miércoles, 1 de octubre de 2025

“Joya Chilena” reunirá a más de 60 talentosos expositores en Lo Barnechea

 Con el propósito de promover el talento local y dar a conocer piezas de joyería únicas, Creado en Chile y la Corporación Cultural de Lo Barnechea dan vida a la tercera edición de Joya Chilena, encuentro de orfebrería contemporánea que reunirá a más de 60 orfebres de distintas regiones del país.

Este evento gratuito se desarrollará de 11 a 19 horas, entre el viernes 24 y el domingo 26 de octubre, en el Centro Cultural El Tranque, en el que cada creador seleccionado tendrá un espacio de exhibición y venta de sus creaciones.

Asimismo, este encuentro será complementado con conversatorios abiertos al público sobre innovación y rescate de técnicas y materias primas utilizadas en el rubro de la orfebrería, y talleres de joyas gratuitos —previa inscripción— con el objeto de que personas de todas las edades puedan aprender a confeccionar piezas en papel, metal, cobre, crin, fibra vegetal y lana.

Por primera vez, el evento contará no solo con destacadas figuras consolidadas del rubro como Chantal Bernsau, Constanza Bielsa, Rita Soto, Carol Raddatz, Atis Saez, Valeria Martínez, Vania Ruiz, Mónica Pérez o Daniela Scherman, sino también con orfebres emergentes, con nuevas propuestas artísticas. 

Entre estas futuras promesas de la escena nacional se encuentra Rocío Palma, artesana proveniente de una familia de chamanteras textiles.

Esta orfebre confecciona joyas con tejido de Doñihue, una manta o poncho ornamental que se teje exclusivamente en esa localidad ubicada en el sur de Chile, en la Región de O'Higgins y que destaca por ser una pieza de gran valor artesanal, con una denominación de origen que certifica su autenticidad y tradición.

De igual manera, también estará presente Almendra Baus, artista chilena graduada de la Academia Nacional de las Artes de Oslo, quien pertenece a la Asociación Chilena de Joyería Contemporánea.

Su trabajo se centra en la joyería contemporánea, utilizando materiales como metales, plásticos, yeso, textiles y cerámica. En él busca establecer una conexión narrativa, directa o indirecta, con el cuerpo humano. 

Otras de las novedades de esta tercera edición de Joya Chilena es que este año contará con mayor participación masculina, entre ellos, los orfebres Pepe Marín, Sebastián Marino, Andrés Uribe, Rodrigo Becerra, Jorge Ramírez, y Sergio Rojas. 

Por parte del sello O+D, estarán presentes José y Camila Marín con su marca Monttemarin, la artesana Fernanda Abarca y Sergio Rojas con su proyecto Joyero de Luz, todos anclados en la producción a mano a través de materias como el cobre o la plata y con una fuerte impronta contemporánea.

Manuel Labra, cofundador de Creado en Chile, plataforma chilena que impulsa el patrimonio creativo del país, comparte que este evento no solo busca promover el talento y la riqueza del oficio de orfebre en nuestro país, sino también acercar al público piezas únicas de diseño nacional que preservan el legado cultural de pueblos originarios como el Mapuche. 

“De hecho, tenemos el orgullo de tener en este encuentro a Celeste Painepan, platera mapuche con más de 40 años de trayectoria, quien aprendió el oficio de su madre y su abuela, y confecciona joyas con elementos sagrados mapuche”, añadió Labra. 

Por su parte Alejandra Valdés, directora ejecutiva de la Corporación Cultural de Lo Barnechea, afirma que “la importancia que le damos en Lo Barnechea a los oficios y técnicas manuales es tan importante que junto a los talleres que hacemos durante el año se nos hace fundamental crear instancias de exhibición y venta que permitan dar a conocer y relevar la joyería. 

Nuestro sello O+D, Oficios y Diseño, estará también presente en el encuentro con artesanos de la comuna, exhibiendo el talento local y haciendo nuevas redes para seguir avanzando. Esperamos que muchas personas visiten la muestra, que este año crece a 60 expositores con muchos destacadísimos orfebres”.

Tras el éxito de sus dos ediciones anteriores, “Joya Chilena” se consolida como una instancia clave para visibilizar y difundir la orfebrería nacional, promoviendo el trabajo hecho a mano, el diseño con identidad y el encuentro entre creadores y público.

COORDENADAS

Qué: “Joya Chilena”

Cuándo: Viernes 24, sábado 25 y domingo 26 de octubre de 2025

Dónde: Centro Cultural El Tranque, ubicado en Avenida El Tranque 10.300, Lo Barnechea. Horario: 11:00 - 19:00 horas. 

Florencia Eluchans regresa a librerías con "Muere lentamente quien no sueña"

 Florencia Eluchans: “Espero que el lector entre en la novela sin juicio moral” 

La autora del superventas Esa vida que imaginamos regresa a librerías con Muere lentamente quien no sueña, una novela vibrante protagonizada por una chilena que, en medio de las revueltas del Mayo francés, experimentará el deseo por otra mujer e iniciará un viaje de autodescubrimiento liberador. 

“¡Prohibido prohibir!”, “¡Seamos realistas, pidamos lo imposible!”, se escucha por las calles de París mientras un joven matrimonio chileno se instala en la capital francesa para estudiar literatura en La Sorbona.   

En Muere lentamente quien no sueña, Florencia Eluchans narra la historia de Isabel, que —junto a su marido y luego del reformismo universitario chileno de 1967— aterrizan en pleno Mayo francés, donde las protestas por el fin de la guerra de Vietnam y la muerte del imperialismo americano resuenan en las calles.   

Sobre situar el relato en esta época, la autora de la exitosa Esa la vida que imaginamos recuerda que “surgió en conversaciones con mi hermana Isabel, que es historiadora y trabajamos mucho juntas. Vimos ahí la posibilidad de recrear un mundo que está en plena efervescencia y que podría ser espejo de lo que la protagonista está viviendo en su interior”.  

En 464 páginas, la trama gira en torno al personaje de Isabel y a la relación amorosa que desarrollará con Lucía, mientras transita por un viaje de autodescubrimiento. “Me interesó el contraste del mundo externo con el interno de ella. Ese choque de realidades. Es una época de destape, de demandas de la juventud en términos de cambios sociales y de libertades”, reflexiona la escritora.  

Entre pasión, traición y política, esta novela histórica aborda la lucha por la libertad en sus diferentes formas. “Espero que el lector entre en la novela sin juicio moral y logre conectar con la inmensidad de la historia”, concluye Florencia Eluchans. 

Florencia Eluchans. Nació en Santiago en 1981. Desde 2010 ha participado en los talleres de Ana María Guiraldes, Pablo Azócar y Mauricio Electorat. 

Desde 2020 imparte talleres de historia y literatura en los que analiza la vida y obra de destacadas escritoras, como Irene Nemirovsky, Simone de Beauvoir, Isabel Allende y Gabriela Mistral. También dicta talleres de escritura creativa a variados grupos. Actualmente realiza este taller en la Municipalidad de Vitacura. 

En 2017 publicó Esa vida que imaginamos –ganadora del Fondo de Creación Literaria 2016– y en 2020 Más allá de nuestros días. "Muere lentamente quien no sueña" es su tercera novela. 

Obra explora la neurodiversidad como potencia creativa.

"Robot: ecos neurodivergentes" es una obra de teatro interdisciplinaria que surge de una investigación escénica dirigida por David Atencio y Victor Romero que celebra la pluralidad de mentes humanas y cuestiona los paradigmas de la neurotipicidad. 

Inspirada en la técnica del action painting de Jackson Pollock y la metáfora de la “maraña de redes” que describe la complejidad del cerebro humano, el montaje combina arte abstracto, ciencias cognitivas y creación escénica para explorar cómo pensamos, sentimos y aprendemos desde perspectivas no normativas.

A través de un lenguaje performativo que fusiona teatro, danza y elementos cognitivos, "Robot", de la compañía Tercer Abstracto, revela la complejidad del pensamiento en movimiento mediante acciones cotidianas, como ponerse una chaqueta o desplazar una caja, destacando la riqueza de los procesos de aprendizaje diversos. 

La pieza se construye desde una metodología situada y horizontal, con las experiencias de personas neurodivergentes y con discapacidad como eje central. 

En escena, la y los intérpretes Claudia Vicuña (bailarina y coreógrafa neurodivergente), Héctor Medina (bailarín y performer con discapacidad motriz) y Sergio Mejía (actor con síndrome de Down) visibilizan otras formas de pensar lo humano, desafiando categorías fijas como normal o anormal.

David Atencio, director y dramaturgo, explica: “La obra es una experiencia sensorial y cognitiva que reimagina el teatro desde las diferencias cognitivas y corporales, no como algo a tolerar, sino como formas válidas de conocimiento. En ese sentido, buscamos crear un espacio donde la neurodiversidad sea el corazón de la creación escénica".

En tanto, Victor Romero, codirector del proyecto, agrega: “nuestra propuesta interpela a la audiencia desde una práctica situada, narrando vivencias desde la mente y el cuerpo para así concebir una obra teatral como laboratorio social. Es decir, un espacio donde se ponen a prueba otras formas de habitar el mundo”.

La obra busca también contribuir a las artes escénicas preguntándose, entre otras cosas, ¿cómo sería pensar, practicar y componer la escena desde la neurodivergencia y de la discapacidad?,  ¿qué puede aprender el teatro desde otras lógicas de pensar y proceder? y ¿qué cuerpos pueden ocupar el escenario? 

Diseñado como un espectáculo distendido, "Robot" es la primera obra en Chile concebida desde su origen para audiencias neurodivergentes. 

Esta incluye una “guía anticipatoria” que detalla lo que se verá y sucederá, además de una producción que minimiza cambios bruscos de iluminación o sonido para evitar estímulos intensos, junto con una sala contigua que ofrecerá juegos de regulación, audífonos con cancelación de sonido y una pantalla que transmitirá la obra.

Tercer Abstracto –que en abril de este año presentó en GAM “Figura Humana”–, más que una compañía, es un programa de investigación y creación teatral que, desde hace más de una década, indaga en la relación entre arte y ciencia.

4 al 19 Oct
Ju a Sá— 19.30 h. Do— 19 h. Entradas en gam.cl

María Paz Blanco presenta El poder de creer

Luego del éxito de El poder de quererte, su primera publicación, la psicóloga regresa a librerías este 1 de octubre. 

Desde su lanzamiento en noviembre de 2022, El poder de quererte ha agotado más de 70 mil ejemplares. El volumen estuvo 18 meses consecutivos en el ranking de los libros más vendidos del país.  

El poder de creer será presentado el lunes 13 de octubre a las 19:30 horas en Sala Vitacura (Bicentenario 3800, Vitacura). La entrada es liberada.

Con más de 70 mil ejemplares vendidos de su best seller El poder de quererte, la psicóloga y autora María Paz Blanco presenta El poder de creer, un libro que une la neurociencia, la psicología y la espiritualidad para recordarnos algo esencial: incluso en medio de la incertidumbre, existe dentro de nosotros una fuerza capaz de sostenernos y guiarnos.

“Cuando decides creer en algo superior, llámese como se llame, te vuelves invencible. Confiar en ti, confiar en tu fuerza, aun en los días de duda y desesperanza, confiar en la vida, aunque a veces parezca incomprensible, siempre te guía hacia tu mayor bien”, asegura la autora con la convicción que nace no solo del estudio, sino también de la experiencia de acompañar a miles de personas en sus procesos de transformación y sus propias experiencias vitales. 

El poder de creer no es solo un libro, es una invitación a despertar la fuerza interior que siempre ha estado en cada uno. 

Con la calidez de la psicología, el rigor de la neurociencia y la profundidad de la espiritualidad, María Paz Blanco impulsa a emprender un viaje íntimo y transformador para aprender a confiar en uno mismo, en la vida y en algo superior que nos sostiene incluso en la incertidumbre.

A través de reflexiones profundas, historias cercanas y ejercicios prácticos, descubrirás cómo tus creencias pueden abrir o cerrar caminos, y cómo elegir creer puede cambiar tu manera de pensar, sentir y actuar. 

El poder de creer acompaña a transformar el miedo en confianza, la duda en claridad y la vulnerabilidad en una fuente de fortaleza. Para la autora, el libro es "un viaje hacia dentro para recordar que todo lo que necesitas ya habita en ti. Un llamado a creer, porque cuando lo haces, tu vida entera se expande". 

La publicación "propone un recorrido práctico y reflexivo para quienes atraviesan momentos de duda, miedo o vulnerabilidad. 

Con ejercicios y herramientas simples, estas 225 páginas enseñan a transformar la incertidumbre en confianza, y la fragilidad en un impulso para crecer”, añade la psicóloga que se ha transformado en una de los principales referentes en autoestima y bienestar en el mundo hispano. 

El poder de creer estará disponible en todas las librerías del país y en tiendas digitales desde el 1 de octubre. El título será publicado próximamente en Colombia, Uruguay, México, Perú, Argentina y Estados Unidos.

María Paz Blanco (Santiago, 1983) es madre de tres hijos, psicóloga, máster en Conducta del Consumidor y Life Coach certificada. 

Autora del bestseller El poder de quererte, donde relata parte de su historia y su propio proceso de sanación, y de Practica el poder de quererte, hoy presenta su tercer libro, El poder de creer, consolidando una trayectoria dedicada a la transformación personal y al bienestar emocional. 

Creadora del Método Aplicado a la Psicología de Imagen Personal (MAPIP®️), ha integrado la psicología con la imagen personal para ofrecer una visión innovadora que conecta el autoconocimiento con la autenticidad y la confianza. 

Embajadora en Estados Unidos y Chile del programa global Hidden Disabilities Sunflower, es una voz activa en la defensa de los derechos y la inclusión de las personas con discapacida
d bajo el lema “De la inclusión a la acción”. 

Reconocida como una de los principales referentes en autoestima y bienestar en el mundo hispano, inspira a miles de personas a desplegar su máximo potencial, fortalecer su amor propio y transformar sus vidas desde la confianza interior. 

Es panelista invitada en canales internacionales como Univisión y Telemundo. Además, como conferencista y coach, ofrece sesiones de life coaching, talleres y conferencias corporativas y en línea— que inspiran a miles de personas en todo el mundo en su camino de autodescubrimiento, resiliencia y expansión.  @mpblanco.  www.mpblanco.com

"Wedding Planner": organiza tu matrimonio con la ayuda de Javiera Jordán

¿Por dónde partir?

Javiera Jordán comparte los mejores consejos para novias en su Wedding Planner 

Desde su experiencia en el rubro de los matrimonios y los recuerdos de su propia boda, la destacada diseñadora nacional publica este journal como una guía práctica para la organización del gran día. 

Con catorce años de trayectoria diseñando vestidos de novias, Javiera Jordán decide incursionar en la publicación de este Wedding Planner, pensado como una guía para acompañar y aconsejar a las parejas durante los meses previos a su matrimonio.  

“Todas las decisiones que uno va tomando y las vueltas que se dan son lo que van tejiendo el proceso que culmina en un día tan emocionante y rico en contenido”, reflexiona la autora, que ve en este journal la posibilidad de plasmar estos recuerdos mezclando elementos de agenda, álbum de fotos y cuaderno de anotaciones.  

Respecto a la industria de los matrimonios en general, Javiera Jordán comenta que “hay una fuerte influencia gringa ligada a la entretención, cada vez hay más ítems "entretenidos" en las bodas. Los matrimonios han evolucionado poco a poco, en el sentido de que cada vez están más producidos”.   

La cuidada edición de este planner y su cubierta entelada hacen de esta publicación un objeto para atesorar. Es una invitación a intervenir y personalizarlo, descubriendo en su interior checklists, consejos, calendarios, algo de historia y mucho apoyo emocional.   

“Existen tantos ítems por considerar en la organización de una boda y que cada uno es un mundo en particular”, asegura Javiera. Este libro, además, entrega datos poco conocidos sobre la historia de las tradiciones que persisten hasta el día de hoy, desde el color blanco del vestido de novia, y sus variaciones a través de los años, hasta el origen del ramo de flores. Todo acompañado con bellas ilustraciones de la autora.  

Estas páginas fueron creadas para acompañar a quienes no saben por dónde empezar a organizar o, incluso, para quienes ya tienen todo planeado. “Espero que las novias chilenas encuentren en el journal ese espacio de guía, orden y baúl de recuerdos que les permita disfrutar aún más este proceso”, concluye. 

Javiera Jordán es diseñadora de modas, diseñadora de vestidos de novias e ícono de la moda nacional. 

Cuenta con más de 80 mil seguidores en IG que aprecian sus diseños y su estilo. Hace más de trece años que asesora y acompaña a las mujeres en el día más importante de sus vidas.

Documental “Depeche Mode: M” fijó su estreno en Cinemark para los días 28 y 30 octubre

 En más de 2.500 cines y en más de 60 países llegará “Depeche Mode: M”, documental que los fans de Depeche Mode, podrán disfrutar bajo la dirección de Fernando Frías de la Parra, en una producción que debuta en cines y Cinemark durante los días martes 28 y jueves 30 de octubre.

El espectáculo, que incluye singles como “People Are Good”, “Before We Drown”, “Soul With Me”, y que se desarrolló en el Estadio Foro Sol de la Ciudad de México, explora la relación de la cultura mexicana con la muerte, un tema que profundiza el quinceavo álbum “Memento Mori” que la banda synth-pop Depeche Mode lanzó en 2023 y en el que cuestiona la mortalidad con su característica belleza musical, haciendo eco del nombre “Memento Mori”, que en latín significa que vas a morir algún día.

Así, “Depeche Mode: M” documenta los tres conciertos con localidades agotadas que la banda ofreció en la Ciudad de México ante más de 200.000 fans, entrelazando imágenes de las presentaciones con secuencias interpretativas y material de archivo. 

Respecto a las entradas para “Depeche Mode: M” éstas ya se encuentran en preventa en www.cinemark.cl además de boleterías y en los cajeros de autoatención ubicados en Cinemark.

Sinopsis: “Depeche Mode: M” es un viaje cinematográfico hacia el corazón de la relación que la cultura mexicana mantiene con la muerte, enmarcado por las icónicas presentaciones de Depeche Mode durante su gira Memento Mori del año 2023.

Explorando nuevas dimensiones en el arte con tecnología de impresión

En un mundo donde el arte y la tecnología convergen cada vez más, el arquitecto y artista digital chileno Arturo Fermandois combina la precisión de la arquitectura con la expresividad del arte abstracto, utilizando herramientas digitales para explorar conceptos como el tiempo y el movimiento.

Su enfoque se caracteriza por la repetición, el claroscuro y deformaciones orgánicas aplicando principios matemáticos, todo potenciado por software especializado y la impresión de alta precisión de Epson.

Uno de los aspectos más innovadores de su trabajo es la impresión en papel y otros materiales, que le permite crear efectos tridimensionales y experimentar con distintos formatos, como su preferido de 1,10 x 1,10 metros.

Recientemente, fue invitado a desarrollar un mural de cerámica blanca impresa de 2,5 x 2,5 metros en la Fundación Arturo López Pérez, inspirado en los tradicionales azulejos portugueses, logrando resultados excepcionales gracias a la tecnología Epson.

La versatilidad de las impresoras de cama plana de Epson permite trabajar sobre madera, metal, acrílico, lienzo y más, ampliando las posibilidades creativas y transformando el material en parte central de la obra. Como señala Benjamín Gatica, Senior Manager Industrial: "La tecnología de Epson permite diversificar los materiales y dar un giro completamente innovador a la creación artística".

El trabajo de Fermandois demuestra cómo arquitectura, arte y tecnología pueden entrelazarse para generar nuevas expresiones. 

Actualmente, presenta «Cosmos» en la Sala de Arte AIEP (Bellavista 0121, Providencia), una exposición que estará abierta del 25 de septiembre al 30 de octubre, de lunes a viernes de 09:00 a 20:00 h y los sábados hasta las 14:00 h.

La muestra explora la luz y el volumen mediante impresiones superpuestas en distintos soportes, organizadas en composiciones circulares que generan profundidad, luminosidad y sensación de movimiento, invitando al espectador a percibir cómo la percepción construye estas dimensiones a partir de mínimas variaciones de luz y forma.

La entrada es liberada.

Gobierno de Santiago y CONADI impulsan el arte y cultura indígena en el MAC Parque Forestal

Killkay

Instalación, platería, fotografía, tejido y performance, convergen en una muestra que resignifica lo ritual y lo cotidiano, proponiendo nuevas lecturas sobre la persistencia cultural y las resistencias mapuche, proyectadas hacia los futuros comunes.

La exposición “Tufa mew felepaiñ / Aquí estamos”, que forma parte del Encuentro Metropolitano de Arte y Cultura Indígena 2025 (EMACI), reúne a 19 artistas y colectivas indígenas residentes en la Región Metropolitana, seleccionados mediante una convocatoria pública a la que postularon más de 50 propuestas.

La muestra se podrá visitar con acceso gratuito entre el 1 y el 15 de octubre en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) Parque Forestal. El EMACI 2025 es una iniciativa del Gobierno de Santiago, aprobada por el Consejo Regional Metropolitano y ejecutada por la Corporación Nacional de Desarrollo Indígena. 

“Este encuentro es parte de una tarea mayor: poner en valor la diversidad cultural que da vida a Santiago. Al apoyar a creadoras y creadores indígenas residentes en la Región Metropolitana, no solo estamos reconociendo su aporte al arte y la cultura, sino también fortaleciendo los vínculos que nos permiten construir una ciudad más inclusiva, democrática y con memoria. 

EMACI es una invitación a mirar nuestro presente desde las raíces y a proyectar juntos un futuro compartido”, afirma el Gobernador de Santiago, Claudio Orrego. 

Por su parte, Ximena Montecinos, jefa (s) de la Oficina de Asuntos Indígenas de Conadi Santiago, destaca las obras exhibidas en la muestra: “Que más de 50 personas hayan postulado al concurso y que hoy tengamos a 19 artistas y colectivas presentando sus obras, refleja la vitalidad y vigencia del arte indígena contemporáneo.

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Los pueblos indígenas seguimos presentes, aportando a la construcción de una sociedad plural, multilingüe e intercultural, respetuosa de la diversidad y de la democracia. 

Esta exposición es un testimonio de esa fuerza creativa y del rol que cumplen nuestras y nuestros artistas en la capital”.

El MAC, referente museográfico y artístico de prestigio nacional e internacional, se convierte en escenario de obras que dialogan con lo ancestral y lo contemporáneo, mostrando creaciones de nivel mundial.

“Sin duda EMACI es parte de una de las miradas amplias que debemos proponer desde el MAC”, señala Daniel Cruz, director del MAC Parque Forestal.

“Tener un importante número de representantes, con un rango etario diverso, incluyendo nombres reconocidos como el de Bernardo Oyarzún —artista de nuestra colección— nos impulsa a pensar en colaboraciones más profundas. 

La posibilidad de ser parte de este encuentro amplifica nuestro rol como espacio de diversidad donde convergen múltiples miradas. Esperamos que en el MAC se reúnan los saberes y conocimientos de nuestra época, emergentes de la práctica sensible del arte”.

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“Con EMACI 2025 buscamos abrir un espacio inédito en la Región Metropolitana, donde las y los artistas indígenas residentes puedan mostrar sus procesos creativos en un escenario de prestigio internacional como el MAC. Esto reafirma que el arte indígena contemporáneo no solo está vivo, sino que genera obras de calidad mundial”, precisa José Eduardo Curilen, coordinador general del Encuentro.

Una panorámica crítica y plural

La curaduría de Gonzalo Castro-Colimil define la muestra como “un espacio de diálogo entre los 19 artistas y colectivas, quienes nos presentan procesos de creación que amplían los lenguajes estéticos, impulsando modos alternativos de sensibilidad que consolidan la importancia de reconocer y promover la diversidad cultural”.

El guion expositivo articula oficios como la platería, la alfarería, la cestería y el textil en clave contemporánea, junto al videoarte, la instalación, la fotografía y la pintura. Estas prácticas exploran el archivo como territorio de búsqueda identitaria, desplegando estrategias que oscilan entre la memoria y la experimentación.

Uno de los invitados de honor a EMACI 2025 es el artista Bernardo Oyarzún, quien presenta Mawün (del mapuzungun, lluvia, 2020), una instalación en cerámica y madera. 

El artista destaca “mi obra propone un desplazamiento de la ritualidad mapuche al espacio simbólico del arte, bajo la mágica relación de reciprocidad con la naturaleza.

Condenada de la memoria

 Los metawes, tradicionalmente contenedores de agua, aquí aparecen vacíos. Metafóricamente, es como mendigar agua al cielo, pero ya no hay nada que ofrecer: el agua fue extraída y privatizada.

hace mucho tiempo. No tenemos agua. La obra habla de esa carencia y de la urgencia de repensar nuestra relación con el entorno”.

Ganador del Altazor 2011 en Artes Mediales, del Art Forum Competition, Harvard 2008, del Premio Concurso Artes y Letras, y representante de Chile en la Bienal de Venecia 2017, Oyarzún es considerado una de las voces más influyentes del arte contemporáneo chileno.

EMACI 2025: un encuentro con la ciudadanía

Además de la exhibición en sala, la programación contempla espectáculos al aire libre de música, danza, teatro y presentaciones culturales, tanto en el interior como en los alrededores del MAC Parque Forestal. También se desarrollarán mesas redondas informativas sobre los derechos de los pueblos originarios, abriendo espacios de diálogo con la comunidad.

El evento será con entrada gratuita y desplegará una variada programación que combina arte, patrimonio e identidad para toda la familia.

Antil
Esta propuesta busca consolidarse como un hito cultural con alcance nacional que visibiliza el arte indígena contemporáneo en la Región Metropolitana.

Coordenadas

Dónde: Museo de Arte Contemporáneo (MAC) – Parque Forestal. Ismael Valdés Vergara 506, Santiago.

Fecha: 1 al 15 de octubre de 2025

Inauguración: miércoles 1 de octubre, 18:00 horas

Más información y programa completo: www.conadi.gob.cl y www.gobiernosantiago.cl 

martes, 30 de septiembre de 2025

Katarzyna Tretyn: cuando el arte encuentra la ciencia

Katarzyna Tretyn, artista polaca, participó en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo SACO1.2 con su obra El observatorio del silencio, instalada en La Molinera de Antofagasta.

Durante los casi tres meses de exposición, la muestra fue visitada por más de 2 mil personas. Su propuesta, que cruza distintos campos vinculados a las ciencias, surgió a partir de una residencia en el Observatorio Rolf Chini de Cerro Murphy y en Paranal de ESO Chile.

Conversamos sobre su proceso creativo, fuentes de inspiración y cómo surgió la idea de su proyecto.

1. ¿Por qué te interesaste por las matemáticas y la astronomía para tu proyecto?

Las matemáticas, la física y la astronomía han desempeñado durante mucho tiempo un papel importante en mi práctica artística. No solo son una fuente de inspiración, sino también un conjunto de herramientas que utilizo en la creación de mis obras. Hace varios años, desarrollé el ciclo expositivo Trayectorias, en el que trabajé con datos sobre el movimiento planetario.

Al yuxtaponer los movimientos de dos planetas, creé una visualización artística de su relación. Este proceso requirió adquirir conocimientos, realizar cálculos y desarrollar una aplicación informática personalizada que me permitiera predecir la forma final de la composición.

La participación en SACO 1.2 me ofreció una oportunidad única de realizar una residencia artística en Chile, donde tuve acceso a vastos recursos científicos que inspiraron la creación de la obra El observatorio del silencio.

Katarzyna Tretyn, artista polaca, participó en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo SACO1.2 con su obra El observatorio del silencio, instalada en La Molinera de Antofagasta. Durante los casi tres meses de exposición, la muestra fue visitada por más de 2 mil personas.

 Su propuesta, que cruza distintos campos vinculados a las ciencias, surgió a partir de una residencia en el Observatorio Rolf Chini de Cerro Murphy y en Paranal de ESO Chile.

Conversamos sobre su proceso creativo, fuentes de inspiración y cómo surgió la idea de su proyecto.

1. ¿Por qué te interesaste por las matemáticas y la astronomía para tu proyecto?

Las matemáticas, la física y la astronomía han desempeñado durante mucho tiempo un papel importante en mi práctica artística. No solo son una fuente de inspiración, sino también un conjunto de herramientas que utilizo en la creación de mis obras.

Hace varios años, desarrollé el ciclo expositivo Trayectorias, en el que trabajé con datos sobre el movimiento planetario. Al yuxtaponer los movimientos de dos planetas, creé una visualización artística de su relación.

Este proceso requirió adquirir conocimientos, realizar cálculos y desarrollar una aplicación informática personalizada que me permitiera predecir la forma final de la composición. La participación en SACO 1.2 me ofreció una oportunidad única de realizar una residencia artística en Chile, donde tuve acceso a vastos recursos científicos que inspiraron la creación de la obra El observatorio del silencio.

Katarzyna Tretyn, artista pola

ca, participó en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo SACO1.2 con su obra El observatorio del silencio, instalada en La Molinera de Antofagasta.

Durante los casi tres meses de exposición, la muestra fue visitada por más de 2 mil personas. Su propuesta, que cruza distintos campos vinculados a las ciencias, surgió a partir de una residencia en el Observatorio Rolf Chini de Cerro Murphy y en Paranal de ESO Chile.

Conversamos sobre su proceso creativo, fuentes de inspiración y cómo surgió la idea de su proyecto.

1. ¿Por qué te interesaste por las matemáticas y la astronomía para tu proyecto?

Las matemáticas, la física y la astronomía han desempeñado durante mucho tiempo un papel importante en mi práctica artística. No solo son una fuente de inspiración, sino también un conjunto de herramientas que utilizo en la creación de mis obras.

Hace varios años, desarrollé el ciclo expositivo Trayectorias, en el que trabajé con datos sobre el movimiento planetario. Al yuxtaponer los movimientos de dos planetas, creé una visualización artística de su relación.

 Este proceso requirió adquirir conocimientos, realizar cálculos y desarrollar una aplicación informática personalizada que me permitiera predecir la forma final de la composición. La participación en SACO 1.2 me ofreció una oportunidad única de realizar una residencia artística en Chile, donde tuve acceso a vastos recursos científicos que inspiraron la creación de la obra El observatorio del silencio.

2. ¿Cómo intentaste plasmar la experiencia y los conocimientos adquiridos durante la residencia en tu obra de arte?

La instalación se inspiró en la investigación llevada a cabo en los observatorios Cerro Murphy y Paranal, así como en mi experiencia directa del paisaje desolado del desierto de Atacama.

Reconocido tanto por la ESO como por la NASA como uno de los mejores sitios de la Tierra para la observación astronómica —y, al mismo tiempo, como un laboratorio natural para los estudios astrobiológicos—, Atacama se convirtió en un punto de referencia crucial para este proyecto.

3. ¿Cómo surgió esta colaboración con el Observatorio de Cerro Murphy?

Tengo que remontarme al año 2015, año en que comencé a colaborar con científicos del observatorio de Piwnice, cerca de Toruń, Polonia. Fue el momento en que realmente comenzó mi fascinación por la ciencia y la astronomía.

A la hora de crear mis obras, a menudo recurro a los conocimientos de especialistas que me ayudan a comprender los temas que más me intrigan. Una de estas personas fue la Dra. Paulina Karczmarek, a quien escuché por primera vez en la radio cuando hablaba sobre el Observatorio Rolf Chini Cerro Murphy.

Me puse en contacto con ella para iniciar una colaboración y, con el tiempo, se nos ocurrió la idea de crear una obra de arte que surgiera como resultado de una residencia en ese observatorio.

4. ¿Cómo contribuyeron los científicos al proceso creativo?

En mi práctica artística, el vínculo con los conocimientos de científicos que me explican pacientemente los complejos mecanismos que rigen el universo. Su apoyo me permite no solo profundizar en mi comprensión de los temas que me fascinan, sino también asegurarme de que lo que he aprendido se traduce con precisión al lenguaje del arte.

Me siento afortunada de colaborar con investigadores que son tan sensibles y precisos como mi propio trabajo. Es más, los científicos suelen sentir tanta curiosidad por mi arte como yo por sus conocimientos. 

5. ¿Qué tipo de apoyo brindó la Dra. Paulina Karczmarek, astrónoma que realiza investigaciones en el Observatorio?

Nos reunimos en línea una vez a la semana: Paulina me hablaba de su trabajo en el Proyecto Aucaria y me explicaba con paciencia cómo se pueden medir las distancias entre las estrellas, un tema fascinante pero muy complejo.

Con el tiempo, nuestras reuniones se volvieron más abiertas y se convirtieron en un espacio para intercambiar ideas. Junto con la Dra. Karczmarek, escribí mi primer proyecto serio de investigación y arte.

También fue gracias a su iniciativa que recibí la invitación al Observatorio Cerro Murphy. Mi presencia allí no habría sido posible sin el apoyo y la apertura del profesor Grzegorz Pietrzyński, director del Proyecto Aucaria, cuyas contribuciones a la ciencia polaca son inestimables. Le estoy profundamente agradecida por su ayuda.

En el observatorio, también pude contar con la Dra. Karolina Bąkowska, quien me introdujo en los detalles del trabajo de un astrónomo, me mostró el equipo y me explicó cómo funciona y qué condiciones determinan las observaciones del cielo. También compartió conmigo conocimientos sobre sus propias actividades de investigación.

Fue una experiencia excepcionalmente intensa, llena de nuevas impresiones e inspiraciones. A día de hoy, sigo reflexionando sobre todo lo que vi allí y organizando los conocimientos que adquirí durante mi estancia.

6. ¿Cómo resumiste todo esto para crear El Observatorio del Silencio?

Surgió de la necesidad de comprender nuestro lugar en el universo y reconocer que puede haber vida en lugares que durante mucho tiempo hemos pasado por alto.

Inspirado en la astrobiología contemporánea y en las reflexiones de Bryan Cox sobre las infinitas formas de la naturaleza, el proyecto propone que la vida no tiene por qué parecerse a lo que conocemos: puede existir en suspensión, en condiciones extremas, más allá de los límites de la percepción.

Atacama y Marte, dos desiertos, uno terrestre y otro extraterrestre, se convierten en símbolos de ausencia, silencio y supervivencia. El Observatorio del Silencio nos invita a mirar más allá de los marcos establecidos, hacia lo que está oculto, es ambiguo y ha sido olvidado.

Esta exploración artística de lo desconocido no busca confirmación, sino apertura. La observación se convierte aquí en un acto de resistencia contra la prisa, la dominación y el antropocentrismo.

Al igual que la vida en condiciones extremas, el arte puede perdurar, de forma silenciosa, persistente y según sus propios términos.

Así es como Katarzyna nos cuenta su experiencia ligada a las artes y las ciencias. En sus palabras finales, la artista nos recuerda que su proyecto no fue solo una instalación, sino una invitación a detenerse y escuchar aquello que rara vez percibimos: los murmullos del universo, las huellas de lo invisible y las preguntas que aún no tienen respuesta.

Katarzyna Tretyn para su participación en la bienal SACO1.2 Ecosistemas oscuros en Antofagasta, Chile, cuenta con el apoyo del Observatorio Rolf Chini Cerro Murphy (OCM), de la Embajada de Polonia en Chile y de KGHM.

Finaliza SACO1.2 abriendo nuevas oportunidades de espacios artísticos para la comunidad

 Entre junio y septiembre, la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo SACO1.2 Ecosistemas oscuros convirtió a Antofagasta en un epicentro cultural, desplegando obras de artistas locales, nacionales e internacionales en diversos espacios patrimoniales, culturales, educativos y urbanos.

 En total el evento finalizó con cerca de 37 mil visitas.

El evento fue presentado por Escondida | BHP, con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, el Gobierno y Consejo Regional de Antofagasta.

Fueron cinco los espacios expositivos habilitados para esta edición, los cuales bajo un equipo especializado en mediación, recibieron a estudiantes, profesionales, amantes del arte contemporáneo y público general. 

“Aunque claramente los números no son lo más relevante, nos alegra mencionar que hemos tenido la exposición de arte más grande en Chile de este año, tanto en metros cuadrados de exhibición, como en la cantidad de nacionalidades de los artistas”, declaró Dagmara Wyskiel, directora de Bienal SACO.

Arte en el muelle y La Molinera

El Muelle Histórico Melbourne Clark, uno de los escenarios más emblemáticos de SACO, albergó siete instalaciones seleccionadas por una convocatoria internacional, con la participación de creadores de Mongolia, Finlandia, Nueva Zelanda, Rusia, Brasil, Alemania, Austria y Chile.

Más de 30 mil personas recorrieron el muelle, donde convivieron propuestas que iban desde una instalación sonora hasta un vestido a gran escala que ondeaba al viento.

El hito que marcó esta edición fue la adaptación de La Ex Molinera de Antofagasta, inmueble que estuvo abandonado por décadas y que fue habilitado por SACO, con una importante inversión en recursos logísticos, humanos, económicos para volverlo su espacio expositivo principal, donde se reunieron obras de 40 artistas provenientes de 17 países.

El lugar ofreció muestras interactivas, sonoras y audiovisuales, además de performances, talleres y encuentros enfocados en la transdisciplinariedad. Ejemplo de ello fue la realización del Congreso Regional, hito que reunió a exponentes del arte, la ciencia, el ámbito social, la política y la academia.

Este sitio, adquirido por Gobierno Regional de Antofagasta y que está bajo la administración del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural (SERPAT), fue cedido para SACO para así visibilizar de golpe y a gran escala el potencial de la ex molinera del norte como espacio de cultura.

“Estamos felices de que gracias a todo el esfuerzo realizado por la Corporación SACO, para amortiguar las falencias de infraestructura cultural en la ciudad, y aunque sin apoyo institucional, pudimos limpiar y transformar un sitio perteneciente al Estado, que se encontraba en un agudo estado de abandono y deterioro, en un lugar vibrante y activo. 

Desde ahora en adelante, acorde a la voluntad expresada por la institucionalidad a cargo, será sin duda el recinto multidisciplinario de cultura más relevante en la Macrozona Norte”, expresó el productor general de SACO Christian Núñez.

Obras que invitan a la reflexión

Futuros especulativos, del argentino Joaquín Fargas, se presentó en la Sala de Arte de Fundación Minera Escondida. La exposición buscaba motivar al público a la desconexión mediante ejercicios de meditación con robots, promoviendo una reflexión sobre el inevitable cruce entre tecnología y humanidad. 

Asimismo, El espacio que queda, expuesta en el Liceo Experimental Artístico (LEA), fue creada por el artista Jorge “Coco” González, el curador Ramón Castillo y el músico Rodrigo Aros Gho, junto a estudiantes de enseñanza media del establecimiento, para explorar nuevas formas de creación comunitaria.

 “La exposición del LEA influía harto en las personas, porque no era solo ir a mirar las obras, sino que también te hacía pensar y cuestionarte aspectos más profundos sobre su propia vida y del entorno.

Además, la mediación ayudaba a los visitantes a entender mejor lo que se veía, promoviendo una experiencia más cercana y con más sentido. 

A pesar de que estuvo solo un mes en exhibición, se atendió a gran cantidad de público, estudiantes, apoderados y docentes, hasta familias, vecinos y todo quien pasaba por las afueras del recinto”, señaló Josseline Alfaro, encargada de Mediación de SACO.

El legado de SACO en la ciudad

No todo lo expuesto desaparece con el tiempo. El uso de lugares poco tradicionales para fines culturales es uno de las principales características del circuito museo sin museo, y la intervención de paletas publicitarias en desuso es otra de las iniciativas que se llevaron a cabo en SACO1.2 y que se espera que permanezcan hasta que la adversidad del clima u otros sucesos externos las destruya.

En el cruce de Avda. Edmundo Pérez Zujovic con Oficina Ausonia, Sector La Chimba; y en Av. Salvador Allende, entre calles Tulor y Talcahuano se encuentran las dos instalaciones de Remoto/Conectado del fotógrafo Osceola Refetoff (Canadá-Estados Unidos); mientras que en el sector Hospital Clínico de la Universidad de Antofagasta está Robinsong de Alexandre Christiaens (Bélgica, Valonia-Bruselas).

Ecosistemas oscuros volvió a posicionar a Antofagasta como un referente del arte contemporáneo en Chile, y deja una huella cultural que trascenderá mucho más allá.

Si bien las exposiciones culminaron, seguirán apareciendo novedades sobre esta edición, ya que prontamente se lanzará la experiencia inmersiva Bienal en el maletero, con lentes de realidad virtual donde las personas podrán observar en 360° algunas obras de esta edición. Más información se dará a conocer a través de las redes sociales de la entidad cultural.

“Esperamos pronto conocer la programación regional del uso de La Molinera que vaya en beneficio del público.

Que se administre de manera justa y democrática, brindando nuevas oportunidades a otras organizaciones de la escena local. Hay gestores, directores de compañías de teatro, juntas de vecinos y artistas que nos han llamado para consultar si pueden hacer uso de este magnífico espacio. 

Nos sentimos esperanzados y orgullosos de que, tras al recibir las llaves de una ruina, devolvamos un lugar apto para cualquier disciplina artística”, agregó Dagmara.

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