PÜLLÜ inicia circulación por el sur de Chile con nueve funciones gratuitas

 La obra de danza butoh PÜLLÜ, del Colectivo Tëkufënn, iniciará durante los próximos días una circulación por distintas localidades de las regiones de Los Ríos, La Araucanía y el Biobío, llevando una propuesta escénica multimedial que integra cuerpo, sonido, visualidad y mapping. 

Con nueve funciones gratuitas en espacios culturales del sur del país, el proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, busca ampliar el acceso a lenguajes escénicos contemporáneos desde una perspectiva territorial, en diálogo con comunidades que comparten vínculos territoriales y simbólicos con la cultura mapuche. 

Püllü propone un recorrido simbólico en torno al ciclo de vida-muerte-vida, inspirándose en visiones espirituales de la cultura mapuche lavkenche del sur de Chile. A través del lenguaje del butoh, la obra se configura como una experiencia que cruza lo corporal y lo ancestral.

“Para mí, esta obra es un espacio, un camino de profundización del propio ser, de autoconocimiento, porque busca las raíces de una espiritualidad que está contenida en toda la fuerza, la vitalidad y la energía de la tierra”, señala su directora, Pamela Gómez. 

Desde esta perspectiva, la obra se instala como una experiencia que interpela al espectador desde un lugar íntimo.

“Es una experiencia sensorial, es una experiencia de memoria que remueve. Remueve desde el cuerpo, remueve desde adentro, a todos los espectadores”, comenta Pamela y agrega que “hace cuerpo de esta gran crisis política que hay en torno a la identidad, en torno a la falta de integración, a la falta de respeto por la vida”

Encuentro con los territorios

Más allá de la escena, la circulación de “Püllü” busca construirse en el encuentro con los territorios y sus comunidades. Para Ignacio Godoy, productor general de la gira, es en ese proceso donde el proyecto irá encontrando su sentido: “El sentido total, por ahora, me es intrigante… siento que va a encontrar sentido cuando empecemos y posibilitemos el diálogo y el intercambio cultural”.

Para el elenco, esta gira abre un espacio de transformación tanto artística como personal, donde ese vínculo pasa a ser vivido en cada territorio. “Salir a circular con la obra Püllü me genera mucha emoción, alegría y también curiosidad por lo que pueda revelarse en el encuentro con cada territorio”, señala Paulina Manríquez, intérprete de la obra.

En ese cruce, la circulación se proyecta como un espacio de intercambio, donde las experiencias del público también forman parte del proceso. “Me interesa que las personas se lleven algo que puedan seguir trabajando en el tiempo. Una sensación, una imagen o una forma de volver a conectar con la experiencia de la obra”, agrega. 

En un contexto marcado por tensiones territoriales y crisis de identidad, “Püllü” también se posiciona desde una dimensión política, proponiendo una reflexión desde el cuerpo. “Es un acto de descentralización y resistencia.

Bailar en el sur significa situar el cuerpo como territorio y retornar a la raíz para recordar quiénes somos frente a la explotación de la tierra y el extractivismo”, plantea Fernanda Zamorano, intérprete. Así, la obra se sitúa como una práctica que vincula cuerpo y territorio, en un contexto marcado por la explotación de la tierra y las tensiones sobre identidad.

Un recorrido por los territorios del sur

La circulación de “Püllü” contempla nueve funciones en diversas localidades de las regiones del Biobío, La Araucanía y Los Ríos, recorriendo espacios culturales de Valdivia, Lanco, Villarrica, Temuco, Padre Las Casas, Curarrehue, Angol, Arauco y Talcahuano. 

Además de las funciones, cada presentación incluirá la actividad de mediación artística “Mi cuerpo, mi territorio”, orientada a profundizar el vínculo entre cuerpo, memoria y territorio desde la experiencia de los participantes.

La invitación es a ser parte de una experiencia escénica que propone habitar el cuerpo como un espacio de memoria y transformación, en diálogo con los territorios del sur de Chile.

“Espero que la obra sea ese espacio de resonancia mutua donde la sensibilidad logre acortar las distancias”, concluye Fernanda Zamorano.

Para más información sobre este y otros proyectos, se puede seguir a Colectivo Tëkufënn en Instagram (@tekufenn.colectivo).

Siri Hustvedt narra el duelo por la muerte de Paul Auster en "Historias de fantasmas"

 Ya está disponible en librerías chilenas uno de los libros más esperados del año. A partir de cartas, notas y textos inéditos del reconocido autor, la escritora desgrana en Historias de fantasmas los recuerdos de una comunión afectiva e intelectual legendaria

Hace dos años, a punto de fallecer, el célebre novelista norteamericano Paul Auster le expresó a su esposa —la también escritora Siri Hustvedt— su deseo de “convertirse en un fantasma”: regresar para verla, para saber qué escribiría tras su partida y para acompañar el crecimiento de su nieto, Miles.

 En Historias de fantasmas, la nueva publicación de la autora de Todo cuanto amé, esa idea adquiere una presencia tangible y reconfortante. En esta obra profundamente personal, Auster reaparece en los recuerdos, en el olor persistente de su tabaco, en la relectura de sus libros y en la memoria viva de una historia de amor y una comunión intelectual que duró cuarenta y tres años.

En su obra más personal, Hustvedt reconstruye su unión legendaria con él a través de la textura desgarradora del duelo y el consuelo de un amor eterno. A medio camino entre el diario y la narración literaria, el texto parte de documentos inéditos de enorme valor, desde las notas que intercambiaron durante décadas hasta los últimos escritos de Paul Auster en forma de cartas a su nieto.

Figura clave de la literatura norteamericana contemporánea, Siri Hustvedt logra en esta obra extraordinaria encarnar emociones universales. El libro muestra cómo la muerte de un ser querido erosiona la identidad propia, al tiempo que revela cómo la intimidad de una vida compartida deja una huella imborrable en la memoria y en la forma de estar en el mundo.

Historias de fantasmas es un testimonio literario sobre el amor, la ausencia y la persistencia de los vínculos más allá de la muerte.

Siri Hustvedt nació en Minnesota en 1955. Licenciada en Filología Inglesa por la Universidad de Columbia, es una aclamada autora de novelas y ensayos: Leer para ti (1982); Los ojos vendados (1992), Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cine de Berlín por su adaptación cinematográfica; El hechizo de Lily Dahl (1996); En lontananza (1998); Todo cuanto amé (2003), Premio de los Libreros de Quebec y Premio Femina Étranger, finalista del Premio Llibreter y del Waterstones Literary Fiction Award; Una súplica para Eros (2005); Los misterios del rectángulo (2005); Elegía para un americano (2008); La mujer temblorosa o la historia de mis nervios (2009); Ocho viajes con Simbad: palabra e imagen (2011); El verano sin hombres (2011), finalista del Premio Femina Étranger; Vivir, pensar, mirar (2012); El mundo deslumbrante (2014), Premio al mejor libro de ficción de Los Angeles Times, finalista del Dublin Literary Award y seleccionada para el Premio Booker; La mujer que mira a los hombres que miran a las mujeres (2017); Recuerdos del futuro (2019); Los espejismos de la certeza (2021), Madres, padres y demás (2022) e Historias de fantasmas (2026).

Recibió el Premio Princesa de Asturias de las Letras en 2019 y el Gabarron International Award de pensamiento y humanidades en 2012, y es doctora honoris causa por la Universidad de Oslo, la Universidad Stendhal- Grenoble, la Universidad de Gutenberg-Mainz y la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander.

Montaje se sumerge en el cerebro de un actor afectado por un virus

 ¿Qué harías si un día falla tu cerebro? ¿Si de un momento a otro, recordar, hablar y moverte se convierten en una batalla diaria? El actor Jorge Becker vive con esa condición hace más de diez años y hoy se pone al servicio de una puesta en escena que invita a reflexionar en torno al cerebro humano. 

Jorge era uno de los artistas escénicos más prometedores en el comienzo del nuevo milenio; fue dirigido por Guillermo Calderón en emblemáticas obras como “Neva” (2006) y “Diciembre” (2009), protagonizó “Hamlet” (2013), además de participar en varias producciones cinematográficas (“Piotr: Una mala traducción”, “Caleidoscopio”, “El bosque de Karadima”, entre otras). Pero en 2016 sufrió de una leucoencefalopatía, un virus que atacó su cerebro y le comprometió el habla y su sistema motor, provocándole una discapacidad múltiple irreversible.

Su memoria a corto plazo le impide recordar un texto o una secuencia coreográfica, su vista percibe las imágenes de forma alterada, la mitad derecha de su cuerpo no responde a los impulsos. 

En “Cerebro”, una coproducción GAM y Teatro Niño Proletario, Jorge Becker se sube al escenario junto a cinco amigos actores-performer para cumplir el anhelo de volver a las tablas y hacernos pensar sobre las posibilidades de la mente humana en la era de la inteligencia artificial.

“Nuestra propuesta es que mediante un juego escénico podamos estimular el cerebro de Jorge. Por medio de estas simples acciones queremos cuestionar nuestra propia percepción del mundo hoy, donde nuestros cerebros parecen perder su naturaleza humana de seres sociales en medio de la vorágine tecnológica que nos rodea”, cuenta Francisco Medina, director.

La idea nació del propio protagonista, y desde entonces han trabajado con sus doctores y neurocientíficos para crear una metodología de investigación y creación que permita un sistema social de inclusión para trabajar con un artista en situación de discapacidad múltiple. Un proceso largo, lento y delicado, no libre de riesgos para el actor.

La obra se desarrolla en cuadros donde Becker se siente cómodo y seguro: danza contemporánea, música con karaoke, trabajos sensoriales y textos dramatúrgicos de sus obras. “Es impresionante como Jorge se acuerda de las letras de las canciones, esto pasa porque la música se guarda en una parte del cerebro que no fue dañada por el virus”, explica Medina.

Será el público el encargado de elegir el orden de las escenas y de las canciones, en tiempo real. “Jorge dice que el pasado se le olvida, que el futuro es incierto, que está preso en el presente y eso es lo que nos obliga al equipo a estar pensando junto a él en el tiempo inmediato de la escena. Juntos con el público habitaremos esa incertidumbre”, revela el director. 

Además, habrá un juego de tecnologías en escena. Considerando que el protagonista lleva una década alejado de dispositivos tecnológicos, las cosas más simples lo sorprenden, y a la vez el montaje investiga de qué manera pueden ayudarlo. Desde aspiradoras, sensores de contacto, hasta la grabación y edición de su propia voz, estimularán su cerebro.

La obra se enmarca dentro del Año del Cerebro, una iniciativa que se celebra por primera vez en Chile impulsada por diversas instituciones, entre ellas GAM. Ciencia, salud y cultura dialogarán para comprender las capacidades cognitivas y emocionales del ser humano, acercar el conocimiento sobre el cerebro a la vida cotidiana, promover el bienestar cerebral y posicionar a nuestro país como un referente regional en neurociencia.

16 al 31 Mayo
Ju a Sá — 20 h. Do — 19 h
Entradas en gam.cl

¿Te has preguntado "Por qué nos sentimos tan mal"?

 Con un tono cercano, referencias pop y la dosis justa de humor, los autores de De Sócrates a Netflix regresan a librerías con un volumen que indaga en las razones que están detrás de la insatisfacción, la ansiedad, la hiperconectividad y la autoexplotación que caracterizan nuestra época. 

¿Por qué nos sentimos tan mal?, el nuevo libro de los filósofos Claudia Lewis y Camilo Pino, se instala como una reflexión urgente sobre el malestar en la cotidianidad. A partir de escenas del día a día, referencias a la cultura pop, un lenguaje cercano y accesible, y guiños a la filosofía, los autores exploran las tensiones invisibles que atraviesan la rutina de la vida actual, marcada por el cansancio, la ansiedad y una sensación persistente de incomodidad difícil de explicar. 

Respecto a la inspiración para escribir el libro, Pino afirma que “surgió de una sospecha compartida. Al conversar con amigos y gente cercana (...), aparecía siempre un invitado inesperado: una sensación de malestar que nadie se atrevía a nombrar por miedo a parecer malagradecido.

Era como un tabú. Nos dimos cuenta de que nos sentíamos mal a pesar de tenerlo todo para estar bien”. 

“Originalmente, nuestra premisa era simple: «nos sentimos mal porque pasamos mucho tiempo en el celular». Pero, al empezar a investigar, nos encontramos con una problemática mucho más profunda. Las redes sociales son solo la punta del iceberg de un sistema que nos quiere «crónicamente online», cansados y ansiosos”, añade Lewis. 

Con un tono cercano y planteando preguntas de fondo, ¿Por qué nos sentimos tan mal? conecta experiencias comunes con ideas filosóficas que desarman el mito del “tú puedes” e invitan a pensar en las razones estructurales que originan el sentir de esta época.

Las referencias culturales y situaciones reconocibles permiten que el lector se vea reflejado, y que el libro se lea como una conversación honesta más que como un diagnóstico distante. 

Así, la publicación se presenta como una invitación a detenerse y pensar, sin recetas ni soluciones fáciles. 

¿Por qué nos sentimos tan mal? pone sobre la mesa preguntas incómodas, pero necesarias, y propone una lectura lúcida y cercana para quienes buscan entender el malestar cotidiano que atraviesa a toda una generación. 

Claudia Lewis es la menor de cuatro hermanos. En el colegio, le gustaban todas las asignaturas, aunque algunas —como matemáticas y física— siempre fueron un amor no correspondido. Por eso, se decidió por estudiar Licenciatura en Filosofía, pues allí se aúnan, de algún modo, todas las disciplinas.

Actualmente es Magíster en Filosofía y se dedica a enseñar en aulas universitarias. Comenzó con el proyecto de Filosofía y Humor al percatarse de la distancia entre la academia y las personas y el interés de las últimas por querer conocer un poco más de esta disciplina. Le gusta, antes de todo, hacer nada, seguido de comer, escuchar música, leer, ver doramas y dormir.

Camilo Pino es Licenciado en Filosofía, tiene un Diplomado en Pedagogía y se encuentra cursando un Doctorado en Filosofía (todavía). Su labor en la universidad donde trabaja es la vinculación del mundo académico con la sociedad en general. Interesado en la sociabilización de la Filosofía y las Humanidades, ha buscado diferentes formas de acercarlas al público general. Una de ellas es el proyecto de Filosofía y Humor. Disfruta de los videojuegos, las series, películas malas y perder su escaso tiempo libre en YouTube. Es biodegradable.

"Mapocho incaico" revela la base fundacional indígena de Santiago

 Rubén Stehberg, arqueólogo: "Mapocho incaico rompe el mito que sugiere que Chile nació en 1541"

El investigador demuestra en estas páginas que en el corazón de Santiago existió el centro político ceremonial inca más austral del Tawantinsuyu. La publicación reconstruye el centro urbano indígena que sirvió de base para trazar la capital que hoy conocemos.

El arqueólogo Rubén Stehberg resume en su libro Mapocho incaco una década de investigación interdisciplinaria sobre el origen prehispánico del valle del Mapocho. Los hallazgos expuestos a lo largo de estas 160 páginas demuestran que Santiago no fue fundado sobre un territorio vacío, sino sobre un complejo centro político, económico y ceremonial inca plenamente organizado. 

Estos antecedentes, sostiene el autor, permiten reescribir "una parte fundamental de la historia de Santiago y, por consiguiente, de Chile y, paralelamente, se está poniendo en valor el desarrollo político, económico, agrícola y social indígena de la cuenca Maipo-Mapocho. Los habitantes de la Región Metropolitana somos herederos de esta situación y no es casual que el gobierno colonial y republicano siga administrando el país desde este mismo lugar".

A partir de evidencia arqueológica y documental rigurosa, el volumen revela que el valle del Mapocho, mucho antes de la llegada de los españoles, contaba con autoridades, redes de caminos, sistemas de regadío, agricultura y centros de poder. Incluso, bajo la actual Plaza de Armas existen vestigios que respaldan la existencia de un centro urbano inca, lo que redefine el punto de partida de la capital. 

En la publicación, Stehberg sostiene que Pedro de Valdivia, para fundar Santiago, se apoyó en una infraestructura preexistente que permitió el desarrollo inicial de la ciudad colonial, y determinó los rumbos de la urbe actual. 

Calles y ejes urbanos seguiría, en gran medida, el trazado establecido por las comunidades incaicas y mapochoes. "Mapocho incaico rompe el mito que sugiere que Chile nació en 1541 o que Santiago se fundó sobre tierra vacía. Había poder imperial antes que España", afirma el autor. 

Con una propuesta clara y provocadora, este libro invita a repensar nuestra historia y a reconocer la profunda huella indígena que persiste en su configuración hasta hoy. "La historia oficial ha destacado en forma desmesurada el aporte europeo y ha silenciado el aporte indígena local. Se enseña sobre los notables logros del imperio inca versus los escasos desarrollos de los mapuches, en el sur de Chile. De los habitantes originales de la zona central casi no se habla. 

Esto ha significado un total desconocimiento de los actuales habitantes de la región metropolitana de su pasado aborigen".

El arqueólogo Rubén Stehberg obtuvo el título de Ingeniero de Ejecución en Química Industrial en la Universidad Técnica del Estado, en Chile, en 1973. Paralelamente cursó Arqueología y Prehistoria en la Universidad de Chile, obteniendo su título en 1976. Finalmente, alcanzó el grado de doctor en Ciencias Naturales con Orientación Antropológica de la Universidad Nacional de la Plata, Argentina, en 1992. 

Toda su vida laboral, desde marzo de 1974 a diciembre de 2017, la desempeñó en la Sección de Antropología del Museo Nacional de Historia Natural de Santiago, donde cumplió las funciones de investigar, conservar y difundir el patrimonio cultural chileno. Ejerció los cargos de jefe de laboratorio, jefe de área y coordinador científico de dicha institución.

 Lo que más lo motivó fue el estudio y difusión del pasado indígena de nuestro país. Desarrolló múltiples proyectos de investigación destacando dos líneas principales: la arqueología histórica antártica y la ocupación inca en Chile. 

Su producción científica es extensa, destacando 160 artículos y más de 10 libros. Su trabajo más difundido es la presencia del Tawantinsuyu en la cuenca del Maipo-Mapocho, obra conocida como Mapocho incaico. 

Actualmente es miembro de la Sociedad Chilena de Arqueología y de la Sociedad Chilena de Historia y Geografía.

Conoce el libro que revela el origen y el derrumbe del sistema de salud en Chile

 Desde las reformas de los Chicago Boys hasta los fallos judiciales por cobros

excesivos de las Isapres a sus afiliados, en La mejor salud del mundo, el médico Juan Carlos Said y la periodista Marcela Ramos recorren la historia de la industria que ha modelado la salud en Chile.

¿Con qué criterios se pensó e implementó el actual sistema de salud? ¿Es el privado realmente más eficiente que el público? ¿Cuál es nuestra situación en relación a otros países?

En La mejor salud del mundo, Marcela Ramos y Juan Carlos Said explican con rigor y claridad el origen, el diseño y la evolución de un modelo de salud que prometió eficiencia y cobertura, pero que terminó revelando profundas fallas estructurales. 

A lo largo de estas 298 páginas, los autores no solo describen un problema, sino que entregan los antecedentes necesarios para comprenderlo en profundidad. 

“Los intereses de las Isapres no siempre son los mismos que los de los pacientes”, afirma Juan Carlos Said. “Debido a los mecanismos de pago, que privilegian pagar por exámenes y no por el cuidado de una población a lo largo de toda la vida, la forma más fácil que tiene un gerente de aumentar las utilidades a fin de año no es por la vía de prestar un mejor servicio y realizar más medicina preventiva.

 Muy por el contrario, seleccionar a los pacientes más sanos y dejar fuera a los enfermos, es la estrategia más rápida para mejorar las utilidades a fin de año", agrega.

En esta investigación en la que desfilan nombres como Miguel Kast, Hernán Büchi, Ricardo Lagos, Michelle Bachelet y Gabriel Boric, se muestra cómo el poder político y empresarial ha administrado las virtudes y falencias de un sistema que prevalece a pesar de sus deficiencias.

A partir de una investigación periodística sólida, los autores reconstruyen cómo se configuró el sistema, qué incentivos lo sostuvieron y por qué esos mismos mecanismos provocaron una crisis. 

“Recurrimos a la crónica, buscando hacer accesibles temas complejos, permitiéndonos mezclar con mayor libertad, pero también con rigurosidad, datos e investigación con historias humanas y anécdotas”, explica Marcela Ramos.

“Entrevistamos a las personas que hicieron las reformas, a ministros y empresarios, pero también a quienes las padecieron. A adultos mayores, a pacientes, a personajes de avisos comerciales que prometían «la mejor salud del mundo» y que valoraron las transformaciones del sistema y fueron víctimas también de sus limitaciones y dogmas", añade la autora.

La mejor salud del mundo entrega contexto histórico, comparaciones internacionales y propuestas de reforma, ampliando el debate sobre la salud más allá de una simple crítica a esta. 

El resultado es un libro de actualidad y de fondo, pensado para el lector general curioso, el mundo académico y el institucional, que invita a repensar la salud como uno de los desafíos públicos más urgentes de nuestro país.

Juan Carlos Said es un médico formado en la Pontificia Universidad Católica de Chile y especialista en Medicina Interna de la Universidad de Chile. Además, cuenta con un Magíster en Salud Pública del Imperial College London.

 Su trayectoria combina la práctica clínica con el análisis de políticas sanitarias, integrando una mirada rigurosa sobre los sistemas de salud de Chile y del mundo. 

Ha trabajado como columnista y panelista en medios de comunicación, y es editor del podcast Lista de Espera, donde junto a expertos aborda los principales desafíos del sistema de salud chileno. También ha sido invitado a la Comisión de Salud del Senado, contribuyendo al análisis técnico de reformas y políticas públicas.  

Marcela Ramos, periodista de la Universidad Nacional Andrés Bello, Magíster en Políticas Públicas de la Universidad de Chile y PhD en Educación de la Universidad de Bristol. Ha sido editora y coautora de libros periodísticos y académicos, entre ellos Educación, La Promesa Incumplida (2022), La guerra y la paz ciudadana (2000) y La muerte de un soldado en tiempos de paz (1998). 

Ha participado en iniciativas que buscan tender puentes entre periodismo y academia, como Ciper Académico, Tercera Dosis y el podcast AboutSUS. 

Ha sido profesora e investigadora postdoctoral en las universidades de Bristol, Bath y Glasgow. Actualmente es la encargada de la Unidad de Movilización del Conocimiento del Centro de Estudios Avanzados en Educación (CIAE) de la Universidad de Chile.

Ciclo De Cine Especial Madres

 Para conmemorar el Día de la Madre la Fundación Cultural de Providencia ha programado un ciclo de tres películas destacadas por la crítica en torno a la figura materna y su identidad en diversas relaciones afectivas desde una mirada íntima y emocional.

 Tres potentes títulos que se proyectarán en la pantalla del Teatro Oriente, con entradas liberadas, previo retiro. Las cintas escogidas son:

 VOLVER de Pedro Almodóvar (en español original)

Jueves 14 de mayo - 19:00 h

La fuerza de los lazos familiares. Memoria y raíces

Protagonistas: Penélope Cruz, Carmen Maura, Chus Lampreave, Lola Dueñas.

 Sinopsis: Raimunda (Penélope Cruz) es manchega, pero vive en Madrid. Está casada con un obrero en paro (Antonio de la Torre) y tiene una hija adolescente (Yohana Cobo). Su hermana Sole (Lola Dueñas) se gana la vida como peluquera. Ambas echan de menos a su madre (Carmen Maura), que murió en un incendio.

 Pero, inesperadamente, la madre se presenta en casa de su hermana (Lampreave) y comienza a visitarlas.

 2006: 5 Premios Goya, incluyendo mejor película, director, actriz (Cruz).

2006: 5 Premios del Cine Europeo, incluyendo mejor director y actriz (Cruz)

2007: Premios Goya a Mejor película, Mejor dirección (Pedro Almodóvar)

Mejor actriz principal (Penélope Cruz) Mejor actriz de reparto (Carmen Maura)

Mejor dirección de producción (Toni Novella)

Tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=hp4u67AV8VI  

 LADY BIRD de Greta Gerwig (subtitulada)

Miércoles 20 de mayo - 19:00 h

El drama de la adolescencia.

Protagonistas: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Lucas Hedges, John Karna

 Sinopsis: Christine (Saoirse Ronan), que se hace llamar “Lady Bird”, es una adolescente de Sacramento en su último año de instituto.

 La joven, con inclinaciones artísticas y que sueña con vivir en la costa Este, trata de encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre (Laurie Metcalf) en una conflictiva y culposa relación entre ambas.

 2017: Globos de Oro: Mejor película comedia o musical y actriz (Saoirse Ronan)

2017: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año

2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película y actriz (Ronan)

Tráiler:

https://www.youtube.com/watch?v=JpTSrz_0B-c

 BRAVE (INDOMABLE) Animación doblada.

Sábado 23 de mayo - 12:00 h

Fantasía medieval a través de una historia sobre el vínculo madre-hija, independencia y aprendizaje mutuo.

 Protagonista: Animación, Voz: Kelly MacDonald, Emma Thompson, Billy Connolly.

 Sinopsis: Merida, la indómita hija del Rey Fergus y de la Reina Elinor, es una hábil arquera que decide romper con una antigua costumbre, que desencadena el caos y la furia en el reino. Pide ayuda a una sabia anciana que le concede un deseo muy desafortunado. La muchacha tendrá que afrontar grandes peligros antes de aprender qué es la auténtica valentía.

 2012: Oscar: Mejor película de animación

2012: 2 Premios Annie: mejor montaje y diseño de producción. 10 nominaciones

2012: Globos de Oro: Mejor película de animación

2012: Premios BAFTA: Mejor película de animación

Tráiler:

https://www.youtube.com/watch?v=0t4uTlcsJl4

 Entrada liberada, cupos limitados, previo retiro de tickets en www.ticketmaster.cl o en la boletería del teatro (atiende de lunes a viernes, de 10:00 a 15:00 y 16:00 a 18:00 horas). Máximo 2 tickets por persona por cada película. Estarán disponibles una semana antes de la fecha de cada película. 

 Lugar: Teatro Oriente (Av. Pedro de Valdivia 099).

Aninat Galería presenta “IMÁGENES DEL MIRADOR” de Robinson Mora

Panorama HW, 1999

Óleo sobre tela 100 x 100 cm

La exposición” Imágenes del Mirador” del artista Robinso Mora se inaugurará el próximo 14 de mayo a las 19:00 horas en Aninat Galería (Alonso de Córdova 4355, Vitacura) que es una muestra retrospectiva que celebra más de medio siglo de creación de una de las figuras más singulares del arte contemporáneo chileno.

 La exhibición reúne una selección de 25 pinturas al óleo sobre tela, obras emblemáticas que sintetizan más de cinco décadas de trayectoria. 

En su constante compromiso por la revisión histórica y la puesta en valor de los referentes que han definido la plástica nacional, Aninat Galería tiene el honor de presentar “Imágenes del Mirador”, una exposición individual del destacado artista chileno Robinson Mora (1947). La inauguración se llevará a cabo el jueves 14 de mayo a las 19.00 horas. 

La exhibición reúne obras históricas y piezas recientes que dialogan entre la abstracción geométrica y la inmensidad simbólica del sur de Chile. 

Señal CL, 1989

Óleo sobre tela. 110 x 100 cm

 El artista busca crear un encuentro metafísico con el receptor, sus pinturas buscan ir más allá de lo puramente estético para provocar una experiencia contemplativa y reflexiva con el espectador. 

Robinson Mora, formado en la Universidad de Chile bajo la tutela de maestros como Ximena Cristi y Ramón Vergara Grez, ha consolidado una carrera de más de 50 años marcada por una búsqueda incesante de la forma y el color. 

Integrante del movimiento Forma y Espacio desde fines de los años sesenta, Mora logró desmarcarse de la rigidez académica para construir un lenguaje propio. Como señala el crítico Milan Ivelic, su adhesión al movimiento "nunca fue sumisión", sino el punto de partida para un estilo inconfundible.

 Desde 1971, Mora reside en Coyhaique, experiencia que ha sido fundamental en su obra ya que su trabajo, traduce la geografía física y simbólica de la Patagonia en composiciones donde la perfección del silencio, el frío y el ordenamiento de las formas territoriales se encuentran con un territorio poético e inverosímil. 

Imágen D-7, 2014
Óleo sobre tela 75 x 67 cm

“Imágenes del Mirador” permite al espectador transitar por la producción histórica del artista y sus piezas más actuales. 

En estas últimas, Mora se define como un “perseguidor de imágenes” que buscan la sensibilidad del contacto humano, utilizando estructuras arquitectónicas —miradores, antenas y curvas de nivel— para explorar la tensión entre la distancia y la emoción.

Sobre el artista: Robinson Mora Montecino (Linares, 1947) fue galardonado con el Premio de la Crítica en 1980.

Su obra forma parte de las colecciones permanentes de las instituciones más importantes del país, incluyendo el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), el MAVI UC y la Pinacoteca de la Universidad de Concepción. A nivel internacional, su trabajo ha sido exhibido en Alemania, Estados Unidos, Francia, India y Brasil.

Coquimbo recibe el estreno de 'Derivas de tinta y aliento', una apuesta por la música chilena experimental

  La Asociación Cultural Mismar continúa con su exitoso ciclo "Nuevos Aires / Nuevas Músicas" y esta vez traslada la experiencia sonora al corazón del Barrio Inglés.

 El próximo lunes 11 de mayo a las 19:00 horas, la Galería Chile Arte será el escenario de una propuesta diferente, que invita a disfrutar de la interpretación tradicional a través del oboe y sus múltiples extensiones tímbricas. 

El destacado oboísta nacional, José Luis Urquieta, llega con una propuesta distinta en la interpretación de obras para oboe solo que exploran las fronteras entre la creación y la ejecución musical. 

La actividad, parte de la 5ª Temporada de Música de Cámara del Elqui, cuenta con la dirección artística de Esteban Correa y la puesta en escena de la artista visual Sandy Baptista. 

José Luis Urquieta, uno de los exponentes más activos en la música contemporánea chilena, invita en su presentación a sumergirse en un programa desarrollado desde la experimentación.  

A su vez, el programa que se presentará en Coquimbo es el resultado de un trabajo de investigación y creación que se extendió por cuatro años. El proyecto, que culminó en una producción discográfica bajo el Sello Modular en 2025, llega ahora al público en formato de concierto en vivo. 

Al respecto, José Luis Urquieta comenta que “siempre es una alegría compartir trabajos que han sido desarrollados durante varios años. "Derivas de tinta y aliento" comenzó a gestarse en 2021 y se consolidó en 2025 como un proceso colaborativo junto a compositoras y compositores. 

A través de la música experimental y la indeterminación musical, construimos un programa que explora nuevas formas de creación e interpretación para el oboe”. 

El repertorio incluye piezas escritas específicamente para el instrumento, desafiando la notación convencional mediante el uso de partituras gráficas y herramientas electroacústicas. 

El compositor Enrique Schadenberg explica la profundidad técnica de este programa que “propone diversas aproximaciones a la indeterminación sonora, a través de partituras gráficas, notaciones abiertas e intervenciones electroacústicas. 

Las piezas fueron concebidas específicamente para el oboe y sus múltiples extensiones tímbricas, consolidando una práctica creativa donde los roles de intérprete y creador se entrelazan”. 

Este evento es financiado por el Fondo para el Fomento de la Música Nacional. Para informarte de toda la cartelera de la Temporada de Conciertos Mismar 2025-2026 puedes visitar la página www.culturamismar.org y seguir las redes sociales que encuentran como @culturamismar en Facebook e Instagram.

Bajo los códigos del terror vuelve a escena la obra “Dolores” con nuevo elenco del Biobío

Terror escénico, desolación familiar y atmósfera fantástica definen la obra teatral “Dolores”, escrita y dirigida por el investigador, dramaturgo y director Javier Ibarra. La pieza, estrenada originalmente el año 2007, vuelve a escena, veinte años después, con un elenco integrado por estudiantes de la carrera de teatro de la Universidad de Concepción y artistas con experiencia en la escena regional como Francisca Díaz y Sebastián Chandía.

 El remontaje permitirá a la comunidad conectar con un lenguaje poco explorado a nivel local y experimentar, en un espacio no convencional, las distintas dimensiones de una obra que sitúa como clave lo atmosférico y las emociones. 

El ciclo de funciones de este remontaje se desplegará desde 13 al 23 de mayo, de miércoles a sábado, a las 20:00 horas, en el Centro de Extensión de la Carrera de Teatro UDEC.    

“La obra incomoda ciertos relatos idealizados sobre la familia, la infancia, la protección y la normalidad doméstica.

Me interesa pensar que el terror aparece justamente cuando aquello que debía ser familiar, seguro o reconocible se vuelve extraño, amenazante o ilegible”, comenta Javier Ibarra, escritor y director de la obra, develando el remontaje como un viaje hacia su propia trayectoria vinculada con la escritura escénica “lo que aparece es un deseo por construir fábulas, contar historias y producir mundos posibles en el escenario con un sello particular donde el terror, como un lenguaje posible dentro de la escena chilena, no sea únicamente un género, sino una forma de pensamiento sensible y crítico”, complementa quien, además, dirige la compañía nacional Teatro del Terror. 

Sobre los códigos del terror

Para el director teatral e investigador escénico Javier Ibarra, “Dolores”, porta un carácter fundacional, pues su dramaturgia y puesta en escena marcaría el inicio de un recorrido artístico focalizado en la exploración del terror, lo fantástico y la literatura gótica, el uso de espacios alternativos y lo atmosférico en la construcción de experiencias teatrales.

 En ese sentido, este remontaje, le ha permitido reconocer esas inquietudes iniciales, pensarlas desde el presente y comprender su vigencia.

Ph. Paula Acuña. 8

“Es una obra que dialoga con referentes como Edgar Allan Poe, Hitchcock (por ejemplo, Psicosis), Kubrick y otras zonas del imaginario del terror que siempre me han interesado. Esa constelación de referencias opera como parte de una búsqueda estética que intenta construir una unidad propia”.

            Interpretada por Amanda Chacón, Tomás Gutiérrez, Rafaela Ganter, Francisca Díaz y Sebastián Chandía; la obra cuenta con el diseño escenográfico de Paula Acuña y el diseño de vestuario de Annette Castro. La dirección, el diseño lumínico y el universo sonoro es de Javier Ibarra. Un elemento interesante en este remontaje es el cruce de actores y actrices que, actualmente, están en proceso de formación en la Carrera de Teatro de la Universidad de Concepción; y artistas escénicos que ya tienen una trayectoria en la escena regional como Francisca Díaz y Sebastián Chandía.

“Dolores” explora, desde lo escénico, las fracturas de la vida familiar, la incomunicación entre padres e hijos, la vulnerabilidad de la adolescencia y la violencia contenida en espacios aparentemente íntimos o protegidos. 

En ese sentido, según su director, “son conflictos que se trabajan desde los códigos del terror y que nos llevan a las preguntas iniciales sobre lo que ocurre cuando los vínculos se rompen y cuando los adultos no logran sostener emocionalmente a quienes dependen de ellos”, comenta Ibarra, a modo de invitación a conmoverse desde los afectos, “muchas veces considerados menores, “como el miedo, la inquietud, la perturbación o lo siniestro”.

La vinculación con la Escuela de Teatro UDEC, sus estudiantes y la emergencia de nuevos espacios para los lenguajes escénicos es otra de las novedades que este remontaje trae, entregando dinamismo al escenario cultural de Concepción y permitiendo que los futuros intérpretes adquieran experiencia en un contexto profesional y situado, “abriendo un espacio de colaboración entre experiencia profesional, docencia universitaria y creación escénica contemporánea”, explica el director y dramaturgo, quien, además, es docente de la carrera.

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            Las ocho funciones de este remontaje se realizarán en el Centro de Extensión de la Carrera de Teatro UDEC (Edmundo Larenas 36, Concepción), desde el 13 al 23 de mayo, de miércoles a sábado, a las 20:00 horas. La obra está dirigida a público mayor de 13 años y el valor de la entrada sigue el concepto de “Paga lo que puedas”.

Si quieres conocer algo más del lenguaje del terror escénico puedes seguir el trabajo de la compañía Teatro del Terror @tdterror y si deseas acercarte a los procesos formativos de carrera de teatro de la Universidad de Concepción, puedes acceder a sus redes sociales en @escuelateatroudec