viernes, 19 de junio de 2026

Una Odisea contemporánea en clave ciencia ficción en el Teatro Camilo Henríquez

¿Qué ocurre cuando finalmente regresamos a casa y ya no somos capaces de reconocerla? 

Un astronauta vuelve a la Tierra después de una larga expedición a Marte. La misión ha terminado, el viaje parece haber concluido y el hogar lo espera al otro lado del universo. Sin embargo, al volver, descubre que algo no encaja.

Las personas, los espacios y los recuerdos le resultan familiares, pero también extrañamente ajenos. Como si habitara una réplica imperfecta de la realidad.

Esa inquietante sensación de desorientación atraviesa Experiencias a través del Universo (+14 años, 50 min), la nueva obra escrita por Carla Zúñiga y dirigida por Manuel Morgado, que se estrenará el próximo 25 de junio en el Teatro Camilo Henríquez, la sala del Círculo de Periodistas con 70 años de historia dedicada al teatro chileno de vanguardia.

El montaje marca un nuevo encuentro creativo entre Zúñiga y Morgado, quienes durante los últimos años han desarrollado una sostenida y exitosa colaboración artística en obras como Yo también quiero ser un hombre blanco heterosexual (2018), El terror de vivir en un país como este (2022) y Un montón de brujas volando por el cielo (2022).

En esta ocasión, ambos vuelven a reunirse para explorar, desde la ciencia ficción, preguntas sobre la identidad, la memoria y la necesidad humana de encontrar un lugar al cual pertenecer.

La pieza propone una singular relectura contemporánea de La Odisea, el poema épico de Homero del siglo VIII a.d.C. Aquí, el conocido Ulises ya no es un héroe que atraviesa mares para volver a Ítaca, sino un astronauta que regresa de una expedición a Marte, siendo incapaz de distinguir entre la realidad y la ilusión. 

“Aquí el problema no es la distancia física. Nuestro Ulises logra retornar de Marte, pero no sabe si realmente regresó. La pregunta deja de ser cómo volver a casa y pasa a ser cómo reconocerla”, explica Morgado.

Interpretada por Héctor Morales y Guilherme Sepúlveda, la obra sigue el encuentro entre dos hermanos marcados por la pérdida, la soledad y la necesidad de aferrarse a una realidad que parece desmoronarse.

 Mientras Ulises (Sepúlveda) intenta comprender qué es verdadero, Alejandro (Morales) lucha por devolverlo a la vida cotidiana.

Aunque transcurre entre Marte y la Tierra, Experiencias a través del Universo aborda experiencias profundamente humanas: el duelo, la fragilidad de los recuerdos, el miedo a la locura y la sensación de extrañamiento que atraviesa a quienes regresan de una crisis transformados para siempre.

Al propio Morgado la experiencia le es cercana, luego de que en marzo 2023 contrajera un virus respiratorio que lo mantuvo 10 días en coma inducido y conectado a respiración mecánica. “Cuando volví a la realidad sufrí de sueños lúcidos, alucinaciones y me costó darme cuenta que todo eso no había ocurrido, al igual que reconocer nuevamente los espacios y a las personas”, relata.

Sin embargo, para llevar esta historia y sus sensaciones a escena, el director prefirió recurrir a la ciencia ficción como un vehículo ideal para explorar preguntas que sean universales y a la vez extraordinarias.

“La ciencia ficción me permite llevar a los personajes a situaciones al límite. No me interesa como una vía de escape del presente, sino como una forma de observar mejor este presente”, señala.

El director sostiene que vivimos en una época marcada por la incertidumbre, donde las transformaciones tecnológicas, la inteligencia artificial, las crisis ambientales y los conflictos globales han vuelto difusa la frontera entre realidad y ficción.

“Muchas veces la realidad parece más extraña que la propia ficción. Creo que vivimos ya en una ciencia ficción”, agrega. También se inspira en la hauntología del filósofo británico Mark Fisher, en la que el presente está "embrujado" no por espíritus tradicionales, sino por futuros utópicos y alternativas sociales que fueron prometidas, pero nunca llegaron a materializarse debido al fatalismo del capitalismo moderno.

“Vivimos en la nostalgia de algo que nunca existió”, dice Morgado.

Ese cruce entre lo real y lo imaginario también se expresa en el universo visual y conceptual de la obra, imágenes influenciadas por fenómenos culturales contemporáneos como la estética Dreamcore y los Backrooms atraviesan l

a propuesta escénica. “Lo inquietante de estas estéticas no es que sean monstruosas, sino que parecen espacios familiares donde ya estuvimos. Eso es exactamente lo que siente Ulises cuando regresa: la Tierra se convierte en un Backroom para él”, explica el director.

La puesta en escena apuesta por una propuesta visual despojada, centrada en la actuación y en la construcción de atmósferas a través del diseño sonoro, la iluminación y un dispositivo escénico basado en reflejos, espejos y distorsiones visuales que acompañan la fractura perceptiva del protagonista.

 “La obra no se trata solo de Marte. Se trata de personas intentando encontrar un lugar en el mundo o sentir que realmente habitan un hogar”, concluye Morgado.

Coordenadas: Del 25 de junio al 04 de julio en el Teatro Camilo Henríquez – Amunátegui #31, Santiago (Metro La Moneda) Jueves a Sábado, a las 19:30 horas, función especial matiné Sábado, a las 16:00 horas.

Entradas: A la venta en boleterías del teatro (1 hora antes de la función) y por sistema Ticketplus.cl 

Valores de las entradas:  $12.000 - Platea Alta $10.000, estudiantes de teatro, danza, periodismo: $3.500 - adultos mayores: 3.000 - estudiantes general $5.000 - personas con movilidad reducida: 7.000. La función Matiné tendrá un valor general de $6.000.

“El Quinto paso”, con Francisco Melo y Felipe Rojas, entra en su recta final en Teatro Zoco

Dos hombres sentados frente a frente. Un café que se enfría sobre la mesa. Y una conversación que poco a poco se convierte en un combate emocional.

Tras cinco semanas en cartelera, El Quinto paso entra en su última semana de funciones en Teatro Zoco. La obra, escrita por el dramaturgo norirlandés David Ireland y considerada uno de los títulos más comentados de la dramaturgia británica reciente, se despedirá de los escenarios chilenos este domingo 21 de junio.

Protagonizada por Francisco Melo y Felipe Rojas, la pieza sigue el encuentro entre James, un veterano integrante de Alcohólicos Anónimos, y Luka, un recién llegado que intenta mantenerse sobrio. Lo que comienza como una conversación de apoyo mutuo pronto deriva en un ejercicio incómodo y profundamente humano sobre la culpa, la fe, la dependencia y los límites de la honestidad.

Con funciones agotadas en varias jornadas y una entusiasta recepción del público, el montaje dirigido por Jesús Urqueta se ha consolidado como una de las apuestas teatrales más destacadas de la temporada.

Estrenada originalmente en el Festival de Edimburgo de 2024 y posteriormente presentada en el West End de Londres con Martin Freeman y Jack Lowden, El Quinto paso llegó a Chile en su primera versión local con traducción de Pablo Schwarz y una puesta en escena que apuesta por la cercanía y la exposición emocional de sus personajes.

“Más que una obra sobre adicciones, es una obra sobre la necesidad que tenemos de los otros para sostenernos”, señala Jesús Urqueta. “La tensión surge cuando ese vínculo comienza a cargarse de expectativas y responsabilidades que ningún ser humano puede sostener completamente”.

Con apenas dos actores en escena durante noventa minutos, todo descansa en la precisión de las actuaciones y en un texto que transita con naturalidad entre el humor, la incomodidad y el desgarro.

Las últimas funciones se realizarán entre el jueves 18 y el domingo 21 de junio en Teatro Zoco, ubicado en Av. La Dehesa 1500, Lo Barnechea.

Coordenadas

Últimas funciones: 18 al 21 de junio
Lugar: Teatro Zoco (Av. La Dehesa 1500, Lo Barnechea)
Horarios: Jueves a sábado, 19:30 horas | Domingo, 18:00 horas. Entradas: Punto Ticket
Estacionamiento liberado.

Participa, disfruta y crea en el MNBA

 Ven junto a tu familia a disfrutar de las actividades organizadas por el área de Mediación y Educación MNBA. Recorridos mediados, espacios de juego y dibujo libre, además de un taller son parte de los panoramas para todas las edades que te esperan estas Vacaciones de Invierno.

Para niñas y niños

Miércoles, 24 de junio
Detectives en el museo. Recorrido para primera infancia.
Actividad para primera infancia y sus acompañantes, que invita a descubrir mediante el juego y la observación algunas de las obras de la muestra 145 años: Historias de una Colección, realizadas en distintas épocas; poniendo énfasis en las emociones y en la identificación de las niñas y niños representadas en estas.     

   
11:00 h | 4 a 7 años | Sin inscripción, por orden de llegada hasta completar aforo de 20 personas.

Jueves, 25 de junio: Álbum 145 años. Descubriendo mi colección histórica. Recorrido lúdico
Actividad para niñas y niños con sus acompañantes, donde podrán descubrir obras de la exposición 145 años: Historias de una Colección, completando un álbum, con dibujos, textos y stickers. 11:00 h | 8 a 12 años | Sin inscripción, por orden de llegada hasta completar aforo de 20 personas

Taller de paseo como naturalistas en los museos nacionales

Organizado por las áreas educativas y de mediación de los tres museos nacionales, invita a conocer la labor de los naturalistas del siglo XIX, a partir de las colecciones de estas instituciones, por medio de distintos ejercicios creativos.

Las y los participantes pueden inscribirse en una o las tres sesiones, se sugiere participar de las 3 sesiones para una experiencia más completa.
Sesión 1: Martes 30 de junio, Museo Nacional de Bellas Artes
Sesión 2: Miércoles 1 de julio, Museo Histórico Nacional
Sesión 3: Jueves 2 de julio, Museo Nacional de Historia Natural
11:00 a 13:00 h | 8 a 12 años | Con inscripción en este formulario >>       

Para Jóvenes

Miércoles, 24 junio y 1 de julio

Trazando recuerdos. Recorrido + taller
Actividad que invita a crear por medio de técnicas gráficas desde la experiencia de conocer la muestra De amor, humor y muerte de la artista nacional Valentina Cruz y los recuerdos personales de cada participante. Incluye materiales.
15:30 a 17:00 h | 14 a 18 años | Con inscripción en este formulario >>            

Para todas las edades

Martes a viernes | 23 de junio al 3 de julio
Recorrido mediado: Conociendo el Museo y su historia
Conoce el contexto general del Museo, su historia, arquitectura y colección; así como algunas nociones sobre patrimonio y artes visuales.

Martes a viernes | 10:30 h | Duración: 40 min. | Toda edad | Sin Inscripción.

Martes y viernes | 23, 26 y 30 de junio, 3 de julio                   
Juego + recorrido: Memorias de una colección 
Juego de memorice más recorrido mediado a partir de una selección de obras de la exposición 145 años: Historias de una Colección                  
12:00 a 13:30 h | Toda edad | Sin inscripción. Martes y viernes |23, 26 y 30 de junio, 3 de julio           

Tardes de dibujo                 
Actividad que invita a dibujar en el Hall del museo inspirándose en sus  obras escultóricas. Incluye materiales | Toda edad | Sin inscripción. Jueves, 25 de junio      

   
Estación de grabado
Explora técnicas del grabado como la linografía y el estampado, y descubre diversos detalles de la arquitectura del Palacio de Bellas Artes.
15:30 a 17:00 h  | Toda edad | Sin inscripción 

Jueves, 2 de julio        
Pregúntale al museo                  
Recorrido mediado con estrategias lúdicas que invita a conocer detalles de la historia y arquitectura del Museo.
15:30 h | Toda edad | Sin inscripción 
 

* Para todas las actividades el punto de encuentro será en el hall del Museo

Conversatorio sobre videoarte y performance con David Lamelas y Hildegade Duane

La actividad se realizará el martes 23 de junio, a las 18:00 h, en el Salón Blanco del MNBA y abordará la trayectoria colaborativa de la dupla artística en el marco de la exposición “Para algunas caídas no existe la gravedad”, que se abrirá prontamente en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos.

Con el nombre “Actuar la imagen”, este diálogo propone situar la trayectoria colaborativa de David Lamelas (Buenos Aires, 1944) y Hildegarde Duane (Los Ángeles, California, 1943) en el contexto del arte conceptual y la expansión del videoarte desde los años setenta.

Siendo parte de las colecciones del MoMA, Centre Pompidou, Museo Reina Sofía y Guggenheim, entre otras instituciones, la práctica artística de Lamelas y Duane se articula a partir de una metodología de trabajo conjunto basada en la construcción de guiones e interpretaciones que cruzan performance y producción audiovisual. A través de ellas, con humor e ironía, profundizan en el uso de arquetipos de poder —figuras políticas y mediáticas— como dispositivos performativos, que dialogan con imaginarios de la cultura popular.

La actividad será moderada por Paula Solimano, curadora de “Para algunas caídas no existe la gravedad”, la primera exposición de la dupla en Chile, que se exhibirá entre el 26 de junio y el 27 de septiembre en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos.

La muestra reúne cinco piezas audiovisuales –entre ellas The Dictator, hoy en las colecciones del Museo Reina Sofía y del Guggenheim– donde los artistas emplean la parodia y la sátira para examinar cómo la televisión y las imágenes electrónicas construyeron el poder entre las décadas de 1970 y 1990. 

Esta actividad es posible gracias al trabajo colaborativo del Museo de la Memoria y los Derechos Humanos, el Museo Nacional de Bellas Artes, en el marco de la Asociación Más Museos, y del apoyo de la Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad Diego Portales. La exposición cuenta con el financiamiento de la Secretaría de Artes de la Visualidad del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Sobre los artistas

David Lamelas (Buenos Aires, Argentina, 1944). Considerado una figura central del arte contemporáneo argentino e internacional, con una práctica que abarca pintura, escultura, instalación, performance y cine. Su obra se inscribe tempranamente en el arte conceptual, articulando diálogos con el minimalismo y el pop, con un énfasis sostenido en el análisis del cine como medio y dispositivo.

A través de películas, instalaciones y fotografías, explora cómo los sistemas mediáticos modelan la percepción y la construcción del mensaje, tensionando las convenciones narrativas del lenguaje audiovisual. Desde fines de los años sesenta, su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en bienales, museos y colecciones de referencia como MoMA, Tate y The Metropolitan Museum of Art.

Hildegarde Duane (Los Ángeles, Estados Unidos, 1943). Ha desarrollado desde mediados de los años setenta una práctica interdisciplinaria en video, fotografía e instalación, explorando los márgenes del entretenimiento de masas y sus figuras arquetípicas. Su trabajo se inscribe en una escena colaborativa de la Costa Oeste estadounidense, vinculada a espacios como el Long Beach Museum of Art, donde articuló proyectos junto a artistas, actores y músicos en torno a la producción audiovisual. A través de narrativas visuales, imágenes en movimiento y texto, Duane tensiona los códigos del imaginario mediático, con especial atención a la construcción y desmontaje de la imagen femenina y sus formas de representación.

Su obra ha sido exhibida internacionalmente desde los años setenta y forma parte de colecciones como las del MoMA, Centre Pompidou, Museo Reina Sofía y Guggenheim. 

Paula Solimano (Maryland, Estados Unidos, 1991). Jefa de Museografía y Curaduría del Museo de la Memoria y los Derechos Humanos en Santiago, donde coordina la creación de exposiciones permanentes y temporales, así como residencias que articulan creación artística, archivos y diálogo intergeneracional.

Es historiadora del arte, curadora y artista visual, con un Magíster en Historia del Arte, un Diplomado Avanzado en Estudios Curatoriales por Hunter College, CUNY, y una Licenciatura en Arte por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Su trabajo cruza arte contemporáneo, memoria y derechos humanos, articulando investigación archivística y prácticas artísticas con estrategias críticas de lectura que incorporan humor, juego y experimentación como parte de sus metodologías.

Para participar en el conversatorio se requiere inscripción previa a través de un formulario online

La maestra Alejandra Urrutia dirige a la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile en un estreno de Valeria Valle

La Orquesta Sinfónica Nacional de Chile presenta un nuevo programa de su temporada sinfónico-coral, esta vez bajo la dirección de la destacada maestra chilena Alejandra Urrutia, quien tomará la batuta los días viernes 19 y sábado 20 de junio a las 19:30 horas en la Gran Sala Sinfónica Nacional.

Directora titular de la Orquesta de Cámara del Municipal de Santiago, directora artística y musical del Festival Academia Internacional de Música Portillo y del Gran Concierto por la Hermandad, lidera también el HUB de directoras de orquesta y es directora residente de la Orquesta de las Américas. 

El programa estará marcado por el estreno absoluto de El retorno del sol, una nueva creación de la compositora chilena Valeria Valle, la que le fue especialmente comisionada en el marco de la conmemoración de los 85 años de vida de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile. 

Inspirada en la energía ancestral del We Tripantu, celebración del nuevo ciclo de la naturaleza en la cosmovisión mapuche, la obra propone un diálogo entre los saberes originarios y la contemporaneidad, invitando al público a una experiencia sonora que conecta territorio, memoria y renovación.

“Se toman como referencias los conceptos de renacer, de la tierra, cómo se regenera para poder avanzar hacia una nueva etapa y ese proceso de metamorfosis que tiene. Sobre todo, la vuelta del solsticio, con los días más largos”, comenta su creadora, Valeria Valle. 

En términos técnicos “la obra se basa en un juego tímbrico donde hay mucho paisaje sonoro construido con los instrumentos. Algunos efectos con el violín, el vibráfono, un juego con el arpa, campanas tubulares van a estar presentes también en la obra, donde este retorno del sol se va construyendo con diferentes momentos, entre históricos, misteriosos y también majestuosos”, explica la compositora.

El programa continuará con la célebre Bachianas brasileiras n.º 5 de Heitor Villa-Lobos, una de las páginas más emblemáticas de la música latinoamericana del siglo XX, escrita para soprano y conjunto de violonchelos. La obra contará con la voz de la destacada soprano Patricia Cifuentes, primera chilena en ganar el Concurso

Internacional de Canto Dr. Luis Sigall y quien ha sido galardonada con reconocimientos como el Premio Altazor, Premio Apes y el Premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile. 

Posteriormente, la Orquesta abordará la Sinfonía n.º 8 en sol mayor, op. 88, de Antonín Dvořák, obra maestra del repertorio sinfónico romántico que combina el lenguaje musical europeo con las sonoridades y el imaginario popular de la tradición checa, dando forma a una partitura de gran riqueza melódica y carácter poético, inspirada en los paisajes y la atmósfera de la campiña bohemia. 

Escrita en 1889 en la residencia de verano del compositor en Vysoká, se trata de una de sus creaciones más célebres. Estrenada con gran éxito, refleja un período de especial creatividad y reconocimiento internacional en su carrera. 

Tras este concierto, la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile abordará un nuevo programa familiar con obras de Dvořák, Brahms, Strauss, Borodin, Offenbach y el chileno Luis Advis. El programa lo dirigirá el maestro Giovanni Panella, en lo que será su debut con esta orquesta, y contará además con la dramaturgia de Mariana Muñoz y la participación del reconocido actor Francisco Melo.

Las entradas para todas las actividades se encuentran disponibles a través del sistema Ticketplus (ceacuchile.ticketplus.cl), además de las boleterías de la Gran Sala Sinfónica Nacional y del Teatro Universidad de Chile, con diversos descuentos disponibles para estudiantes y adultos mayores, entre otros.

Científicos rastrean contaminantes invisibles en la Antártica

(c) Gustavo Chiang
 Una iniciativa pionera en Chile investiga cómo los llamados “químicos eternos” llegan, circulan y afectan los ecosistemas polares, en un contexto marcado por el deshielo y el cambio climático.

 ¿Cómo llegan los llamados “químicos eternos” a uno de los lugares más remotos y prístinos del planeta? ¿Qué efectos podrían tener estos contaminantes sobre la fauna marina y los ecosistemas? ¿De qué manera el calentamiento global influye en la liberación de sustancias tóxicas atrapadas en el hielo? 

Estas son algunas de las preguntas que busca responder ICEMELT, un nuevo centro de investigación chileno dedicado al estudio de contaminantes emergentes en la Antártica. 

Los PFAS —conocidos internacionalmente como “químicos eternos”— corresponden a miles de compuestos químicos sintéticos utilizados ampliamente en productos industriales y de consumo por su capacidad para repeler agua, grasa y suciedad. 

Se encuentran en muchísimos productos de consumo de la vida como ropa de montaña e impermeabilizantes. Debido a su gran estabilidad química, estas sustancias no se degradan fácilmente en el ambiente y pueden permanecer durante décadas en el agua, el suelo, el hielo y los organismos vivos. 

Frente a este escenario, ICEMELT busca comprender cómo estas sustancias llegan, se acumulan y circulan en los ecosistemas antárticos, así como también cuáles podrían ser sus efectos sobre organismos marinos y redes alimentarias del océano Austral. El proyecto es encabezado por la Universidad Mayor y financiado por la Agencia Nacional de Investigación y Desarrollo de Chile (ANID) a través del programa Anillos de Investigación en Ciencia Antártica. 

La iniciativa contempla tres líneas principales de investigación: ocurrencia ambiental, ecotoxicología y transferencia trófica, con el objetivo de comprender cómo los PFAS se distribuyen, acumulan y transfieren dentro de las cadenas alimenticias marinas del océano Austral. 

“ICEMELT es una iniciativa pionera porque integra, por primera vez en Chile, distintas disciplinas para estudiar cómo contaminantes emergentes interactúan en ecosistemas antárticos. No solo queremos detectar la presencia de PFAS, sino también comprender cómo circulan, cómo se transfieren en las tramas tróficas y qué efectos podrían tener sobre organismos marinos en uno de los ambientes más sensibles del planeta”, explica el Dr. Cristóbal Galbán, director del proyecto. 

Viajeros invisibles 

La historia de los llamados “químicos eternos” comenzó en 1938, cuando el químico estadounidense Roy J. Plunkett descubrió accidentalmente el politetrafluoroetileno (PTFE), conocido popularmente como “teflón”. Este hallazgo marcó el inicio del desarrollo de los compuestos perfluorados y polifluorados (PFAS), sustancias altamente resistentes al agua, la grasa y las altas temperaturas. 

Durante las décadas de 1950 y 1960, la producción de PFAS se expandió masivamente a nivel global y comenzó a incorporarse en utensilios de cocina, textiles impermeables, envases y espumas contra incendios. Sin embargo, su enorme estabilidad química permitió que estos contaminantes persistieran durante décadas y viajaron grandes distancias a través de la atmósfera y las corrientes oceánicas. 

Aunque se producen principalmente en regiones industrializadas, los PFAS pueden transportarse a largas distancias a través de la atmósfera y los océanos. Como resultado, se han detectado incluso en lugares extremadamente remotos como la Antártica, un territorio históricamente considerado uno de los ecosistemas más prístinos del planeta. 

En 2006 se registraron las primeras detecciones de PFAS en fauna antártica. Investigaciones científicas reportaron la presencia de estos contaminantes en especies del océano Austral, como albatros, elefantes marinos, pingüinos y skúas, demostrando que incluso algunos de los ecosistemas más aislados del planeta no están libres de contaminación química. 

Muchos de estos contaminantes pueden quedar atrapados durante años en nieve y hielo. Sin embargo, el aumento de las temperaturas y el retroceso de glaciares favorecen su liberación y recirculación en sistemas acuáticos, lo que podría incrementar la exposición de organismos marinos a estas sustancias. 

“La presencia de PFAS en la Antártica muestra que la contaminación química es un problema global. Lo que se libera en una parte del mundo puede terminar afectando ecosistemas remotos y frágiles.”, concluye el Dr. Gustavo Chiang, director alterno del proyecto. 

Más información en www.icemelt.cl

Proyecto CAOS se presenta en Sala Negra Juan Barattini Carvelli

El viernes 19 y sábado 20 de junio a las 19:00 horas habrá funciones de “Breve apología del caos por exceso de testosterona en las calles de Manhattan” en Sala Negra Juan Barattini Carvelli, obra escrita por el dramaturgo uruguayo Santiago Sanguinetti y montada por la compañía porteña Proyecto CAOS.

El montaje nos introduce en una delirante conspiración liderada por cuatro uruguayos —Belén, Benjamín, Nicolás y Richard— quienes viajan a Manhattan con un propósito radical: crear un virus capaz de aumentar descontroladamente la testosterona y desencadenar un estallido global de violencia. Su objetivo es nada menos que desestabilizar el sistema capitalista para abrir paso a una supuesta “sociedad ideal”.

La obra fue seleccionada por el Comité de Públicos Programadores. La Cartelera Sala Negra JBC es parte del Proyecto UVA 2593: Mayor Equidad y Acceso al Arte, Cultura y Patrimonio, financiado por el Ministerio de Educación. Las funciones se realizarán en la Escuela de Teatro UV, ubicada en Avenida Brasil 1647, Valparaíso. Reservas en el Instagram @salanegrajbc. 

EQUIPO

El equipo está compuesto por Ivana Urtubia en dirección; Camila Carmona, Daniel Riquelme, George Casanova y Alexander Castillo como intérpretes; Mariela Laterra en producción y operación de sonido; Proyecto Caos en diseño integral; Alexandra Soto en diseño de vestuario; Pablo Navarro en la asistencia técnica; Nicolás Allende de tramoya; y afiche de Pulso Gráficas. 

Ivana Urtubia, directora de la puesta en escena, comparte parte del proceso: “El año 2016 fui a Santiago a ver la obra ‘Casco azul’, de la compañía Teatro Amplio. Posterior a la función había un conversatorio y estaba Santiago Sanguinetti, el dramaturgo. Comentó que era parte de una trilogía que estaba escribiendo, la Trilogía de la Revolución. 

Me gustó su manera de mezclar lo político e intelectual con el humor negro, aunque uno pueda quedar colgado con algunos referentes, a través del humor todo se volvía más cercano, menos denso. Leí las tres obras y me gustó Breve apología del caos...”.

“Como Santiago es actor, director y académico en una escuela de teatro en Uruguay, su mail estaba disponible. Le escribí que me gustó mucho su dramaturgia y si podíamos montar la obra. En ese momento no fue posible porque los derechos los tenía otra compañía. Pasaron los años y le volví a escribir, se acordaba de mí y dijo que sí, agradecido por el interés nos compartió el contacto de una agencia que nos cedió los derechos”.

“Esta es mi primera dirección profesional, lo que implica varios factores. Convoqué a gente que pudiera tener trabajo estable, porque este no es un proyecto financiado. Tenía que ser un proceso corto, reducido, por eso para mí fue muy importante la producción que hice en conjunto con María Salvatierra, le dije ‘amiga, quiero montar esta obra, pero tengo muy poca plata, tiene que ser un proceso muy corto, muy eficaz’. 

Armamos el proceso en cuatro meses, con ensayo online, corté texto, para no dejar partes en el guion que fueran muy reiterativas”. 

“El equipo está conformado por personas de mi confianza, que admiro su trabajo. Tuvimos un mes de ensayo online y después nos juntábamos una vez a la semana. Fui muy flexible considerando las condiciones del proceso, preocupándome de que no interfiriera con los trabajos del equipo, concentrada en el tiempo, dividiendo los ensayos por escenas, aunque la obra sea una escena única”.

“Estoy muy agradecida de todo el proceso, de la amabilidad de Santiago, la amabilidad del equipo. Presentarnos en la Sala Negra de la Escuela de Teatro UV para mí es muy importante, somos todos de la Región de Valparaíso, erradicados acá. 

Al ser nosotros la mayoría ex alumnos de la UPLA, consideramos que es una tremenda oportunidad presentarnos en otra escuela de teatro, que valoren nuestro trabajo artístico y poder encontrarnos con otras personas, creando comunidad entre escuelas, lazos, apoyándonos entre distintos egresados, poniendo ojo a lo que pasa con las políticas culturales, apoyando el trabajo artístico local y relevándolo”, cierra Ivana.

COORDENADAS

Breve apología del caos por exceso de testosterona en las calles de Manhattan

Viernes 19 y sábado 20 de junio a las 19:00 horas. Sala Negra Juan Barattini Carvelli. Avenida Brasil 1647, Valparaíso.Reservas en el Instagram @salanegrajbc.

jueves, 18 de junio de 2026

Cinocéfalo presenta su primera exposición individual en Arrayán Espacio

 Más de veinte pinturas y dibujos integran Nadie vuelve intacto, el debut en solitario del artista chileno Cristian González (1990), conocido bajo el seudónimo de Cinocéfalo.

Curada por el periodista Pedro Bahamondes Chaud, la muestra se inaugura el próximo lunes 22 de junio en Arrayán Espacio y reúne una selección de obras en óleo, grafito y carbón. Las piezas estarán en exhibición y a la venta hasta el 22 de julio. La entrada es liberada.

Autodidacta y alejado de los circuitos académicos tradicionales, Cristian González (1990) comenzó a dibujar desde niño y desarrolló gran parte de su formación a través de la observación, la práctica constante y el estudio independiente.

“Aprendí a pura prueba y error”, recuerda. “Me obsesioné con el retrato y la figura humana. Pasaba horas viendo procesos de otros artistas y tratando de entender cómo resolvían la pintura”.

Tras años de trabajo en su casa, profundizó sus conocimientos junto al pintor Elier Revillard en el Taller Bellavista, donde incorporó herramientas ligadas a la teoría del color que terminarían ampliando sus posibilidades expresivas en el óleo, la técnica que hoy ocupa un lugar central dentro de su producción.

El próximo lunes 22 de junio, González inaugurará su primera exposición en solitario bajo el seudónimo de Cinocéfalo (ig: @cinocefalo.art), nombre con el que ha desarrollado su trabajo artístico durante los últimos años.

La muestra reúne más de veinte obras —dibujos en grafito y carbón, junto a óleos en color— donde conviven ecos del retrato clásico, la imaginería sacra, el homoerotismo y ciertas atmósferas oníricas. Sus personajes parecen suspendidos entre el recuerdo y el sueño, entre la presencia y el borramiento.

“Me molestaba mucho que frente a un retrato la primera pregunta fuera quién es”, explica el artista. “Me interesaba más lo que estaba viviendo ese personaje. Por eso empecé a trabajar figuras de espaldas, personajes anónimos y estudios de ojos”.

Las obras se despliegan al interior de un gran óvalo que ocupa el muro principal de la sala, una imagen inspirada en los numerosos estudios que González realizó durante años como parte de su proceso de aprendizaje técnico.

“Los ojos han sido una constante en el trabajo de Cristian”, señala el periodista Pedro Bahamondes Chaud, curador de la exposición. “Durante años fueron ejercicios silenciosos suyos para perfeccionar el dibujo y la observación. Nos interesaba que esas pruebas, normalmente ocultas y perdidas de vista, se transformaran aquí también en el dispositivo que contiene toda la exposición”.

El título de la muestra dialoga con el momento personal que atraviesa el artista. “La frase Nadie vuelve intacto se mueve dentro de la misma temática que una serie de trabajos que llamé Abrazar la sombra”, explica González.

“Se nota mucho el proceso entre los trabajos que empecé a hacer el año pasado y los que estoy trabajando ahora. Hay muchos recuerdos difuminados, personas que desaparecen, sombras que se confunden con los sueños. Pero también he vuelto al color. Eso se puede ver en los trabajos más recientes”, concluye.

Nadie vuelve intacto se inaugurará el lunes 22 de junio, a las 19:00 horas, en Arrayán Espacio (Compañía de Jesús 2077, Santiago). Estará abierta al público hasta el 22 de julio, con entrada liberada. Horario de visita: lunes a domingo, de 10:00 a 21:30 horas.

Más información en nuestra cuenta de instagram @arrayan_espacio

Doce obras instaladas en hogares santiaguinos regresan a una sala montada como una casa familiar

 La Sala de Arte CCU abre sus puertas a una inédita exposición a partir del 23 de junio. Curada por Juan José Santos, la muestra reunirá doce obras de la Colección CCU que fueron trasladadas temporalmente a hogares de comunas como Macul, San Miguel, Las Condes, Providencia, Quilicura y La Florida, para convivir con familias y generar un diálogo inédito entre creadores y espectadores.  

Esa experiencia íntima y doméstica ahora se traslada a la sala, que ha sido transformada en un verdadero hogar: con muebles, living, habitaciones, comedor y cocina, el espacio recrea el ambiente en que las obras habitaron.

“Colección CCU: Como en casa” se gestó a partir de un acto fundacional: abrir parte de la Colección CCU a la comunidad, haciendo tangible el compromiso de la compañía por acercar el arte a las personas.

Esta muestra colectiva y multidisciplinaria, con una clara finalidad pedagógica, invita al público a redescubrir el vínculo entre las obras de arte y la vida cotidiana. 

Durante varios días, las obras convivieron con la familia en su entorno doméstico, transformando el espacio cotidiano. Este primer gesto fue seguido por un segundo: el registro en video de situaciones domésticas donde la obra de arte actuaba como fondo de acción.

Posteriormente, el autor o autora de cada pieza visitó el hogar para mantener una conversación con los miembros de la familia. Estas charlas, que giraron en torno a las interpretaciones de la obra, su técnica e inspiración, se convirtieron en el núcleo de la experiencia.

Un momento especialmente emotivo ocurrió cuando algunos artistas, tras casi veinte años, pudieron reconectar con su propio trabajo, compartiendo sus impresiones en primera persona. 

Al respecto, Claudia Verdejo, jefa del Programa CCU en el Arte comentó: "Para nosotros es fundamental generar instancias que democraticen el acceso al arte y lo integren a la vida de las personas. ‘Colección CCU: Como en casa' es una invitación a reflexionar sobre cómo el arte nos habita y cómo nosotros, a través de nuestras interpretaciones, le damos un nuevo significado.

Es una muestra que celebra la conversación y el encuentro entre el creador y el espectador en el espacio más íntimo que tenemos: el hogar." 

Como gesto integrador, la Sala de Arte CCU reunirá en una misma exhibición la obra física y un video editado de entre 3 y 5 minutos que documenta esta experiencia.

Los asistentes podrán apreciar las doce obras participantes en diálogo con diversos dispositivos de reproducción, que incluyen pantallas nuevas, antiguas, proyecciones e incluso celulares, creando un ambiente que evoca la pluralidad del consumo de imágenes en el hogar.

Una muestra inspiradora
La exposición se desarrolla en torno a reflexiones que cuestionan el rol del arte en el espacio privado: "Una casa no es un hogar. Una colección de arte no es un museo portátil” indica Juan José Santos, curador de la muestra, en el texto curatorial. A través de estas preguntas, la muestra indaga si las obras, al viajar al living de las personas, se domestican, se convierten en un mueble más o, por el contrario, actúan como un refugio o una escapada. 

Participan en la exposición los siguientes artistas de la Colección CCU:
César Gabler, Cristián Velasco, Jorge Cabieses-Valdés, Marcela Yaconi, Margarita Dittborn, Mónica Bengoa, Pilar Contardo, Rodrigo Opazo, Sebastián Garretón, Sebastián Preece, Tomás Fernández y Voluspa Jarpa. 

Sobre CCU en el Arte

CCU en el Arte es un programa que busca acercar el arte a la comunidad a través de la conservación y difusión de su patrimonio artístico, consolidándose como un espacio de encuentro y reflexión cultural. 

Este proyecto está acogido a la Ley de Donaciones Culturales gracias al apoyo de la Fundación Inversión Cultural (FINC).

La exposición "Colección CCU: Como en casa" estará abierta al público en la Sala de Arte CCU a partir del 23 de junio con entrada liberada.

Romina Levin Tango Show llega a la UNAB en una noche de pasión y tango

 La reconocida bailarina y directora escénica se presentará el jueves 25 de junio, a las 20:00 horas, en el Campus Casona de Las Condes de la Universidad Andrés Bello, junto a un elenco de 11 artistas en escena.

La Dirección de Extensión Cultural de la Universidad Andrés Bello invita a disfrutar de una velada única junto a Romina Levin Tango Show, espectáculo que llegará al Campus Casona de Las Condes el próximo jueves 25 de junio de 2026, a las 20:00 horas.

La propuesta, encabezada por la reconocida bailarina, coreógrafa y directora escénica Romina Levin, reunirá música en vivo, destacados bailarines y una cuidada puesta en escena que rescata la esencia del tango argentino desde una mirada contemporánea, elegante y emocionante.

Con un elenco integrado por tres parejas de bailarines, cuatro músicos y una cantante, el espectáculo promete transportar al público al universo del tango a través de una experiencia artística que combina tradición, técnica y sensibilidad.

Romina Levin Tango Show se ha consolidado como una agrupación de vanguardia dedicada a la creación, preservación y difusión del tango como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, reconocido por la UNESCO.

La compañía destaca por fusionar la rigurosidad técnica de la danza clásica y contemporánea con la pasión y autenticidad del tango tradicional y de escenario, dando vida a montajes de alto impacto visual y artístico.

Bajo la dirección artística de Romina Levin, cada presentación busca acercar este género a nuevas audiencias, conectando la tradición rioplatense con los públicos actuales a través de una propuesta escénica innovadora.

La puesta en escena contempla un diseño coreográfico de alta complejidad y una narrativa visual que ha cautivado tanto a espectadores de grandes teatros como a audiencias de eventos culturales y corporativos.

La actividad forma parte de la programación cultural de la Universidad Andrés Bello, que busca acercar distintas expresiones artísticas a la comunidad y promover el acceso a experiencias culturales de excelencia.

Las adhesiones y más información están disponibles en cultura.unab.cl.

Datos del evento

Romina Levin Tango Show, jueves 25 de junio de 2026 a las 20:00 horas

Lugar: Campus Casona UNAB, Fernández Concha 700, Las Condes

Más información y adhesiones: cultura.unab.cl

Vacaciones de invierno entretenidas en Lo Barnechea incluyen amplia oferta de talleres para niños y jóvenes

La Corporación Cultural de Lo Barnechea inicia un nuevo mes con una amplia oferta cultural que, coincidiendo con las vacaciones de invierno,...