miércoles, 23 de julio de 2025

Fundación Altiplano lanza campaña para celebrar 25 años caminando con comunidades andinas

 Este año, la Fundación Altiplano cumple 25 años de trabajo junto a comunidades andinas, conservando templos, saberes y territorios. Para conmemorar esta trayectoria, lanzará la campaña “Sarañani” —que en aymara significa “caminemos”—, con el propósito de proyectar su labor hacia el futuro.

La campaña, que se extenderá de julio a noviembre, tiene como meta recaudar 300 millones de pesos chilenos. Los fondos permitirán iniciar un fondo de inversión regenerativa que asegure la sostenibilidad de la misión en el largo plazo, responder a nuevas solicitudes de comunidades andinas para restaurar iglesias, revitalizar tradiciones, atraer turismo responsable e impulsar proyectos regenerativos, y finalizar la construcción de la sede-escuela Sarañani en Arica.

Más que una celebración, “Sarañani” es una invitación a construir colectivamente el futuro de Fundación Altiplano, desde la acción concreta, el compromiso compartido y una visión común de desarrollo sustentable en los territorios andinos.

La campaña contempla tres hitos principales:

31 de julio – Asamblea Fundadora (UAI Santiago): evento de lanzamiento con aliados históricos y nuevos donantes, donde se agradecerá a familias y organizaciones que han acompañado la causa desde sus inicios, tales como Fundación Angelini, Fundación Olivo, entre otras.

Septiembre – Seminario Ruta Misiones Sarañani (Arica): espacio de diálogo sobre el Plan Templos Andinos y renovación de alianzas con el Obispado, comunidades del Comité Mayor y municipios andinos.

23 de noviembre – Fiesta Final (Arica Nativa): cierre de campaña en el marco de los 20 años del festival Arica Nativa, con la participación de nuevas generaciones e inauguración del espacio-escuela Sarañani.

Con esta iniciativa, Fundación Altiplano reafirma su misión de acompañar a comunidades andinas y rurales que necesitan conservar sus tesoros en riesgo.

“Feos” de Aline Kuppenheim llega al Teatro CA660 de Fundación CorpArtes

La destacada actriz Aline Kuppenheim llega al Teatro CA660 de Fundación CorpArtes con su elogiada obra de marionetas “Feos”, una producción de la compañía Teatro y su Doble (antes Teatro Milagros), que este 2025 celebra 20 años de trayectoria. Las funciones se realizarán el 9 y 10 de agosto a las 19:30 horas.

Basada en el cuento La noche de los feos, de Mario Benedetti, y adaptada por el dramaturgo Guillermo Calderón, “Feos” retrata el encuentro entre un hombre y una mujer con visibles deformidades físicas, quienes se conocen en la fila de un cine.

Ambos están solos y han vivido soportando la mirada hiriente del mundo. Ineludiblemente, se despierta en ellos la idea del lugar común, la posibilidad. “Tal para cual”, piensan. Juntos deciden ir a buscar en la oscuridad todo aquello que la luz esconde. Pero nada de eso es tan evidente. ¿Qué ocurrirá después?

Dirigida a un público adulto, la obra combina marionetas, objetos animados y una puesta en escena poética y conmovedora para abordar temas como la discriminación, la autopercepción y la obsesión social con los estándares de belleza. En las voces de Aline Kuppenheim, Francisco Melo y Roberto Farías.

La obra ha sido aclamada por la crítica nacional e internacional (El Mercurio, The New York Times) y ha recorrido escenarios en Chile, Argentina, Uruguay, Estados Unidos y Portugal. Como es sello de la compañía, son los muñecos y las animaciones los encargados de contar la historia, pero esta vez, es la hora de los grandes. 

Aline Kuppenheim reflexiona respecto al impacto de esta obra en los diversos teatros en que se han presentado: “Hemos recorrido muchos países con esta obra, donde podemos reafirmar que la naturaleza humana es igual en todas las culturas.

Son las mismas reflexiones, muchos hablan de sus propias monstruosidades, de sus propias fealdades e inseguridades. Lo relativo que es lo bello y lo feo, de cómo eso gravita en nuestras existencias, en los cuerpos de las personas, en el propio, en el ajeno, pero también en el entorno, como en la industria de la belleza”. 

“Esas reflexiones se hacen aquí en Santiago, en Lisboa o en Nueva York. Eso habla de lo profundamente humano del cuento de Benedetti y lo que escribe Calderón. Y cómo las marionetas también van al encuentro de esa parte nuestra, ese ejercicio mental que tenemos que hacer para creer que esa marioneta está viva”, agrega.

“Estamos muy contentos de ser parte de la celebración de los 20 años de Teatro y su Doble, una compañía nacional con una propuesta más vigente que nunca, y que ha consolidado un trabajo conmovedor y reflexivo a través del teatro de marionetas. ‘Feos’ llega al Teatro CA660 para invitarnos a cuestionarnos y a tocar una fibra profundamente actual”, señala José Tomás Palma, director ejecutivo de Fundación CorpArtes.

Las entradas ya se pueden adquirir en www.corpartes.cl y en Ticketplus. Los precios van desde los $12.000 a $20.000, según la ubicación. Se ofrecen descuentos desde un 15% para estudiantes, tercera edad y convenios. La “Experiencia Feos” tiene un valor de $25.000. Los descuentos no aplican para entradas de “Experiencia” ni platea preferencial. 

“Feos” se presentará el sábado 09 y domingo 10 de agosto a las 19:30 horas, en el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes, ubicado en Rosario Norte 660, piso -2, Las Condes.

La obra “Feos” presentada por Fundación CorpArtes es patrocinada por la Ley de Donaciones Culturales 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

“FEOS” | Teatro y su doble. 09 y 10 DE AGOSTO A LAS 19:30 HRS.

Duración: 50 minutos. Audiencia sugerida: +14 años

Manipulación de marionetas: Aline Kuppenheim, Loreto Moya, Ricardo Parraguez, Ignacio Mancilla y Catalina Bize.Voces: Francisco Melo, Roberto Farías y Aline Kuppenheim.

Venta de entradas en: https://ticketplus.cl/events/feos-teatro-y-su-doble 

Exhibiciones de agosto en Aninat Galería

"Agrandar el círculo” es para Galería Aninat un lema que ha seguido por más de 40 años de trayectoria por ello desde el 12 de agosto hasta el 14 de septiembre presentará las obras recientes de dos artistas que exploran la representación de la imagen y el espacio íntimo mediante.

La pintura en diversos soportes y con quienes comenzará a trabajar en su proyección internacional.

Magdalena Prado y Antonia Daiber experimentan con linos ligeros, papel rasgado o desbastado relevando gradualmente elementos de imágenes cotidianas y archivos personales. Sus obras juegan con opacidad, translucidez, brillo, ligereza, peso y movimiento creando una conexión personal con el espectador.

Las artistas invitan al público a adentrarse en su mundo interior y privado, demostrando las numerosas posibilidades que aún ofrece la pintura y destacando la belleza de la contemplación.

Aninat Galería presenta el “JARDÍN DE ATRÁS" exposición de Magdalena Prado. Una invitación a explorar el vacío como forma, materia y sentido, a través de obras de papel, con un enfoque instalativo y táctil.

La artista nos propone una experiencia visual en la sala principal de la galería de Alonso de Córdova 4355, PISO -1, VITACURA.

Aninat Galería presenta “El Jardín de Atrás”, exposición individual de la artista Magdalena Prado, cuya obra ha expandido los límites del trabajo con papel desde una perspectiva matérica y conceptual. La muestra propone una reflexión sobre el vacío como forma y contenido, a través de piezas que conjugan imagen, soporte y materia en una experiencia visual y táctil. 

Con un enfoque instalativo y sutil, Magdalena construye un espacio poético donde se revela lo que está ausente y se tensiona la relación entre lo visible y lo imaginado.

La exposición se articula como una invitación a mirar “del otro lado”, a través de celosías, intervalos y gestos que interrumpen la superficie. Rasgar, cortar, calar o excavar no son aquí acciones destructivas, sino modos de abrir umbrales.

La mano –presencia latente en toda la obra– actúa como órgano de visión y pensamiento, cavando en la materia del papel para develar una trama oculta. Esa exploración lleva a un jardín: un espacio deshabitado que, sin embargo, se muestra habitado por la levedad y por aquello que permanece a pesar de no estar.

En “El Jardín de Atrás”, el papel no se presenta como soporte pasivo, sino como un cuerpo con memoria, fragilidad y volumen. La artista despliega un lenguaje visual que cruza dibujo, pintura y escultura, en un juego constante de superposición y desplazamiento.

 Las obras no buscan representar, sino provocar una experiencia perceptiva en la que fondo y figura, imagen y materia, son inseparables. Desde el vacío, emerge una nueva forma de habitar el espacio expositivo: una forma en que el silencio y la pausa permiten que algo se revele.

El proyecto se inscribe dentro de una práctica sostenida de más de una década, en la que Magdalena Prado ha explorado las posibilidades expresivas del papel como eje central de su investigación artística. 

A partir del año 2020, su trabajo ha incorporado nuevamente la imagen como una dimensión estructural, ampliando el diálogo entre figura y materia. Su obra ha sido reconocida por abordar lo sutil como potencia: lo leve, lo inestable y lo que apenas se sostiene, como condiciones fundamentales para pensar lo visible y lo sensible.

El Jardín de Atrás”.Magdalena Prado
Sala Principal. Del 12 de agosto al 15 de septiembre de 2025 Inauguración: martes 12 de agosto | 19 hrs.
 

Antonia Daiber presenta en la sección gabinete de Aninat Galería su serie “FLOREROS”, donde reúne pinturas y collages realizados con témpera sobre lino y papel.

A partir de ese motivo tradicional nos propone una reflexión crítica sobre lo decorativo y sus asociaciones culturales, reivindicando una sensibilidad pictórica que se detiene en lo mínimo, li persistente y lo aparentemente prescindible.

Floreros” de Antonia Daiber reúne una serie de pinturas y collages realizados con témpera sobre lino y papel, en los que la artista explora la representación de floreros y ramos florales desde una sensibilidad que tensiona lo ornamental y lo pictórico. Lejos de una reproducción mimética, su propuesta se sitúa en el cruce entre observación, construcción material y reflexión crítica sobre lo decorativo como categoría menor dentro del arte.

La elección del modelo —el florero— remite a un imaginario cargado de tradición y repetición. A través de una serie de piezas de formato contenido, Daiber propone un ejercicio visual que se despliega desde la estabilidad del bodegón.

 La disposición de los objetos en el taller permite una práctica sostenida de observación, pero el foco no está en reproducir la imagen, sino en construir una superficie que traduzca el modelo en términos materiales.

Telas, papeles, pigmentos y cortes componen un campo visual que recuerda tanto a un patrón textil como a un puzle, descentrando la mirada hacia los márgenes de la representación.

“Floreros” se exhibe en la Sección Gabinete, un espacio que permite un montaje contenido y secuencial. Las obras dialogan en la vitrina, en un formato que subraya el carácter íntimo y serial del proyecto.

Pintar flores, en este contexto, no es un gesto nostálgico, sino una decisión crítica: asumir la sospecha que recae sobre lo decorativo para habitarlo como un espacio de resistencia. La muestra plantea interrogantes sobre los límites de lo ornamental y su asociación con lo femenino, lo superficial o lo prescindible, revirtiendo esa carga simbólica desde una práctica rigurosa y consciente.

Antonia Daiber ha desarrollado una práctica centrada en la pintura y el dibujo, atravesada por una constante atención a las cualidades materiales del soporte. 

Licenciada y Magíster en Artes Visuales por la Universidad de Chile, ha exhibido en espacios como Centro de Extensión UC, Galería Isabel Aninat y la embajada de Chile ante el Reino de Bélgica, entre otros.

A través de técnicas mixtas y una observación aguda del mundo sensible, su obra se sitúa en el umbral entre lo visible y lo latente, articulando una poética de la mirada que insiste en los detalles, las vibraciones y los ecos de la materia.

Floreros”
Antonia Daiber
Sección Gabinete. Del 12 de agosto al 15 de septiembre de 2025. Inauguración: martes 12 de agosto | 19 hrs.

La surrealista Orfeo (1950) de Jean Cocteau se proyectará como parte del ciclo Clásicos de Matiné

 En el marco del ciclo Clásicos de Matiné del mes de julio, dedicado a la exploración del surrealismo en el cine, Centro Arte Alameda presenta una función única de ORFEO (1950) del gran director francés Jean Cocteau, este viernes 25 de julio a las 16:45 horas. ¡A precio rebajado!

Un maestro para llevar la fantasía y atmósferas oníricas al cine, Cocteau desarrolló múltiples transformaciones técnicas y poéticas del lenguaje cinematográfico que permiten sumergir a los espectadores en mundos mágicos hasta el día de hoy. 

Este aporte el surrealismo renovó esta vanguardia, que desde los años veinte desarrolló múltiples encarnaciones, de las cuales la de Cocteau es quizás la más mágica y encantadora.

La poesía es uno de los tantos medios artísticos en los que se sumergió este gran realizador en su multifacética carrera. Es por ello que se suele considerar que su adaptación del mito de Orfeo (con el personaje encarnado por Jean Marais) es un relato con elementos muy personales.

Como en la historia mitológica, Orfeo se adentra en un mundo onírico en busca de su amada Eurídice (Marie Déa), buscando traerla de vuelta a la vida. El poeta contempla a la muerte, encarnada por una misteriosa princesa (María Casares) que lo guía por el inframundo.

Esta transformación de la realidad se plasma en la pantalla con una serie de técnicas innovadoras que Cocteau despliega con genialidad, haciéndonos atravesar espejos, imágenes en reversa, y superposiciones fantasmagóricas.

Las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial pueden entreverse en estos parajes, en el que Orfeo y su guía se encuentran con unas ruinas habitadas por muertos, en escenas inolvidables filmadas en una academia militar bombardeada.

"Una película no es contar un sueño, es un sueño en el que participamos juntos a través de una especie de hipnosis" escribió el propio Cocteau en "Poética del cine", una reflexión que bien describe la experiencia de ver "Orfeo" en la gran pantalla.

SALA K presenta ciclo de cine que reúne la mirada de realizadoras contemporáneas a nivel mundial

¿Cómo podemos pensar e interpretar el cine hecho por mujeres? Esta es la pregunta que articula el Ciclo de Cine Maestras: miradas de hoy, que se tomará la programación de la SALA K durante la segunda mitad del año.

La inauguración oficial se realizará el viernes 8 de agosto con el estreno de “Saint Omer” de Alice Diop, ganadora del Gran Premio del Jurado y el premio León del Futuro Luigi De Laurentiis en el Festival Internacional de Cine de Venecia. 

¿Qué implica el concepto Maestra? Así como alguien que enseña, también se trata de alguien que marca pautas. Personas que nos mueven, inspiran y ponen temas sobre la mesa. Una Maestra, como tal, no es solo capaz de movilizar nuevas formas de pensar, sino que también nuevos modos de ver. Y esto, en el cine, puede marcar un antes y un después.

Por ello, el Ciclo de Cine Maestras: miradas de hoy es una invitación a conocer las reflexiones más actuales de realizadoras a nivel mundial, sumando instancias de mediación como conversatorios post función.

Esta iniciativa cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras.

La selección de películas reflexiona sobre cómo se están abriendo y abordando temas considerados arquetípicamente femeninos, en el cine sobre mujeres, hecho por mujeres.

 El ciclo comenzará con el estreno de “Amores materialistas”, la segunda película de la directora nominada al Oscar Celine Song. Protagonizada por Dakota Johnson y Pedro Pascal, propone una relectura de las comedias románticas, género cinematográfico orientado históricamente al consumo del público femenino. 

En agosto también se presentará “Creatura”, coescrita, dirigida y protagonizada por Elena Martín. La película, que aborda el estigma respecto del deseo femenino, ganó el Premio al Mejor Filme Europeo de la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes en 2023 y obtuvo cuatro nominaciones a los Premios Goya. 

Otros de los estrenos del ciclo incluyen dos películas que fueron parte de la competencia oficial de la más reciente edición del Festival de Cannes: “Die My Love”, de Lynne Ramsay, protagonizada por Jennifer Lawrence y Robert Pattinson; y “The Mastermind”, de Kelly Reichardt, protagonizada por Alana Haim y Josh O'Connor. 

El Ciclo Maestras sumará también la presentación de los trabajos más recientes de las galardonadas cineastas Maren Ade (“Toni Erdman”), Andrea Arnold (“Bird”), Albertina Carri (“¡Caigan, las rosas blancas!”), Alice Diop (“Saint Omer”), Mia Hansen Love (“El porvenir”), Tatiana Huezo (“La Tempestad”), Naomi Kawase (“Una pastelería en Tokio”), Lucrecia Martel (“La mujer sin cabeza”), Alice Rohrwacher (“La Chimera”) y Celine Sciamma (“Tomboy”). En el apartado chileno, el ciclo revisará el punto de vista de las realizadoras Pamela Pequeño (“Cobija”), Alicia Sherson (“El futuro”), Pepa San Martín (“Rara”) y Dominga Sotomayor (“Tarde para morir joven”).

 Se trata de películas atravesadas por la reflexión sobre temáticas como la maternidad, nuevas masculinidades, deseo femenino, la brujería, la diversidad en los vínculos amorosos, entre otros.

“La pantalla refleja la realidad, nos la devuelve, es atrapada por nosotras y la devolvemos para reflejarse nuevamente en el cine. Nace un nuevo mundo, que emerge a partir de la perspectiva de mujeres que captan y traducen las imágenes que nos rodean”, explica Macarena Ovalle, Programadora de SALA K. 

Considerando que se trata de un ciclo que se extenderá durante todo el semestre, SALA K/U. Mayor ofrecerá un abono de $12.000, que permitirá el acceso a todas las funciones de las 18 películas que componen la muestra, además de la opción de compra de entradas por función. 

SALA K forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile. 

Coordenadas Ciclo de cine Maestras: miradas de hoy

Desde el jueves 31 de julio.

Entradas y abonos: venta online en SalaK.cl y presencial, en boletería el mismo día de la función. SALA K/U. Mayor: Campus El Claustro, Marín 321, Santiago. 

Lina Meruane debuta en la dramaturgia con “Esa cosa animal”.

 De noche, en una casa de clase media, en medio de una crisis nacional que los tiene en toque de queda, tres hermanos discuten sus dilemas íntimos y comparten secretos que les hacen reír y llorar pero que no los enorgullecen.

Cuestiones que van desde los rencores del pasado familiar hasta las venganzas del presente, desplegados en contradictorias posiciones en torno a la reproducción; es decir, asuntos que van de lo personal al debate social. 

“Esa cosa animal” -estrenada recientemente en Barcelona- se suma así al álgido debate actual sobre la definición de la familia y el abandono de padres y madres, sobre los mandatos maternos ante la discutida disminución de la población, sobre el trabajo de las mujeres (madres y no madres e incluso migrantes) y sobre el deseo de paternar de las parejas homosexuales, entre otras.  

La reconocida autora de la obra, Lina Meruane, basa esta dramaturgia en su ya clásico ensayo feminista Contra los hijos (2014), convirtiéndolo en su primera pieza de teatro llevada a escena. 

Esta obra entusiasmó a la Animal Company, compañía formada por actores chilenos radicados en Barcelona, quienes desarrollaron y montaron la obra en prestigiosos teatros y festivales de esa ciudad. Ahora la traen a Teatro La Memoria para abrir una discusión fresca sobre cómo la familia y la procreación son herramientas políticas y económicas que nos modelan.  

“Como tema, el de la procreación es muy “fértil”, lleno de asperezas, de alegrías y sobre todo de contradicciones. 

Desde que escribí Contra los hijos, hace ya diez años, no me dejan de aparecer situaciones complejas en que pensar, historias que me complican y me conmueven. 

De ahí sale Esa cosa animal, de la necesidad de abordar ciertas cuestiones que no abordé en mi ensayo pero que me parecen sumamente relevantes”, comenta Meruane. 

Al estreno del montaje el día miércoles 6 de agosto le seguirá el lanzamiento del libro “Esa cosa animal”, de ediciones Alquimia, con presencia de la autora Lina Meruane y la escritora, dramaturga y actriz Nona Fernández.  

Sobre la autora:

Lina Meruane es escritora y docente. Su obra incluye dos colecciones de relatos y cinco novelas traducidas a doce lenguas, así como seis libros de ensayo sobre el cuerpo y la enfermedad, la migración árabe y la cuestión palestina, los feminismos y las maternidades.

ESA COSA ANIMAL, basada en su diatriba CONTRA LOS HIJOS, es su primera pieza de teatro y ha sido publicada recientemente por el sello Alquimia, en Chile.

 La autora ha sido reconocida con los premios Iberoamericano de Letras José Donoso (Chile), Metrópolis Azul (Canadá), Cálamo (España), Sor Juana Inés de la Cruz (México), Anna Seghers (Alemania), y becas de escritura de la Fundación Guggenheim (USA), la NEA (USA) y la DAAD (Alemania), entre otros. Enseña escritura creativa en español en la Universidad de Nueva York. 

Sobre la directora:

Roma Monasterio es actriz, directora teatral y artista visual formada en la Universidad de Chile. Ha dirigido las obras: MATANDO HORAS de Rodrigo García (2005); EL MARINERO de Fernando Pessoa (2007); UN LADRÓN Y SU MUJER de Manuel Rojas (2009); HIJO DE POBRE de Benjamín Aguayo (2010); EL SOCIO basada en la novela de Jenaro Prieto (2013) LAS HORAS NEGRAS: SHAKESPEARE EN MINIATURA. (2018) FRÁGIL de autoría propia (2019), CABARET SAUVIGNON de autoría propia (2021); NO SOY YO, ES EL OTRO de Francisco Gómez (2023); NATURALEZA MUERTA de autoría propia (2024) YO, TU HIJA de Miriam Rizutti (2025), entre otras. Desde el año 2018 reside en Barcelona, desde donde busca potenciar y relevar el quehacer artístico chileno participando en festivales, exposiciones y encuentros a nivel europeo.

Coordenadas:

Temporada: Del 6 al 10 de agosto. Miércoles a sábado 19:30 hrs y domingo 18:30 hrs.  

Entradas a la venta en https://ticketplus.cl/events/esa-cosa-animal

Valores: $10.000 general / $5.000 estudiantes, adulto mayor, personas con discapacidad y trabajadores AAEE 

Lugar: Teatro la Memoria (Bellavista 0503, Providencia).

Últimas funciones de la obra “En otras palabras” cierra su primera temporada en San Ginés

 Con más de 15.000 espectadores en solo tres meses, la obra En Otras Palabras se ha transformado en uno de los grandes fenómenos teatrales del año en Santiago. Actualmente inicia su cuarto mes en cartelera y se encuentra en la recta final de su primera temporada en el Centro Cultural San Ginés.

Producida por Teatro San Ginés, esta versión chilena del éxito internacional está protagonizada por Magdalena Müllery Felipe Rojas, y dirigida por la reconocida actriz y directora Moira Miller. La obra ha sido ampliamente aplaudida por su sensibilidad, su narrativa conmovedora y su profundo enfoque en el amor, la memoria y la salud mental.

Otras Palabras, es una historia romántica y profundamente humana escrita por el dramaturgo inglés Matthew Seager. La obra aborda con delicadeza la relación de una pareja que enfrenta una inesperada noticia que cambia el rumbo de sus vidas. Alternando entre el pasado y el presente, la puesta en escena revela cómo el amor y la música pueden convertirse en refugio ante la adversidad.

Este montaje es la adaptación local de una obra que ha sido aclamada en Francia donde ganó cuatro premios Molières bajo el título Oublie-moi y en Argentina, con más de 80.000 espectadores en Buenos Aires.

El montaje chileno ha recibido comentarios positivos tanto del público como de especialistas del ámbito teatral y médico, destacando su aporte a la conversación sobre salud mental, memoria y el rol del acompañamiento emocional.

Funciones:

Jueves, viernes y sábados en Sala 1 de Teatro San Ginés (Mallinkrodt 112, Providencia).
Entradas disponibles en:
www.ticketmaster.cl
www.sangines.cl
O directamente en boletería, abierta 2 horas antes de cada función.

Segundo Encuentro de Cooperativas Culturales se reúne en Valparaíso para trazar nuevas rutas de sostenibilidad y colaboración

 El 2 y 3 de agosto, entre las 15:00 y 19:00 horas, el Parque Cultural de Valparaíso acogerá el Segundo Encuentro de Cooperativas Culturales: Escena Cooperativa, organizado por La Fuga Teatro y financiado por SERCOTEC. Dos jornadas de intercambio, reflexión y acción colectiva para fortalecer el cooperativismo cultural en Chile.

 El Segundo Encuentro de Cooperativas Culturales, organizado por La Fuga, vuelve con fuerza para reunir a cooperativas consolidadas, así como a agrupaciones en formación que buscan modelos de gestión colaborativa.

  Participarán organizaciones de diversas regiones de Chile, en un espacio destinado para intercambiar herramientas concretas, reflexionar sobre las prácticas colaborativas y proyectar nuevas alianzas que fortalezcan el sector. 

Durante dos jornadas intensas, la programación combinará ponencias, metodologías participativas y mesas de trabajo, junto con exhibiciones artísticas y una celebración festiva de clausura. 

Quienes participen podrán rotar entre distintas mesas de discusión para abordar temas cruciales como gestión cooperativa, marcos legales y redes de colaboración. 

 El encuentro también contempla dos actividades abiertas a toda la comunidad: la presentación de la obra Stella, de la Cía. La Fuga, en el Teatro del Parque Cultural de Valparaíso —una propuesta escénica donde cuatro actrices encarnan a Stella Díaz Varín, figura clave de la poesía chilena y latinoamericana—, y la fiesta Vibra Loca, que cerrará la jornada con música en vivo, performance y DJ en el Bar Lemutt. 

Innovación Social 

Sebastián Álvarez, Gerente de Teatro la Fuga menciona que “nuestro afán es seguir generando redes de cooperación que alivien la carga del sector y fortalezcan el cooperativismo como una herramienta para el bienestar de quienes trabajamos en cultura, resguardando tanto nuestras condiciones laborales como nuestros derechos culturales. 

 Por eso hemos ampliado la invitación a un espectro amplio del sector artístico-cultural que está enfocado en trabajar desde el cooperativismo. En esa medida, el encuentro ha crecido, y se están innovando las relaciones que se pueden generar y los vínculos que se pueden fortalecer desde esta perspectiva. 

 La innovación, entendida como una innovación social, ha permitido que la red comience a articularse y a generar propuestas en común.” 

Valparaíso, ciudad nodo para una cultura colaborativa 

Valparaíso emerge como un nodo vital para una cultura que se sostiene en la cooperación y la reciprocidad, prácticas que el arte ha desarrollado históricamente y que hoy resultan más necesarias que nunca. 

 Esta iniciativa impulsa activamente la consolidación de modelos culturales equitativos y proyecciones conjuntas, contribuyendo también al fortalecimiento de las economías creativas y al posicionamiento de la ciudad como un referente cultural de alcance nacional. 

¿Qué estrategias compartidas podrían dar continuidad a lo que estás construyendo? ¿Con quién podrías articular para proyectar tu trabajo en red? Responde estas preguntas sumándote al encuentro:  🌐 www.lafugateatro.cl  📸 Instagram: @lafugateatro    📩 Formulario de inscripción: Formulario de inscripción 

Dirección Parque Cultural de Valparaíso; Cárcel #471 Dirección Bar Lemutt; Gálvez #233 Valparaíso.

Perfilómetro: tecnología astronómica al servicio de otras ciencias

Diseñado para medir la precisión topográfica de una superficie como antena o guías de onda, por ejemplo, hoy el perfilómetro del Centro de Astrofísica y Tecnologías Afines (CATA) también se convierte en un aliado clave para investigaciones forenses en antropología.

 Desde su posición en el Laboratorio de Ondas Milimétricas y Submilimétricas de la Universidad de Chile (MWL), laboratorio dirigido por el Investigador Asociado, Ricardo Finger, el perfilómetro del CATA ha sido pieza fundamental en la construcción de instrumentos de alta complejidad para la astronomía chilena.

Pero su alcance ha ido mucho más allá. Hoy, esta tecnología de precisión está permitiendo explorar el impacto de la abrasión fluvial en restos óseos humanos, una aplicación que parecía impensada, pero que abre un nuevo capítulo para la ciencia interdisciplinaria. 

“El perfilómetro es una herramienta que permite medir con altísima precisión la topografía de una superficie, detectando incluso las más pequeñas rugosidades o marcas”, explica Franco Curotto, Ingeniero Senior y Encargado del Laboratorio del CATA. 

“En astronomía lo usamos para verificar que antenas, divisores de polarización, guías de onda y otros componentes críticos cumplan con tolerancias mínimas. Pero esa misma capacidad de detectar micro variaciones lo hace útil para muchos otros campos”. 

Uno de esos nuevos campos es la antropología forense. Javiera Olivares, estudiante de quinto año de Antropología Física en la Universidad de Chile, está utilizando el perfilómetro para su tesis de pregrado, que analiza cómo cambian las marcas de trauma en huesos humanos cuando son expuestos a ambientes fluviales, como ríos o zonas húmedas, después de crímenes violentos como descuartizamientos. 

“El perfilómetro nos permite capturar la superficie del hueso antes y después de haber estado sumergido en agua con sedimentos”, explica Javiera. 

“Así podemos ver cómo se alteran las huellas de cortes o impactos, y si esa abrasión borra evidencia clave que permitiría, por ejemplo, identificar el tipo de arma utilizada. Sin este nivel de precisión, esos detalles podrían perderse”. 

En su tesis, Javiera somete fragmentos óseos a simulaciones de exposición fluvial durante 24, 48, 72 y 96 horas. Luego, utilizando el perfilómetro, analiza los cambios topográficos en esas superficies óseas. 

Su objetivo es determinar si las alteraciones provocadas por el agua y los sedimentos podrían comprometer el análisis forense posterior. 

“La capacidad del perfilómetro para generar un modelo tridimensional detallado es clave en este proceso”, añade Curotto. “Permite ver exactamente cuánto se ha desgastado una superficie, qué marcas permanecen, cuáles se suavizan o desaparecen. Y todo eso con un nivel de precisión que, en ciencia, puede marcar la diferencia entre una suposición y una conclusión”. 

Este caso ilustra cómo una herramienta desarrollada con fines astronómicos puede convertirse en un instrumento decisivo en la comprensión de fenómenos humanos y sociales. Más aún, muestra cómo la infraestructura del CATA, pensada para observar el universo, puede también contribuir a resolver preguntas terrenales. 

“Cuando fui al laboratorio de Cerro Calán y conocí el perfilómetro, me sorprendió que algo pensado para piezas metálicas o acrílicas de telescopios pudiera ser útil también para huesos humanos”, comenta Javiera. “Pero tiene todo sentido. Al final, una superficie ósea también tiene relieves, texturas, rugosidades y es eso lo que buscamos entender”. 

Javiera espera terminar su investigación en diciembre de este año, gracias al apoyo de su profesora guía Constanza Torres, docente del Departamento de Antropología de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Chile aportando no sólo al conocimiento en antropología forense, sino también, a consolidar el valor del trabajo interdisciplinario en ciencia. 

Un perfil de precisión que, desde las estrellas, ahora también ayuda a entender lo que ocurre en restos humanos. 

Familias de Huara asistieron a espectáculo de FINTDAZ en Iquique

Una entretenida tarde se vivió en el Salón Municipal Tarapacá, con la actividad que realizó el XVIII Festival Internacional de Teatro y Danza FINTDAZ, para cerrar las vacaciones de invierno en la región.

Una pareja de acróbatas recepcionó a las familias que llegaron para ver la función de “Pista Mágica” de Circo Iquique y en esta oportunidad, el montaje también se presentó frente familias de la comuna de Huara y del pueblo de Bajo Soga.

La participación de la comunidad de Huara se debe a una vinculación junto con la Oficina de la Niñez del municipio y su coordinadora, Pamela Carvajal Carlos, contó que “nosotros nos instalamos recién en enero del año pasado (2024) y fue un correo enviado a FINTDAZ que nunca pensé que me iban a contestar el mismo día y de ahí empezó nuestra vinculación; tratando de buscar más espectáculos, más actividades que llegaran a las zonas rurales, porque Huara tiene muchos pueblos y faltan actividades y Fintdaz nos ha acompañado en todas, de hecho, ha ido hasta la caleta, se ha trasladado con apoyo de la Armada y ha ido a Tarapacá.

 Este año queremos ir a Sibaya, a lugares donde los niños nunca han visto estas actividades, así es que estamos tremendamente agradecidos de Fintdaz”.

El director general de Fintdaz, Abraham Sanhueza López, expresó que “estamos cerrando el especial de funciones que tuvimos en el marco de las vacaciones de invierno, donde estuvimos invitando a las familias para que puedan pasar entretenidas tardes de teatro, circo y magia y queremos agradecer al gran marco de públicos que tuvimos en este nuevo ciclo.

 Sin duda, hemos tenido momentos memorables, pero queremos destacar el esfuerzo y disposición de la Oficina de la Niñez, con la que hemos ido gestando diversas iniciativas, para continuar democratizando el acceso a las artes entre la comunidad local”.

La programación del festival se enmarca en los Hitos Programáticos que se realizarán hasta el mes de septiembre, para luego dar paso al desarrollo del Gran Festival, durante octubre y noviembre del 2025.

La Compañía de Teatro Profesional Antifaz es financiada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro.

Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística.

Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

 El XVIII Festival Internacional de Teatro y Danza es presentado por Compañía de Teatro Antifaz y Cerro Colorado | BHP, financiado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, a través del Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, Línea Festivales y Encuentros de Trayectoria, Convocatoria 2025; Ley de Donaciones Culturales y el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, Convocatoria 2025 y la colaboración de la Ilustre Municipalidad de Iquique.

Ciclo "Bolero Falaz" inunda de romanticismo el corazón de Santiago

Con una mirada contemporánea, cercana y emotiva, el ciclo “Bolero Falaz” se impone como uno de los panoramas imperdibles para ponerle pasión...