Cine Chileno del Futuro 2026 abre convocatoria y suma nuevos premios

 Con más de dos décadas de trayectoria, el espacio de industria de FICValdivia, Encuentros Australes, abre la convocatoria del programa Cine Chileno del Futuro 2026, iniciativa dirigida a obras audiovisuales chilenas -de ficción y no ficción- que estén en pleno desarrollo o en etapa de finalización.

Los proyectos seleccionados podrán participar de una experiencia integral con espacios de encuentro, diálogo e intercambio junto a profesionales de la industria audiovisual nacional e internacional, favoreciendo redes de colaboración, el desarrollo creativo y sus proyecciones, en el marco de la 33° edición de FICValdivia.

Los proyectos seleccionados podrán acceder a mentorías, premios monetarios y servicios de postproducción. Además, este año se mantiene el Premio a la Internacionalización y se incorporan tres nuevos reconocimientos: el Premio ASESORÍA EN PROPIEDAD INTELECTUAL, enfocado en derechos de autor y licencias; el Premio EGEDA CHILE, que otorgará USD $3.000; y el Premio MENTORÍA, que extenderá el acompañamiento creativo de proyectos seleccionados durante 2027.

Las asesorías se desarrollarán entre agosto de 2026 y enero de 2027 y abordarán las  áreas de desarrollo creativo, escritura, montaje, dirección, producción creativa, difusión y comercialización.

El programa busca fortalecer las obras cinematográficas mediante un acompañamiento especializado, intercambio con profesionales de la industria y apoyo a la circulación internacional de los proyectos seleccionados.

Sobre la importancia de generar espacios de industria para el cine chileno, la directora de Encuentros Australes, Tehani Staiger, sostiene que: "Este año incorporamos nuevas herramientas en tres frentes: la propiedad intelectual, el financiamiento directo y una mentoría en dirección.

Son respuestas concretas a las conversaciones que hemos entablado con las y los cineastas nacionales. Nos mueve el sentido público del desarrollo de nuestra cinematografía y eso significa escuchar a la comunidad audiovisual para construir junto a ella lo que realmente necesita".

Encuentros Australes y su programa Cine Chileno del Futuro se han consolidado como uno de los principales espacios de acompañamiento creativo y de internacionalización del cine chileno.

A través de un modelo que combina asesorías artísticas, formación, reflexión crítica y redes de colaboración, impulsan proyectos desde sus primeras etapas hasta su circulación internacional, fortaleciendo una mirada autoral y descentralizada. De este programa nacieron películas aclamadas como “MatapankI” de Diego 'Mapache' Fuentes (Mención Especial del Jurado en Berlinale 2026); “La Corazonada”, de Diego Soto, (Selección Oficial Festival Internacional 3 Continents 2025); y “Los Años Salvajes”, de Andrés Nazarala, (Festival Internacional de Cine en Guadalajara 2025).

Cine Chileno del Futuro es un programa organizado por el FICValdivia, financiado por el Fondo de Fomento Audiovisual del Ministerio de las Culturas las Artes y el Patrimonio junto a ProChile Los Ríos.

El programa es auspiciado por Atómica, Sonamos, EGEDA CHILE y Academia de Cine de Chile. Colabora: Festival Frontera Sur y su espacio de formación FS_LAB, Bolivia Lab, Cinemachile, CCDoc, Somos Clearence Coordinator, Universidad Santo Tomás, Documenta Sur, Red Universitaria de Cine y Audiovisual y Dirección de Vinculación con el Medio UACh.

La convocatoria, dirigida a obras y cineastas nacionales, estará abierta hasta el 10 de junio.

PREMIOS 2026

Premios para proyectos participantes en Cine Chileno del Futuro

Premio ASESORÍA EN PROPIEDAD INTELECTUAL
Asesoría profesional en clearance de propiedad intelectual (derechos de autor, uso de archivo y licencias), otorgada por el Estudio Jurídico Somos Clearence Coordinator.

Premio EGEDA CHILE
$3.000 USD orientado a fortalecer la liquidez de proyectos.

Premio MENTORÍA
Acompañaremos a un proyecto, a lo largo del año, a través de una mentoría de dos sesiones con uno de los cineastas asesores del programa.

Premio a la INTERNACIONALIZACIÓN
Apoyo para participar en un mercado internacional como parte de una delegación chilena, en coordinación con CinemaChile o CCDoc.

Premios para proyectos en Finaliza (primer corte y postproducción)

Premio MEJOR PELÍCULA - POSTPRODUCCIÓN
$1.200.000 destinados a apoyar la etapa de postproducción del proyecto.

Premio MEJOR PELÍCULA - PRIMER CORTE 

$1.200.000 para proyectos que se encuentren en etapa de primer corte.

Premio ATÓMICA
Conformación DCP para la finalización técnica de la obra.

Premio SONAMOS
Tres jornadas de mezcla de sonido para el proyecto.

La convocatoria estará abierta hasta el 10 de junio de 2026.

Para más información sobre el programa Encuentros Australes y las bases de postulación se sugiere visitar el sitio https://encuentrosaustrales.ficvaldivia.cl/ o escribir al correo encuentrosaustrales@ficv.cl.

Vuelve a los escenarios Cómicos sin Candilejas de Teatro La Obra

Teatro y patrimonio escénico se cruzan en el montaje Cómicos sin Candilejas, uno de los últimos estrenos de la compañía Teatro La Obra, que se alista para una temporada de tres semanas de funciones en Sala de Cámara de Teatro Biobío.

Cerrando un mes de mayo que, a nivel nacional, celebra al teatro y a los patrimonios culturales, Cómicos sin Candilejas nos traslada a los locos años veinte para acercarnos al oficio y los desafíos del gremio teatral en esa época y, también, reconocer los aportes de grandes referentes para la historia del teatro en nuestro país.

La pieza, escrita por la dramaturga nacional Gisel Sparza, tendrá tres semanas de funciones, del 28 de mayo hasta el 13 de junio, de jueves a sábado, a las 19:30 horas. Las entradas ya están disponibles en www.ticketplus.cl.  

“Un corredor temporal hacia inicios del siglo XX y la forma en que se vivía el teatro en nuestro país, sus complejidades y desafíos, es la invitación de esta obra que devela parte de nuestra historia cultural.

Nos parece un tremendo gesto que esta temporada inicie, precisamente, en el mes de mayo, dando un cierre apropiado a la cartelera que hemos vivido celebrando el Día Nacional del Teatro y el Día de los Patrimonios.

Este montaje tributa y realza ambas fechas” comenta Gisel Sparza, destacando, además, cómo esta obra convoca a distintas generaciones (+ 13 años) a encontrarse con la historia cultural en Chile, “y a percibir las continuidades y diferencias del quehacer del gremio teatral en 100 años.

El público se sorprenderá, por ejemplo, con oficios que ya no están vigentes, pero, también, con problemáticas que siguen vigentes” comenta.

“Parte importante del trabajo que impulsa Teatro Biobío a través de Hecho en Biobío consiste en acompañar y proyectar procesos creativos desarrollados desde la Región.

En este caso, Teatro La Obra presenta una obra vinculada a la memoria escénica y a la historia del teatro chileno que acerca a los públicos contemporáneos a parte de la historia local.

Nuestra misión como teatro de vocación pública es ser un espacio de encuentro entre personas, disciplinas, relatos y saberes que forman parte de nuestra identidad cultural”, señala Manuel Ubilla, director de Programación y Marketing de Teatro Biobío. 

Metateatro al ritmo del Charleston 

Dando continuidad al trabajo que Teatro La Obra viene desarrollando en sus casi 25 años de trayectoria, Cómicos sin Candilejas nos invita a activar la memoria y disfrutar de un viaje por la historia cultural nacional.

Concebida como una tragicomedia y un metateatro o metadrama (el teatro se reflexiona a sí mismo, rompiendo la barrera entre ficción y realidad), la obra pone en escena los sueños y las dificultades de la compañía de teatro “El guatón genial” cuando queda varada en una salitrera al norte de Chile.

Los tres integrantes de esta singular compañía están inspirados en la vida de la actriz cómica Olga Donoso y de los actores de cine mudo Evaristo Lillo y Nicanor de la Sotta. Tres artistas precursores de la escena teatral nacional y cuyo aporte al teatro chileno es importante que nuevas generaciones conozcan.

Interpretada por Francisca Díaz, Alfonso Lara y Pacha Medina, la obra cuenta con el trabajo en creación sonora de Javiera Hinrichs, con colaboración del músico Yayo Durán. El diseño y creación escenográfica es de Valentina Vergara y Jordi Regot, y el diseño en iluminación de Nicole Needham.

El equipo lo completa Óscar Oviedo en sonido, Verónica Garrido en diseño y creación de vestuario, y Diana Albornoz en dirección coreográfica. La obra integra, además, una exposición con documentos de archivo y contenidos de divulgación de la época y que el público podrá revisar antes y después de ingresar a la sala.

“En ese sentido, el montaje resguarda y proyecta una investigación previa que involucró a las distintas áreas de la compañía, diseño, vestuario y coreografías. 

La creación sonora, además, fue un trabajo cautivante, con mucha experimentación y conexión con el sonido de los años veinte, que sabemos el público disfrutará”, comenta la directora.

Las tres semanas de funciones serán desde el 28 de mayo hasta el 13 de junio, de jueves a sábado, a las 19:30 horas. Las entradas ya están disponibles vía www.ticketplus.cl  

Si deseas conocer más detalles de este proceso creativo, puedes ingresar a las redes sociales de Teatro La Obra, @teatrolaobra y a su página web www.teatrolaobra.com

Éxito de Broadway llega con destacado elenco

El despiadado mundo de las ventas y la lucha profesional por no quedar fuera del juego, son los ejes centrales de “Glengarry Glen Ross”, la icónica pieza del dramaturgo y guionista David Mamet. 

Estrenada originalmente en 1983, el relato sigue más vigente que nunca. A 40 años de su primer montaje, la obra -ganadora del Premio Pulitzer- continúa cautivando a los espectadores por su crudo realismo, pues retrata sin tapujos las consecuencias de la codicia desmedida que exige la sociedad.  

Bajo la dirección de Álvaro Espinoza, la adaptación chilena entrega la misma mirada punzante. “Una obra descarnada e intensa”, describió la crítica de El Mercurio tras su debut el año pasado.

Protagonizada por Guilherme Sepúlveda, Eduardo Herrera, Mateo Iribarren, Andrés Velasco, Nicolás Pavez, Pablo Schwarz y Gonzalo Muñoz-Lerner, la historia transcurre en una oficina de bienes raíces, donde un grupo de vendedores da la pelea diaria por mantener a flote sus ventas y sus carreras.

En medio de una competencia despiadada para conservar sus empleos, el jefe les impone una regla brutal: solo los dos mejores mantendrán su trabajo. Con el despido acechando, se ven envueltos en una carrera desesperada por conseguir los mejores clientes, desencadenando un juego de manipulación, traición y estrategias agresivas que los llevará al límite.

“Los personajes están todos en la rueda del hamster, intentando sobrevivir de cualquier manera y a cualquier costo, supeditando su escala valórica y moral a la necesidad más inmediata, sobrevivir en este competitivo mercado laboral, en el que las emociones, convicciones y lealtades son desplazadas por necesidades de mercado, productividad y eficiencia como valores supremos”, profundiza Álvaro Espinoza, su director.

Quienes asistan a las funciones no solo se sorprenderán con la fotografía social que Mamet logra en el texto y los seres que lo habitan; también serán testigos de una escenografía novedosa y sin precedentes.

Con diálogos afilados, personajes definidos y un ritmo trepidante, esta obra sigue resonando con el público actual con la interrogante: ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar para triunfar? 

La fama de “Glengarry Glen Ross” traspasa las tablas, con una recordada versión cinematográfica, de 1992, que tuvo en su elenco a grandes estrellas de Hollywood, como Al Pacino, Jack Lemmon y Alec Baldwin.  La película es considerada un clásico del cine mundial. También presentó su última versión en Broadway en 2025.  Funciones 28 May al 7 Jun; Ju a Sá— 19.30 h. Do— 18.30 h Entradas en gam.cl 

“Baño a baño”: La emblemática obra de resistencia retorna al Teatro Nacional Chileno

 Este jueves 14 de mayo se estrena en el Teatro Nacional Chileno la obra Baño a baño, una puesta en escena nacida en la Facultad de Medicina de la Universidad de Chile en 1978.

El montaje surgió bajo el alero de Jorge Vega, Guillermo de la Parra y Jorge Pardo —entonces estudiantes e integrantes de la Agrupación Cultural Universitaria (ACU)— y contó también con la participación y aportes de Héctor «Tito» Noguera. 

A través de las figuras de Jorge Juan, Juan Ramón y Ramón Raúl, secundados por el Ángel del Baño y un Perseguido, la puesta en escena despliega una farsa punzante que desarticula los mecanismos con los que el poder se protege, se mimetiza y, finalmente, se normaliza en lo cotidiano.

Se trata de una obra que ha adquirido un valor macerado en la distancia de los años, lo que hoy permite ubicarla en el catálogo del quehacer escénico en Chile. 

Según Guillermo de la Parra, integrante del elenco original: «Baño a baño surgió desde nuestra rabia e impotencia en tiempos de la dictadura. Había un festival de teatro y el "Negro" Vega (Jorge Vega) estaba muy involucrado en la organización del festival de la Agrupación Cultural Universitaria (ACU); nos convocó a armar esta obra y la creamos desde la emoción.

Desde la rabia y la impotencia, y cómo desafiar a la dictadura sin que nos metieran presos o desapareciéramos […] Por ejemplo, las primeras escenas, que parecen un poco herméticas para la gente que no conoce la obra, son ni más ni menos que todo el poder legislativo ejercido por la Junta de Gobierno en el encierro: las cuatro paredes del Diego Portales.

Ahora resulta que termina siendo un comentario y una mirada sobre el poder en general; entonces, en ese tiempo era la Junta y Pinochet en calzoncillos, y ahora son Putin, Netanyahu o Trump». 

La organización estudiantil y el arte  

Más allá de las luces y las tablas, el verdadero impacto de la obra se halla en su «detrás de escena» histórico. Su relevancia no emana de una búsqueda estética académica, sino de su capacidad para documentar la resistencia colectiva.

Se presenta, ante todo, como una lección de pedagogía social que ilustra cómo el teatro se transformó en la herramienta de auxilio y denuncia fundamental para el movimiento estudiantil de una época crítica.

Así, el valor de esta pieza no reside tanto en su virtuosismo escénico o en su éxito dentro de los cánones del circuito teatral tradicional, sino en su cruda porosidad con la realidad. 

Jorge Vega, en ese entonces director de la rama de teatro de la ACU, comenta: «[…] se me hace que fue la manera más inteligente de resistirle a la dictadura: arte. Entonces nos multiplicamos en talleres, talleres y talleres; gracias a eso estuvimos consiguiendo espacios, lugarcitos, y nos reuníamos muy sistemáticamente, muy ordenados. Teníamos una especie de FECH y de conducción de esta red universitaria de talleres; nos juntábamos todos los sábados durante muchos años en la Escuela de Ingeniería. Desde ahí salieron iniciativas grandotas: los festivales de música en el Caupolicán y el festival de teatro.

Para entonces, Marcela Medel, Mauricio Gómez —psiquiatra también— y yo mismo, que era el director de la rama de teatro en la ACU, nos metimos en la idea de juntar los talleres de teatro del Pedagógico, de Agronomía y de Arquitectura para hacer un festival que convocamos durante tres días en el teatro.La gente no vino solo a ver teatro —piensa tú en el 78—, vinieron a estar juntos y fue una alegría, una felicidad. En ese lugar y en esa fiesta, ganamos nosotros con esta obrita». 

«[…] tienes que pensar que, si nosotros estrenamos esta obra el 78 —la gente no asocia muy bien el tiempo—, en el 76 la dictadura había asesinado a toda la cúpula del Partido Comunista. En el 78, cuando estábamos creando esta obra, aparecieron las primeras noticias de los cuerpos de Lonquén; o sea, estábamos inundados de muerte.

Entonces, la subsistencia de toda la alegría de ser jóvenes fue crear cosas y la agrupación. De hecho, está estudiado, hay libros que dan cuenta por la historia de que esa agrupación que se multiplicó fue la que dio paso a la Federación de Estudiantes.

Pero más que una búsqueda política, porque había harta militancia ahí, también fue una necesidad de sobrevida. Necesitábamos estar en pie. Todos te van a decir que la ACU nos salvó la vida. Es verdad […] las obras de teatro tenían unos lenguajes como esta: un lenguaje grotesco, surrealista, pero apuntaban en la dirección que debían apuntar. Piensa en los jóvenes necesitados de decir». 

Sobre la redirección de la obra  

Ver Baño a baño es la posibilidad de abrir un archivo vivo que permite encontrarse con modos de hacer muy propios de una época y que terminaron por caracterizar todo un lenguaje para la expresión en tiempos de censura.

A propósito de esto, el elenco de la obra decidió convocar a Alexis Moreno para redirigir esta nueva versión. 

Moreno comenta que redirigir la obra fue una experiencia muy interesante: «Es algo que yo no había hecho antes. Porque, como tú dices, la obra ya está a punto de cumplir 50 años y es un clásico a estas alturas de la historia de la puesta en escena del teatro en Chile.

Fue muy entretenido porque no sabía a lo que me iba a enfrentar, pero cuando vi un ensayo de la obra dije: "Ya, ok, tengo súper claro lo que hay que hacer", porque esta obra es un tesoro vivo. Siempre en la escuela de teatro nos cuentan cómo se hacía el teatro en dictadura y es algo muy ambiguo, porque te hablaban de que no se podía decir nada de manera directa, de que el simbolismo y el subtexto eran la esencia del relato escénico.

Esta obra realmente te da a conocer cómo se hacían los montajes en ese tiempo y esa es su gracia. Finalmente, lo que yo hice fue potenciar la atmósfera, concretar el espacio y ordenar escenas, pero manteniendo el cuerpo de la obra intacto; porque esa es la virtud: tener la posibilidad de ver hoy, en 2026, un montaje de cómo se hacía 50 años atrás». 

Baño a baño tendrá solo tres funciones a partir de este jueves 14 de mayo y hasta el 16 del mismo mes. Las entradas se encuentran disponibles por Ticketplus y en las boleterías del teatro.

Coordenadas: BAÑO A BAÑO

Del 14 al 16 de MAYO, 19:30 horas, Sala Antonio Varas, Morandé #25, Santiago. Entradas por Ticketplus y boletería del Teatro: $10.000 Entrada general|$5.000 Estudiantes, tercera edad| $3500 Estudiantes y funcionarios UChile (Presentando TUI)*|$4000 Personas con discapacidad (Presentando credencial)*(+ cargo por servicio)

Reseña:

A través de las figuras de Jorge Juan, Juan Ramón y Ramón Raúl, secundados por el Ángel del Baño y un Perseguido, la puesta en escena despliega una farsa punzante que desarticula los mecanismos con los que el poder se protege, se mimetiza y, finalmente, se normaliza en lo cotidiano.

Baño a Baño es una obra enmarcada en la atmósfera aséptica y contenida de un baño-gimnasio —espacio definido por la tibieza perpetua y la ausencia de las «estridencias del sol»—, esta pieza se levanta como una radiografía ácida sobre la arquitectura del mando.

Esta nueva versión propone un diálogo profundo entre el desgaste del cuerpo y la persistencia de las estructuras de dominación. No se limita a la revisión histórica, sino que añade capas de lectura sobre la fragilidad y la memoria, cuestionando cómo el tiempo transcurre sin que las lógicas de control se disuelvan.

«Una relectura necesaria que, aun habiendo sido concebida fuera del periodo de dictadura, mantiene intacta su capacidad de incomodar».

Con una propuesta visual clara y una vigencia inquietante, la obra nos recuerda que los engranajes retratados siguen siendo reconocibles en nuestro presente, operando hoy bajo otras caras, otras formas y otros nombres, pero bajo la misma pulsión de inamovilidad.

Ficha artística

Dramaturgia: Creación colectiva de Jorge Vega, Guillermo de la Parra y Jorge Pardo| Dirección: Alexis Moreno| Elenco: Guillermo de la Parra, Jorge Pardo, Jorge Vega y DiegoVaras| Diseño Integral y vestuario: Andrea Contreras| Composición musical y universo sonoro: Rogelio Isla| Producción: Maura Aranda y Constanza Pasten| Jefe técnico: Alfredo Basaure.

MUBI anuncia el estreno de la galardonada película “La misteriosa mirada del Flamenco”.

MUBI, la distribuidora global de películas, plataforma de streaming y productora, se entusiasma en anunciar el estreno streaming de LA MISTERIOSA MIRADA DEL FLAMENCO, escrita y dirigida por Diego Céspedes y estelarizada por Tamara Cortés, Matías Catalán y Paula Dinamarca, que estará disponible a partir del próximo 12 de junio de 2026.

Con esta aclamada ópera prima, Céspedes se posiciona como una voz cinematográfica singular, al crear una visión poética del amor y la resiliencia que también refleja la marginación y la violencia a las que se enfrentan hoy en día las comunidades queer.

Con un estreno en el Festival de Cine de Cannes de 2025, donde ganó el premio Un Certain Regard, la película rápidamente obtuvo gran reconocimiento internacional.

Posteriormente ese mismo año, recibió el Premio Drama Youth en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y fue seleccionada tanto para el Festival Internacional de Cine de Toronto como para el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary, entre otros, lo que confirmó su repercusión mundial y la convirtió en un debut destacado dentro del circuito internacional de festivales.

LA MISTERIOSA MIRADA DEL FLAMENCO es producida por Quijote Films y Les Valseurs. Coproducida por Weydemann Bros, Irusoin y WrongMen. Los productores son Giancarlo Nasi, Justin Pechberty y Damien Megherbi. Los coproductores son Jonas Weydemann, Jakob D. Weydemann, Ander Sagardoy, Ander Barinaga-Rementeria, Xabier Berzosa y Benoît Roland.

LA MIRADA MISTERIOSA DEL FLAMENCO se desarrolla en Chile, en 1982, en un pequeño pueblo minero en el desierto de Atacama, donde Lidia, de once años, es la única niña que crece en un hogar formado por artistas queer que trabajan en una cantina local.

En el centro de esta familia improvisada se encuentran Flamingo, la carismática estrella de la cantina, y Mama Boa, su formidable matriarca, que gobierna el hogar con una mezcla de disciplina, ternura y pragmatismo ganado a pulso, forjando su propio y frágil santuario en el desierto.

Con sus actuaciones nocturnas para los mineros locales, una enfermedad inexplicable pronto desata la histeria y el pánico moral, y convierte su refugio en un lugar de superstición. Se rumorea que la enfermedad se transmite a través de la mirada entre hombres enamorados, lo que la convierte en una excusa perfecta para perseguir a quienes ya viven al margen de la sociedad.

Cuando el miedo del pueblo se intensifica hasta convertirse en ostracismo y violencia, Lidia emprende un viaje para enfrentarse a las fuerzas que amenazan a su familia, en busca de la verdad y la justicia en un lugar hostil decidido a acabar con ellos.

Sobre MUBI

MUBI es un servicio global de streaming, productora y distribuidora de películas dedicado a potenciar el gran cine. MUBI produce, adquiere, programa y defiende películas visionarias y las conecta con audiencias de todo el mundo.

MUBI es un lugar para descubrir películas ambiciosas, desde directores icónicos hasta autores emergentes. Una nueva película seleccionada a mano llega a la plataforma cada día, elegida cuidadosamente por los curadores de MUBI.

Notebook explora todas las facetas de la cultura del cine — tanto en papel como online. Y con MUBI GO, los suscriptores de países seleccionados pueden obtener un ticket gratuito cada semana para ver las mejores películas en salas de cine.

Algunos estrenos recientes y próximos de MUBI incluyen Passages de Ira Sachs, Close de Lukas Dhont, Aftersun de Charlotte Wells, Annette de Leos Carax, Titane de Julia Ducournau, Memoria de Apichatpong Weerasethakul y First Cow de Kelly Reichardt.

Las producciones de MUBI incluyen Bring Them Down de Christopher Andrews, protagonizada por Christopher Abbott y Barry Keoghan, My First Film de Zia Anger protagonizada por Odessa Young y Devon Ross.

Las co-producciones incluyen Memory, la próxima película de Michel Franco, protagonizada por Jessica Chastain y Peter Sarsgaard, One Fine Morning de Mia Hansen-Løve, protagonizada por Léa Seydoux, Farewell Amor de Ekwa Msangi, ganadora del premio Sundance, y Our Men de Rachel Lang.

MUBI es la mayor comunidad de amantes del cine, disponible en 190 países, con más de 12 millones de miembros alrededor del mundo. MUBI adquirió en enero de 2022 la renombrada agencia de ventas y productora The Match Factory y Match Factory Productions.

Los planes de suscripción son de $6.900 CLP por mes o $58.800 CLP por 12 meses. MUBI está disponible en la web, en los dispositivos Roku, Amazon Fire TV, Apple TV, LG y Samsung Smart TV, así como en dispositivos móviles como el iPad, iPhone y Android.

BANCH desata una fiesta desenfrenada en escena

Con una trayectoria de 80 años, el Ballet Nacional Chileno, BANCH, desembarca en GAM para presentar “Brasas”, montaje que se estrenó el año pasado entre los aplausos del público y de la crítica, marcando además el debut en Chile de la francesa Leïla Ka.

Conocida por llevar a escena propuestas que cruzan la danza contemporánea con lo urbano y lo teatral, la célebre coreógrafa nos invita a transitar por un viaje emocional y físico, donde está presente la dualidad de la vulnerabilidad y la fuerza, la tristeza y la vitalidad.  

“En un mundo donde muchas veces sentimos que todo se derrumba, esta obra busca recordarnos que, mientras haya un latido, siempre hay esperanza”, explica la artista, considerada una de las figuras más brillantes de la danza contemporánea europea.

El público podrá disfrutar de un enjambre de cuerpos danzantes en un estado de ánimo colectivo entre la desesperanza y la resistencia, en una contradicción que considera reflejo de los tiempos actuales.

Tomando referentes populares y piezas musicales que forman parte del imaginario colectivo, como “El hombre que yo amo” de Myriam Hernández y “My heart will go on” de Céline Dion, “Brasas” nos lleva a diferentes celebraciones y espacios. 

Lejos de usarlas de modo irónico, lo que busca es quitar los prejuicios y devolverles la emoción que las ha transformado en melodías universales.

“Si esas canciones llegaron a tanta gente, es por algo. No me interesa negar lo popular, sino abrazarlo y hacerlo dialogar con la danza contemporánea. 

Frente a guerras, genocidios y violencias sociales normalizadas, nuestro cuerpo se convierte en refugio, resistencia y grito. 

Aquí la fiesta y la danza no son una alienación de la realidad, son cuerpos conscientes que se niegan a rendirse”, comentó. 

Según ha descrito Leïla Ka, la obra “se puede describir como una gran fiesta desencarnada”, donde “se baila, aunque el mundo se esté quemando. El cuerpo celebra, mientras la cara, los gestos, revelan la tristeza o la falta de sentido de esa fiesta”. 

Con un lenguaje que único que busca una danza honesta y sin miedo a mostrar fragilidad, Leïla Ka ha participado en varias colaboraciones. La más destacada fue la que tuvo con Beyoncé en el tour Cowboy Carter, donde fue parte del equipo creativo de la cantante.  Funciones 22 al 24 May; i a Sá — 19.30 h. Do — 18.30 h. Entradas en gam.cl

Drácula: Sound of the Shadow

   Drácula Sound of the Shadow, la exitosa ópera prima en formato SoundPage, que reúne la música de Philip Glass, la narrativa gótica de Bram Stoker y una puesta en escena contemporánea que combina cuarteto de cuerdas, narración en vivo, danza y una atmósfera que permite al espectador sumergirse en una experiencia inmersiva entre literatura gótica y música en vivo.

 Esta puesta en escena, completamente envolvente, se presentará en el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes, el domingo 07 de junio, a las 18:30 horas.

Compra tus entradas en www.corpartes.cl o a través de ticketplus.cl 

Inspirada en la novela de Bram Stoker, la obra combina música en vivo, literatura y teatro en una experiencia sensorial que transporta al espectador al corazón del mito del conde transilvano.

La hipnótica partitura de Philip Glass, compuesta originalmente para la película Drácula (1931), es interpretada en vivo por el Sound Dreams Quartet, con narración a cargo del reconocido actor Bastián Bodenhöfer, quien encarna las célebres cartas y diarios de los protagonistas de la historia. 

Drácula Sound of the Shadow es una puesta en escena completamente envolvente; nos presenta a Jonathan Harker, quien viaja en una misión profesional que lo conduce a un castillo de una figura ancestral.

A través de cartas, diarios y memorias el público presencia su descenso a un universo donde la lógica se fractura. Espectáculo que explora la dualidad entre deseo y miedo; luz y sombra. 

“Contar en nuestra cartelera con Drácula, una producción artística de alto nivel, con un elenco compuesto por una de las agrupaciones más prestigiosas del país, en formato SoundPage, donde fusionan la música, la narrativa y una puesta en escena innovadora e inmersiva es un gran privilegio para Teatro CA660.

Tras sus exitosas presentaciones, este espectáculo se ha consolidado como una de las creaciones escénicas más vanguardistas del circuito actual, por lo que estamos seguros que será muy bien recibida por nuestro público y nuevas audiencias”, señala José Tomás Palma, director ejecutivo de Fundación CorpArtes. 

“Este no es un concierto cualquiera. Es el primer espectáculo SoundPage en Chile, creado por Sound Dreams Productions. En esta producción artística no verás a “Drácula: Sound of Shadows”, lo vas a vivir.

Es el tipo de evento que combina lo sensorial, lo escénico y lo íntimo. Es perfecto para quienes buscan más que un panorama: una experiencia artística intensa y distinta”, expresa Felipe Andreani, CEO & productor general de Sound Dreams Productions.

Sobre Sound Dreams Production

Es una productora chilena especializada en la creación de experiencias musicales de alto nivel, integrando música clásica, narrativa y formatos contemporáneos.

Su elenco está compuesto por músicos que han formado parte de escenarios junto a artistas internacionales como Luis Miguel, Shakira y Andrea Bocelli, posicionándose como una de las agrupaciones más versátiles y prestigiosas del país.

A través de su línea creativa SoundPage, la compañía desarrolla espectáculos inmersivos basados en grandes obras de la literatura, llevando la experiencia musical a un nuevo formato escénico.

Drácula: Sound of the Shadow se presentará el 07 de junio, a las 18:30 horas, en el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes, ubicado en Rosario Norte #660, piso -2, Las Condes.

 El valor de las entradas va desde:Platea Castillo (Fila BB-DD): $57.000; Platea Demeter (A-J): $45.000; Platea Carpatos (K-U): $35.000; Palco Carpatos: $35.000; Palco Lateral: $30.000; Balcón General: $25.000. (*) Valores no incluyen el cargo por servicio

Estudiantes, tercera edad y convenios: desde un 15% de descuento. No acumulable.

BAFOTE realizará gala folclórica a beneficio de su próxima gira internacional a México

 Con el objetivo de recaudar fondos para la próxima gira internacional a México, el Ballet Folclórico de Temuco, BAFOTE, junto a su elenco infantil Bafotito, realizarán una gala folclórica este sábado 23 de mayo a las 19:00 horas en el Teatro Municipal de Temuco “Camilo Salvo”.

La jornada permitirá al público disfrutar de una propuesta artística inspirada en distintas tradiciones y expresiones culturales del país, muchas de las cuales formarán parte del repertorio que los elencos presentarán en territorio mexicano.

Sobre el escenario, más de 60 músicos y bailarines darán vida a cuadros representativos de diferentes zonas de Chile, incorporando danzas y música de los huasos de la zona central, expresiones de Rapa Nui y caporales del norte del país, entre otras manifestaciones folclóricas que reflejan la diversidad cultural nacional.

La gala destacará además por una cuidada puesta en escena que integra música, danza, vestuario, sonido e iluminación, en una presentación especialmente preparada para apoyar esta importante experiencia internacional.

Gira México 2026

La gira internacional de BAFOTE contempla la participación en el XXIV Festival Internacional de Folclor San Pedro Atocpan, que se desarrollará entre el 16 y el 25 de julio de 2026 en Ciudad de México, además del 29 Festival Zacatecas del Folclor Internacional “Gustavo Vaquera Contreras”, programado entre el 26 de julio y el 2 de agosto de 2026 en Zacatecas.

Ambos encuentros reúnen agrupaciones de distintos países con el objetivo de promover el patrimonio cultural, las tradiciones populares y el intercambio artístico en una experiencia multicultural. La gira permitirá además llevar las tradiciones de Chile a escenarios internacionales, representando no solo la cultura nacional, sino también el nombre de Temuco en espacios dedicados al folclore mundial.

La experiencia tendrá también un importante significado formativo para los jóvenes que integran el Ballet, quienes podrán conocer nuevas culturas, compartir con delegaciones internacionales y vivir una experiencia artística y humana de gran valor.

El director general de BAFOTE, Marcelo Alvarado, señaló que actualmente los elencos se encuentran preparando intensamente esta importante presentación. “Estamos trabajando a full para la gala de este 23 de mayo, en la que contamos con el apoyo del Teatro Municipal de Temuco para poder reunir recursos y así participar de esta gira a México en el mes de julio. Bafotito también será parte de esta gala apoyando este proceso, por eso queremos invitar a toda la comunidad a acompañarnos. Son entradas a precios muy módicos, pero que significan un apoyo muy grande para nuestros jóvenes”, expresó.

Asimismo, agregó que “para mí es un orgullo ver cómo nuestros jóvenes están preservando nuestra cultura y el folclore a través de la música y la danza.

 Hoy necesitamos del apoyo del público, porque al asistir a esta gala también nos están ayudando a cumplir este sueño de representar a Temuco y a Chile en escenarios internacionales”.

Desde la agrupación realizaron además una invitación abierta a la comunidad a ser parte de esta presentación, apoyando el desarrollo artístico de los elencos y contribuyendo a concretar esta importante experiencia internacional que llevará el nombre de Temuco y la cultura chilena a escenarios de México.

Las entradas se encuentran disponibles a través del sistema Passline y en teatromunicipaltemuco.cl con valores de 4 mil y 5 mil pesos.

Un verano que lo cambia todo: “Cuerpo Celeste” se presenta gratis en Quilpué y Villa Alemana

Tras su paso por importantes festivales como el Festival de Cine de Tribeca, el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y el Festival Internacional de Cine de La Habana, y luego de su estreno en Chile, la nueva película de Nayra Ilic, Cuerpo Celeste, llega con funciones gratuitas a Quilpué y Villa Alemana.

 La iniciativa cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, además del auspicio de la Municipalidad de Quilpué y la colaboración EFE Trenes y la Municipalidad de Villa Alemana.

 En Quilpué la exhibición será el miércoles 20 de mayo a las 19:00 horas en el Teatro Municipal Juan Bustos Ramírez. La instancia contará con la presencia de su directora y el actor Nicolás Contreras, quienes serán parte de un cine foro. En Villa Alemana, se proyectará el martes 26 de mayo a las 18:30 horas en el Centro Cultural Gabriela Mistral.

 Sobre la importancia de exhibir la cinta en regiones, Nayra Ilic, señala: “Cuerpo Celeste es una película que su corazón está en la región de Atacama. El imaginario nace del lugar donde yo crecí y fue filmada allí.

 Por lo mismo presentarla en regiones es parte del espíritu descentralizador que da origen a la película. Me importa que la audiencia en regiones tenga acceso a un cine autoral, acercar la diversidad a las regiones y resistir a la hegemonía comercial es fundamental para ampliar la mirada y la empatía”. 

Protagonizada por Helen Mrugalski —ganadora del premio a Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de La Habana—, junto a un elenco destacado que incluye a Daniela Ramírez, Néstor Cantillana y Mariana Loyola, la película sigue a Celeste, una adolescente de 15 años cuya vida cambia abruptamente tras un hecho que fractura su entorno familiar. 

Nayra Ilic

Ambientada en Chile durante 1990, Celeste pasa las vacaciones con su familia en una playa junto al desierto de Atacama, cuando un evento fractura su adolescencia y hunde a su madre en una crisis. Meses más tarde, bajo la promesa de un eclipse solar, Celeste regresa a ese lugar, pero ya nada es lo mismo. 

En un país que cambia, ella deberá encontrar su propio camino. 

La producción fue realizada por las compañías chilenas Planta y Horamágica, en coproducción con Oro Films y Dispàrte (Italia). El equipo creativo incluye a Sergio Armstrong en la dirección de fotografía, Valeria Hernández en el montaje y música original de David Tarantino. 

El Centro Cultural Quilpué Audiovisual forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile. 

Revisar toda la programación en www.quilpueaudiovisual.cl RRSS @ccquilpueaudiovisual

Valentina Cruz

 Valentina Cruz López de Heredia nació el 21 de octubre de 1938 en la ciudad de Concepción.

Durante su infancia vivió en Europa -principalmente en Roma- debido a la carrera diplomática de su padre, el abogado Luis David Cruz Ocampo (1891-1973). 

De regreso en Chile, tomó clases con el artista Nemesio Antúnez (1918-1993) y, más tarde, ingresó a la naciente Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile, siendo parte de sus primeras generaciones de estudiantes.

Allí, además, fue alumna de los artistas norteamericanos Paul Harris (1925-2018) y Norman Carlberg (1928-2018).

Sus esculturas tempranas se caracterizaron por la incorporación de materiales y técnicas no tradicionales, como las esculturas en arpillera encolada que presentó en el Salón Oficial de 1962 y en el Museo de Arte Contemporáneo en 1964, ocasión en la que expuso junto a Lautaro Labbé (1930-2014).

Fue precisamente con una de las obras presentadas en esta última muestra, Hombre de pie, que Cruz ganó el Primer Premio de Escultura en la IV Bienal de Arte Joven de París.

Entre 1965 y 1966 estudió escultura en el Art Students League en Nueva York y aprendió técnicas de fundición, experimentó con polímeros y se familiarizó con la tendencia del arte pop.

De esta época datan trabajos escultóricos realizados con resina, acrílico y látex, destacando las obras Evolución de un beso (1966, MNBA), Botiquín de primeros auxilios (1966, MAVI UC) y Pieles de mujeres fieles a ser examinadas por el doctor de turno (1966, MSSA). Luego de su estancia en Estados Unidos, residió dos años en París.

A inicios de la década del setenta, Valentina Cruz se desempeñó como profesora de dibujo en el Instituto Cultural de Las Condes y también hizo clases en la Universidad Católica. De este periodo destacan los rompecabezas que exhibió en julio de 1970 en la Sala Universitaria de la Universidad de Chile y la intervención escultórica Marat (1972-1973) que expuso en el Museo Nacional de Bellas Artes, invitada por su director Nemesio Antúnez.

Esta última consistió en una tina a escala real construida a partir de papel de diario y engrudo, la que luego de haber sido exhibida al interior del museo fue quemada por completo en su frontis.

Con posterioridad al golpe de Estado de 1973, Valentina Cruz se radicó en Barcelona. Allí se dedicó principalmente al dibujo y a la ilustración. Trabajados a partir de una técnica puntillista, en los dibujos de este periodo es posible reconocer un fuerte contenido político y de resistencia frente a la dictadura civil-militar en Chile.

Ejemplos de esto son Dibujo 4 (1978), Dibujo 7 (1980) y Dibujo 10 (1978) de la colección del MNBA. A pesar de la crítica política y social presente en el trabajo de Cruz, en él también es posible encontrar una "inclinación a lo inverosímil o (…) carga onírica" (Cárdenas O., 2015, p. 7). En este sentido, la propia artista señaló en el catálogo de una retrospectiva realizada en 2010 en la Universidad de Concepción que:

A través del tiempo, mis dibujos han experimentado cambios, no sólo técnicos sino conceptuales, productos de las experiencias que presenta la vida y como tal, hay períodos poéticos, tormentosos, festivos y de humor, donde la capacidad de lo mágico, misterioso e inesperado se infiltra con persistencia (Cruz, p. 5)

De regreso en Chile a mediados de la década del noventa se integró al cuerpo docente de la Escuela de Arte de la Universidad Finis Terrae.

El Museo Nacional de Bellas Artes es la institución pública que más obras de Valentina Cruz alberga. Esto fue posible gracias a donaciones hechas en vida por la artista, así como también por el legado que el museo recibió tras su fallecimiento.

De esta manera, el MNBA resguarda grabados, esculturas en látex, rompecabezas, pinturas y una gran cantidad de dibujos en mediano y gran formato.

Valentina Cruz falleció el 19 de abril en 2025 en Pirque, Chile.

Premios, distinciones y concursos

2010 Premio Altazor de Dibujo, Santiago, Chile.

2003 Premio Altazor, mención Diseño Gráfico e Ilustración, Santiago, Chile.

1968-1966 Beca otorgada por la IV Bienal Internacional de Arte Joven de París en la categoría de Escultura.

1965 Primer Premio Internacional de Escultura, IV Bienal de París, París, Francia.