, de la compañía Contrahilo Lab, que se presentará los días 22 y 23 de enero a las 19:30 en la Explanada del Museo de los Derechos Humanos.

¿Quien matará a Messalina?
 La pieza se desarrolla en una gran estructura textil instalada en escena, donde las intérpretes tejen con su propio cuerpo, combinando danza, teatro y circo.

 Se trata de una propuesta poética que recorre distintos universos narrativos ligados a lo textil, evocando el rito de tejer y proponiendo el tejido como una metáfora de la vida.

Desde el teatro chileno, el Festival se traslada a la Quinta Región donde presentará “Historia de amor para un alma vieja”, de la Compañía FA, el 31 de enero en el Teatro Municipal de Viña del Mar, a las 20:00.

 La obra aborda la historia de un anciano que ha cometido un error que no sabe cómo remediar.

La programación gratuita incluye también la obra española “¿Quién matará a Mesalina?”, de la Compañía Tshock Cultura Emocional, que se presentará los días 23 y 24 de enero a las 18:00 horas en el Centro Cultural de España. La historia se sitúa en el Club Limbo, un antro de perdición donde llegan pecadores desamparados que no alcanzaron el purgatorio.

Durante la emisión del Late Night Show “Entre el cielo y el infierno”, se decidirá el destino de la femme fatale Mesalina, atrapada en el pozo de las lamentaciones, impedida de tomar la palabra y defenderse ante el juicio público.

Actividades gratuitas de la escuela OFF 2026

Junto a la programación escénica, el Festival Santiago Off 2026 desarrollará una nueva edición de la Escuela Off, su espacio de formación artística, que este año contará con 13 actividades gratuitas y abiertas a todo público, previa inscripción.

Mujeres que tejen en el aire
La Escuela Off 2026 estará enfocada principalmente en el diseño escénico, e incluirá: 6 talleres de diseño escénico; 1 taller de biodrama; 1 taller de actuación; 1 taller de dramaturgia del espacio, dictado por Ramón Griffero; 3 exposiciones de investigación patrimonial y de diseñadores nacionales y 1 jornada de cierre con conferencias

Dentro de la programación formativa de la Escuela Off 2026 destaca el Taller laboratorio de visualidad para el teatro callejero, un espacio teórico–práctico orientado a artistas que buscan reflexionar y profundizar en las particularidades del arte escénico en el espacio público, con especial énfasis en la relación con el espectador, el contexto urbano y la ocupación de la ciudad como escenario.

 El taller será impartido por Pablo de la Fuente, destacado diseñador teatral, artista visual y referente del teatro callejero en Chile, con más de 20 años de trayectoria.

Esta programación formativa se realiza gracias a la colaboración con DESCÉNICOS, asociación gremial que reúne a las y los diseñadores escénicos de Chile, fortaleciendo el vínculo entre creación, reflexión y profesionalización del sector. Las inscripciones gratuitas ya se encuentran disponibles a través de: https://www.santiagooff.com/festival-santiago-off-15-anos/escuela-off-2026/.

Luis Silva presenta Las paradojas de la igualdad

 ¿Qué es lo que se exige cuando se exige igualdad?

A lo largo de su nuevo libro, el académico y exconsejero constitucional indaga en el concepto y explica su naturaleza contradictoria.

La igualdad se ha convertido en uno de los conceptos más venerados de nuestro tiempo, presente como ideal moral, principio jurídico y consigna política indiscutida. Sin embargo, ¿y si no fuera exactamente lo que creemos?

En Las paradojas de la igualdad, el abogado y exconsejero constitucional, Luis Silva, desmonta esta noción omnipresente en el debate actual. Con una prosa incisiva, revela la naturaleza paradójica de la igualdad y cómo, lejos de aclarar, puede oscurecer nuestras discusiones morales, políticas y jurídicas.

"La igualdad es una idea muy resbalosa. Pero el debate público muestra la existencia de un consenso acerca de la igualdad como un ideal político, como un valor moral –a veces incómodo– que termina acomodándose a las necesidades de quien lo enarbola", comenta el autor.

"En la misma medida en que se usa este concepto en la discusión política –y moral– aumenta la confusión en torno a su significado práctico. Esto ocurre, en el fondo, porque la igualdad es una fachada de la justicia que, sin embargo, se presenta como si tuviera características propias y específicas", agrega.

En la publicación, el autor sostiene que la igualdad es el resultado de una comparación entre dos cosas y, por lo mismo, la igualdad absoluta es un imposible metafísico: siempre subsistirá al menos una diferencia.

A lo largo del texto, el autor busca demostrar cómo la idea de igualdad carece de sentido en la aplicación de las leyes, ya que siempre estará intrínsecamente unida a una forma de discriminación para asegurar las condiciones que dictamine el legislador.

 "Esto significa que cualquier que de verdad quiera convertir el ideal de la igualdad en algo real debe, necesariamente, discriminar", asegura Silva.

"Para construir sociedades más justas es indispensable trabajar creativamente en el diseño y actualización de leyes que se hagan cargo de realidades nuevas, pero de poco servirán si quienes están llamados a aplicarlas –y a obedecerlas– no viven ellos mismos la virtud de la justicia", opina el vicepresidente del Partido Republicano.

Este ensayo exigente e incómodo interpela a juristas, filósofos y ciudadanos por igual. No ofrece recetas ni fórmulas, pero invita a reflexionar sobre qué queremos decir realmente cuando exigimos igualdad. 

 "Personalmente, estimo que el discurso político ganaría mucho si dejara de invocarse la igualdad como una bandera de lucha y, en su lugar, se invocara la justicia. Entonces se haría más transparente la necesidad de fundamentar las posiciones divergentes sobre lo que más conviene a la sociedad", menciona el autor.

Luis A. Silva es profesor universitario y político. Tiene un doctorado en Derecho Constitucional por la Universidad de los Andes (Chile) y es fellow del James Madison Program de la Universidad de Princeton (EE.UU.). Tiene varios libros y artículos publicados sobre su disciplina. Estudió en el Colegio del Verbo Divino y en la Facultad de Derecho de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Fue Presidente del Centro de Alumnos de la Facultad y Consejero Constitucional en el proceso constitucional de 2023, electo como la primera mayoría nacional. Ha sido conductor de radio y participa habitualmente en programas de contingencia política. Fue Vicerrector de Investigación de la Universidad de los Andes y, actualmente, enseña en la Facultad de Derecho de la Universidad San Sebastián. 

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