martes, 23 de junio de 2026

El diablo viste a la moda 2 se estrena al 29 de julio en DISNEY+

 EL DIABLO VISTE A LA MODA 2, de 20th Century Studios, estrena exclusivamente en Disney+ el 29 de julio. Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci regresan a las calles de moda de Nueva York y a las elegantes oficinas de la revista Runway en esta sofisticada secuela.

 La película, además de ser un éxito de taquilla, arrasó en el mundo de la moda y los medios de comunicación cuando se estrenó en los cines el pasado mes de abril, y va camino de recaudar más de 676 millones de dólares en todo el mundo.

La saga de EL DIABLO VISTE A MODA ha superado recientemente la barrera de los mil millones de dólares a nivel global. Desde Dior, Versace, Armani, Givenchy y Cartier hasta Dolce, Tiffany y Fendi, la película presenta diseños de alta costura y cameos de figuras destacadas del mundo de la moda y la música.  

La secuela del fenómeno de 2006 que marcó a toda una generación está protagonizada por Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci, y cuenta con la dirección de David Frankel, el guion de Aline Brosh McKenna, la producción de Wendy Finerman y la producción ejecutiva de Michael Bederman, Karen Rosenfelt y Aline Brosh McKenna. 

Andy Sachs (Anne Hathaway) regresa a la revista Runway como nueva editora de reportajes especiales, donde se encuentra con que su formidable antigua jefa, Miranda (Meryl Streep) y se enfrenta a amenazas que ponen en peligro su imperio editorial. Viejos amigos-enemigos y caras nuevas que se suman a la pasarela en esta elegante secuela.

SOBRE DISNEY+ EN AMÉRICA LATINA    

En América Latina, Disney+ es el servicio de streaming que brinda acceso a la más amplia propuesta en streaming con entretenimiento para todas las edades, incluyendo películas, series, eventos en vivo y otros contenidos de Disney, Pixar, Marvel, Star Wars, National Geographic, ESPN y Hulu. 

Ofrece una colección de contenidos originales exclusivos, entre los que se incluyen largometrajes, documentales, series de acción real y de animación, y cortometrajes, así como también la transmisión en vivo de eventos culturales, y deportivos de la mano de ESPN, la marca de deportes más respetada en la región. 

Para más información, visite disneyplus.com, o encuentre la aplicación Disney+ en la mayoría de los dispositivos móviles y de TV conectada.  

Teatro CA660 estrena Pedro y el Lobo- Erase una vez- Sinfonía

 “Érase una vez, Sinfonía: Pedro y el Lobo”, un concierto inmersivo especialmente creado para acercar a niños y niñas al emocionante mundo de la música clásica.

 Interpretado en vivo por la Sound Dreams Orchestra y narrado por el destacado actor Bastián Bodenhöfer, este espectáculo combina música sinfónica, narración teatral y visuales en una aventura llena de imaginación, emoción y descubrimientos.

 Esta experiencia sinfónica para la primera infancia y toda la familia se presentará en el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes el martes 30 de junio, a las 15:30 hrs. Compra tus entradas en www.corpartes.cl  o a través de ticketplus.cl

 Cuentos sinfónicos para soñar, se enmarca dentro de Érase una vez, Sinfonía ciclo de conciertos familiares cuyo primer capítulo será “Pedro y el Lobo”, la célebre obra del compositor ruso Sergei Prokofiev, considerada una obra clave en la educación musical infantil y una de las composiciones pedagógicas más importantes de la historia de la música.

Compuesta en 1936 y creada con un propósito revolucionario para su época: enseñar a niños y niñas a reconocer los instrumentos de la orquesta sinfónica a través de una historia narrada. Cada personaje del cuento representa un instrumento o familia instrumental, transformando la escucha musical en una aventura imaginativa y sensorial. 

 “Pedro y el Lobo” considerada una puerta de entrada universal al mundo de la música sinfónica. A través del relato, los niños aprenden a identificar sonidos, timbres e instrumentos de manera natural y entretenida: El pájaro representa la flauta traversa; el pato es interpretado por el oboe; el gato aparece a través del clarinete; el abuelo mediante el fagot; el lobo por las trompas; Pedro por las cuerdas y los cazadores mediante la percusión y los bronces. Esta asociación entre personaje y sonido transforma el concierto en una experiencia pedagógica viva, donde la música deja de ser algo lejano para convertirse en un lenguaje cercano, visual y emocional.

 “Esta puesta en escena, Pedro y el Lobo, no es solo un concierto: es muchas veces el primer encuentro de un niño o niña con una orquesta sinfónica en vivo. 

Es una invitación a descubrir la orquesta por primera vez, a escuchar, a imaginar que detrás de cada instrumento existe un personaje, una voz y un universo entero esperando ser contado, y para nosotros como Fundación CorpArtes, tener este tipo de experiencias sinfónicas, en nuestra cartelera, nos enorgullece”, señala José Tomás Palma, director ejecutivo de Fundación CorpArtes. 

“Érase una vez, Sinfonía y su primer capítulo: Pedro y el Lobo nace justamente desde esa visión, crear experiencias artísticas de alto nivel que permitan a los niños acercarse al arte y la música desde pequeños, pero siempre acompañados de sus familias.

 Este espectáculo sinfónico busca transformar el concierto en una experiencia compartida entre generaciones, donde padres, madres, abuelos e hijos puedan emocionarse juntos frente al poder de una historia contada a través de la música”, expresa Felipe Andreani, CEO & productor general de Sound Dreams Productions. 

“Érase una vez, Sinfonía: Pedro y el Lobo”, se presentará en el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes el martes 30 de junio, a las 15:30 hrs., ubicado en Rosario Norte #660, piso -2, Las Condes. 

Las entradas se pueden adquirir en www.corpartes.cl o a través de ticketplus.cl y los valores van desde: 

VACACIONES DE INVIERNO EN TEATRO CA660
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“Charlie Clark llega a youtube en entrevista con Danny Trejo

Finalmente se estrenó online, y totalmente gratis, la entrevista que realizó Gonzalo Frías a Charlie Clark, el gringo que trajo a “Machete a Chile”, quien en compañía del actor estadounidense de 82 años Danny Trejo, mantuvieron una entretenida conversación en “El Honesto Mike”, situado en la comuna de Providencia en Santiago, en una instancia en la que el periodista especializado en cine, abordó distintos tópicos sobre la carrera, el legado de Trejo y su rol en la película, protagonizada por Charlie Clark, la que fue recientemente estrenada en Prime Video. 

“Siempre tuve el sueño de, estar de alguna forma, trabajando con Robert Rodríguez. y de la nada su hermano se acercó a mí en un evento y me dice “escuché que quieres hacer una película” y yo ya había estado buscando diferentes productoras, y todo el mundo estaba como ¿Quién es este gringo? ¿porque quería trabajar con él?  y ¿que ha hecho”?

Solo me había desempeñado en televisión local en español, porque hablo esta lengua de manera fluida gracias a mi nana mexicana. De hecho, la película “Green Ghost” es en parte en honor a ella. Así fue como tuve acceso a Danny y así nos conocimos”, expresó Charlie Clark en la entrevista, disponible, sin costo, en el canal de youtube Estudios Neverland.

No olvidemos que esta grabación se desarrolló durante el segundo semestre del 2025, cuando Danny Trejo visitó Chile, ocasión en la que arribó al país en compañía del ecologista estadounidense Charlie Clark, quien en la vida real es un reconocido empresario del sur de Texas ligado a la industria automotriz y a la comunidad latino/mexicana, quien acaba de inaugurar, nuevas concesionaria en Estados Unidos, y que en 2025, en el marco de la Comic Con Chile y del estreno de “Green Ghost”, cinta que ambos protagonizan junto a Marko Zaror.

A este estreno en streaming en youtube, se suma el debut de la producción cinematográfica “Green Ghost” en plataformas digitales, en Prime Video y en @Vix.com, largometraje que está disponible desde el pasado viernes 29 de mayo, según Rodrigo Fuenzalida, Jefe de Operaciones de “Trío  de la Luz”, la recientemente inaugurada productora cinematográfica de Charlie Clark en Chile.

Cabe recordar que “Green Ghost” fue estrenada solo en Estados Unidos en el año 2021, y tuvo su debut en Chile el jueves 7 de agosto de 2025 en Cinemark y cines, luego en Octubre 2025 “Green Ghost” se estrenó en español en México,  con un equipo de producción que incluye a chilenos como el realizador Ernesto Díaz (“Mirageman”, “Kiltro”, “Mandrill”, “Diablo”) en la edición y al Colorista Audiovisual Nicolás Ibieta (“La Vida Me Mata”, “Mirageman”, “Doce Lunas”, “Baby Bandito”), en un largometraje que aborda la lucha del vendedor de autos Charlie, quien descubre -a través de su niñera mexicana (Renee Victor)-  que él forma parte de una “tríada de luz” secreta de guerreros expertos en artes marciales, junto a sus amigos de infancia Marco (Kuno Becker) y Karina (Sofia Pernas), elegida para proteger a la humanidad de Drake (Marko Zaror), la encarnación del apocalipsis maya. 

Chile celebra 10 años de marca “Chilean Animation” en Annecy, Francia

La animación chilena volverá a ocupar un lugar protagónico en el escenario internacional durante la edición número 50 del Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy y su mercado profesional MIFA, que entre el 23 y el 26 de junio reunirá en Francia a miles de productores, distribuidores, plataformas, estudios e inversionistas de todo el mundo.

La participación chilena en esta edición tiene un significado especial: se cumplen diez años desde la creación de la marca “Chilean Animation”, iniciativa articulada por ANIMACHI para fortalecer el posicionamiento internacional del sector y que tuvo precisamente en MIFA 2016 su primera presentación oficial. 

La participación chilena en Annecy y MIFA 2026 no solo estará representada por las producciones seleccionadas, sino también por una amplia delegación de estudios, productoras y profesionales con más de 50 profesionales acreditados en el evento, incluyendo estudiantes, empresas, instituciones creativas y seleccionados en el festival, lo que da cuenta del creciente posicionamiento y dinamismo que ha alcanzado la industria chilena de la animación. 

Con apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio (MINCAP) y el respaldo de ProChile asistirán Mami Male, We are South, Smog, Merced y Pájaro. Por su parte, como delegados ProChile, estarán Zumbástico, Poston y Pudoctopus, a las que se suman otras instituciones acreditadas, entre ellas la Universidad de las Américas, la Universidad del Desarrollo, Gigante Azul, Hysteria Animación, Estudio Humedal, Rayo Púrpura y Typpo Creative Lab, consolidando una presencia diversa que refleja la amplitud y el dinamismo alcanzado por la industria nacional. 

Este despliegue creativo encuentra respaldo en una industria que ha mostrado un crecimiento sostenido durante los últimos años.

En 2025, según datos de ProChile en base al Servicio Nacional de Aduanas, se registraron cerca de US$40 millones de exportaciones en el sector animación, un 2% más que el año anterior y casi 1.500% más que en 2020, donde solo se exportaron US$2.5 millones. 

Esto se suma al récord histórico de exportaciones de servicios ligados a la industria creativa, con monto superiores a los US$100 millones en 2025. 


“La presencia de Chile en Annecy y MIFA es el resultado de una década de trabajo colaborativo entre el sector público y privado, donde ANIMACHI, el Ministerio de las Culturas y ProChile han impulsado una estrategia sostenida para posicionar la animación chilena en los mercados internacionales.

Hoy vemos los frutos de ese esfuerzo conjunto: estudios reconocidos globalmente, proyectos en las principales vitrinas de la industria y una capacidad creciente para exportar talento, creatividad y propiedad intelectual desde Chile hacia el mundo”, destacó Raúl Vilches, jefe del Departamento de Industrias Creativas de ProChile.


La cita adquiere una relevancia adicional este año. Además de celebrar medio siglo de existencia, Annecy fue recientemente reconocido como festival Clase A por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF), una categoría reservada para los certámenes más importantes del mundo. 


Uno de los hitos más esperados de la presencia nacional será el estreno mundial de "Brave Cat", largometraje dirigido por Gabriel Osorio y producido por Punkrobot Studio, seleccionado en la sección oficial Annecy Presents. La producción marca el regreso del estudio ganador del Premio Óscar por Historia de un Oso al principal escenario mundial de la animación y representa un nuevo paso en la consolidación internacional del cine animado chileno.

La creatividad nacional también estará presente en las Competencias Oficiales del certamen. El cortometraje "Entelequia", dirigido por Marcos Sánchez y producido por Punkrobot en coproducción con la Universidad de Las Américas, competirá en la categoría Perspectives. Por su parte, "Merrimundi", dirigido por Niles Atallah y producido por Pista B junto a Diluvio Cine y Fósfora, participará en la sección Off-Limits.

A estas selecciones se suman "Reinas de la Pampa", cortometraje dirigido por Millaray Isella Arriagada, seleccionado en la categoría Graduation Films, y el largometraje "Winnipeg, el barco de la esperanza", coproducción entre Chile, España y Argentina dirigida por Elio Quiroga y Beñat Beitia, que competirá en la sección oficial Contrechamp. 

Museo Numismático del BCCh invita al público estas vacaciones de invierno

 El Museo Numismático del Banco Central de Chile invita a escolares y familias de todo el país a visitar sus dependencias ubicadas en el edificio patrimonial del Instituto Emisor y descubrir la valiosa colección de monedas y billetes de Chile y el mundo que allí se exhibe.

De manera excepcional, estas vacaciones de invierno el museo presenta la exposición temporal “Moneda, poder y globalización: El viaje del real de a ocho”, que reúne 2.500 monedas de la época colonial rescatadas del fondo del mar tras más de 200 años. 

La muestra permite explorar los orígenes del sistema monetario chileno desde una perspectiva histórica y global.

La muestra permanente del museo, por su parte, comprende piezas que datan del siglo XVI hasta hoy.

El recinto está abierto de lunes a viernes, entre 10:00 y 13:00 horas, en Agustinas 1180, Santiago. La entrada es gratuita y se puede ingresar registrándose en la recepción del edificio o reservando previamente en www.museobancocentral.cl. Para quienes no puedan asistir de forma presencial, el museo ofrece un recorrido virtual disponible en su sitio web Museo Numismático.

El BCCh también puso a disposición del público un tour en la web de la exposición “Reflejos de Chile. Un siglo del Banco Central”, realizada en el Centro Cultural La Moneda entre agosto y noviembre del año pasado en el marco de las actividades de conmemoración de su centenario. Incluye 128 obras pictóricas y 257 piezas de la colección numismática, entre monedas, billetes y objetos.

¿Quién fue realmente Violeta Parra?

“Qué tanto será” es el nombre de la exposición gratuita sobre Violeta Parra que estará disponible en Lo Barnechea a partir del 10 de junio.

La muestra busca promover el legado multidimensional de Violeta Parra, quien además de cantautora fue una destacada artista visual, recopiladora y creadora de canto popular de Chile, escritora y poeta y una mujer que desafió todos los límites de su época.

El título proviene de la canción homónima de la cantautora, que finaliza con los versos: “Me gusta en la vida florido el rosal / sus bellas espinas no me han de clavar / y si una me clava, qué tanto será”. 

Es por eso que el Centro Cultural El Tranque de Lo Barnechea ofrecerá al público más de 20 obras pertenecientes a la colección de la Fundación Violeta Parra, entre las que se incluyen arpilleras, pinturas, piezas en papel maché y su emblemático guitarrón, además de una museografía que incorpora elementos en el espacio exterior.

En las próximas semanas, el Centro de las Tradiciones abordará el universo musical de la artista, mientras que, en julio, Espacio Arte albergará una muestra centrada en su dimensión literaria, con una línea de tiempo de su vida y una selección de sus décimas.

Te contamos 5 aspectos de su vida que la transformaron en el ícono que es hoy:

1.- Sus arpilleras y pinturas nacieron de una enfermedad.

Pocos saben que la faceta visual de Violeta Parra, aquella que la llevaría a los museos más importantes del mundo, surgió de manera casi accidental. En 1959, una severa hepatitis la dejó postrada en cama durante varios meses, alejada de su guitarrón.

Fue entonces cuando tomó lana y tela y comenzó a bordar. Sin bocetos previos, guiada solo por la imaginación, creó sus primeras arpilleras. Esa misma temporada, ya recuperada, expuso sus óleos y trabajos textiles en la Primera Feria de Artes Plásticas al aire libre del Parque Forestal. La enfermedad, paradójicamente, despertó a una artista visual de enorme potencia.

2. Fue la primera latinoamericana en exponer individualmente en el Louvre.

En abril de 1964, Violeta Parra inauguró una muestra individual en el Musée des Arts Décoratifs del Palacio del Louvre en París, convirtiéndose en la primera mujer latinoamericana en lograr ese hito.

 La exposición, titulada Tapisseries Chiliennes de Violeta Parra. Peintures et sculptures, reunió arpilleras, pinturas al óleo, esculturas en alambre y máscaras de papel maché con incrustaciones de legumbres. Solo hubo cinco años de distancia entre el primer bordado improvisado en cama y el reconocimiento del museo más célebre del mundo.

3.- Antes del folclore, cantaba boleros y rancheras en bares.

 La Violeta Parra que hoy asociamos al folclore y a la Nueva Canción Chilena no siempre cantó cuecas y tonadas. En los años ‘30 inició su carrera artística actuando junto a sus hermanos en restaurantes populares del barrio Mapocho interpretando boleros, corridos mexicanos, rancheras y música flamenca.

 Fue su hermano Nicanor quien la impulsó a abandonar ese repertorio comercial y asumir con identidad propia la defensa de la música chilena auténtica. 

4. Escribió su autobiografía entera en décimas.

 Violeta Parra no solo cantó y pintó: también escribió en décimas su propia vida. Su autobiografía en verso, publicada como Décimas, narra desde la infancia en el sur hasta sus años en Europa, incluyendo episodios como cuando contrajo viruela de niña durante un viaje familiar a la Araucanía.

 La dimensión literaria de Violeta, menos conocida que su música o sus arpilleras, es precisamente una de las que podrá explorarse en la exposición de Lo Barnechea.

5.- Soñaba con crear un ballet basado en el folclore chileno.

"El gavilán" es reconocida hoy como una de sus composiciones más audaces, pero esta pieza era solo una parte de un proyecto mucho más ambicioso.

En una entrevista a Radio Concepción en 1960, Violeta reveló que estaba trabajando en un ballet completo cuyos elementos estaban tomados del folclore y las costumbres de Chile, y que aspiraba a que fuera interpretado por la Orquesta Sinfónica Nacional en el Teatro Municipal, proyecto que nunca se concretó. 

Según Alejandra Valdés, directora de la Corporación Cultural de Lo Barnechea, "Violeta Parra era y es una artista total, capaz de cruzar disciplinas y transformar lo cotidiano en una expresión profundamente universal, reflejando lo más profundo del del ser humano y la búsqueda a su vez de lo divino y la trascendencia.

Ella desarrolló su obra en muchos lugares y sin límites, lo que nos llama a mostrar su talento multi e interdisciplinario como un patrimonio nacional que se proyecta en el tiempo como un puente vivo entre nuestras raíces y el Chile que aún estamos construyendo".

La exposición "Qué tanto será" cuenta con más de 20 obras de la colección de la fundación Violetq Parra que está en la Pontificia Universidad Católica de Chile y podrá visitarse en el Centro Cultural El Tranque (Av. El Tranque 10300, Lo Barnechea) desde el miércoles 10 de junio hasta el miércoles 7 de octubre. Entrada gratuita. Más información en www.cclb.cl.

lunes, 22 de junio de 2026

Paola Giannini protagoniza la versión local de “Inter Alia”, la nueva obra de la autora de “Prima Facie”

Dirigida por Pablo Halpern y con un elenco que también integran Nicolás Saavedra y Diego Leiva, la pieza más reciente de la dramaturga australiana Suzie Miller —actualmente en cartelera en el West End de Londres con Rosamund Pike— desplaza el conflicto judicial hacia el interior de una familia enfrentada a la fragilidad de los vínculos, la era digital y aquello que los padres desconocen sobre sus propios hijos. El montaje producido por el Centro para las Artes Zoco debuta el 10 de julio en la sala de Lo Barnechea. Entradas en Punto Ticket.

Una madre observa a su hijo y ya no sabe si realmente lo conoce.

Ese es el quiebre que articula Inter Alia, el nuevo drama legal de la dramaturga australiana Suzie Miller, autora del fenómeno mundial Prima Facie. A diferencia de su obra anterior, este thriller psicológico desplaza el conflicto desde el estrado hacia la intimidad de un hogar cruzado por la fragilidad de los vínculos y el abismo que separa a los padres de la vida secreta de sus hijos.

Jessica Parks es una jueza brillante, respetada por su implacable trayectoria en causas de violencia sexual y convencida de que la ley es la única herramienta capaz de ordenar el caos del mundo. Durante años, ha sostenido con precisión quirúrgica el equilibrio entre su reputación pública y una arquitectura familiar aparentemente sólida junto a su marido —un prestigioso abogado penalista habituado a los códigos del poder— y Harry, el hijo de ambos, de 18 años.

Cuando una grave acusación irrumpe dentro de su propia casa, la lógica implacable de la jueza colisiona con el instinto desesperado de una madre obligada a preguntarse hasta dónde estaría dispuesta a llegar para proteger a su familia.

Tras su aclamado estreno mundial a mediados de 2025 en el prestigioso National Theatre de Londres y su posterior consagración en el West End —donde la interpretación de Rosamund Pike le valió el Premio Olivier de este año a la Mejor Actriz—, la pieza llega ahora Chile como uno de los grandes hitos de la temporada. 

Producida por el Centro para las Artes Zoco y bajo la dirección de Pablo Halpern, el próximo 10 de julio debutará en la sala de Lo Barnechea la primera versión internacional del texto con un elenco encabezado por Paola Giannini, Nicolás Saavedra y Diego Leiva. Las entradas ya están disponibles en Punto Ticket

Una dramaturga en estado de gracia

Antes de convertirse en una de las firmas más cotizadas del teatro contemporáneo, Suzie Miller (Melbourne, 1963) ejerció durante años como abogada de derechos humanos y defensora de menores en Sidney. Lo demostró tempranamente en sus primeras obras: Cross Sections, Transparency y Jailbaby. Pero fue Prima Facie —estrenada en pleno auge del movimiento #MeToo en 2019— la que terminó por consagrarla. 

La obra, protagonizada primero por Jodie Comer y luego montada en distintos países, incluido Chile, desató discusiones públicas sobre la legislación vinculada a agresiones sexuales e incluso impulsó debates jurídicos en Reino Unido y Australia.

Tras ese fenómeno global, Miller volvió a concentrar su mirada sobre la masculinidad contemporánea y los vacíos del mundo adulto frente a la educación emocional de los hombres jóvenes. Así nutrió a Inter Alia —cuyo significado legal en latín es "entre otras cosas"— de un rigor técnico y psicológico igual de descarnado.

“Prima Facie e Inter Alia funcionan como un díptico porque abordan un mismo tema —las limitaciones del sistema judicial frente a los delitos sexuales— desde dos lugares opuestos”, explica Pablo Halpern. “Prima Facie miraba el sistema desde adentro del tribunal, a través de una abogada defensora que terminaba enfrentando ella misma una agresión. Inter Alia hace el camino contrario: nos sitúa en el lugar de una jueza que ha dedicado su carrera a proteger a las víctimas, hasta el día en que una acusación llega a su propia familia”.

Actualmente en cartelera en el West End de Londres, la obra prepara además su desembarco en Broadway el 10 de noviembre en el Music Box Theatre de Nueva York.

Según ha explicado la propia autora, el origen del texto surgió tras observar cómo las dinámicas de consentimiento, violencia y sexualidad entre adolescentes mutaron radicalmente con la irrupción de los teléfonos inteligentes, la pornografía online y las subculturas digitales masculinas.

Después de las funciones en Londres, relató Miller recientemente, numerosos padres se le acercaban para decirle lo mismo: que la obra los había obligado a volver a hablar con sus hijos sobre temas que nunca habían sabido cómo enfrentar. Ese es, precisamente, el corazón de la obra, explica Halpern.

“Más que una transformación, lo que hay en el personaje de Jessica Parks es una colisión”, dice el también director artístico de Teatro Zoco. “Es una mujer brillante, dueña de un lenguaje jurídico afiladísimo, y al mismo tiempo una madre profundamente humana, vulnerable, atravesada por sus afectos. Lo que verá el espectador es cómo esos dos planos chocan, y el efecto devastador que ese choque produce en ella”.

Una puesta en escena atravesada por internet

La versión chilena incorpora traducción de Pablo Schwarz y apuesta por una puesta en escena de fuerte lenguaje audiovisual, donde el diseño sonoro, el mapping y las proyecciones digitales se convierten en parte central del conflicto dramático.

La producción cuenta con diseño integral de Laurene Lemaitre, composición musical de Alejandro Miranda y mapping de Matías Carvajal, creando un ecosistema visual donde las pantallas, los algoritmos y los contenidos digitales invaden progresivamente la intimidad doméstica.

“La obra no transcurre solamente en lugares físicos”, comenta Halpern. “Transcurre también en aquello que la familia consume desde sus pantallas, en las dinámicas virtuales de los jóvenes en internet y que muchas veces los padres ni siquiera saben que existen. El mapping y el diseño sonoro permiten construir esa otra dimensión: la que entra a la casa sin pedir permiso”.

Para el director, la obra dialoga de manera directa con discusiones extremadamente contemporáneas sobre adolescencia masculina, violencia digital y discursos de odio online.

“Hace pocos meses, fenómenos como la serie Adolescencia instalaron una pregunta incómoda en muchas familias chilenas: qué están viendo los jóvenes frente a sus pantallas y qué narrativas consumen en aislamiento. Inter Alia aborda esa misma inquietud con crudeza y profundidad. Pone a una madre frente a la posibilidad real de no haber conocido jamás al hijo que crió”, concluye.

Orquesta y Coro Sinfónico Usach exploran el universo de Johannes Brahms

 

En 1876, Johannes Brahms (1833-1897) cerró uno de los capítulos más intrincados de su biografía. Era una época en la que ya había alcanzado cumbres creativas con el Réquiem alemán y su primer concierto para piano, pero no lograba terminar su primera sinfonía.

Ahogado entre la autocrítica y quienes lo apuntaban como el gran heredero de Ludwig van Beethoven, tardó más de 20 años en escribirla. Cuando por fin se estrenó, a finales de ese año en la ciudad alemana de Karlsruhe, fue un desahogo: la década siguiente le bastó para escribir otras tres sinfonías.

Un siglo y medio después, la Sinfonía nº 1 en do menor, Op. 68 es una de las obras más célebres de Brahms, a quien estará completamente dedicado el sexto programa de la temporada 2026 de la Orquesta Usach, titulado El destino de Karlsruhe.

Dirigida por Rodolfo Fischer, la agrupación abordará esa Primera sinfonía y la Canción del destino, Op. 54, que también tendrá sobre el escenario al Coro Sinfónico Usach, que conduce Andrés Bahamondes. El concierto se realizará el miércoles 1 de julio (19:30 horas) en el Teatro Aula Magna Usach y las entradas gratuitas ya están disponibles en Portaltickets.

“Es una sinfonía que tiene absolutamente todos los colores, desde lo más luminoso y radiante hasta algo muy trágico, probablemente porque su concepción fue tan larga. Es como un río que arrastra muchas piedras”, dice Fischer, reciente ganador del Premio a la Música Nacional Presidente de la República y uno de los directores chilenos más respetados de la actualidad.

Vive en Suiza, donde enseña en la Academia de Música de Basilea, y ha desarrollado una vasta trayectoria que contempla trabajos en gran parte de Latinoamérica, así como en Europa y Oceanía.

 Ese camino lo ha llevado a dirigir las cuatro sinfonías de Brahms en diversas ocasiones, pero esta será la primera vez que interpretará la Canción del destino. Estrenada en 1871 y también en Karlsruhe, la obra se estructura en tres movimientos y está basada en un texto del poeta alemán Friedrich Hölderlin (1770-1843).

“De hecho, es un momento en que Brahms estaba trabajando en su primera sinfonía y en el Réquiem alemán. Él hizo muchos trabajos de laboratorio, todo un estudio de la orquesta, y cuando ya había explorado las dificultades que significa sostener un edificio como una sinfonía, lanzó la primera”, relata el actual director de la Orquesta de Cámara de Valdivia (OCV).

En ambas partituras prima un “idioma brahmsiano”, agrega el director: “Hay una sensación de bienestar instrumental, en el sentido de que cada voz le da su máximo rendimiento a los instrumentos y no en los temas principales, sino en los secundarios.

Si pudieras extraer una de esas segundas o terceras voces, podrías transformarlas en la voz principal de otro compositor. Ese nivel de arquitectura interna provoca una sensación de bienestar en la orquesta”, detalla. “En el caso de la sinfonía, es una obra viva que va a estar siempre en un museo, es como una exposición permanente”, concluye.

Homenaje a Jorge Teillier será con un concierto y una sesión en vivo en Radio Valentín Letelier.

Jorge Teillier (1935-1996) fue uno de los poetas más influyentes de la literatura chilena del siglo XX.

 Su obra dio forma a la llamada poesía lírica, una escritura que evocó la vida de provincia, las infancias y las tradiciones, teniendo como telón de fondo los paisajes del Sur de Chile.

 "Crónicas del Forastero" es una experiencia musical inspirada en el universo poético de Jorge Teillier. Más que un homenaje tradicional, la propuesta parte de la idea de que la poesía no habita sólo en los libros, sino también en el sonido, el espacio y la experimentación artística.

 A través de un viaje sonoro construido por las bandas participantes, el evento invita a vivir la poesía como una experiencia sensible y crítica, donde la música se convierte en un lenguaje que dialoga con la obra de Teillier", menciona Álvaro Pavez Cataldo, integrante de Lxs Sagradxs.

 La actividad inaugural, enmarcada en el encuentro musical "Crónicas del Forastero", es un evento conmemorativo dedicado al poeta chileno Jorge Teillier. La presentación, de entrada liberada, se realizará este jueves 25 de junio entre las 15:45 y las 17:50 horas en la Sala Rubén Darío.

En el escenario se presentarán tres proyectos de la escena independiente y local: Vaquero Muerto, Cap Ducal y Lxs Sagradxs, acompañados de las propuestas visuales del artista VJ Keka. El evento es producido por el destacado sello musical La Silla Corp junto a Lxs Sagradxs, en colaboración con Mauco Records, La Casa Centro Cultural y Sonria.cl

Mientras que el viernes 26 de junio, la propuesta se traslada a formato radial. La cita es para las 12:00 horas en "Café Negro / Toma Directa" de la reconocida Radio Valentín Letelier (RVL). Quienes estarán con Lxs Sagradxs como invitados centrales del bloque, ofreciendo una "Sesión Electro" orientada netamente a su instrumentación en vivo.

 La transmisión será en vivo por el dial 97.3 FM para la región de Valparaíso y vía señal online a través de https://rvl.uv.cl para audiencias fuera de la región.

 Coordenadas de la programación

Concierto homenaje "Crónicas del Forastero":

Fecha: jueves 25 de junio.

Horario: 15:45–17:50 horas.

Lugar: Sala Rubén Darío (Errázuriz 1108, Valparaíso).

Entrada: Liberada (gratuita).

Sesión Electro en Radio RVL:

Fecha: viernes 26 de junio.

Horario: 12:00 horas.

Medio: Radio Valentín Letelier (97.3 FM / señal online en rvl.uv.cl).Instagram: @lossagrados_ y @lasillacorp

El artista chileno Óscar Morales llega a uno de los principales museos de Art Brut del mundo

 La exposición "O de Óscar. El trazo que sostiene el mundo" reúne cerca de cien obras del artista chileno Óscar Morales Martínez y se presenta hasta octubre en el Museo Ovartaci, referente internacional del Art Brut.

Durante más de tres décadas, Morales vivió y creó en el Hospital Psiquiátrico Dr. José Horwitz Barak, desarrollando una obra que hoy forma parte de importantes colecciones y que ahora protagoniza su primera exposición individual internacional.

Esta iniciativa busca proyectar internacionalmente una voz genuina y conmovedora del arte chileno en el margen.

 El Museo Ovartaci - ubicado en Aarhus, Dinamarca - ofrece un contexto clave para situar la obra de Morales en diálogo con artistas que han creado desde espacios de cuidado y fuera de los cánones tradicionales.

La muestra, curada por Paula Caballería Aguilera y producida por Beatriz Salinas Marambio, cuenta con el financiamiento del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile y Fundación Setba Chile.

Quién es Óscar Morales

La obra de Óscar Morales Martínez (Santiago de Chile, 1951) constituye una manifestación potente y singular del Art Brut latinoamericano.

Su trabajo forma parte de colecciones internacionales como Christian Berst Gallery así como de la Collection de l’Art Brut. Ha participado en muestras colectivas en España, Francia y Alemania, incluyendo la Bienal de Berlín 2022.

En Chile, ha expuesto en el Museo de Artes Visuales (MAVI UC) y en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende, institución que recientemente incorporó algunas de sus obras a su colección permanente.

Por más de treinta años, Morales vivió y creó en el Hospital Psiquiátrico Dr. José Horwitz Barak, donde su práctica artística se convirtió en una forma de existir y resistir.

Actualmente, reside en una casa de acogida y protección del Estado, donde continúa desarrollando su obra de manera constante y cotidiana, transformando cada día en un acto de creación incesante.

Desde este espacio íntimo, Morales ha construido un universo simbólico complejo mediante un trazo insistente y su paleta vibrante, que combina elementos religiosos, escenas cotidianas, autorretratos, arquitectura imaginaria y referencias a la ciencia ficción, todos enlazados por una fórmula alfabética y numérica creada por él mismo. 

Su trabajo, visibilizado y acompañado durante años por Paula Caballería y la Fundación Setba Chile, ha sido presentado en espacios de salud y arte en Chile, situando su práctica en el cruce entre arte, cuidado y derecho cultural.

Cien obras para recorrer un universo propio

La exposición en el Museo Ovartaci permite inscribir su producción en un diálogo internacional sobre las estéticas del afuera, la creación desde la vulnerabilidad y nuevas formas de pensar el arte contemporáneo más allá de los límites de la razón y la institucionalidad. 

El embajador de Chile en Dinamarca, Felipe Cousiño, destaca el valor de la muestra como puente: "Es un artista especial que trae un mundo propio, lleno de colores, lleno de ideas, de fórmulas, de poemas.

Encuentro que es una gran oportunidad para que se conozca un artista chileno distinto en Dinamarca y abrir un poco más nuestro intercambio cultural, nuestra cercanía entre los dos países".

Por su parte, la curadora de la exposición, Paula Caballería Aguilera, sostiene que "Más allá de la coincidencia de la letra O, que el propio Óscar destacó desde el inicio, su obra comparte con Ovartaci una capacidad única para construir universos simbólicos profundamente personales.

Ese lenguaje, tan característico del Art Brut, muestra que estas prácticas merecen un lugar en todo tipo de instituciones artísticas y no solo en espacios especializados".

Además, la productora de la muestra, Beatriz Salinas Marambio, destaca “que estas obras lleguen al Museo Ovartaci significa que una trayectoria artística desarrollada durante décadas en Chile entra en diálogo con algunas de las figuras más relevantes del Art Brut internacional".

La exposición reúne cerca de cien obras que abarcan distintas etapas y series de su producción. Se presentan dibujos que revelan su universo espiritual y cotidiano, junto a su serie de “máquinas”, piezas de gran formato concebidas como dispositivos imaginarios que dialogan con sus textos de ciencia ficción.

Esta dimensión literaria es parte fundamental de la muestra, incluyendo libros de artista como “El reloj universal”, además de una selección de poemas y ensayos manuscritos que dan cuenta de su pensamiento.

La muestra integra además un dispositivo audiovisual con el cortometraje “O de Óscar”, de los realizadores Joaquín Nercasseau, Douglas Jackson y Matías Echeverría, que documenta su proceso creativo.

Mia Lejsted, directora del Museo Ovartaci, comenta desde Dinamarca: "Óscar Morales comparte muchas afinidades con nuestro artista central, Ovartaci.

Aunque pertenecen a épocas y contextos distintos, tienen algo esencial en común: para ambos, el arte es una necesidad existencial a través de la cual crean significado y coherencia en la vida.

Sus obras reúnen imaginación, poesía y una fuerza creadora dentro de universos visuales profundamente personales que hablan a la experiencia humana compartida. ​

E​n el caso de Morales, asombra experimentar la forma poética y creativa en que mantiene unido su mundo interior en sus representaciones, plasmándolo en figuras concretas, construcciones, números y sistemas; y este mundo interior no podría existir sin la línea que lo sostiene en su lugar.

 Ambas prácticas conmueven y desafían. Al mismo tiempo, recuerdan por qué es importante escuchar las voces que surgen de los márgenes tanto del arte como de la sociedad".

En conjunto, los elementos de la exhibición proponen una lectura integral de su práctica: una obra total donde dibujo, palabra e imaginación se entrelazan para construir un mundo poético y profundamente humano.

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