jueves, 8 de enero de 2026

Obra “Cosmoandina” finalizará su gira por Chile con función gratuita en el Teatro Municipal de Iquique

 La gira nacional de la obra “Cosmoandina” llegará a su fin con una última función gratuita, en su ciudad de origen.

El montaje de La Pacha Teatro, que relata la historia de los habitantes de Los Andes de Chile, se presentará este viernes 9 de enero, a las 21 horas, en el Teatro Municipal de Iquique (Plaza Prat).

El 2025 fue un año de itinerancia para esta creación tejida y musicalizada, que partió en el Willka Kuti (Año Nuevo Aymara), en la comuna de Alto Hospicio, continuó en la región Metropolitana, siguió por Puerto Montt, María Elena (Antofagasta) y Punta Arenas, por lo que concluirá esta aventura en la capital regional de Tarapacá.

Dicha gira se enmarca en un proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, convocatoria 2025, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

La directora y actriz de “Cosmoandina”, contó que “hace 20 años que no piso el teatro como artista.

El 2005 para un Upa al Teatro, un festival que hacía nuestra querida Sonia Castillo con su compañía, esa fue la última vez, entonces 20 años después para mí subirme es, además, tremendamente emocionante, además de que el 9 de enero es el Día Regional del Teatro, en honor a nuestro querido Guillermo Jorquera Morales, instancia en la que también estuve siendo parte del equipo que promulgó ese día y porque fue nuestro maestro, él hubiese estado orgullo de vernos haciendo esto”.

A pesar de que las entradas están agotadas, se dispondrá una fila para quienes no alcanzaron a registrarse en el formulario, para que nadie se quede sin ver este montaje que cuenta las costumbres y tradiciones del pueblo aymara.

Toda la información acerca de la obra se encuentra disponible en Instagram como @cosmoandina.narración.

La Esparta americana: ¿Cómo la Guerra del Pacífico se convirtió en símbolo del nacionalismo chileno?


El historiador Gabriel Cid reflexiona en torno a la identidad del país para analizar un hito que se instaló en la memoria colectiva.

El libro La Esparta americana analiza de qué manera, a través de los años, la historia fue modelando héroes, rituales, monumentos, imágenes y relatos que aún hoy definen lo chileno en base a la Guerra del Pacífico. “La guerra nunca es un asunto estrictamente militar”, asegura el historiador Gabriel Cid.  

En una investigación rigurosa y original del conflicto ocurrido entre 1879 y 1884 se expone cómo este se transformó en epopeya y mito nacional. “Cuando los momentos bélicos finalizan, comienza a forjarse otra historia, donde el azar se convierte en destino, y la contingencia en necesidad.

En esto consiste la mitificación de los sucesos, que no debemos confundir con falsedad, sino a la estilización retrospectiva de las narrativas sobre los hechos”, explica. 

El autor analiza este acontecimiento bélico desde diferentes aristas y canales como la historiografía, escuela, museos, literatura, arte, cine. En 294 páginas acompañadas de imágenes de archivo, se analiza cómo este relato fue disputado, resignificado y transmitido a lo largo de generaciones. 

“En ese registro, la producción cultural del país vio en la guerra un microcosmos de historias con enorme potencial de inspiración e interpelación emotiva”, plantea Cid. 

Con el pasar de los años, “precisamente en tiempos cuando la historia se convierte en un espacio de conflictos por las guerras de memoria, la Guerra del Pacífico se invoca desde una lógica diferente: cohesiona al evocar el recuerdo desde el sentimiento del orgullo”, concluye el autor. 

Gabriel Cid. Doctor en Historia por la Universidad del País Vasco. Académico del Instituto de Historia de la Universidad San Sebastián (Concepción, Chile) e investigador FONDECYT. Se especializa en la historia intelectual y cultural del siglo XIX, en especial sobre el problema de la formación republicana, las identidades colectivas y la experiencia de la guerra.

Gabriel Cid

Ha publicado 10 libros, entre los cuales destacan La Guerra del Pacífico (2023, con Carmen Mc Evoy), Pensar la revolución. Historia intelectual de la independencia chilena (2019), Debates republicanos en Chile. Siglo XIX (2012-2013, con Ana María Stuven) y La Guerra contra la Confederación. Imaginario nacionalista y memoria colectiva en el siglo XIX chileno (2011).

Actualmente desarrolla el proyecto de investigación titulado: Entre la unión americana y la rivalidad nacional: intelectuales, sociedad civil y opinión pública en el Pacífico sur, 1856-1883. 

miércoles, 7 de enero de 2026

“VILLA con vista al mar” es el Egreso del Plan Especial de Titulación 2025, Teatro UV

 El jueves 8, viernes 9 y sábado 10 de enero, a las 19:00 horas, se presenta la obra “Villa con vista al mar”, montaje de egreso del Plan Especial de Titulación (PET) de la Escuela de Teatro de la Universidad de Valparaíso.

Las funciones se realizarán en la Sala Negra Juan Barattini Carvelli, ubicada en Avenida Brasil 1647, Valparaíso. Entrada liberada con previa inscripción en el formulario disponible en el Instagram @salanegrajbc.   

“Villa con vista al mar” es una adaptación de la obra "Villa" de Guillermo Calderón, en la que un grupo de mujeres discuten qué hacer con el centro de tortura y exterminio Villa Grimaldi. 

En esta versión, los personajes se multiplican en diecinueve voces que traen al presente la memoria de diversos centros de tortura situados en la Quinta Región: La Esmeralda, el Buque Lebu, Tejas Verdes, la Ex Cárcel de Valparaíso, el Campo de Prisioneros Melinka-Puchuncaví, la Cárcel del Buen Pastor, la Ex Comisaría Barón, entre otros.  

Dirigida por Sibila Sotomayor Van Rysseghem, con la dramaturgia de Juan Pablo Troncoso, el montaje "Villa con vista al mar" recoge y amplifica las interrogantes de la obra original, invitando al público a reflexionar sobre la insistencia de un pasado que no pasa, a pesar de los intentos sistemáticos de poderes hegemónicos en Chile por negar y ocultar los crímenes cometidos en dictadura, por civiles y agentes del Estado chileno.   

Marcela Inzunza, Coordinadora del PET, señala: “Este es un anhelo perseguido por mucho tiempo por quienes estuvieron formándose en este Plan desde abril de 2025.

Como Universidad de Valparaíso, el PET es un acto reparatorio que valida la formación, trayectoria y conocimientos previos de este grupo de personas que por diversas razones no obtuvieron su título en su momento, quienes se han dedicado a la creación, la docencia y el trabajo comunitario a través de las artes escénicas”.   

“En estos tiempos, y con todas las cosas terribles que están sucediendo en Latinoamérica, cobra mucha importancia que las nuevas generaciones sepan, se enteren y sensibilicen de la historia que nos marca, nos duele y que no se ha reparado.

El proceso ha sido profundo, de mucho trabajo, con un plan de estudios muy adaptado a su realidad, con seis asignaturas, prácticas y teóricas: Taller Integral, facilitado por Cristián Lagreze; Seminario de Historia y Teoría Teatral, a cargo de Marcia Martínez; Taller de Puesta en Escena I con foco en Dirección, facilitado por Andrea Giadach; Seminario Mención de Didáctica Teatral I y II, dictados por Lía Toro; y Taller de Título, guiado por Sibila Sotomayor”.  

Sibila Sotomayor, directora de la puesta en escena, comenta: “El Taller de Título del PET es un evento único en su tipo, en el sentido de que este programa se ejecutó durante el 2025 y no se va a volver a repetir. Nace de la iniciativa de Myriam Espinoza, que fue retomada por otras colegas dentro de la Escuela, siendo una medida de reparación para aquellas generaciones que estudiaron teatro a inicios de los años ‘90 y, recién volviendo a la democracia, no hubo manera de validar esos estudios a través de un título. 

Al abrir el proceso llegaron otras personas, con carrera de larga data, lo que hizo que se conformara un grupo de diecinueve estudiantes, bastante intergeneracional, que egresan con este montaje”. 

Juan Pablo Troncoso, dramaturgo, comparte: “Esta adaptación libre toma la estructura original, manteniendo el recorrido de las discusiones y las posturas ante los sitios de memoria. Sumamos una escena al principio y un nuevo final, dado el contexto específico en el que abordamos la historia.

Además, distribuimos las voces, que en la obra original son tres, entre diecinueve personas, las cuales no son personajes tridimensionales, realistas, psicológicos, sino que responden a posturas ético-político ideológicas. Esas posturas van discutiendo y pasando por múltiples referencias a las particularidades que tuvieron los centros de tortura en la Quinta Región”.  

 Titulados y tituladas  

El grupo de personas tituladas está conformado por Daniela Alcaide, Gabriela Arancibia, Alexia Arriagada, George Casanova, Claudio Diaz Moreno, Irina Gallardo Báez, Sandra Lema Ruiz, Felipe Lira, Maysa López Segovia, Adelaida Loyer Greene, Verónica Márquez, Pola Montano Ortiz, Vilma Pérez Ureta, Patricio Quezada, Juan Carlos Ramos, Enrique Saldes Aliaga, Juan Sánchez Maltrain, Arturo Soto Pacheco y Christian Verdejo Espinoza.  

Vilma Pérez, actriz formada en el Instituto Superior de Arte y Cultura Bertolt Bretch, sede Valparaíso, considera que “fue una gran emoción y noticia cuando nos anunciaron que este programa se iba a realizar.

 Para mí ha sido relevante, histórico, vivir esta experiencia, volver a estar en clases, reencontrarme con algunos compañeros de la época de la Bertolt Bretch, conocer a otros colegas de otras escuelas, habernos unido en esta necesidad de obtener nuestro título después de años de tener un currículum, una trayectoria, es significativo. 

Siento que nos va a abrir nuevas puertas y estoy muy agradecida de la Escuela de darnos esta oportunidad de cerrar este ciclo teniendo un título y, además, con una mención”.  

Maysa López Segovia, actriz, comparte: “Esta es una instancia bien significativa. Soy una de las egresadas del mítico Bertolt Bretch en Valparaíso, que fue la primera escuela de teatro que se abre después de la dictadura. 

La Myriam Espinoza fue mi profesora de actuación en primer año. Tiene un significado muy importante después de muchos años lograr hacer esta titulación como un acto reparatorio de esos tiempos. 

Hoy más que nunca siento que la obra tiene un significado muy importante, es un homenaje a todos los que no están, familiares, compañeros, se cruza con nuestra propia memoria, con lo personal. Estoy viviendo este proceso con mis colegas y compañeros de vida de Teatro El Baúl, compañía que lleva 33 años en la Región, funcionando y resistiendo. También he conocido a otras personas, tengo dos compañeros que fueron estudiantes míos en Balmaceda, los conocí de uniforme escolar y hoy estudiamos juntos”.  

“También, de alguna forma, es un homenaje a nuestros maestros, a Arnaldo Berríos que luchó tanto por el Bretch, a Myriam Espinoza, a Gloria Barrera que estuvo en la formación de esa Escuela de Teatro, a la señora Elena Prieto, a Judith Mauri, por supuesto. 

Es un gran regalo en realidad, más allá de la cosa académica, más allá de que al postular a un trabajo no tengamos el título, más allá de eso, el sentir es de puro agradecimiento. 

Hay dos compañeros que estuvieron en el Bretch y que ya no están en este plano, el Negro Díaz y Fernando Flores. Yo sé que ellos estarían aquí, en este PET. Estuvimos tantos años tratando de convalidar ramos, encontrar el lugar. El proceso también es parte de ellos”.  

Gabriela Arancibia, actriz formada en Teatro Escuela La Matriz y en la Universidad Mayor de Santiago, comenta: “El PET me parece un hermoso gesto reparatorio por parte de la Universidad de Valparaíso, cerrar un ciclo simbólico, sobre todo para las generaciones más grandes que nosotros, que fueron afectadas por la dictadura.

Es un aporte a la trayectoria y al desarrollo histórico de las artes escénicas en Valparaíso. 

Es interesante poder cerrar con un proceso abordando un tema que a veces es tan manoseado, el de la memoria, desde el gesto de hablar, pensar y repensar espacios que han sido símbolos de tensión y poder”.  

MUDA revela sus primeros artistas confirmados para el histórico encuentro en el Estadio Nacional


 MUDA, el Festival de la Memoria, ya inicia su cuenta regresiva hacia un evento sin precedentes: una oportunidad única e histórica para apreciar en un mismo escenario a una constelación excepcional de artistas. 

“Buscamos un cartel diverso y que reúna diferentes estilos y generaciones. Por un lado están figuras clásicas como Inti-Illimani y Piero; por otro, artistas contemporáneas como Ana Tijoux y Javiera Mena.

Programación para todos los gustos. 

La programación incluye a Los Tetas, Camila Moreno y MC Millaray, junto con creadores esenciales como Mauricio Redolés, Electrodomésticos y Metalengua, entre otros”, detalla Marcelo Acevedo, presidente de la Corporación Estadio Nacional Memoria Nacional, a cargo de la organización del evento patrocinado por Amnesty Internacional. 

Esta mezcla única se completa con Banda de la Memoria, un proyecto colectivo que trabaja desde el relevo y la reinterpretación de la canción con contenido social, político y de memoria, integrado por Cuti Aste, Edita Rojas, Jorge Campos, Ismael Oddó, Pedro Villagra y un selecto grupo de invitados de primer nivel. 

A esta propuesta se suman la energía festiva de Tomo Como Rey, los vibrantes ritmos afrobrasileños de Bixiga 70 y la presencia del destacado músico y productor Alain Johannes. Desde distintos estilos y países, todos confluyen en un evento inédito donde la música de todas las épocas se encuentra en un mismo escenario y dialoga a través de la memoria. 

Este conjunto de artistas representa un cruce extraordinario de géneros, trayectorias y compromisos para ofrecer una jornada irrepetible en uno de los recintos y sitios de memoria más importantes del país. MUDA es un gesto cultural colectivo que pretende habitar la memoria desde la creación y la emoción compartida.

Se vienen más sorpresas.  

Este anuncio es apenas el primero de tres: dentro de las próximas semanas se seguirá ampliando el line up con nuevas confirmaciones, prometiendo una experiencia artística aún más robusta y diversa.

Foto: Javiera Mena, Piero, Tomo como Rey,
 Mauricio Redolés,  Inti-Illimani, Alain Johannes y Ana Tijoux

Las entradas ya se encuentran disponibles a través de www.festivalmuda.cl, con valores que van desde los $15.000 a los $40.000 mil pesos (+ cargos por servicios) y un 20% de descuento activo hasta las 23:59 hrs. del miércoles 7 de enero. 

MUDA un festival con propósito 

Los fondos recaudados serán destinados a financiar el trabajo permanente de la Corporación Estadio Nacional Memoria Nacional y de diversos Sitios de Memoria a lo largo del país, contribuyendo a la preservación, activación cultural y proyección de estos espacios para las futuras generaciones. 

Venta de entradas e información en www.festivalmuda.cl.

Congreso Futuro 2026: Todo lo que debes saber sobre la edición que celebra 15 años de pensamiento, ciencia y ciudadanía.

Foto: archivo Congreso Futuro.
Crédito: Guille Salazar
 A solo cinco días de su inicio, Congreso Futuro 2026 afina los últimos detalles de una edición histórica que conmemora 15 años como el principal encuentro de divulgación científica y reflexión interdisciplinaria de Latinoamérica.

El evento se desarrollará del 12 al 17 de enero, con actividades presenciales en Santiago, presencia en todas las regiones del país y transmisión abierta para Chile y el mundo.  

Bajo el lema “Humanidad, ¿hacia dónde vamos?”, esta versión reunirá a más de 120 expositoras y expositores nacionales e internacionales, convocando a la ciudadanía a reflexionar sobre los grandes desafíos contemporáneos desde la ciencia, la tecnología, la filosofía, la política, la cultura y las artes. La sede central será el Centro Cultural CEINA, en la Región Metropolitana, junto a una amplia programación digital y territorial en todo el país. 

Entre los hitos de esta edición destaca la participación de tres Premios Nobel: Ardem Patapoutian (Estados Unidos), Premio Nobel de Fisiología o Medicina; Jack Szostak (Estados Unidos), Premio Nobel de Química; y Rattan Lal (India / Estados Unidos), Premio Nobel de la Paz como parte del IPCC, junto a referentes globales en inteligencia artificial, neurociencia, biotecnología, cambio climático, derechos humanos, educación, urbanismo y cultura. 

En este marco, Congreso Futuro 2026 incorpora espacios especialmente diseñados para profundizar debates clave de la época.

 Como es el caso de la II Cumbre de Filosofía, que se realizará el 13 de enero de 2026, entre las 19:00 y las 21:00 horas, en el Teatro Municipal de Las Condes (Av. Apoquindo 3300).

 La cumbre reunirá a ocho pensadores y pensadoras provenientes de distintas tradiciones intelectuales, disciplinas y geografías, construyendo un diálogo plural en torno a los impactos culturales, éticos y políticos de la inteligencia artificial, la biotecnología, la crisis de sentido, la desinformación y las transformaciones de la subjetividad contemporánea.

Participan Andrea Colamedici (Italia), Shigeru Taguchi (Japón), José María Lassalle (España), Dominique Lestel (Francia), Renata Salecl (Eslovenia), Maurizio Ferraris (Italia) e Ingrid Guardiola (España). 

La programación incluye además la I Cumbre del Futuro del Trabajo, que se realizará el 16 de enero de 2026, entre las 18:00 y las 20:00 horas en CEINA, y que abordará cómo la inteligencia artificial, la automatización y los nuevos modelos productivos están reconfigurando el empleo, la productividad y el bienestar a escala global.

 El encuentro reunirá a voces influyentes de la economía, la gestión, la academia y la justicia epistémica para analizar los riesgos y oportunidades de esta transformación, poniendo en el centro preguntas sobre equidad, inclusión y el tipo de humanidad que se busca preservar en medio de esta revolución tecnológica.

La cumbre será moderada por Denisse Goldfarb (Chile) y contará con la participación de Raffaella Sadun (Italia), Georgios Petropoulos (Grecia), Mark Graham (Reino Unido), Will Stronge (Reino Unido), Anasuya Sengupta (India) y Pinar Ozcan (Turquía).

 A estas instancias se suma una robusta programación de actividades paralelas que amplían la experiencia de Congreso Futuro 2026 más allá del escenario principal.

 Durante toda la semana, el público podrá participar en conversatorios temáticos, seminarios especializados y encuentros interdisciplinarios, donde se abordarán asuntos como educación e inteligencia artificial, ciudades inteligentes, cooperación internacional, gobernanza anticipatoria, futuro del trabajo, ciencia ficción, seguridad, democracia digital, derechos humanos, océanos y acuicultura, entre otros. 

Junto a ello, Congreso Futuro desplegará una feria de innovación y experiencias interactivas, con stands de universidades, centros de investigación, organismos internacionales y empresas tecnológicas, donde las y los asistentes podrán explorar desarrollos en inteligencia artificial, realidad virtual y mixta, astronomía, salud mental, movilidad eléctrica, exploración espacial y ciencia antártica.

La programación incluye además sesiones de preguntas y respuestas (Q&A) con expositores internacionales, talleres participativos y demostraciones en vivo.

 Creado en 2011, Congreso Futuro es organizado por el Senado de Chile, la Cámara de Diputadas y Diputados, la Fundación Encuentros del Futuro, la Academia Chilena de Ciencias y las universidades del país.

En 2026, llega a sus 15 años consolidado como una plataforma de diálogo entre conocimiento y ciudadanía, con una creciente proyección internacional tras la reciente realización de su primera edición iberoamericana en Madrid.

 Congreso Futuro es un evento gratuito y abierto a todo público. Las entradas gratuitas y programación completa se encuentran disponibles en congresofuturo.cl.

Ignacio Santa Cruz presenta su primera novela "La embajada"

Ignacio Santa Cruz entrelaza lo íntimo y lo político en su primera novela La embajada es el debut literario del actor y productor, quien busca retratar una historia de memoria, identidad, relaciones familiares y poder. 

Con la embajada de Chile en Londres como telón de fondo, este libro narra la historia de una familia, específicamente de un hombre que busca conocer la historia de su padre.   

En 2019, el personaje principal Iñaki Eyzaguirre se abre paso en medio de cánticos del estallido social chileno en las calles de Londres, para entrar en la residencia que le entregará las respuestas que ha estado buscando.  

Así, el autor Ignacio Santa Cruz remonta al lector a la Inglaterra de los años setenta, donde personajes como Gabriel González Videla, Pablo Neruda y el príncipe Carlos confluyen en la casa del embajador, un puesto que años antes habría sido ocupado por el abuelo de Iñaki.   

La embajada fue pensada originalmente como guion cinematográfico, sobre lo que el autor comenta que “había demasiadas capas de memoria, contradicción y ambigüedad moral que pedían otro ritmo. La novela me permitió trabajar con el tiempo de la conciencia, con la digresión, con lo no dicho, y sobre todo con la incomodidad”.  

Este libro es una invitación a transitar por los pasillos de la herencia y la diplomacia, una historia llena de secretos familiares, donde la búsqueda del padre se convierte en la búsqueda de uno mismo. “La embajada no busca convencer ni reconciliar; busca tensionar la memoria, tanto individual como colectiva, y poner en duda la idea de que el pasado puede ordenarse sin perdón”, concluye Ignacio Santa Cruz. 

Ignacio Santa Cruz Guzmán es actor, escritor, productor de cine y agente teatral. Ha participado en destacadas obras como The Marijuana Logues (2008) y My First Time (2010), y en cine produjo y protagonizó El Tío (2013), película premiada internacionalmente.

Ignacio Santa Cruz
 Es fundador y ceo de Santa Cruz Producciones, compañía que ha impulsado proyectos teatrales y cinematográficos en Chile. Ha sido miembro de la Asociación de Productores de Cine y Televisión (apct), Cinema Chile, Egeda Chile y es socio de Chileactores y su Fundación Gestionarte.

Su formación en Nueva York, Barcelona y París le otorgó una visión global que ha enriquecido su trabajo. Creó, produjo y condujo el programa de cine 35 mm (2015 / 2018), de la Radio Universidad de Chile.

Durante una década se desempeñó en el ámbito académico como profesor y directivo en escuelas de teatro, y más recientemente como docente de producción ejecutiva en la carrera de Cine y Televisión de la Universidad de Chile.

Música que une territorios: FOJI celebra sus 25 años de existencia con gran gira por el sur de Chile

 La Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile (FOJI) presenta la gira que realizará la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (OSNJ), titulada “FOJI 25 años: Imágenes Sinfónicas”.

El elenco de la Fundación se presentará en Santiago, Viña del Mar, Panguipulli, Fresia y Frutillar, entre el 23 de enero y el 1 de febrero, con el propósito de conmemorar los 25 años de su existencia, cuya trayectoria ha sido ampliamente reconocida por su compromiso social, la formación musical y la difusión de la música sinfónica de niños, niñas y jóvenes a lo largo de todo el país.

Las presentaciones que forman parte de esta gira darán cuenta del trabajo, disciplina y dedicación que los más de 70 jóvenes becados de FOJI han desarrollado durante todo el 2025 bajo la dirección del destacado maestro Paolo Bortolameolli. “Fue un año hermoso, desafiante, pero con tremendas satisfacciones musicales”, dijo.

El director titular de la OSNJ subrayó el sentido profundo de esta celebración por el aniversario de la institución. “Creo que es una celebración a lo hecho, a lo que se hace y a lo que se seguirá haciendo, que es esta transformación de vidas a través del aprendizaje de un instrumento.

Los niños se vinculan con otros niños, aprenden trabajo en equipo, la perseverancia y enfocarse a metas comunes. Hace 25 años que FOJI es una fuente permanente de músicos profesionales, en todas las orquestas profesionales hay gente que ha pasado por algún elenco de la Fundación”, señaló.

Un aspecto relevante de esta gira es la participación de integrantes de las Orquestas Sinfónicas Juveniles Regionales de FOJI, quienes se sumarán a la OSNJ con el propósito de fortalecer la descentralización de la música docta, fomentar la integración territorial y ampliar las oportunidades para jóvenes músicos de diversas zonas del país.

El proceso de selección concluyó el 18 de noviembre pasado y, tras una rigurosa evaluación realizada por un jurado especializado, se determinó que seis integrantes de las OSJR provenientes de las regiones de Coquimbo, Maule y Biobío, viajarán junto a los músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil.

Desde la dirección ejecutiva de la Fundación, Pablo Aranda destacó la relevancia de llevar la música más allá de la capital y valoró la colaboración con elencos locales en algunas fechas de la gira. “También viajaremos a Panguipulli y Fresia, donde compartiremos escenario con orquestas comunales.

Esta gira será una experiencia única para nuestros jóvenes músicos, quienes serán parte del compromiso de FOJI de descentralizar la cultura y potenciar los encuentros entre jóvenes músicos de nuestro país”, dijo.

La gira de la OSNJ

La serie de conciertos conmemorativos de los 25 años de FOJI comenzará en Santiago, con una presentación el 23 de enero de 2026 a las 19:30 horas en la Gran Sala Sinfónica Nacional. Este hito marcará un momento histórico, ya que será la primera vez que la OSNJ se presente en este importante escenario.

Al día siguiente, el 24 de enero, la orquesta llegará a la Región de Valparaíso para ofrecer un concierto a las 20:00 horas en el Teatro Municipal de Viña del Mar, uno de los espacios culturales más emblemáticos de la zona.

En ambas fechas, el programa incluirá la obertura de El holandés errante de Richard Wagner, el Concierto para viola de Franz Anton Hoffmeister y selecciones de Scheherezade, de Nikolái Rimski-Kórsakov.

Posteriormente, el recorrido continuará en la Región de Los Ríos, donde la OSNJ se presentará el 30 de enero en el Gimnasio Municipal de Panguipulli a las 12:30 horas. La siguiente jornada, el 31 de enero, el elenco llegará a la Región de Los Lagos para ofrecer un concierto en el Gimnasio Municipal de Fresia, a las 19:00 horas.

El cierre de la gira tendrá lugar en el marco de las Semanas Musicales de Frutillar, donde los más de 70 jóvenes músicos se presentarán bajo la batuta de Paolo Bortolameolli el 1 de febrero de 2026, a las 19:30 horas.

El programa contemplará un repertorio que transita entre obras clásicas y modernas, incluyendo la interpretación del Concierto N.º 2 para piano y orquesta de Frédéric Chopin, con la participación solista de la pianista Bárbara Sanhueza.

“Por una parte estamos abriendo con la obertura de El holandés errante, que es una obra muy exuberante. Después tendremos en distintas instancias y locaciones a las dos ganadoras del concurso de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil.

En la segunda parte de los conciertos de Santiago y Viña del Mar tendremos Scheherezade de Rimsky-Korsakov, que es una obra muy querida por todo el mundo. En Panguipulli, Fresia y Frutillar llevaremos dos poemas sinfónicos: El aprendiz de brujo del compositor francés Paul Dukas y Un americano en París, de George Gershwin. Así que esta gira será suculenta y entretenida, donde los chicos mostrarán toda su energía y talento”, dijo Paolo Bortolameolli.

¿Cómo asistir al concierto en la Gran Sala Sinfónica Nacional?

El concierto tiene un costo único de $5.000 para público general, cuya forma de obtención se anunciará prontamente a través de las plataformas de FOJI. Las personas que cuenten con credencial de la Red Chile Cuida, contarán con acceso preferencial y gratuito el día del concierto previa inscripción aquí.

¿Cómo asistir al concierto en el Teatro Municipal de Viña del Mar?

El concierto es gratuito con previa inscripción en la página web del Teatro. Las personas que cuenten con credencial de la Red Chile Cuida, contarán con acceso preferencial el día del concierto previa inscripción aquí.

¿Cómo asistir al concierto en el Gimnasio Municipal de Panguipulli?

El acceso será liberado, por orden de llegada, hasta completar el aforo. Las personas que cuenten con credencial de la Red Chile Cuida, contarán con acceso preferencial el día del concierto previa inscripción aquí.

¿Cómo asistir al concierto en el Gimnasio Municipal de Fresia?

El acceso será liberado, por orden de llegada, hasta completar el aforo. Las personas que cuenten con credencial de la Red Chile Cuida, contarán con acceso preferencial el día del concierto previa inscripción aquí.

¿Cómo asistir al concierto en el Teatro del Lago de Frutillar?

Este concierto se realiza en el marco de Las Semanas Musicales de Frutillar. Puedes comprar tu entrada a través de este link.

La película más reciente de la saga de las motos de luz ya se encuentra disponible en DISNEY+

A partir de hoy se puede disfrutar en Disney+ TRON: ARES, la película más reciente que expande la icónica e innovadora saga de TRON con una nueva historia explosiva en la que se explora qué significa ser humano cuando el mundo digital colisiona con el mundo real.

Protagonizada por Jared Leto, Greta Lee, Evan Peters y Jodie Turner-Smith, entre otros, la tercera entrega de la franquicia nacida en 1982 es un viaje vertiginoso hacia un universo que, de la mano del director noruego Joachim Rønning, fusiona guiños inconfundibles a su emblemático legado con elementos de última tecnología. 

Estos son 5 datos reveladores del detrás de escena de TRON: ARES.

Las motos de luz tenían fuentes de iluminación internas con 10.000 luces led que se operaban de forma remota.

“Las motos de luz son la joya más preciada del legado de diseño de TRON. Se han ganado un lugar en la historia de los vehículos cinematográficos que son casi sagrados. Syd Mead diseñó la original y cuando comencé a actualizarla, sentí que estaba trabajando sobre un artefacto religioso”, confiesa el diseñador de producción Darren Gilford.

Durante el rodaje de TRON: ARES, las motos de luz iban a ser conducidas a 200 km/h y remolcadas por un camión bajo la lluvia, lo que llevó al equipo de Gilford a diseñar vehículos superresistentes.

Se soldaron 10.000 luces LED personalizadas en su interior y se utilizó un acabado automotriz de alto brillo para que las motos no se astillaran. Además, cada uno de esos paneles LED podía ser controlado de manera independiente por el departamento de iluminación mediante una consola.

El control remoto de la iluminación de las motos permitía al equipo ajustar las luces según lo requería la escena e incluso apagarlas por completo inmediatamente entre tomas, ahorrando batería.

La inconfundible túnica de Kevin Flynn rinde homenaje al look de 1982 

TRON: ARES marca el regreso a la pantalla del recordado Kevin Flynn, el personaje interpretado por Jeff Bridges que hizo su debut en la película original de 1982 e inmediatamente conquistó a las audiencias con un look inconfundible: una vestimenta tipo kimono, con influencias budistas y japonesas, que contrasta marcadamente con el aspecto de los demás personajes.

En el nuevo film, Flynn luce una versión actualizada de la túnica. Cuenta la vestuarista Alix Friedberg: “Nos inspiramos en esa silueta y en el diseño de iluminación original de la película de 1982, en el que los personajes se iluminan desde dentro.

 La forma del corazón en la delantera de su túnica es una réplica exacta de lo que llevaba en la película de 1982 y en la parte de la espalda tiene el mismo patrón de circuitos en cascada”. 

Se cerraron las calles del centro de Vancouver durante seis semanas para rodar las escenas de persecución con motos de luz.

Tras una excelente experiencia durante el rodaje de la película de 2010 TRON: EL LEGADO, Rønning y su equipo decidieron regresar a la ciudad canadiense para la filmación de TRON: ARES. 

Como las escenas de persecución con motos de luz transcurrían durante la noche, el equipo gestionó el cierre de las calles del centro de Vancouver durante seis semanas para rodar entre las siete de la tarde y las seis de la mañana todos los días.

De todas maneras, el alto tránsito de peatones en la zona implicó grandes esfuerzos de seguridad por parte del equipo de locaciones. 

“Nos preocupaba mucho la velocidad de las motos. Cuando estás filmando escenas así, tienes que asegurarte de que cada rincón esté cubierto porque si no, alguien podría decidir salir por una puerta justo en el camino de las motos.

Tuvimos 70 asistentes de producción, 17 agentes de policía y dos sargentos. Fue como tener un pequeño ejército cada noche”, relata la encargada de locaciones Anne Goobie.

Se fabricaron 18 trajes de luz completos para Jared Leto.

Los trajes de luz de TRON: ARES son altamente sofisticados y fueron fabricados por un equipo de 75 personas en el reconocido estudio Wētā Workshop en Nueva Zelanda. 

Cada traje tenía su propia fuente de luz dentro de un disco montado en la mochila y podía operarse de manera remota desde una consola. Cada casco también contaba con su propia fuente de energía.

El traje de Ares (Jared Leto) tenía alrededor de 110 piezas moldeadas en silicona. 

Se fabricaron 18 trajes, entre trajes parciales y completos, para Leto y sus dobles de acción y fotografía, con un total de más de 700 piezas.

Las improntas visuales de las tres redes están asociadas a los colores primarios y tienen inspiraciones épicas.

En TRON: ARES, los personajes no se adentran en un único mundo virtual o Red, sino que se mueven en tres Redes: la Red de la compañía de informática ENCOM, la Red de la corporación Dillinger y la Red de Flynn. 

Para que resulten fácilmente identificables por parte de las audiencias, el aspecto visual de cada Red se asoció a uno de los tres colores primarios que, a su vez, remiten a mundos emblemáticos del cine y la literatura.

Para la Red de Dillinger se optó por el rojo, con guiños al Infierno de Dante Alighieri. “Para complementarlo, ENCOM fue verde, como Ciudad Esmeralda en El mago de Oz. 

Y la Red de Flynn mantiene el mismo azul de antes: instantáneamente reconocible para los fans”, completa Gilford.

Por otra parte, el equipo recurrió a metáforas visuales para ilustrar el lenguaje informático dentro del film. Así, la seguridad del sistema de ENCOM se visualiza como un castillo medieval, su cortafuegos es literalmente un gigantesco muro de fuego, y sus datos caen como gotas de luz en una estructura similar a una catedral.

TRON: ARES ya está disponible en Disney+. 

“Vietnam, Israel y Trump sus guerras en vivo y en directo”.

 En su nuevo libro el Premio Nacional de Humanidades José Rodríguez Elizondo entrega un testimonio/ensayo autobiográfico notable sobre los nuevos escenarios bélicos en el mundo.

Después de haber sido testigo directo en la guerra Vietnam y de haber vivido la dinámica israelí entre procesos de paz y expansión territorial, hoy relata en detalle esos acontecimientos y analiza los escenarios de los conflictos mundiales con Trump como uno de sus protagonistas.

Desde el dato duro a las ideas, la obra se estructura en tres partes: Vietnam (crónica), Israel (análisis y testimonio diplomático) y “La guerra tibia” (aplicaciones al presente). Combina escenas en vivo (bombardeos, decisiones de líderes), con síntesis geopolítica (realpolitik, límites de la victoria militar).

La obra es una herramienta de memoria, un relato de experiencias que marcaron profundamente al autor en lo filosófico, político e intelectual. “Son lecciones sobre el poder, la diplomacia y también sobre la reconciliación”, comenta Rodríguez Elizondo.

En Vietnam, Israel y Trump, José Rodríguez Elizondo —testigo directo y lúcido analista de la historia contemporánea— entrelaza memoria, diplomacia y geopolítica para iluminar las continuidades de la guerra en el siglo XX y sus mutaciones en el XXI.

Desde el fragor del Vietnam de los años sesenta, donde recorrió un país devastado por el fuego y la propaganda, hasta su experiencia en un Israel dividido entre la búsqueda de paz y el impulso expansivo, el autor reconstruye medio siglo de conflictos que moldearon el orden mundial y proyectan aún sus sombras sobre la actualidad.

Con el rigor del periodista y la mirada crítica del diplomático que ha conocido desde dentro las lógicas del poder, Rodríguez Elizondo muestra que las guerras no solo se libran en los campos de batalla, sino también en la mente y el discurso de los Estados.

En la última parte introduce el concepto de la “guerra tibia”: ese escenario global posterior a la Guerra Fría donde la confrontación adopta formas económicas, tecnológicas o religiosas, y donde la disuasión nuclear vuelve a amenazar la sensatez.

Escrito con la precisión del reportaje y la densidad del ensayo histórico —y concebido como una continuidad de El día que me mataron. Y otros capítulos de mi memoria—, este libro invita a reflexionar sobre la fragilidad de la paz, el olvido de los pueblos y la peligrosa normalización del conflicto. Una lectura iluminadora para comprender las guerras de ayer que aún laten en el presente.

Sobre el autor

 JOSÉ RODRÍGUEZ ELIZONDO. No solo ha vivido intensamente. También ha sabido reflejarlo en su obra, como periodista, escritor prolífico, crítico de arte, dibujante, diplomático reconocido e importante referente de la política internacional. Ha vivido en la ex República Democrática Alemana, Perú, España e Israel.

Entre sus libros de la última década están: Historia de la relación civil-militar en Chile (2018); Todo sobre Bolivia (2017); Historia de dos demandas: Perú y Bolivia contra Chile (2014); El mundo también existe (2014); Chile y la Ley de la Selva (2024); El día que me mataron. Y otros capítulos de mi memoria (2019).

Fue abogado de la Contraloría General, Fiscal de la Corfo, directivo de la ONU, editor internacional de la revista peruana Caretas, director de Cultura e Informaciones de la Cancillería y embajador en Israel.

Actualmente es director del Programa de Relaciones Internacionales de la Facultad de Derecho de la Universidad de Chile, donde publica la revista Realidad y perspectivas.

Es miembro de número de la Academia Chilena de Ciencias Sociales, Políticas y Morales; Premio de periodismo Rey de España y Premio Nacional de Humanidades y Ciencias Sociales.

Disponible en l en formatos impreso e Ebook en librerías y canales digitales.

"Hija del desierto"

Andrea Amosson vuelve al norte chileno con una novela de rebeldía, memoria y raíces ancestrales

Ambientada en la década de 1920, en la árida y luminosa frontera del norte grande chileno, Hija del desierto es la nueva novela histórica de Andrea Amosson, una historia de pasión, ciencia y libertad protagonizada por una mujer que se atreve a desafiar las normas de su tiempo.

La novela sigue la vida de Albúmina Azócar, la última hija de un patriarca marcado por el duelo, que crece en un territorio dominado por la sequía, el viento y las convenciones sociales.

En una zona atravesada por la minería y el trabajo físico extremo, Albúmina sueña con aprender más de lo que se le permite: convertirse en arqueóloga y revelar que las momias más antiguas del mundo no son las egipcias, sino las Chinchorro, originarias del norte de Chile.

La historia se sitúa en un momento clave de las grandes exploraciones científicas del siglo XX, en paralelo al descubrimiento de la tumba de Tutankamón, una época en la que la investigación y el conocimiento estaban mayoritariamente en manos masculinas.

 “Me interesaba explorar cómo una joven acomodada, en una zona agreste y conservadora, podía desear naturalmente algo que para su época resultaba profundamente transgresor”, señala Amosson.

Fiel a su trabajo narrativo, la autora utiliza la ficción histórica para dar voz a quienes quedaron fuera de la historia oficial. “La ficción histórica permite completar vacíos, rescatar aportes subvalorados y aprender de manera más cercana, a través de personajes que sienten como nosotros”, explica.

En Hija del desierto, la búsqueda de identidad y libertad atraviesa toda la narración. Albúmina es una joven inteligente y analítica, pero también profundamente emocional, consciente de que el crecimiento personal implica dolor y renuncias.

 “Creo que la búsqueda de la voz y el camino propio, en relación con los límites impuestos desde afuera es una tensión permanente.  Esta búsqueda está presente a lo largo de toda la historia de la humanidad y creo que no es específica de las mujeres, sino que de cualquier grupo que haya sido marginado o no hegemónico, o con escaso acceso al poder.

Así es que me parece que ese proceso de construir la identidad propia es siempre una lucha, de la cual ojalá salgamos airosas. Pero la protagonista de Hija del desierto entiende que para crecer no podrá evadir el dolor”, afirma la autora.

Con una prosa evocadora y una poderosa ambientación del desierto, Hija del desierto es una novela sobre memoria, raíces ancestrales, deseo y resistencia, protagonizada por mujeres que se niegan a ser borradas de la historia.

Sobre la autora
Andrea Amosson (Antofagasta, 1973) es escritora y docente de escritura creativa. Reside en Texas (EE.UU.) y cuenta con formación en periodismo y un Magíster en Literatura Hispanoamericana y Chilena. Es autora de Las lunas de AtacamaLas mujeres de la guerraLa maestra Bernarda y La pasión de las mujeres Milet. Ganadora del International Latino Books Awards 2017, su obra ha sido reconocida en Chile y en el ámbito literario hispano de Estados Unidos.

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