viernes, 6 de marzo de 2026

El HIP HOP FREESTYLE revelará la autenticidad del cuerpo en escena en GAM

Danza urbana contemporánea al límite: hip hop freestyle y popping (funk style) al servicio de una reflexión profunda. 

Así se presenta “Heres”, una obra que desafía el virtuosismo técnico tradicional para abrir paso a la autenticidad, la memoria y el trauma social. 

El director del montaje, Nicolás Cancino, reconocido referente de la danza urbana en Chile y Campeón Nacional de Red Bull Dance Your Style 2022, explica que la pieza “nace de la necesidad de visibilizar cómo el patriarcado se inscribe en nuestros cuerpos y determina nuestras formas de relacionarnos, y cómo sostenemos y replicamos patrones de violencia heredada sin cuestionarlos”. 

A través del cypher, un espacio de improvisación clásico del street dance, ocho intérpretes urbanos provenientes de diversos contextos y territorios, transforman sus propias biografías en material escénico para responder preguntas como: ¿Qué restricciones autoimpuestas afectan nuestro movimiento? ¿Cómo impacta una educación patriarcal en nuestras relaciones personales?

“Veremos episodios que exponen tensiones cotidianas, como ‘el saludo’ o ‘el juego’, donde se evidencian microviolencias normalizadas desde la infancia. 

Es fundamental que las nuevas generaciones tengan espacios para reconocer, cuestionar y transformar esta herencia cultural, y el arte urbano contemporáneo les ofrece un lenguaje cercano y potente para hacerlo”, agrega.

La crudeza e intensidad del montaje se ve potenciada por la creación sonora de Macrodee, reconocido productor musical de la escena hip hop.

 También participa Ali Cyborg Kid, compositor, productor e intérprete chileno, cuyo proyecto musical se sitúa en la intersección entre el rap alternativo y el trip hop, ofreciendo un viaje sonoro profundo y envolvente. 

“El reto estuvo en transformar vivencias íntimas de violencia heredada en escenas honestas, crear un lenguaje corporal nuevo a partir de las propias biografías, sosteniendo la obra en un espacio donde el hip hop no suele habitar", finaliza el director.

13 al 22 Mar
Vi a Sá — 19 h. Do— 18 h. Entradas en gam.cl

Ya hay invitados confirmados para el Festival de Ciencia Puerto de Ideas Antofagasta 2026

José Edelstein

 El Festival de Ciencia Puerto de Ideas Antofagasta, presentado junto a Escondida | BHP, se realizará entre el 23 y el 26 de abril con una programación que incluirá charlas, conversaciones, espectáculos, talleres y actividades interactivas para públicos de todas las edades.

 A lo largo de cuatro días, el evento abordará temas como los estudios sobre el cerebro y la neurociencia, la genética y la evolución, la física y las leyes del universo, la astronomía, la inteligencia artificial y las matemáticas, la biología y la conservación de ecosistemas, así como la exploración de los océanos y la naturaleza.

Invitados

Uno de los invitados es Matthew Cobb, profesor de Zoología en la Universidad de Manchester. Especialista en neurobiología e historia de la ciencia, ha investigado cómo funciona el cerebro y cómo ha evolucionado nuestro conocimiento sobre él a lo largo de los siglos.

En su libro Una historia del cerebro (FCE, 2025), recorre los grandes descubrimientos que nos han permitido comprender dónde nacen nuestros pensamientos, emociones y recuerdos.

Nadia “Coralina” Cerino
Participará también José Edelstein, físico teórico español-argentino.

 Su trabajo se centra en la física que estudia las leyes más fundamentales del universo: desde cómo se comportan las partículas más pequeñas que existen hasta cómo funciona la gravedad a gran escala.

A través de modelos matemáticos, investiga preguntas sobre el origen y la estructura del cosmos, y combina su labor académica con una activa trayectoria en divulgación científica. Es co-autor de los libros La tiranía del azar (2025) y Einstein para perplejos (2017), publicados por Debate.

La bióloga marina argentina Nadia “Coralina” Cerino se sumará a esta edición con su trabajo en el estudio de corales de aguas profundas y organismos del fondo del mar argentino.

Ha participado en expediciones científicas que investigan ambientes submarinos vulnerables y actualmente combina su labor como investigadora con la docencia universitaria. Su trabajo abre una ventana a un mundo casi desconocido bajo el mar.

Paseo por la Ciencia

Cuatro días para explorar el conocimiento

Matthew Cobb
Como cada año, uno de los espacios más esperados será el Paseo por la Ciencia, que se realizará del jueves 23 al domingo 26 de abril en la Explanada del Estadio Regional.

Esta gran feria científica reunirá a cerca de 50 instituciones que ofrecerán experiencias interactivas y talleres para niños, niñas, jóvenes y público general, con stands, talleres, exposiciones y actividades diseñadas para acercar la ciencia desde distintas perspectivas.

Además, gracias al apoyo de Colbún, el Festival de Ciencia Puerto de Ideas Antofagasta es un festival carbono neutral.

La programación completa del Festival de Ciencia Puerto de Ideas Antofagasta 2026 se dará a conocer el próximo 26 de marzo en el sitio puertodeideas.cl.

¡FOJI tiene nuevo elenco musical! Revisa cómo ser parte de la Orquesta Infantil de Cuerdas

La Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile (FOJI) tiene el agrado de anunciar la conformación de un nuevo elenco, denominado Orquesta Infantil de Cuerdas, conjunto que adopta el formato de Camerata.

Esta iniciativa busca ofrecer a niños y niñas de entre 10 y 15 años la posibilidad de profundizar sus conocimientos musicales a través de la experiencia colectiva, enfocada en la interpretación de instrumentos de cuerda frotada. 

Los participantes contarán con el acompañamiento de instructores de alto nivel, quienes orientarán el proceso formativo y entregarán estrategias de estudio personalizadas para potenciar el aprendizaje.

Asimismo, se dispondrá de instrumentos según requerimientos y disponibilidad, acceso a recursos pedagógicos como métodos y repertorios, y apoyo psicosocial adaptado a las necesidades de cada integrante y sus familias. 

Los ensayos parciales y tuttis se desarrollarán de manera presencial en la sede de FOJI, ubicada en Bellavista #0990, comuna de Providencia. La beca comenzará el 10 de abril de 2026 y se extenderá hasta el 31 de enero de 2027. Estas fechas podrían experimentar ajustes en caso de situaciones de fuerza mayor. 

¿Quiénes pueden postular? 

Podrán inscribirse niños y niñas nacidos entre el 1 de enero de 2011 y el 21 de diciembre de 2016, que acrediten conocimientos en alguno de los siguientes instrumentos: violín, viola, violoncello o contrabajo.

Será requisito contar con un profesor o profesora de instrumento durante el año 2026. Tanto los postulantes como sus padres o apoderados deberán disponer de Cédula Nacional de Identidad o Cédula de Identidad para Extranjeros vigente al cierre del proceso. Además, se exigirá domicilio y/o permanencia temporal o definitiva en la Región Metropolitana, al menos hasta la finalización del convenio. 

¿Cómo postular? 

El formulario de inscripción estará disponible a partir del 2 de marzo de 2026 y se cerrará el día 13 del mismo mes. Quienes deseen participar deberán completar el formulario de manera online, accediendo al enlace indicado en las bases de la convocatoria. 

Los cupos disponibles por instrumento son los siguientes: Violín: 11 cupos; Viola: 4 cupos; Violoncellos: 4 cupos; Contrabajos: 3 cupos.  

Las consultas relacionadas con el proceso de postulación se recibirán entre el 2 y el 10 de marzo de 2026 y deberán canalizarse a través de Éskil Flores Gutiérrez, jefe de la Escuela de Orquestas, mediante el formulario dispuesto.

Postula para integrar el Ensamble de Maderas y Ensamble de Bronces de FOJI 2026

La Escuela de Orquestas de FOJI, invita a niños, niñas, jóvenes y adolescentes con formación musical a postular para ser parte de los Ensambles de Maderas y Bronces 2026.

Este programa ofrece a los becados/as la posibilidad de mejorar su destreza musical a través de la práctica grupal e individual, bajo la dirección de instructores de gran nivel.

Fomentando no solo el perfeccionamiento de su técnica en el instrumento al que postulan, sino que también aprenderán interpretación, teoría musical, fortaleciendo habilidades como el trabajo en equipo y la disciplina. 

Así lo reafirma el compositor y director ejecutivo de FOJI, Pablo Aranda, quien comenta “la convocatoria 2026 para integrar el Ensamble de Maderas y el Ensamble de Bronces es una excelente oportunidad para que niños, niñas, adolescentes y jóvenes vivan una experiencia musical formativa única, centrada en el trabajo especializado con instrumentos de bronce y madera.

Durante este proceso, los participantes tendrán la oportunidad de aprender y perfeccionarse junto a instructores de alto nivel, en un entorno que promueve el crecimiento artístico, la colaboración y la excelencia musical. Les invitamos a formar parte de esta experiencia que enriquecerá su desarrollo integral”.  

Los interesados en ser parte del Ensamble de Maderas podrán postular a los instrumentos: Flauta Traversa, Oboe, Clarinete, Fagot y para quienes quieran ser parte del Ensamble de Bronces las vacantes disponibles son para los instrumentos: Corno Francés, Trompeta, Trombón tenor y bajo y Tuba. 

¿Quiénes pueden postular?

En el caso del Ensamble de maderas pueden postular Niños, niñas, adolescentes y jóvenes con fecha de nacimiento entre el 01.01.2008 al 31.12.2016, inclusive. Y en el caso del Ensamble de Bronces Niños, niñas, adolescentes y jóvenes con fecha de nacimiento entre el 01.01.2004 al 31.12.2014, inclusive.

Por otra parte, los postulantes deben contar con conocimiento en el instrumento a postular y con profesor/a de instrumento para el año 2026.

A su vez, deberán tanto los postulantes como el respectivo padre, madre y/o cuidador legal en su caso, contar con cédula nacional de identidad o con cédula de identidad para extranjeros, vigente al momento del cierre de la postulación y residir en la Región Metropolitana.

¿Cómo postular?
En ambos casos, quienes deseen postular, podrán hacerlo hasta el 3 de abril de 2026, para esto deberán completar el Formulario de Postulación de manera Online. Revisa las bases y procesos de postulación aquí

Sobre FOJI 

La Fundación Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile (FOJI) se dedica a promover el desarrollo social, cultural y educacional del país, brindando oportunidades para que los niños, niñas y jóvenes de todo Chile accedan a una mejor calidad de vida a través de la práctica musical de sus elencos; acercando la música de concierto a todas las personas, sin distinción. 

Desde su modelo formativo, FOJI busca contribuir al desarrollo integral de los becados/as mediante el fomento de la práctica musical de sus elencos y enseñanza dentro de un marco de respeto y compromiso social, entregando una experiencia formativa caracterizada por ser activa y colaborativa, con acceso social y territorial, que procura las condiciones óptimas para el logro de los objetivos formativos. 

FOJI cuenta con financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Más información en www.foji.cl

PELÍCULA | Largo viaje

 Considerada una de las piedras angulares de la cinematografía chilena, Largo Viaje (1967) es un relato crudo y profundamente conmovedor que captura la fractura social de un Santiago en blanco y negro.

Bajo la dirección de Patricio Kaulen, la película se sumerge en la tradición del “velorio del angelito”, transformando el duelo en una odisea urbana a través de los ojos de un niño.

Tras la muerte de su hermano recién nacido, el pequeño protagonista recorre los rincones más hostiles y caóticos de la capital con el único fin de devolverle unas alas de cartón al bebé, en un intento desesperado por asegurar su ascenso al cielo.

Más que un drama, la obra se erige como un antecedente directo del Nuevo Cine Chileno, bebiendo de la estética y la urgencia del neorrealismo italiano

El itinerario del niño por los bajos fondos santiaguinos no solo expone las abismales diferencias sociales de la época, sino que también ofrece un retrato lírico y desgarrador de la pérdida de la inocencia en contextos de precariedad.

Con una narrativa que equilibra la fe popular y la crítica social, la cinta permanece como una pieza fundamental para entender la evolución de nuestra identidad visual y las contradicciones que definen a la ciudad.

Disponible online en Cineteca Nacional

EXPO | Cine en Chile: Un viaje desde el carrete silente hasta el Oscar

 Hay algo profundamente conmovedor en entrar a una sala y encontrarse de frente con la bicicleta de Machuca, el vestuario de Violeta se fue a los cielos o el brillo de los dos Oscar que han puesto a Chile en el mapa global.

La exposición “Cine en Chile: Historia(s) en movimiento”, que celebra los 20 años del Centro Cultural La Moneda junto a la Cineteca Nacional, no es solo una muestra de objetos; sino el espejo de un país que se ha narrado a sí mismo a través de proyectar historias.

El recorrido nos traslada a ese Chile de finales del siglo XIX, cuando el cinematógrafo llegó apenas ocho meses después de su invención en París, y nos conduce hasta la era digital. La muestra incluye objetos como una moviola, los antiguos proyectores y cámaras de 35mm, nos recuerda que el cine ha sido, y sigue siendo, un oficio de artesanos.

 Lo más potente de la muestra es cómo evidencia que Chile, a pesar de su distancia geográfica de las grandes industrias, ha logrado insertarse en el circuito internacional.

La exposición no esquiva los roces políticos ni los fracasos; muestra al cine como un organismo vivo en diálogo con la sociedad chilena.

Es una invitación para todo espectador: para el cinéfilo que quiere ver la mítica tarjeta que dice “And the Oscar goes to…”, para los nostálgicos del videoclub y para el curioso que desea entender cómo pasamos de los carretes de nitrato a la alta definición.

Hasta el 31 de mayo de 2026. En el Centro Cultural La Moneda. Entrada liberada.

Manuel Madariaga: “Aquí, el desafío es entender y traducir el mundo del cine para nuevas audiencias”

Manuel no llegó al cine por la academia ni por linaje, sino por una conexión casi eléctrica. Creció en Temuco, en una época donde tener televisión por cable era un lujo de pocos, pero su padre trabajaba en una empresa de televisión por cable, por lo que tuvo un acceso privilegiado a esa ventana al mundo.

 “Desde muy niño tuve esa cercanía. Veía películas que no estaban en las salas, noticiarios extranjeros, deportes. Me fascinó el mundo que había en la pantalla”, recuerda.

Esa fascinación inicial se transformó en oficio. Tras estudiar Comunicación Audiovisual y pasar por la vertiginosa televisión en vivo (hizo su práctica en la época dorada de “Buenos Días a Todos”, Canal 13), Manuel dedicó 14 años al mundo de la publicidad y la postproducción.

Allí, entre agencias y gerentes de marketing, desarrolló una visión particular sobre su trabajo: la de un artesano en una era intangible.

Para Manuel, la postproducción, el montaje y la corrección de color no son procesos mecánicos, sino manualidades modernas.

“Me siento como un orfebre. Aunque sean herramientas digitales, las tomas existen, los cortes existen. Hay una valoración estética en cada pequeño movimiento, en pulir una imagen hasta que brille”, explica.

Esa meticulosidad es la que ahora vuelca en Juntos, donde asume el desafío de liderar un área que busca ir más allá de la gestión de redes sociales tradicional. Su rol es orquestar el universo digital de la productora: desde la creación de contenido original y nuevos formatos (como podcasts y web series), hasta la gestión de alianzas con marcas que al apoyar al cine buscan algo más que un logo en un afiche.

¿Por qué dejar el mundo publicitario tradicional para sumarse a una productora de cine? Movido por la curiosidad, Manuel lo resume con una analogía gastronómica que define perfectamente el espíritu de Juntos.

 “Si un canal de televisión o el retail pueden ser como un McDonald’s, masivo y rápido, trabajar en una productora de cine es como entrar a un restaurante de lujo o a esa picada donde sabes que se cocina exquisito. Tiene otro gusto, otro tiempo y otro cariño”.

Escribir Juntos: Una metodología para el cine de audiencia y autoría colectiva

Hacer cine en Chile suele debatirse entre dos extremos: la película de autor, a veces desconectada del público, y la película comercial, a veces tildada de “sin alma”.

Desde Juntos, Moisés Sepúlveda, Pancho Hervé y Felipe Egaña proponen una tercera vía: una metodología de escritura creativa que busca películas de alta calidad artística con una vocación de audiencia masiva.

Este método, desarrollado durante los últimos 6 años y aplicado en películas como Inmersión y Oro amargo, se basa en un proceso de 3 a 4 meses para llegar a un guion sólido.

La travesía comienza por una sala de escritura. El método no es un acto solitario. Requiere un equipo mínimo de tres personas con roles definidos para evitar el estancamiento y fomentar la colaboración: El guionista delegado: Quien lleva “la pluma” y escribe físicamente los encargos. Un guionista observador: Aporta ideas, crítica y enriquece la discusión desde afuera.

 Y el guionista jefe: El guardián de la metodología, encargado de que el proceso avance de etapa en etapa. El director/a puede estar presente o no, pero siempre tiene que haber una figura con “el corte final” para dirimir empates.

Para Pancho Hervé, socio de Juntos, esta estructura busca ordenar el proceso de escritura del guion, que puede ser muy azaroso. “Uno nunca sabía cuánto se iban a demorar ni con qué iba a llegar el guionista. Al final podían pasar 6 meses en vez de 2, y en vez de llegar la comedia que habías pensado, llegaba otra cosa.

Era tiempo y plata perdida; además de una sensación de que no estabas participando realmente. Con este método logramos que las cosas se cumplan en mejores plazos y de manera más previsible para todos”, explica.

Primer paso: el alma. Antes de escribir diálogos, se analiza el proyecto en tres dimensiones fundamentales. Generalidad: ¿De qué habla la película respecto al mundo? (Género, tema, mercado). Particularidad: La arquitectura interna, la estructura y artesanía del relato. Y universalidad: ¿Qué dice la película sobre la vida?

Luego se instalan las bases y la bencina. Se trabaja el primer acto para asegurar que la historia tenga energía suficiente para llegar al final. Buscando crear un mundo con un equilibrio precario que esté listo para explotar, de modo que se propicie la aparición del detonante, aquel evento que rompe la rutina y abre el debate, el momento en que el personaje duda y se plantean las preguntas que lanzarán la película hacia el segundo acto.

Una vez planteado el primer acto, se divide la película en 8 “mini-películas” de 10 a 12 minutos cada una. Cada secuencia debe responder a una pregunta dramática: ¿Logrará el personaje X cosa? ¿Sí o no? Esto genera anticipación, manteniendo al espectador preocupado por lo que va a pasar, no solo observando lo que pasa.

Entonces aparece el diálogo y la escritura formal.

Buscando abrir la brecha entre las expectativas del espectador y lo que realmente ocurre. En esta etapa se instala una regla de oro: Las escenas no se unen con un “y entonces”, sino con un “pero” o un “por lo tanto”. Esto garantiza una relación causal y evita que el guion de vuelva plano.

Finalmente, el guion para a la etapa final de pulido. Se vuelve a mirar a la luz de la “idea controladora” para asegurar que el punto de vista inicial no se haya perdido en el proceso ¡Y listo! Ya tienes un guion al estilo de Juntos.

El Método Juntos desafía la idea tradicional del cine de autor. Plantea que la autoría puede ser colectiva, donde el productor creativo, el guionista y el director colaboran horizontalmente. Es un sistema diseñado para que los procesos creativos sean replicables, escalables y sustentables, permitiendo que el cine chileno compita con estándares internacionales sin perder su identidad.

El éxito de esta metodología radica en el entusiasmo que genera en el equipo tras romper el hielo inicial: “A nosotros nos gusta participar en el proceso creativo y hemos logrado que a las personas que trabajan con nosotros les encante esta metodología.

 Algunos tienen reticencia al principio, pero después de probarlo están felices; se logran cosas que uno solo no alcanza y se llega a puerto en plazos mucho más previsibles”, cuenta Pancho Hervé.

Andrea Chignoli, montar QUE SE ACABE TODO

Una vez apagadas las luces del set, la película nace de nuevo en la sala de edición. 

En esta oportunidad, esa misión está en manos de nuestra querida Andrea Chignoli, una de las montajistas más brillantes del cine chileno y miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (sí, los mismos detrás de los Oscar).

Andrea, formada en una familia cinéfila, ha estado detrás del montaje de más de 80 proyectos audiovisuales, entre ellos reconocidos títulos como Violeta Se Fue A Los Cielos (Andrés Wood, 2011), Tony Manero (Pablo Larraín, 2008), Joven y Alocada (Marialy Rivas, 2012) y No (Pablo Larraín, 2012), la primera película chilena nominada a los Oscares.

En palabras de ella, “los montajistas acompañamos a los directores a tomar la decisión final de qué quedará en la película. Yo siempre digo que la historia se escribe en tres momentos: en el guion, en el rodaje y en el montaje. El director necesita dialogar y probar con alguien que no tenga el mismo vínculo emocional con el material.

Yo no estuve en el set ni pasé años escribiendo el guion, por lo que tengo una distancia que me posiciona casi como un espectador. Mi labor es acompañar al director a depurar el relato para que llegue de la mejor manera al espectador.”

Entre los múltiples trabajos y roles en la industria cinematográfica, Andrea ha optado por dedicarse exclusivamente al montaje. Sobre esta elección comenta: “Me gustan los trabajos colectivos y el cine es de las artes más colectivas que existen, pero al mismo tiempo me gusta la soledad.

 El montaje es el espacio perfecto donde hay reflexión y soledad, pero dentro de una creación colectiva. En el montaje encontré el espacio donde se conjuga todo lo que necesito.”

“Cualquier director querría trabajar con Andrea por su currículum, pero en su caso, los logros no esconden secretos: su lucidez y sensibilidad son evidentes. A veces puede ser abrumador, porque ella toma el material y tiene una certeza sobre lo que funciona y lo que no. 

Te obliga a un nivel de exigencia alto; te empuja a argumentar y a aclarar tus propias ideas.”, cuenta Moisés Sepúlveda, director de Que Se Acabe Todo.

MONTAR QUE SE ACABE TODO

Andrea se sumó al proyecto hace casi 10 años, mientras Moisés trabajaba una de las primeras versiones de guion. Cuando en vísperas del Greenlight se optó por grabar la película en planos secuencia, se barajó la idea de prescindir de la montajista.

“No era tan obvio que el montaje debía recaer en alguien externo, pensamos que quizás bastaba con pegar un plano al otro. Sin embargo, decidimos revisar el material con alguien de la expertise de Andrea Chignoli.

Es un privilegio tenerla para evaluar, y comprobar que, si se podía mejorar el material respetando esa puesta en escena continua donde las elipsis ocurren en el set.”, explica Moisés.

Un par de semanas después de concluir el rodaje, Andrea recibió las primeras imágenes de Que Se Acabe Todo. “Quedé fascinada con el material. Cuando Moisés me contó que quería hacer una película sobre un fraude financiero, pensé que sería difícil. Pero logró explicarlo de una manera divertida, con un punto de vista y mucho humor. Me sorprendió mucho ver el primer armado; incluso siendo largo, la película se sostenía.

Creo que Moisés se ganó un premio con la puesta en escena y la dirección de actores; logró simplificar y hacer accesible un tema que es bien árido.”

El montaje de una película como esta tiene una naturaleza diferente a proyectos en los que Andrea ha trabajado antes, como fueron las 500 horas de material de archivo para No, o el relato anacrónico de Violeta Se Fue A Los Cielos. En Que Se Acabe Todo “ha habido montaje, pero tratamos de hacerlo de una manera que casi no se noten los cortes. 

Estamos depurando la historia para darle mayor ritmo y sacar lo que no ayude a la trama central, pero manteniendo el estilo original de Moisés: un relato fluido con una cámara en movimiento”, cuenta Andrea.

Esta película comenzó a editarse en nuestras oficinas de Santiago y actualmente se está trabajando en Limache, donde Andrea vive y trabaja. La semana pasada, Moisés estuvo allá en una suerte de pequeña residencia, para trabajar la obra

“Ella vive en medio de la naturaleza, rodeada de cerros, con un clima hermoso y un lugar soñado para concentrarse. Fue un retiro de tres días de inmersión total, donde el montaje seguía presente incluso en los desayunos y las comidas.”, recuerda el director.

“Moisés es entusiasta, optimista y creativo. Creo que su pasado como mago lo ha ayudado mucho en esta película donde hay varios trucos; tiene una mirada muy original. Ha sido un regalo trabajar con él y con Pancho (Hervé), es un productor que apoya mucho, muy razonable y creativo”, comenta Andrea.

El regreso de Oro Amargo al desierto: Una deuda saldada entre 2.500 kilómetros de pampa

 Está película no estaba completa sin devolverla a la tierra donde se filmó. Para JUNTOS, llevar Oro Amargo de regreso al norte ha sido una muestra de gratitud y de nuestro compromiso por la descentralización de la cultura.

La reciente gira de la cinta por la Región de Atacama y Tarapacá no fue solo un circuito de exhibición, sino el cumplimiento de un compromiso que el equipo sentía desde el rodaje. Francisco Melo, actor y productor ejecutivo de la cinta, lo define como la necesidad de saldar una deuda con el entorno y sus habitantes.

 “El hecho de proyectar la película en Copiapó me dio la sensación de devolverles la mano, de agradecerles por habernos prestado ese paisaje del cual son dueños”.

La travesía fue una epopeya logística que abarcó más de 2.500 kilómetros por tierra, conectando localidades como Copiapó, Caldera, María Elena e Iquique. 

Lejos de la comodidad de las salas comerciales, la productora de la gira, Daniela Raviola, lideró una operación a la antigua, transportando la película en un disco duro físico y montando funciones en teatros, centros culturales y anfiteatros improvisados.

“El desierto es implacable, no puedes controlarlo”, explica Daniela al recordar los desafíos de la ruta, desde fuertes vientos en San Pedro de Atacama que obligaron a cambiar la pantalla inflable por una LED a último minuto, hasta tramos de oscuridad absoluta en carretera con el combustible al límite.

Sin embargo, la hostilidad del clima contrastó con la calidez de las salas. El público local no solo se emocionó con la historia, sino que identificó su propia tierra. 

“Para un santiaguino el norte se ve todo igual, pero la gente allá distinguía las particularidades del territorio, y agradecían que la película retratara bien esa mutación del paisaje”, señala Daniela.

Tras cada función, la dinámica habitual de preguntas y respuestas se transformó en un espacio para compartir experiencias. 

“El público rememoraba a sus padres, sus vivencias personales, lo crudo y lo bello de ser minero. Fue muy bonito ver que una película sea capaz de provocar esa necesidad de contar vivencias personales en público; la gente agradecía verse valorada, que lo que veían en pantalla fuera real y no una caricatura”, ”, relata Pancho Melo. 

El símbolo de esta comunión fue la presencia de Aníbal Vásquez, minero y miembro del elenco cuya experiencia fue fundamental para el rodaje, quien asistió a la función en Copiapó.

 “Fue una experiencia única. Yo soy minero, entonces transformarse en actor de Oro Amargo es difícil para uno, pero fue muy satisfactorio. Es algo que no se puede explicar. Algo hermoso”, comenta sobre la película.

Su participación provocó una ovación cerrada que validó el esfuerzo de la producción.

Al final, recorrer el desierto cargando equipos y enfrentando la incertidumbre de la ruta tiene un propósito claro: descentralizar el cine chileno y, en este caso, devolverlo a su origen.

Para Daniela, el éxito de la gira no se mide solo en tickets cortados, sino en el impacto humano de llegar a rincones donde la oferta cultural es escasa.

“Poder hacer que diez personas en un pueblo en medio del desierto vean la película y se emocionen, hace que todo valga la pena. Es en generar esa instancia donde el cine deja de ser nuestro y pasa a ser, finalmente, de ellos”.

El 18° Festival de Cine Chileno realizará función gratuita en Quillota con la película “Denominación de origen”

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