Exposición audiovisual destaca los íconos de mayor orgullo para los chilenos

Una exposición con fotografías, obras ilustradas, pantallas interactivas, testimonios y videos, denominada “Conoce Chile en sus 16 regiones”, inauguró Imagen de Chile en el Centro Cultural Gabriela Mistral, GAM.

La exposición, que estará abierta gratuitamente a todo público entre los días 8 y 17 de junio, corresponde a la tercera y última fase del proyecto “Chile que te Quiero” que durante una gira nacional en 2016, logró reunir a más de 1.500 personas en talleres de co-creación, para identificar con ellos las costumbres, tradiciones y lugares que distinguen a cada zona de nuestro país, para sumar esos aspectos a la estrategia de posicionamiento internacional de la Marca Chile.

En 2017, se realizó una campaña digital en base a los hallazgos obtenidos que logró convocar a más de 18 mil ciudadanos para que votaran por los íconos que diferencian y enorgullecen a cada rincón de Chile.

Los grandes protagonistas de la activación son inéditos mapas ilustrados por artistas locales, donde cada uno de ellos, según su propio estilo creativo, retrató aquellos elementos que los habitantes de cada localidad eligieron. 

Magdalena Chiffelle, Valentina González, Rodolfo Jofré, Manuel Méndez, Camila Olivares y José Flores, Patricio Otniel, Cristian Garrido, Joaquin Rosas, Inges Bizama, Francisca Vera Manríquez, Mathias Sielfeld, Pablo Luebert, Alfredo Cáceres, Joaquin Pérez, Juan Mancilla Ojeda y Sofia Morales fueron los 16 ilustradores, uno por cada región del país que dieron vida a esta exposición. 

Así, quien recorra la exhibición tendrá la oportunidad de conocer mejor Chile de sur a norte, profundizando además en los atractivos de cada lugar y en el talento de jóvenes profesionales que están posicionando al país como un polo de creatividad e innovación y cada obra, está acompañada de un clip audiovisual que resume su proceso de creación. 

Myriam Gómez, Directora Ejecutiva de Imagen de Chile, se trata “de un tema estratégico, pues apunta a involucrar a todos los chilenos en la promoción del país y convertirlos en auténticos embajadores de la Marca Chile".

“Para eso es necesario conocer y apreciar nuestra geografía de extremos y diversidad, que generan múltiples posibilidades en términos culturales, científicos, productivos y turísticos. Por eso resulta fundamental activar el orgullo en torno a estos atributos", añade Gómez.

Por otra parte, Felipe Mella Morales, Director Ejecutivo de GAM, expresó que  “desde nuestra experiencia, sabemos que cada territorio contiene variadas manifestaciones culturales propias de su gente y de su patrimonio. 

La muestra “Conoce Chile en sus 16 regiones” celebra esa diversidad y reúne a todo nuestro país en una sola exhibición que, además de contener los íconos más representativos de cada región elegidos por la misma ciudadanía, nos presenta las obras ilustradas de 16 artistas nacionale".

 “Uno de los componentes que constituyen la historia de este edificio desde su creación y que nos acompaña hasta el día de hoy, es la de ejercer la democracia cultural hacia los ciudadanos, dando importancia y haciendo partícipe a las distintas comunidades y distintos agentes sociales.

Creemos necesario que surjan y se fomenten más iniciativas como ésta, donde la descentralización y la participación ciudadana es el punto de partida. Generando instancias que reúnan y pongan en valor nuestra riqueza cultural en sus diversas manifestaciones”, añadió Felipe Mella. 

Luego, la exposición se mostrará en la ciudad de Concepción (22 de junio al 1 de julio en el Palacio de Tribunales) y en la nortina ciudad de La Serena (13 al 22 de julio, Plaza de Armas).

El sacrificio de un niño mapuche durante el terremoto de 1960 llega al teatro SIDARTE.

"Painecur”, escrita y dirigida por Eduardo Luna, está inspirada en uno de los sucesos más conmovedores del terremoto de 1960, que tuvo su epicentro en el sur de Chile.

El montaje hace referencia a la muerte del niño José Luis Painecur en la Comunidad de Collileufu en el lago Budi y que de acuerdo a las investigaciones realizadas por la compañía, guiadas por reconocidos especialistas en etnología jurídica, antropología jurídica y sabios mapuches, es el hito que da paso al resurgimiento del conocimiento ancestral Mapuche.

La obra, corresponde al más reciente trabajo escénico de la compañía, estrenado en noviembre de 2017 en Teatro Ictus, galardonado por su dramaturgia y elenco, además de ser considerado por la crítica como uno de los mejores montajes del 2017, situación que le ha permitido a la compañía concretar giras por 4 regiones del país durante este año y la presencia en el destacado Festival EnArtes de Sucre, Bolivia.

El caso fue dado a conocer a través de la prensa de la época, exponiendo el “sacrificio” del infante como parte de un ritual mapuche para calmar la furia del mar, luego del poderoso terremoto y el posterior maremoto que arrasó buena parte de los pueblos costeros, entre ellos Puerto Saavedra a pocos kilómetros de dicha comunidad.

Sumado a la conmoción de la catástrofe, entre las miles de muertes, la del niño Painecur se torna única porque los mapuches de esa zona, para apaciguar las fuerzas del mar, consideraron necesaria su muerte.

El maremoto de mayo del 60 habría restituido la memoria de Kai Kai y Tren Tren, es decir, mito y rito se unieron para que en un nguillatún celebrado el 5 de junio de 1960 en Collileufu, un niño fuera la víctima propiciatoria del equilibrio cósmico.

Las versiones sobre la elección del sacrificado apuntan a un sueño de la machi Juana Namuncura en el cual las divinidades exigían la inmolación de un niño.

De este modo, el suceso nos muestra cómo el terremoto y maremoto del 60 dejaron al descubierto la existencia de prácticas rituales y comprensiones del mundo Mapuche, radicalmente distintas a las del mundo occidental.

Para el desarrollo de la obra, la compañía se centró en el juicio que en Nueva Imperial se realizó a los implicados, intentando resolver el problema que emergió en ese período cataclísmico: mito y racionalidad, igualdad y diferencia.

La obra pone en escena a cuatro estudiantes de derecho ( Pamela Alarcón, Sebastián Silva Rodríguez, Alexis Moreno Venegas y Felipe Lagos) que en el año 2017,  cursan cuarto año de la carrera en una universidad estatal y que a propósito de su examen de Clínica Jurídica, tendrán que simular la audiencia del caso, abriendo una discusión etno política, a partir de un ángulo histórico y judicial que vendría a nutrir y profundizar visiones sobre el conflicto mapuche en la actualidad pero, al carecer de fallo de referencia, deben conjeturar sobre la decisión del juez de la época, enfrentándose con sus propios prejuicios culturales y sociales.

Luego del terremoto de mayo de 1960, una comunidad mapuche de las cercanías del Lago Budi realizó el sacrificio de un niño para calmar las fuerzas sobrenaturales y evitar una catástrofe mayor.

En ese entonces, los responsables del acto fueron enjuiciados; sin embargo, fueron declarados inocentes y el registro del proceso jurídico se ha extraviado con el paso del tiempo.

La compañía nacional Lafamiliateatro es una agrupación con 14 años de trayectoria, que ha llevado a escena dramaturgias propias que abordan problemáticas del sujeto desde una perspectiva existencialista. 

A partir de su anterior montaje, “Niña Astronauta”, la agrupación decide explorar en la memoria histórica reciente de Chile, particularmente en casos que podrían facilitarnos reflexiones críticas sobre el estado actual del país, en términos antropológicos, políticos y culturales.

La dramaturgia es de Eduardo Luna, la asistente de dirección es Nicole Morales. El diseño teatral es responsabilidad de Javiera Severino y deKarla Rodríguez. La composición musical es de Daniel Cartes y el diseño sonoro es de Franco Peñaloza.

El diseño y la producción audiovisual es de  Pelochuzo Producciones; la asesoría dramatúrgica y diseño gráfico es de Javier Alvarado, la preparación actoral es de Daniela Venegas; el registro de Paola Cruz; la fotografía de  Nathaly Arancibia y la realización escenográfica de Gian Reginato. 

Las funciones son desde el 07 al 23 de junio, jueves a sábados a las 20:30 horas en el : Teatro Sidarte (Ernesto Pinto Lagarrigue #131) y lass entradas tienen un valor de $6.000 general; $4.000 estudiantes y tercera edad. Jueves popular $3.000. Convenios $3.000

Laura Palmer celebra 10 años en el teatro Camilo Henríquez

Diez años está cumpliendo la compañía La Laura Palmer, un grupo multidisciplinario que busca poner en fricción, cuestionar y esclarecer lo que se encuentra oculto. Con tres de su obras más tradicionales- “Hija de tigre”,” Los que vinieron antes” y “Doblevé cé”- se presentará en el Teatro Camilo Henríquez, entre el 18 de junio y el 1º de julio. 

Una retrospectiva con tres directores distintos, con temas “que se conversan a altas horas de la mañana en una casa con amigos y varias botellas vacías: el amor, el trabajo, la vida y la muerte”.

En estos diez años han estrenado 8 puestas en escena: Esto (no) es un testamento (2017); Hija de Tigre (2016); Los que vinieron antes (2016); Límites (2014); Juan Cristóbal, casi al llegar a Zapadores (2012), Doblevé cé (2011), La espera (2010) y Nosotros (2008).

La compañía la integran Italo Gallardo, Pilar Ronderos, Jorge Arecheta, Laurene Lemaitre y Mónica Drouilly, quienes convocan a diferentes personas de acuerdo a las necesidades de cada proyecto.

Desde el 2008 se empezaron a conectar con la realidad desde el espacio único que da el teatro. “Ponemos en tensión la historia oficial y la historia cotidiana desde lo biográfico y sin un filtro de ficción”.

“Hija de tigre”, una obra de teatro documental y biográfico en donde tres mujeres reconstruyen la figura de sus padres para intentar comprender y desmitificar las concepciones tradicionales asociadas a este rol. Dirigida por Pilar Ronderos.

“Los que vinieron antes”, también documental y biográfica que pone a un nieto y a sus dos abuelos en escena. Es también un recorrido en donde una serie de objetos son expuestos como en un museo de lo cotidiano. 

 

Dirigida por Italo Gallardo, “Doblevé cé” pone en escena la investigación teatral en torno a la soledad como eje fundacional en la vida del ser humano. La dirección y dramaturgia es de  Jorge Arecheta, quien también forma parte del elenco junto a  Italo Gallardo y Pilar Ronderos..

Zama de Lucrecia Martel llega como uno de los estrenos de la Red de Salas

Zama, largometraje de ficción de la gran cineasta Lucrecia Martel, se ha movido en las grandes ligas. Y lo ha hecho contando la historia de un oficial de la corona española que espera un reconocimiento del monarca para así dejar las tediosas tierras de El Gran Chaco.

Diego de Zama, un funcionario americano de la Corona española, espera una carta del Rey que lo aleje del puesto de frontera en el que se encuentra estancado. Su situación es delicada. 

Debe cuidarse de que nada empañe esa posibilidad. Se ve obligado a aceptar con sumisión cualquier tarea que le ordenen los Gobernadores que se van sucediendo mientras él permanece. 

Algunos años transcurren y la carta nunca llega. Al advertir que en la espera ha perdido todo, Zama decide sumarse a una partida de soldados y partir a tierras lejanas en busca de un peligroso bandido. 

Libre de sus esperanzas de traslado y ascenso, sabiéndose en peligro, descubre que lo único que desea es vivir. Quizás pueda conseguirlo.

 Se trata de una película basada en el libro homónimo de Antonio Di Bendetto, escrito en 1956, cuyo hilo conductor es la espera  y que Lucrecia Martel leyó tras dejar un proyecto de ciencia ficción que estaba escribiendo: El eternauta, adaptación del clásico cómic argentino.

La fallida iniciativa la había tenido pensando en cómo mostrar el futuro, pero también reflexionando en cómo se cuenta el pasado.

Uno piensa en la ciencia ficción con mucha libertad, en cambio piensa en una película histórica siempre con una especie de conflicto con ajustarse a los hechos. Cuando decidí hacer Zama, decidí que quería adaptarlo con la misma libertad que pensaba en El eternauta”, explicó la directora en la conferencia de prensa de Zama en el 55º New York Film Festival.

Eso se suma a razones políticas: “La historia de nuestro continente ha sido escrita por el hombre blanco, por quienes ganaron en la Conquista. Entonces, falsear esa historia no me parecía algo tan irreverente ni tan grave”.

 “Tomé algunas decisiones muy contrarias a la historia de Latinoamérica, porque saqué toda señal de Iglesia Católica de la película (...) Y lo decidí muy deliberadamente para tratar de pensar en un continente con conflictos civiles y no en conflictos religiosos”, agregó Martel.

Martel estuvo cuatro años escribiendo el guión y levantando los dineros necesarios para esta producción de época. Íconos del cine decidieron sumarse a la aventura de Zama y ser coproductores, entre la larga lista, están Pedro Almodóvar y Danny Glover.

Y fueron cerca de dos meses de rodaje, en los que crear el mundo de este oficial de la corona no fue fácil.

 “Significó crear desde una variedad enorme de fuentes. Primero, leí bastante sobre el siglo XVIII, sólo para confirmar algo que me parecía muy importante, que es la distorsión de la visión europea sobre el continente americano. Pero eso se complementó con particularidades de zonas rurales de hoy en día de Argentina. “Son elementos actuales no muy conocidos que creo que hicieron que esta película no se parezca mucho a otras de épocas”.

El mismo día del estreno hubo un conversatorio entre el público y la académica Valeria de los Ríos, investigadora en el campo de la cultura visual y es responsable de libros como Fantasmas artificiales. Cine y fotografía en la obra de Enrique Lihn (2015); El cine de Ignacio Agüero. El documental como la lectura del espacio (2015); Espectros de luz: Tecnologías visuales en la literatura Latinoamericana (2011); y El cine de Raúl Ruiz. Fantasmas, simulacros y artificios (2010).

Fue la carta argentina para lograr una nominación a Mejor Película de Habla No Inglesa en los recién pasados Premios Oscar; compitió por el Goya a Mejor Película Iberoamericana este año y actualmente cuenta con ocho postulaciones a los premios Platino, que se entregaron el pasado 29 de abril.

Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exposición “Los Matta de todos”.

¿Qué relato se desprende de Los Matta de todos? ¿Cómo su obra se incorpora al tejido cultural de nuestra historia? ¿Cómo lo hace a la experiencia del público actual? ¿Quién es el Matta de las pinturas que integran la colección?”

Son algunas de las preguntas que intenta responder la exposición “Los Matta de todos” que abrirá sus puertas a partir del 15 de junio de 2018 y hasta el 7 de octubre del mismo año en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA).

El Museo, vuelve a exhibir su colección de obras de Roberto Matta, bajo la mirada de la curadora MNBA Paula Honorato, quien propone una reflexión en torno a la filiación del artista chileno con los procesos sociales y culturales de nuestro país para despejar los clisés sobre su figura, desde una mirada local.

“Primero tendríamos que saber con qué parte me radico en Chile. ¿Con mis ideas? ¿Con mi cuerpo? ¿Con mis pies? Porque si es con el alma, hace tiempo que ella está aquí”.

Con estas palabras, Roberto Matta se refería a la relación con su país natal en el diario El Sur, un 13 de septiembre de 1970, en medio de un período cargado de efervescencia social y política.

Estos dichos dan cuenta de la curatoría de Paula Honorato, que a través de publicaciones en los medios impresos y de otras fuentes, da cuenta de la figura del artista, con un enfoque que pretende traspasar la barrera de las afirmaciones comunes en las enciclopedias que lo sitúan como un creador que pasó de la periferia al centro, quedando inscrito en la historia del “arte universal” por su participación en el surrealismo europeo a principios del siglo XX y en el expresionismo abstracto que se desarrolló en Estados Unidos.

La muestra actual, invita a disfrutar y reflexionar a partir de obras de Matta que forman parte de la Colección MNBA. Algunas fueron donadas por el artista al Museo, con plena conciencia de que pasarían a ser bienes de carácter público.

Otras, fueron incorporadas a la Colección MNBA por diversas vías, sin embargo todas fueron realizadas en Chile o se relacionan significativamente con momentos de su historia. Por esta razón, el título de la exhibición hace énfasis en la condición de las obras como pertenecientes al patrimonio del pueblo chileno.

En la exposición, se exhiben ocho pinturas del MNBA, realizadas entre 1942 y 1972 y proyecciones de dibujos y grabados producidos entre 1962 y 1997.

Se incluye un video del Consejo de Monumentos Nacionales, sobre el mural El primer gol del pueblo chileno (1971), que también corresponde a uno de los trabajos que el autor destinó al acervo colectivo y que ejecutó junto a jóvenes de la Brigada Ramona Parra en la Granja, donde hoy se ubica Centro Cultural Espacio Matta.

Roberto Farriol, director del MNBA explica que “esta vez la curadora Honorato propone mirar la obra de Matta desde la palabra del propio artista y la escritura establecida en el discurso público desde los medios de comunicación impresos”.

“Se presenta al artista desde la dimensión de lo local, lo que tiene especial significancia y relevancia, permitiéndonos mostrar a un creador comprometido con nuestro país en importantes momentos históricos, lo que enriquece la lectura de su legado. Así, una vez más proponemos la puesta en valor de la colección (en) permanente (revisión) del MNBA”, añade Farriol.

Por su parte, Paula Honorato acota que “estas obras son parte de un tejido compuesto por las visitas, los afectos, las utopías y los desengaños de un artista que puede considerarse tan chileno como extranjero. Nació y creció en este país, en el seno de una oligarquía de la que prácticamente huyó. Se unió con pasión al inédito proyecto de un gobierno socialista por la vía democrática como fue el de la Unidad Popular.

Eligió ser ciudadano del mundo y su obra se forjó más allá de cualquier frontera. Las circunstancias históricas confabularon para que adoptara la ciudadanía en tierras lejanas, después de que la dictadura le negara la renovación del pasaporte en la década de 1980”

Roberto Matta nació en Santiago en 1911 donde vivió hasta el año 1935, fecha en que se tituló como arquitecto en la Pontificia Universidad Católica de Chile y partió a Europa. Como parte de su formación chilena, había sido también alumno libre del artista Hernán Gazmuri en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y en su academia privada.

Entre la salida del país y el primer viaje de regreso, en 1948, desarrolló una exitosa trayectoria artística, inscribiendo su producción en circuitos europeos y estadounidenses.

Inicialmente trabajó en los talleres de los arquitectos Le Corbusier en París y Walter Gropius en Londres. El año 1937 conoció a André Bretón y a otros miembros del movimiento surrealista, del cual fue parte colaborando en exposiciones y publicaciones, hasta su expulsión en 1948.

Antes de la II Guerra Mundial, se radicó en Nueva York. Allí, se vinculó con algunos exponentes de la Escuela de Nueva York, especialmente a partir del interés que suscitaba en algunos de ellos el automatismo psíquico surrealista. En 1959 es reincorporado al movimiento surrealista.

En 1967 fijó su residencia en Tarquinia, cerca de Roma, distribuyendo su tiempo entre frecuentes estadías en París, Londres y Nueva York.

En la década de 1970 Matta se involucra con la revolución social, política y cultural que se vive en Chile, realizando varios viajes a su tierra natal en apoyo al gobierno de la Unidad Popular y después del golpe militar, no regresa a su país natal.

Recibió el Premio Nacional de Arte en 1990. Falleció el 23 de noviembre de 2002 en Civitavecchia, Italia.

MIM llega a la ciudad de Victoria con su exposición viajera más destacada.

A partir de este jueves 7 de junio,  los habitantes de la ciudad de Victoria podrán vivir una experiencia única vinculada con la ciencia, cuando la muestra “El Despertar de los Sentidos” del Museo Interactivo Mirador (MIM) llegue, por primera vez, a esa comuna de la región de la Araucanía totalmente gratuita.

La exposición, funcionará hasta el 9 de julio en el gimnasio del Liceo Jorge Alessandri Rodríguez y estará abierta a estudiantes, profesores y familias de la comuna, así como de otras ciudades cercanas que deseen experimentar con la ciencia de forma lúdica, interactiva y autónoma en una muestra creada para desafiar los sentidos.

Los visitantes, se encontrarán con un espacio de interacción para vivir una experiencia que une el conocimiento, la sorpresa, el descubrimiento y el juego, aportando con una potente herramienta de apoyo para la enseñanza formal y que a su vez, es una excelente instancia para que las familias compartan y aprendan.

“El Despertar de los Sentidos” no es la primera exposición con la que comienza a itinerar el Museo. Es una muestra integral que reúne módulos asociados a fenómenos de salas emblemáticas del MIM como Percepción, Ponte a Prueba, Arte, Fluidos y Luz, contando incluso con módulos que son exclusivos de la muestra y que no se encuentran en el Museo, donde se puede experimentar con fenómenos asociados a percepción auditiva y visual.

La exposición, que llega a la ciudad gracias al apoyo de la Municipalidad de Victoria y al Ministerio de Educación, es una de las cuatro muestras del MIM que viajan cada año por el país.

Desde su creación en el año 2000,  las exposiciones itinerantes del MIM han recorrido capitales regionales, ciudades intermedias e incluso puntos aislados del país como la Isla de Pascua, Puerto Williams, Putre y el archipiélago de Juan Fernández contando hasta la fecha 239 viajes y más de más de 2 millones de visitas.

La exposición “El Despertar de los Sentidos” contiene 20 módulos interactivos basados en el Modelo Educativo del MIM, de incentivar la curiosidad mediante la estimulación de los sentidos, para comprender que a través de ellos nos conectamos con el mundo pues, nos permiten enriquecer nuestra percepción y proceso de aprendizaje.

Un resorte que resulta imposible de tocar, la imagen de un visitante reflejada innumerables veces dentro de un misterioso cubo y dos rostros que se fusionan formando uno solo, son algunas de las sorprendentes experiencias que mezclan la percepción y la ilusión y que podrán vivir los habitantes de la ciudad y de la región.  

Además, podrán crear burbujas planas, gigantes y hasta meterse dentro de una de ellas, para preguntarse y reflexionar sobre la tensión superficial del agua o el fenómeno de la reflexión de algunos fluidos.

La exhibición, es un entretenido panorama educativo y familiar donde cada persona vivirá su propia experiencia que a través del juego, el asombro y la emoción se verá estimulada para averiguar y conocer sobre los fenómenos de la ciencia.

“El Despertar de los Sentidos”, se mostrará entre el 7 de junio al 9 de julio de 2018, en el Gimnasio del Liceo Jorge Alessandri Rodríguez, ubicado en calle Calama s/n (entre calles Urrutia y Vergara). El horario de visita será de lunes a viernes de 9:00 a 13:00 y de 14:30 a 16:30 horas, horario para establecimientos educacionales con previa reserva. De 16:30 a 17:30 podrá ser visitado por el público en general. Sin necesidad de hacer una reserva. Y los sábados el publico general podrá visitar la exposición entre las 14:30 a 18:30 horas sin necesidad de inscribirse. Los domingos estará cerrado.

Los establecimientos educacionales o instituciones se pueden inscribir en los teléfonos   45 2598628 y 45 2598522. 

Madariaga y otros: La consolidación de uno de los mejores cuentistas chilenos

Madariaga, el protagonista de la primera parte de este libro de cuentos, es un colectivero de San Antonio que conoce como pocos la provincia chilena y la corruptela del poder local, la cual se propone a toda costa desarticular.

Trasladando pasajeros de mediana o nula importancia, viéndose envuelto en operaciones que bordean la ilegalidad, infiltrándose en clases de yoga o viviendo a duras penas su intimidad, Madariaga se muestra siempre como «el rey de los caminos laterales, de los recovecos urbanos y rurales».

La segunda parte agrupa cuentos no protagonizados por el colectivero pero que se hermanan con su saga por el modo de observar, reír y poner en escena que tiene Marcelo Mellado.

Están protagonizados por pillos y malhechores de poca monta, pero también por sujetos a la deriva para quienes la naturaleza aparece como un horizonte de salvación y autonomía.

Cierra el volumen, al modo de un asombroso punto de fuga, un largo relato ambientado en Chiloé donde se enfrentan piratas mapuches, topógrafos santiaguinos y exploradores europeos de dudosas intenciones.

La presentación de Madariaga y otros se realizó el martes 5 de junio a las 19:00 horas en la Librería del GAM y contó con la participación de los escritores Carolina Melys y Leonardo Sanhueza. 

Marcelo Mellado (Concepción, 1955) es novelista, cuentista y cronista. Ha publicado las novelas El huidor, La provincia, Informe Tapia, La hediondez, La batalla de Placilla y Monroe; los libros de cuentos El objetor, Ciudadanos de baja intensidad, Armas arrojadizas y Humillaciones y un conjunto de crónicas titulado La ordinariez.

. Su trabajo ha sido reconocido con el Premio de la Crítica (2008) y el Premio Municipal de Literatura de Santiago (2015).

“He perdido”, del director porteño Danilo Llanos, llega hasta la Sala Negra de la UV

La construcción de una democracia en la medida de lo posible, que ha heredado la posibilidad de soñar también en la medida de lo posible, es lo que retrata “He perdido”, montaje ganador de un Fondart Nacional en 2017.

 La obra fue estrenada en agosto del año pasado en la Región de O’Higgins, con excelente recepción de la comunidad local, y se prepara para una segunda temporada en la Sala Negra, en Valparaíso. 

Meses de investigación precedieron el estreno de “He perdido”, dirigida por el porteño Danilo Llanos, quien se trasladó hasta la ciudad de San Fernando para desarrollar el trabajo creativo con la recientemente conformada compañía “La Matriz”.

Todo un desafío en una ciudad donde el teatro profesional no está al acceso de forma habitual.

La obra relata la relación entre una madre y su joven hija, y las tensiones entre ambas generaciones: la madre con un pasado como militante de la izquierda chilena de antaño, lo que se contrapone a la mirada de una hija nacida en un Chile pos dictadura, sin miedos ni referentes. Ambas sueñan con otro país, pero ven las formas de lucha desde ópticas muy distantes. 

Todo ocurre en el pequeño baño de un departamento, donde se despliegan las más agudas contradicciones políticas y sociales de ambas mujeres, desde la conformación reciente de una nueva izquierda, hasta la orfandad política de muchas personas luego de la llegada de la democracia.

Para Llanos, la obra plantea una de las aristas “que se desprenden de la dictadura militar vivida en Chile durante 17 años, que es la derrota política, la derrota militante y eso se prolonga hasta el día de hoy”.

En ese sentido, señala, es interesante compartir el trabajo transdisciplinario realizado por profesionales de las regiones de Valparaíso y San Fernando y “mostrar lo que se está haciendo en otras regiones”.

Ximena Flores y Paula Lizama son las encargadas de dar vida a los personajes de “He perdido”, ambas actrices de La Matriz, cuyas interpretaciones se mueven en el espacio creado por el diseñador Luis Felipe González, porteño del colectivo La Peste.

La música fue creada especialmente para esta obra, en un trabajo del músico viñamarino radicado en San Fernando, Juan Pablo Martínez. 

“He perdido” se presentará los días viernes y sábado, del 8 al 16 de junio, en la Sala Negra UV, ubicada en Avenida Brasil 1647, en Valparaíso.

NAVE estrena primera pieza nacional como parte de la programación 2018

Este 15, 16 y 17 de junio llega nuevamente a NAVE la artista chilena Carla Bolgeri, esta vez a presentar su primer solo escénico “VOCALS”.

El proyecto instala en escena la voz y el cuerpo por medio de la producción de idiomas reales o inventados de voces virtuales en su amplio espectro, desde radios, transmisiones de altavoces en los espacios públicos, las siris, el sonido de un plástico hasta una tela que habla.

Pese que este año NAVE se vuelca nuevamente al apoyo de las residencias de investigación y creación, como parte de su misión de dar continuidad a creadores nacionales, estrenará en su Sala Negra la obra VOCALS de la artista nacional Carla Bolgeri, quien ya había sido parte de NAVE como seleccionada del programa desarrollado en conjunto con el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, ¿POR QUÉ ME MUEVO?

Tras semanas de trabajo en residencia, finalmente el próximo 15 de junio se estrenará VOCALS, primer solo coreográfico de Bolgeri y primera obra nacional en ser estrenada en NAVE como parte de la programación 2018 donde se enfrenta el tema del habla, el cual se compone de muchos elementos fuera de la voz.

A partir de este punto, el solo se mueve en torno al habla en su forma física y fonética, donde al ser traspasado al paladar, su lengua, los distintos territorios se genera un nuevo juego performático. 

Entonces, la idea de los distintos movimientos, la red que sostiene el lenguaje, se hace físico.

Se realizará conversatorio sobre la obra de Hernán Rivera Letelier

El conversatorio “Literatura, teatro y ópera: La riqueza de los lenguajes artísticos a partir de la obra de Hernán Rivera Letelier”, realizarán en conjunto Fundación CorpArtes y el Teatro Municipal de Santiago.

Lo anterior, en el contexto de los estrenos de la obra de teatro Historia de amor con hombre bailando en CorpArtes y la ópera,  El Cristo de Elqui en el Teatro Municipal de Santiago, ambos basados en novelas del escritor chileno Hernán Rivera Letelier.

Esta actividad se realizará el próximo martes 12 de junio a las 19:30 horas en CorpArtes (Rosario Norte 660, metro Manquehue).

La entrada es liberada previa inscripción en la página web de CorpArtes.