“La búsqueda del otro” tendrá su pre-estreno nacional en Quilpué con entrada liberada

En el marco de la conmemoración del Mes del Orgullo LGBTIQ+, el Centro Cultural Quilpué Audiovisual junto a la Oficina de Diversidades Sexuales de la Municipalidad de Quilpué, invitan al pre-estreno nacional de La búsqueda del otro, película que retrata la historia que vivió la Machi Marcelina en 1995 al ser injustamente culpada y enjuiciada por asesinato a través de brujería. 

Esta iniciativa se enmarca en la Cartelera Anual de Cine Chileno de Quilpué Audiovisual a través de su Plan de Gestión financiado por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, Convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. 

La función será el miércoles 17 de junio a las 19:00 horas en el Teatro Municipal Juan Bustos Ramírez, con entrada liberada e ingreso por orden de llegada. La instancia contará con la presencia de su directore Cons Gallardo y del productor Esteban Sandoval, quienes conversarán con los asistentes durante un cine foro. 

Al respecto, desde la Oficina de Diversidades Sexuales señalan: “Valoramos profundamente la realización de este tipo de actividades, las cuales nos invitan, como comunidad, a generar espacios de encuentro, diálogo y reflexión a través de la cultura.

Creemos que es de gran importancia relevar y mantener viva la memoria de historias de vida que muchas veces no han sido visibilizadas, especialmente cuando se trata de experiencias que entrelazan las vivencias de personas trans y su pertenencia a pueblos originarios.

Como Municipio, reafirmamos nuestro compromiso con el buen trato, la no discriminación y la construcción de espacios seguros e inclusivos para todas las personas”. 

En 1995 el Estado de Chile cometió un grave error al detener a Marcelina (68), una autoridad espiritual indígena, una “Machi” del pueblo Mapuche.

La policía le sacó sus joyas, su vestimenta y la llevaron a la cárcel de hombres pese a identificarse como mujer, la acusaron injustamente de asesinar a un paciente a través de brujería, detonando en ella sentimientos que la llevaron a migrar de su comunidad, incluso demostrando su inocencia. 

El documental propone una reflexión íntima sobre la diversidad y la necesidad de reconocer aquellas historias que no han salido a la luz o han sido silenciadas. A partir de su exploración y la memoria de Marcelina, Cons invita a cuestionar las categorías impuestas y a abrir espacios para el diálogo, el respeto y la comprensión de las distintas formas de existir.

La búsqueda del otro cuenta con la participación de Machi Marcelina Berrios Paineo, Machi Rosa Barbosa Canullan, Seba Calfuqueo. Es producida por Pejeperro Films y tendrá su estreno nacional en octubre de 2026 a través de Miradoc Chile, el programa de distribución de documentales chilenos. 

El Centro Cultural Quilpué Audiovisual forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile. 

Revisar toda la programación en www.quilpueaudiovisual.cl

RRSS @ccquilpueaudiovisual

“Retratarse desde la fibra”: CCU EN EL ARTE inaugura expo de arte textil y resiliencia en su sala foco social.

 La exposición de autorretratos en vellón agujado, creados por pacientes oncológicos del Hospital Sótero del Río, se inauguró el 11 de junio y continuará hasta el 1 de agosto en la Sala de Arte CCU. 

Con una emocionante convocatoria que reunió a público, artistas, profesionales de la salud y familiares, el pasado jueves 11 de junio a las 18:30 horas se inauguró en la Sala Foco Social de la Sala de Arte CCU la exposición “Retratarse desde la fibra”, proyecto ganador de la convocatoria Foco Social 2025. 

La muestra reúne 10 autorretratos en vellón agujado sobre tela (40 x 30 cm) realizados por pacientes del Centro Oncológico del Hospital Dr. Sótero del Río, junto a sus respectivas fotografías originales y un registro documental del proceso creativo.

Cada obra establece un diálogo íntimo entre la imagen física y su reinterpretación textil, evidenciando el proceso de transformación interior vivido por los participantes durante más de un mes de trabajo. 

Para Claudia Verdejo, jefa del Programa CCU en el Arte, la exposición plantea algo más que un excepcional trabajo textil: “Lo que vemos aquí es un acto de dignidad y presencia. Cada retrato tejido por estos pacientes nos recuerda que el arte puede sostener la vida incluso en los contextos más frágiles”. 

En tanto, para Francisca Moreno, curadora, artista visual y gestora del proyecto; significó una revelación: “Ver hoy estas obras colgadas en la Sala CCU Foco Social, con los autores presentes y orgullosos, es la mayor recompensa. El arte nos permite decir ‘seguimos aquí, creando”.

El montaje, de carácter lineal y silencioso, permite un recorrido introspectivo donde el vellón -material cálido y orgánico- se convierte en pintura, y el rostro emerge como metáfora del cuerpo que resiste, del tiempo que sana y del tejido que une. 

El proyecto “Retratarse desde la fibra” se desarrolló durante varias jornadas en el Hospital Sótero del Río, donde pacientes oncológicos fueron fotografiados y guiados en la técnica de vellón agujado, transformando sus rostros en obras textiles cargadas de significado emocional.

La exposición no solo presenta los resultados de este proceso, sino que se complementa con dos actividades abiertas al público: el conversatorio El arte como reconstrucción, que propone un diálogo entre pacientes, artista y personal del centro oncológico, y el taller participativo Pintar con fibra, donde los asistentes podrán experimentar de manera directa esta técnica sensorial e inclusiva. 

La muestra cuenta con el respaldo del director del Hospital Sótero del Río, Dr. Ignacio García-Huidobro Honorato, quien en una carta de apoyo destacó el valor terapéutico del taller, así como con el entusiasmo del grupo de pacientes creadores. Ellos manifestaron su alegría por “mostrar que, más allá de la enfermedad, seguimos siendo personas activas, creativas y con mucho que aportar”, reafirmando así el sello terapéutico y social de una iniciativa que visibiliza la resiliencia y la fuerza humana a través del arte textil.

Residencia artística llega a su fin con muestra abierta al público

Devenir Job_©Juan Hoppe

 La artista escénica, investigadora y directora de la compañía Escena Trvgica, Carina Aspillaga, ha estado desarrollando en la carrera de Teatro de la Universidad de Playa Ancha una residencia de creación e investigación titulada Proyecto S.O.M.A. (Sanar, Ofrendar, Morir y Amar): acciones mínimas para no somatizar, que forma parte de su investigación de tesis de la Maestría en Teatro y Artes Performáticas de la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires, Argentina, y que durante julio finaliza con una muestra abierta al público el 2 a las 18 horas en la Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha.

Esta investigación, que es parte de la tesis de egreso de Carina, explora las relaciones entre cuerpo, enfermedad, material y tecnología desde una perspectiva performática. Hoy, que cuenta con el financiamiento del Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, el proyecto ha podido desplegar un proceso de creación e investigación, donde cuerpo, materia, tecnología y experiencia autobiográfica convergen en una exploración performática.

La residencia que inició en abril de este año, ha sido un espacio de exploración práctica y reflexión colectiva, permitiendo poner en diálogo la investigación teórica con el trabajo escénico y corporal.

Como parte de este proceso, durante los primeros meses se realizó un casting abierto a estudiantes y egresadas de la carrera de Teatro UPLA, instancia que permitió incorporar a dos intérpretes al equipo creativo.

Devenir Job_©Juan Hoppe

Desde entonces, el trabajo se ha centrado en la experimentación corporal, la observación de materiales, la construcción de imaginarios escénicos y la exploración de las preguntas que atraviesan S.O.M.A., investigación que actualmente toma forma en la creación performática Devenir Job, inspirada en la experiencia autobiográfica de la enfermedad y en la figura bíblica de Job como arquetipo de resistencia, transformación y fe.

A lo largo de estos meses, el proceso ha contemplado dos instancias de apertura denominadas Anabolismos #01 y Anabolismos #02, encuentros realizados exclusivamente para la comunidad universitaria de la carrera de Teatro de la Universidad de Playa Ancha. 

Encuentros que permitieron compartir avances, metodologías y materiales de trabajo con estudiantes, docentes y artistas vinculados al espacio formativo.

Luego de varios meses de investigación, ensayo y creación, el equipo presenta Anabolismos #03, una muestra de proceso abierta al público que busca compartir los hallazgos, preguntas, imágenes, acciones y relaciones construidas durante la residencia.

Carina Aspillaga comenta sobre el trabajo que ha desarrollado durante estos meses y adelanta parte de lo que veremos en ANABOLISMOS #03: “Devenir Job es un acercamiento a mi investigación de tesis, iniciada mientras cursaba la Maestría en Teatro y Artes Performáticas en la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires. Si bien la obra parte de un hecho biográfico, no busca instalarse desde el biodrama ni el testimonio. Me interesa pensar el cuerpo en relación con las máquinas, los objetos y los procesos biológicos que desplegó para intentar sanarse luego de atravesar una enfermedad intensa.

Devenir Job_©Juan Hoppe

La figura bíblica de Job aparece aquí no como un personaje, sino como una pregunta: ¿qué ocurre cuando el cuerpo es sometido a una prueba que parece no tener salida? ¿Cómo se dialoga con el dolor físico?

Desde una perspectiva neomaterial y posthumana, la obra explora las relaciones afectivas entre cuerpos humanos y no humanos, materia y transformación, dónde busco plasmar una experiencia que viví desde la más absoluta intimidad, con un pulso lento, silencioso y profundamente espiritual.”
La función se realizará en la Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha, el próximo 2 de julio a las 18 horas, la entrada es liberada y es apta para todo el público. 

Festival de Cine Itinerante Efímera: ¡convocatoria abierta!

 Desde el Sur de Chile invitamos a creadoras y creadores audiovisuales de América Latina y el Caribe a formar parte de la primera edición de EFÍMERA.

EFÍMERA es un Festival de Cine Itinerante que este 2026 comienza en su primera edición desde la Patagonia chilena, para reunir y hacer circular películas de América Latina y el Caribe. Su programación recorrerá distintas localidades del sur de Chile, acercando el cine a comunidades que habitualmente quedan fuera de los principales circuitos culturales.

El festival nace para reunir películas de América Latina y el Caribe que dialoguen con: Ruralidad Fronteriza; Pueblos Indígenas; Disidencias Sexo-Genéricas

Historias que nacen desde los márgenes y amplían la mirada sobre América Latina desde sus territorios y comunidades.

Postulaciones hasta el 5 de agosto de 2026

 Convocatoria abierta para Cortometrajes y largometrajes; Ficción, documental, animación y experimental: Producciones de América Latina y el Caribe.

 ¿Por qué participar?

✓ Primera edición de un festival internacional con sede en la Patagonia chilena.

✓ Festival itinerante: las películas seleccionadas no se exhibirán únicamente en Coyhaique, sino que circularán por distintas localidades del sur de Chile, ampliando su alcance y encuentro con nuevos públicos.

✓ Espacio dedicado a historias vinculadas a territorios rurales, fronterizos, pueblos indígenas, memorias y diversidades.

✓ Oportunidad de conectar con comunidades y audiencias fuera de los circuitos tradicionales de exhibición audiovisual.

✓ Un punto de encuentro entre cineastas latinoamericanos y territorios que comparten experiencias de frontera, identidad, arraigo y transformación.

 Categorías en competencia

La selección de películas se enmarca en 3 temáticas:

Rural/Fronterizo: Películas de largometraje y cortometraje, en los géneros de ficción, animación y documental, chilenas o extranjeras, de un mínimo de 15 minutos a un máximo de 90 minutos, incluidos los créditos.

Queer: Películas de largometraje y cortometraje, en los géneros de ficción, animación y documental, chilenas o extranjeras, de un mínimo de 15 minutos a un máximo de 90 minutos, incluidos los créditos.

Indígena: Películas de largometraje y cortometraje, en los géneros de ficción, animación y documental, chilenas o extranjeras, de un mínimo de 15 minutos a un máximo de 90 minutos, incluidos los créditos.

Condiciones generales de selección y participación

• Podrá participar toda obra terminada a partir de agosto de 2024.

• Fecha de inscripción: 25 de mayo al 5 de agosto de 2026.

• Todas las obras inscritas serán sometidas a un proceso de preselección por parte del equipo de ejecución de Efímera Festival de Cine Itinerante.

• Todas las personas que participen de esta convocatoria deberán inscribirse por medio de la plataforma Festhome

• Toda película que no sea hablada originalmente en español deberá estar subtitulada al español desde la postulación.

• Cualquier costo de envío asociado corre por cuenta de la persona postulante.

• Ningún material extra recibido será devuelto.

• La selección de las películas será informada a través de las plataformas Festhome y por correo electrónico enviado por el equipo de tráfico de Efímera Festival de Cine.

• La persona responsable de la postulación tendrá un plazo de una semana para acusar recibo del correo electrónico mencionado; de lo contrario, podría quedar fuera de la selección.

• El festival se reserva el derecho de usar extractos de las obras seleccionadas con el objeto de difundir el evento y sin perjuicio de que los derechos de autor de las obras permanecen en poder de los dueños de estas.

• Las personas responsables de la producción y distribución de las películas de la Selección Oficial autorizan expresamente al equipo de ejecución de Efímera Festival de Cine a exhibirlas dos (2) en funciones fuera del evento del festival, como parte de su extensión cultural sin fines de lucro

• La organización del certamen se reserva el derecho de tomar las decisiones que estime pertinentes para aquellos casos no previstos en estas bases.

Películas seleccionadas.

Con el objetivo de crear correctamente el material de difusión y promoción de cada película, se solicita que adjunten los siguientes materiales:

• Sinopsis del film (300 caracteres máx.).

• Biofilmografía de la persona a cargo de la dirección y que incluya al menos año, ciudad y país de nacimiento; y sus obras estrenadas.

• Fotografía en alta resolución, tipo retrato, de la persona a cargo de dirección; fotogramas de la obra (3 mínimo) en alta resolución; ficha técnica del equipo; Tráiler (en caso de tenerlo).

El material deberá ser enviado durante los primeros 15 días desde la confirmación de la selección.

Envío de archivos de proyección.

Formato de exhibición será en H264 o DCP. Para las películas cortometrajes se aceptarán copias en DCP, H264 y Apple Prores HQ.

El material deberá ser enviado durante los primeros 15 días desde la confirmación de la selección.

Jurados

Estará formado por un mínimo de tres personas por categoría, integradas por personalidades del medio audiovisual, de las artes, la cultura y personas afines a las temáticas en competencia.

No podrán formar parte del jurado las personas directamente relacionadas con las obras en competencia, ni personas que tengan intereses en la producción y/o explotación de las películas en competencia.

Los votos del jurado serán secretos y las decisiones serán adoptadas por simple mayoría. Un representante de la organización podrá asistir a las deliberaciones del jurado, sin derecho a voto.

Reconocimientos

El jurado de cada categoría —“Rural/Fronterizo”, “Queer” e “Indígena”— entregará una estatuilla hecha por la destacada artista visual de la Región de Aysén: Marcela Stormesan Bravo. A los siguientes reconocimientos:  Mejor película largometraje; Mejor película cortometraje;

Aceptación de las bases.

La inscripción de una obra supone la aceptación total de las bases de Efímera Festival de Cine Itinerante al Sur del Mundo.

Este Festival es organizado y producido por Aguacero Cooperativa Audiovisua.

Prácticas populares, trayectos y resistencias en el nuevo espectáculo de Paty Mix “EL REGRESO A CASA: Crónicas de una cuentera”

El viernes 19 de junio a las 19:00 horas se estrena en Valparaíso Profundo el espectáculo de narración oral escénica “El regreso a casa: crónicas de una cuentera”, obra escrita por Patricia Mix Jiménez, profesora de filosofía y narradora oral con más de treinta años de trayectoria que, desde la memoria autoficcional, desarrolla una trama donde se despliegan hitos sociales y políticos relevantes de las últimas seis décadas de la historia de Chile.

Un bautizo con padrinos que juntan monedas y las tiran al aire; la experiencia de una niña descargando ladrillos para construir su propia escuela; el periplo del trabajo clandestino de una militante en Valparaíso; el humor y la rebeldía juvenil en un estadio al otro lado del mundo; y la terremoteada vida de un chileno dedicado a alterar el orden público, son las historias que Paty desarrolla a través de la palabra y el imaginario.

Después de haber presentado avances del espectáculo en el OFF Internacional de Narración Oral de Buenos Aires y en el cierre del Festival La Trama del Mundo en Viña del Mar, la obra llega de manera íntegra a Valparaíso Profundo, espacio artístico-cultural ubicado en Pasaje Fisher 18, Escalera de Colores, Cerro Concepción. Las entradas están disponibles vía Passline o en puerta. .

EQUIPO

El equipo de trabajo de la obra está conformado por Patricia Mix, dramaturga y narradora; Victoria Salazar, dirección e iluminación; Hella Bell, vestuario; Consuelo Mix y Jose Sarmiento, edición de ambiente sonoro; Michael Contreras, diseño gráfico; Felipe Arriagada, fotografía; y Matías Salinas, prensa.  

Patricia Mix, conocida como Paty Mix en el rubro cuentero, señala: “Este es un regreso a varias de las casas que he habitado, pero sobre todo al hogar propio, al fuego que es una misma. Es una manera de hacer memoria, de contar, de dar testimonio de lo que una como yo ha vivido.

Es resituar lo vivido; reconocer y comprender lo que sucedió y lo que me sucedió, que no es lo mismo. Es volver a los hechos desde hoy, para que el recuerdo se complete y se comprenda y, en mi caso, se transforme en palabra dicha, que, dicho sea de paso, es una dicha”.

Sobre el proceso creativo, detalla: “En mis treinta y tres años de narradora nunca tuve dirección externa de un espectáculo unipersonal. Mi repertorio siempre había sido literatura, relatos populares, cuentos escritos por mí, pero no sobre mí.

La ontoescritura, las escrituras de la memoria, la autoficción, nos permiten abordar material sensible de nuestra vida. Victoria Salazar, quien me está dirigiendo, me ha acompañado en la toma de decisiones fundamentales, como quitar terceras personas, chapas, como se usaban en la dictadura, y abordar la primera persona en la mayoría de los relatos.

Estoy agradecida de este equipo, de poder narrar lo que estoy narrando en un momento en que nos hemos ido quedando sin habla. Me mueve que se generen conversaciones, eso ya es bastante hoy en día”. 

Victoria Salazar, directora de la puesta en escena, comenta: “Para mí es un honor dirigir esta obra. Desde el momento en que Paty me invita se levanta en mí una curiosidad tremenda en relación a su disciplina.

Es un gran desafío dirigir narración oral, siendo un área distinta a las que habitualmente me desempeño, donde el gesto, la máscara y el teatro físico predominan por sobre la palabra. Ha sido interesante poder encontrarme con el arte de la palabra que Paty ha curtido durante tantos años y poder aportar desde mi propio oficio como creadora escénica.

Lo que más me ha gustado de la dirección es el diálogo entre la palabra y el cuerpo; la palabra viene desde nuestro cuerpo, ¿en qué estado está nuestro cuerpo cuando emerge la palabra?”.

“El cuento que me parece más interesante de este espectáculo es el tercero, se llama ‘El punto’. Es como una película de espías, evoca una imagen cinematográfica de Valparaíso, con sus calles porteñas, un bar de mala muerte, el Terminal de Buses.

Paty nos hace visitar por medio de la narración una ciudad que habitamos desde un punto de vista particular, lo que le da una estética diferente. Así podemos conocer más nuestro territorio, como ejercicio de memoria de autorreconocimiento. Me emociono porque es el cuento más difícil, ahí es donde hemos encontrado las conversaciones más profundas.

 Me he detenido a pensar en cosas fértiles, a observar nuestro presente con perspectiva para tener la oportunidad de construir futuro, cuidándonos de ciertas formas del pasado”, cierra Victoria.

Para más información seguir a @valparaisoprofundo en redes sociales.

‘Luwy La Pincoya’ llega al teatro con estreno gratuito en Castro

Luego de un extenso proceso de investigación y creación, la compañía de teatro La Navegante estrenará “Luwy La Pincoya”, una obra escénica inédita que rescata las memorias, historias y recuerdos personales de ‘Luwy’, transformista y activista de Castro, cuya trayectoria por más de tres décadas se ha convertido en un referente para la memoria de las disidencias sexuales en Chiloé.

 La propuesta es el resultado de un proceso de investigación basado en las experiencias de vida de ‘Luwy’ y reunió a artistas del territorio, incorporando además al director y dramaturgo Sebastián Ayala, quien aportó a la articulación de los distintos lenguajes presentes en la puesta en escena.

 Una historia contada desde el territorio 

La dramaturga y productora de la obra, Patricia Águila, destacó el carácter local del proyecto y la importancia de construir relatos desde las propias comunidades. 

“Es una creación local, un camino que hemos construido para que nuestra gente disfrute de una puesta en escena realizada con respeto y admiración hacia nuestro pueblo chilote, lejos del estereotipo y la extracción que muchas veces vivimos en lo cultural, cuando la historia es contada desde una mirada lejana y no desde sus comunidades”, señaló. 

La obra representa también una oportunidad para seguir fortaleciendo la creación escénica en el archipiélago y proyectar nuevas experiencias teatrales nacidas desde Chiloé. 

Abrir el baúl de los recuerdos 

Para ‘Luwy’ (personaje de Juanito Araya Silva), protagonista e inspiración de la obra, el estreno significa un momento profundamente emotivo, marcado por la posibilidad de compartir aspectos desconocidos de su historia personal. 

“Estoy feliz por este momento y de poder expresar toda mi vida, parte de ella, donde hay secretos no contados que se van a ir enterando porque abriré el baúl de los recuerdos”, expresó. 

La activista y transformista reconoció que revivir distintos episodios de su vida durante el proceso creativo ha significado reencontrarse con recuerdos y experiencias que forman parte de la memoria colectiva de las diversidades sexuales en Chiloé.

Por su parte el director de la obra, Sebastián Ayala, destacó el proceso creativo impulsado por la compañía La Navegante y la decisión de construir una obra desde una perspectiva colaborativa.

“Es una gran decisión, en términos teatrales, seguir insistiendo en hacer un trabajo colectivo, algo que no siempre se da, y creo que eso es totalmente valorable y rescatable. El trabajo que hace La Navegante merece ser destacado”, afirmó.

“Luwy La Pincoya” tendrá sus funciones de estreno los días 26 y 27 de junio, a las 19:00 horas, en el Centro Cultural de Castro, con entrada liberada para toda la comunidad. La obra busca conmemorar las memorias de la disidencia sexual chilota y abrir un espacio de encuentro con historias que forman parte del patrimonio cultural y afectivo del archipiélago.Escrito por Marcelo Águila. Fotografías por Amelia Jara Rodríguez

Con lectura dramatizada de “Tengo Miedo Torero” se conmemora el Día Internacional del Orgullo Gay en Sala Teatro IPA.

  Junio es el Mes del Orgullo y se conmemora en todo el mundo a propósito de los disturbios ocurridos un 28 de junio de 1969 en Stonewall (Nueva York, EE. UU.), en donde se protestó por la violencia policial en contra de personas marginadas de la sociedad, marcando el inicio del movimiento de liberación hacia las minorías y por los derechos homosexuales. 

Para conmemorar esta fecha el Centro Cultural IPA realizará el día viernes 26 de junio a las 19:00 hrs. una actividad que mezclará la literatura, el teatro y el rescate de la memoria cuya adaptación está a cargo de la Compañía de Teatro IluCión.

Se trata de la lectura dramatizada de “Tengo Miedo Torero”, obra del escritor y cronista chileno, Pedro Lemebel defensor de los derechos humanos, escritor, homosexual, artista visual, ícono de la contracultura y opositor a la dictadura que existió en Chile, Lemebel hizo de su obra una forma de protesta. 

“Tengo Miedo Torero” cuenta la historia de amor entre un joven militante que participa en un atentado contra Augusto Pinochet y vive una relación con la Loca del Frente, un homosexual que lo ayuda en su acción contra el dictador. 

La lectura estará a cargo del actor y director teatral, Claudio Vidal Albornoz, quien, en tiempos de pandemia, se le presentó la oportunidad de darle vida a esta obra.

 “Realicé como actor muchas funciones de manera online, tanto de cuentacuentos, personajes, adaptaciones teatrales desde Teatro IluCión y se me pidió realizar una versión dramatizada de este libro, en la que, en pocos minutos, comparto la esencia de la novela de Pedro Lemebel, visibilizando esta bandera de lucha tan importante, como son las diversidades.

 Poder participar activamente en el Mes del Orgullo es una alegría, más aún en vinculación con espacios que pretenden visibilizar las disidencias”, explica.

La actividad se realizará a las 19:00 horas en la Sala de Teatro IPA de calle Condell #1349 Valparaíso y es con entrada a través de APORTE VOLUNTARIO al ingresar a la sala de teatro, y las reservas se realizan a través de passline.com

CENTRO CULTURAL IPA un espacio para el desarrollo de las actividades artísticas en la ciudad de Valparaíso.

El virtuosismo de Roman Patočka se presentó en el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes

 El pasado 17 de junio de 2026, a las 20:00 horas, en el Teatro CA660 se presentó un encuentro musical de clase mundial. 

El virtuoso violinista checo Roman Patočka, aclamado por su tono noble y técnica impecable; en una colaboración de alto nivel, compartió escenario con la destacada pianista nacional Marcela Rodríguez en un programa que ofrece un repertorio que combina la profundidad del romanticismo con el virtuosismo más exigente.  

El programa está diseñado como un viaje emocional y técnico. La primera parte: El Renacer y las Raíces destaca la luminosa Sonata "Primavera" de Beethoven y las Piezas Románticas de Dvořák, donde Patočka - heredero directo de la tradición musical bohemia— - despliega una autenticidad única. La segunda mitad: Del Infierno al Salón de Baile elevará la intensidad con la Sonata "El Trino del Diablo" de Tartini, una obra rodeada de misticismo y famosa por su extrema dificultad técnica. 

El concierto cerrará con una selección de piezas de Fritz Kreisler y Claude Debussy, culminando con la espectacular “Introduction & Rondo Capriccioso” de Saint-Saëns, una pieza de "fuegos artificiales" rítmicos que promete una ovación cerrada.  

“La presencia de Patočka en Chile representa un hito para la temporada musical 2026, consolidando al Teatro CA660 de Fundación CorpArtes como un espacio fundamental para el intercambio cultural entre Europa y Latinoamérica. 

Este concierto no es solo para expertos; está diseñada para emocionar a todo público que aprecie la maestría técnica puesta al servicio de la belleza”, destaca José Tomás Palma, director ejecutivo de Fundación CorpArtes. 

 ROMAN PATOČKA – VIOLÍN 

Reconocido como uno de los violinistas checos más destacados de su generación, Roman Patočka ha desarrollado una sólida carrera internacional como solista y músico de cámara, cautivando al público con su virtuosismo técnico y expresividad musical. Formado en el Conservatorio de Praga y en la Academia de Artes Escénicas de la misma ciudad, perfeccionó posteriormente sus estudios en Utrecht, Lübeck y Berlín.

A lo largo de su trayectoria ha participado en importantes academias y festivales internacionales en Europa, Israel y Estados Unidos, trabajando junto a destacadas figuras del mundo de la música clásica como Gidon Kremer, Daniel Barenboim y Menahem Pressler. 

Ganador y laureado en prestigiosos concursos internacionales, entre ellos el Concurso Internacional Leopold Mozart de Augsburgo, el Concurso Internacional Max Rostal de Berlín y el Prague Spring Competition, Patočka se ha presentado junto a importantes orquestas de Europa y Asia bajo la dirección de reconocidos maestros internacionales.

 Actualmente integra el prestigioso Talich Quartet y el Eben Trio, además de desarrollar una activa carrera como solista. Sus interpretaciones han sido transmitidas por medios como BBC Radio 3, ORF y NHK de Japón, consolidando una trayectoria reconocida por su refinamiento artístico y profundidad interpretativa. 

 MARCELA RODRÍGUEZ – PIANO 

La elección de Marcela Rodríguez para este programa es estratégica. Su solidez estructural permite que Patočka explore toda la paleta de colores del violín, desde los susurros de Debussy hasta la bravura de Saint-Saëns. Juntos, logran que piezas que suelen considerarse "solistas" se transformen en un diálogo vibrante y equilibrado. 

Destacada pianista chilena formada en la Academia de Música “Federico Chopin” de Varsovia, Polonia, donde obtuvo el título de Maestra en Artes con mención en Interpretación en Piano.

Ha desarrollado una activa carrera como pianista colaboradora en conciertos, festivales y temporadas de música de cámara en Chile y el extranjero, acompañando a reconocidos solistas nacionales e internacionales.

Actualmente se desempeña como pianista acompañante en el Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica de Chile y como pianista correpetidora residente del Festival de Música Huilo Huilo. 

PROGRAMA 

Primera parte: L. v. Beethoven: Sonata para violín y piano N.º 5 en fa mayor, Op. 24, “Primavera”. Dvořák: Piezas románticas, Op. 75   

Intermedio.  

Segunda parte:  G. Tartini, Sonata en sol menor, “El trino del diablo”; F. Kreisler: Liebesleid   
Liebesfreud, Tambourin Chinois. C. Debussy : Clair de lune, Valse “La plus que lente”; Golliwog’s Cakewalk. C. Saint-Saëns : Introduction et Rondo capriccioso, Op. 28 

El concierto de Roman Patočka, presentado por Fundación CorpArtes y Uniquepiece, es un proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, y cuenta con el patrocinio de la Embajada de la República Checa.  

Artistas y científicos de Concepción transforman datos del océano en una experiencia interactiva en la Patagonia chilena

 Artistas y científicos de Concepción transforman datos del océano en una experiencia interactiva en la Patagonia chilena La iniciativa Corriente Sonora, impulsada por el Laboratorio Crítico de la Imagen (Labcrimen), la Universidad de Concepción y COPAS Coastal, convierte información real del océano austral en sonido, imagen e interacción.

El proyecto se desarrolla en Caleta Tortel y busca acercar fenómenos marinos a las personas a través de los sentidos. El océano produce miles de datos cada día. Temperatura, salinidad, mareas, corrientes y niveles de oxígeno son algunas de las variables que científicos monitorean constantemente para comprender cómo cambian los ecosistemas marinos.

El proyecto Corriente Sonora toma esas cifras o gráficos y las transforma en paisajes sonoros, visualizaciones generativas y experiencias interactivas abiertas a la comunidad.

La propuesta reúne a artistas, científicos y especialistas en tecnología provenientes de distintas disciplinas. El proyecto es desarrollado por el Laboratorio Crítico de la Imagen (Labcrimen), espacio dedicado a la investigación y creación en artes mediales y tecnologías creativas, junto a la Universidad de Concepción y COPAS Coastal, articulando conocimientos científicos y prácticas artísticas para explorar nuevas formas de comprender el océano austral.

 "Gran parte de los procesos que ocurren en el océano y específicamente en los territorios de la Patagonia son fenómenos complejos, muchas veces invisibles o difíciles de percibir directamente. A través de esta instalación, estos datos son convertidos en imágenes, sonidos y experiencias que permiten comprenderlos desde una dimensión emocional, corporal y sensible, no únicamente técnica", señaló Cristóbal Parra, artista medial de Labcrimen e integrante del equipo creativo de Corriente Sonora.

 La instalación trabaja con información oceanográfica recopilada por COPAS Coastal. Variables como temperatura, salinidad, oxígeno, clorofila, mareas y corrientes son reinterpretadas mediante programación creativa para generar visualizaciones procesadas en tiempo real y paisajes sonoros que reaccionan al comportamiento del océano.

A través de videomapping, síntesis sonora e interfaces interactivas, los visitantes podrán observar y escuchar fenómenos que habitualmente permanecen ocultos en gráficos científicos o bases de datos. El objetivo es ofrecer una experiencia participativa, capaz de conectar el conocimiento científico con nuevas formas de exploración artística. La dimensión sonora ocupa un lugar central dentro del proceso creativo.

Valentina Villarroel, artista sonora y educadora vinculada al registro de campo, el paisaje acústico, la escucha crítica y la memoria territorial. Su participación permite abordar el sonido no solo como traducción de variables ambientales, sino también como una forma de reconocer atmósferas, ritmos y materiales sensibles del extremo sur.

"El sonido cumple un rol fundamental como herramienta de exploración, percepción y vínculo con el territorio. A través de la escucha activa y del paisaje sonoro buscamos reconocer atmósferas, ritmos y elementos cotidianos que muchas veces pasan desapercibidos. La idea es que la experiencia permita relacionarse con el entorno desde una dimensión sensible, colectiva y vinculada a la memoria", explicó la artista.

El proyecto contempla además instancias de colaboración con habitantes de la zona, incorporando registros, memorias, sonidos y elementos significativos del paisaje que pasarán a formar parte del proceso creativo.

Entre estas actividades se desarrolló un taller de escucha y paisaje sonoro junto a participantes de Coyhaique, donde se realizaron ejercicios de registro de campo, caminatas sonoras y exploración acústica utilizando micrófonos artesanales y equipos de grabación.

 Desde el ámbito científico, Corriente Sonora se desarrolla en uno de los territorios más sensibles al cambio climático en Chile. Caleta Tortel y sus alrededores se encuentran bajo la influencia directa de los Campos de Hielo Patagónicos, cuyas transformaciones impactan el funcionamiento de los fiordos y ecosistemas marinos del extremo sur. "Tortel y sus alrededores son zonas de alto interés científico por encontrarse bajo la influencia directa de los Campos de Hielo Patagónicos, sistemas altamente sensibles al cambio climático.

 Muchos de los glaciares que componen estas grandes masas de hielo han retrocedido y descargan agua de deshielo hacia los fiordos patagónicos, impactando las características y el funcionamiento de este ecosistema", señaló Marcelo Gutiérrez Astete, académico del Departamento de Oceanografía de la Universidad de Concepción e investigador principal de COPAS Coastal.

"La información que generamos sobre temperatura, salinidad, oxígeno o clorofila suele estar orientada a comprender procesos oceanográficos desde una perspectiva científica. Sin embargo, esos cambios también afectan directamente nuestras vidas y los ecosistemas marinos que habitamos.

A través de Corriente Sonora buscamos acercar esa información a las personas desde sus sentidos, transformando datos que pueden parecer abstractos en una experiencia capaz de generar un vínculo más profundo con el océano y su protección", agregó.

El montaje está proyectado para el segundo semestre de 2026. Con esta primera etapa, el equipo continúa consolidando una propuesta que busca situar a Caleta Tortel como un espacio de encuentro entre arte, ciencia y tecnología, donde fenómenos invisibles del océano austral puedan ser experimentados desde la escucha, la observación y la interacción.

Sobre Corriente Sonora

Corriente Sonora es una iniciativa interdisciplinaria de arte, ciencia y tecnología que trabaja con información oceanográfica local para crear una instalación sensorial e interactiva en Caleta Tortel. La propuesta convierte señales del océano austral en sonido, imagen y movimiento, articulando investigación científica, artes mediales, herramientas digitales y territorio.

Una Odisea contemporánea en clave ciencia ficción en el Teatro Camilo Henríquez

¿Qué ocurre cuando finalmente regresamos a casa y ya no somos capaces de reconocerla? 

Un astronauta vuelve a la Tierra después de una larga expedición a Marte. La misión ha terminado, el viaje parece haber concluido y el hogar lo espera al otro lado del universo. Sin embargo, al volver, descubre que algo no encaja.

Las personas, los espacios y los recuerdos le resultan familiares, pero también extrañamente ajenos. Como si habitara una réplica imperfecta de la realidad.

Esa inquietante sensación de desorientación atraviesa Experiencias a través del Universo (+14 años, 50 min), la nueva obra escrita por Carla Zúñiga y dirigida por Manuel Morgado, que se estrenará el próximo 25 de junio en el Teatro Camilo Henríquez, la sala del Círculo de Periodistas con 70 años de historia dedicada al teatro chileno de vanguardia.

El montaje marca un nuevo encuentro creativo entre Zúñiga y Morgado, quienes durante los últimos años han desarrollado una sostenida y exitosa colaboración artística en obras como Yo también quiero ser un hombre blanco heterosexual (2018), El terror de vivir en un país como este (2022) y Un montón de brujas volando por el cielo (2022).

En esta ocasión, ambos vuelven a reunirse para explorar, desde la ciencia ficción, preguntas sobre la identidad, la memoria y la necesidad humana de encontrar un lugar al cual pertenecer.

La pieza propone una singular relectura contemporánea de La Odisea, el poema épico de Homero del siglo VIII a.d.C. Aquí, el conocido Ulises ya no es un héroe que atraviesa mares para volver a Ítaca, sino un astronauta que regresa de una expedición a Marte, siendo incapaz de distinguir entre la realidad y la ilusión. 

“Aquí el problema no es la distancia física. Nuestro Ulises logra retornar de Marte, pero no sabe si realmente regresó. La pregunta deja de ser cómo volver a casa y pasa a ser cómo reconocerla”, explica Morgado.

Interpretada por Héctor Morales y Guilherme Sepúlveda, la obra sigue el encuentro entre dos hermanos marcados por la pérdida, la soledad y la necesidad de aferrarse a una realidad que parece desmoronarse.

 Mientras Ulises (Sepúlveda) intenta comprender qué es verdadero, Alejandro (Morales) lucha por devolverlo a la vida cotidiana.

Aunque transcurre entre Marte y la Tierra, Experiencias a través del Universo aborda experiencias profundamente humanas: el duelo, la fragilidad de los recuerdos, el miedo a la locura y la sensación de extrañamiento que atraviesa a quienes regresan de una crisis transformados para siempre.

Al propio Morgado la experiencia le es cercana, luego de que en marzo 2023 contrajera un virus respiratorio que lo mantuvo 10 días en coma inducido y conectado a respiración mecánica. “Cuando volví a la realidad sufrí de sueños lúcidos, alucinaciones y me costó darme cuenta que todo eso no había ocurrido, al igual que reconocer nuevamente los espacios y a las personas”, relata.

Sin embargo, para llevar esta historia y sus sensaciones a escena, el director prefirió recurrir a la ciencia ficción como un vehículo ideal para explorar preguntas que sean universales y a la vez extraordinarias.

“La ciencia ficción me permite llevar a los personajes a situaciones al límite. No me interesa como una vía de escape del presente, sino como una forma de observar mejor este presente”, señala.

El director sostiene que vivimos en una época marcada por la incertidumbre, donde las transformaciones tecnológicas, la inteligencia artificial, las crisis ambientales y los conflictos globales han vuelto difusa la frontera entre realidad y ficción.

“Muchas veces la realidad parece más extraña que la propia ficción. Creo que vivimos ya en una ciencia ficción”, agrega. También se inspira en la hauntología del filósofo británico Mark Fisher, en la que el presente está "embrujado" no por espíritus tradicionales, sino por futuros utópicos y alternativas sociales que fueron prometidas, pero nunca llegaron a materializarse debido al fatalismo del capitalismo moderno.

“Vivimos en la nostalgia de algo que nunca existió”, dice Morgado.

Ese cruce entre lo real y lo imaginario también se expresa en el universo visual y conceptual de la obra, imágenes influenciadas por fenómenos culturales contemporáneos como la estética Dreamcore y los Backrooms atraviesan l

a propuesta escénica. “Lo inquietante de estas estéticas no es que sean monstruosas, sino que parecen espacios familiares donde ya estuvimos. Eso es exactamente lo que siente Ulises cuando regresa: la Tierra se convierte en un Backroom para él”, explica el director.

La puesta en escena apuesta por una propuesta visual despojada, centrada en la actuación y en la construcción de atmósferas a través del diseño sonoro, la iluminación y un dispositivo escénico basado en reflejos, espejos y distorsiones visuales que acompañan la fractura perceptiva del protagonista.

 “La obra no se trata solo de Marte. Se trata de personas intentando encontrar un lugar en el mundo o sentir que realmente habitan un hogar”, concluye Morgado.

➔ Coordenadas: Del 25 de junio al 04 de julio en el Teatro Camilo Henríquez – Amunátegui #31, Santiago (Metro La Moneda) Jueves a Sábado, a las 19:30 horas, función especial matiné Sábado, a las 16:00 horas.

➔ Entradas: A la venta en boleterías del teatro (1 hora antes de la función) y por sistema Ticketplus.cl 

➔ Valores de las entradas:  $12.000 - Platea Alta $10.000, estudiantes de teatro, danza, periodismo: $3.500 - adultos mayores: 3.000 - estudiantes general $5.000 - personas con movilidad reducida: 7.000. La función Matiné tendrá un valor general de $6.000.