Se inaugura exposición que recuerda las salas desiertas durante la pandemia.

El silencio del aplauso
GAM

 ¿Cómo se manifiestan estos lugares sin un público, sin sus artistas? ¿Cómo vibran? ¿Cómo respiran?

 “El silencio del aplauso” es una invitación a revisitar estos lugares, tomar asiento en sus butacas, respirar el vacío y escuchar la ausencia.

La serie fotográfica “El silencio del aplauso”, del fotógrafo nacional Daniel Corvillón Achondo y curada por la diseñadora y comunicadora visual Carola Ureta Marín, se presenta como un testimonio de la vulnerabilidad de la cultura y, en particular, de las artes escénicas en nuestro país. 

Las salas y centros culturales son un punto de encuentro, generan comunidad, construyen una identidad colectiva. Existe una relación afectiva con la comunidad que debido a la pandemia estuvo a punto de desaparecer.

El proyecto, gestionado por la Fundación Fogata Cultura, busca visibilizar esta soledad y abandono a través de diversas imágenes de espacios de teatro y danza, como un grito de protesta de las salas desiertas.  

Los espacios fotografiados que participan de esta muestra son Teatro La Memoria, Teatro Sidarte, Centro Nave, Teatro Municipal de La Pintana, Matucana 100, GAM, Teatro Nacional Chileno, Estación Mapocho, Teatro Aleph y Espacio Vitrina.

En 2021, durante la segunda ola de confinamiento decretada por el gobierno, Daniel Corvillón visitó más de diez espacios culturales de la Región Metropolitana. A través de su cámara, capturó esa quietud, esa oscuridad y ese silencio.

El elemento central y protagónico de la serie, es la luz. Usando solo la iluminación de los mismos espacios, el contraste permite dimensionar el abandono y la falta del motor vital de estos recintos: los y las artistas, el público, y el equipo de trabajo detrás de cada lugar. 

El silencio del aplauso
Teatro Municipal La Pintana

“Para retratar ese abandono, ese vacío, intervine lo menos posible el espacio, por lo que la iluminación fue vital. Usamos la luz propia de cada sala, según las posibilidades y limitaciones de cada lugar sin intervenciones externas.

En la mayoría solo ocupamos la luz de guardia, esa luz tenue y sutil con la que el teatro nos recibe invitándonos a tomar asiento, que ilumina la ausencia y que evoca la melancolía de volver a habitar la sala, el escenario, las butacas”, reflexiona Corvillón. 

El cierre -y posterior aforo limitado- de las salas exacerbó un agotamiento de la incertidumbre e inestabilidad laboral de la comunidad artística que, sumado a la dependencia de fondos concursables, constatan año tras año la precariedad de este rubro. 

“El camino hacia la sostenibilidad de la cultura y las artes escénicas tiene relación con la valoración social de las mismas. Durante el desarrollo de este proyecto nos enfrentamos a la inestabilidad de los espacios culturales, el desmembramiento de equipos de trabajo y la ausencia del público.

Entonces, buscamos plasmar este vacío a través de la imagen fotográfica para aportar a la reflexión y sensibilizar, de una manera artística, esta situación como un pequeño grito de protesta que quedara grabado en la memoria cultural histórica”, explica Tania Araya, cofundadora de Fogata Cultura, estudio de gestión y comunicación cultural dedicado a potenciar y difundir las artes escénicas. 

La exposición se realizará en el marco del Mes de la fotografía en el Centro Cultural Bosque Nativo de Puerto Varas (Av. Vicente Pérez Rosales 1305, Puerto Varas) y el sábado 3 de agosto, se inaugurará con un conversatorio junto al artista Daniel Corvillón a las 11:30 hrs Casa Raddatz.

Daniel Corvillón, es fotógrafo con más de 20 años de experiencia en el rubro, con destacada participación en el ámbito editorial, publicitario y artístico en Chile.

Durante su carrera ha retratado importantes figuras nacionales e internacionales, espacios arquitectónicos de diversos entornos, obras escénicas de grandes directores/as y desarrollado diferentes campañas, catálogos, fotografías de productos y moda.

El silencio del aplauso
Teatro La Memoria

Inspirado en la composición y la construcción de la luz, se ha dedicado a rescatar y registrar instantes únicos que esconden una historia, una memoria, una identidad, una emoción, una belleza que intenta plasmar en cada obturación. 

“El silencio del aplauso” es el tercer proyecto que realiza junto a Carola Ureta. El primero corresponde al libro “Giovandy: Si no brillas no existes” (2016) en memoria y homenaje al trabajo artístico del estilista Giovandy.

El segundo fue “La ciudad como texto” (2020), donde retrataron e inmortalizaron la memoria de los muros de la avenida principal de Santiago durante el Estallido Social 2019, días previos a su blanqueamiento. 

Continua ciclo de teatro gratuito en Museo de la Memoria y los DDHH

 La selección de 7 montajes que utilizan diversos lenguajes teatrales para abordar temáticas de DDHH, se estuvo presentando durante julio y continuará presentándose durante agosto de manera gratuita en el auditorio del Museo de la Memoria y los DDHH.           

Desde su inicio en 2014, el ciclo de teatro del Museo de la Memoria y los DDHH se ha caracterizado por programar una cartelera que explora nuevos lenguajes escénicos para abordar las memorias de la dictadura y conflictos actuales asociados a DDHH.

A lo largo de todas sus versiones, se han tratado temas de medioambiente, pueblos originarios, desigualdades de género, memoria, entre otros. Esta versión del ciclo trae propuestas desde el teatro documental, la performance, el teatro musical y la lectura dramatizada.

Celebrando sus diez años de existencia, el Museo ha puesto especial énfasis en la descentralización de la cartelera, ofreciendo obras de La Serena, Concepción, Valparaíso y Santiago. “Estamos orgullosas de que la mitad de las obras que se van a dar, son de regiones.

El descentralizar la programación es muy importante para nuestra vocación de Museo Nacional.  Es necesario acoger a las y los profesionales que trabajan en otros puntos del país”, explica Fernanda García, directora del Museo.

En agosto comienza la segunda parte del ciclo con PINO(SHIT) que tendrá funciones los días 1, 2 y 3.  La obra es una apuesta visual y sonora, donde una cocinera nos cuenta anécdotas mientras prepara una empanada de pino. Su narración nos adentra en un viaje por la cultura chilena desde el 11 de septiembre de 1973 hasta la actualidad.

El 6 se agosto tendrá su única función la lectura dramatizada “Mi madre nada” una excavación metafórica a la memoria de una madre que olvida. La obra nace en 2019, cuando la artista encuentra el diario de vida de su madre, con sus últimos vestigios; trazos, y recuerdos antes comenzar a olvidar. 

Finalmente, el ciclo cierra con Yo duelo, dirigida por Patricia Cabrera y Oscar Oviedo, un relato onírico donde una bombera conecta biografía, memoria y ofrenda a través del dolor físico. Las funciones serán los días 8, 9 y 10 de agosto.

El ciclo de teatro “Historias de dictadura y DDHH” se realiza con entrada gratuita y aporte voluntario, de jueves a sábado a las 20 horas, en el Auditorio del Museo de la Memoria y los DDHH. Las entradas deben retirarse dos horas antes de cada función.

Cada día sábado, al terminar la función, se abrirá un espacio de conversación entre el público y la compañía a cargo de la obra.

Acordeonista chileno triunfó en importante torneo internacional

 El acordeonista Chileno Joaquín Muñoz Donoso, quien se presentó en cuatro de las quince categorías de la World Cup de acordeón en Estados Unidos, logró una destacada participación en el campeonato internacional, quedándose con tres medallas de oro y una de bronce.

En una nueva versión del certamen organizado por la ATG Association (Acordeonistas, Profesores y Guías), la cual se desarrolló en Kansas City, el acordeonista, compositor y director del Instituto Chileno del Acordeón, participó en cuatro de las más de quince categorías del campeonato, logrando quedarse con tres medallas de oro y una de bronce.

De esta manera, ganó en las categorías Varieté, Máster y Música Contemporánea

Mientras que en la categoría World Cup, obtuvo el tercer puesto, logrando posicionarse como unos de los mejores acordeonistas del certamen en las cuatro pruebas en las que se presentó y donde participaron más de cien músicos de todo el mundo.

Es importante destacar que el acordeonista ya ha participado en cinco certámenes internacionales, logrando obtener el primer lugar en el Concurso Internacional de Canadá 2016. Luego, en 2019, se coronó como campeón de Sudamérica en el certamen de la región y, en 2022, logró el tercer lugar en la Copa Mundial en Suiza.

Sobre el gran triunfo en la World Cup, Joaquín Muñoz Donoso afirma: “Me siento muy feliz de este tremendo logro, emocionado y realizado. Obtener tres oros para Chile es y será siempre un resultado muy exitoso. Promover el arte y el desarrollo del acordeón a nivel internacional es algo importante, pero volver a mi país con esta nueva motivación es una responsabilidad que tomo muy en serio”.

En cuanto al desarrollo de la competencia, el músico comentó que “algunas comenzaban a las ocho de la mañana, lo que significaba que había que calentar dos horas antes para estar listo y sonar bien a esa hora.

Fue una experiencia extraordinaria, apasionante y muy agotadora. 

El estrés de cada noche, pensando en que a la mañana siguiente no podía quedarme dormido, que debía calentar y preparar un repertorio distinto para cada categoría, me dejó exhausto.

Sin embargo, todo el esfuerzo y la preparación durante meses antes de presentarme en la World Cup, dieron sus frutos”.

“Además, quiero agradecer enormemente al profesor, Grayson Masefield, por los meses de trabajo y preparación online que tuvimos desde Nueva Zelanda, para esta competencia”, enfatiza el destacado acordeonista sobre el trabajo previo a su participación en EE.UU.

El certamen internacional, que se desarrolló en el contexto del Festival Extravaganza en honor a la reconocida acordeonista y profesora Joan C. Sommers, quien cumplió 90 años, contó con la participación de más de cien participantes de todo el mundo, más de quince categorías y dejó a Chile, mediante la participación de Joaquín Muñoz Donoso, con tres medallas de oro y una de bronce.

Orquesta Usach ofrece un nuevo concierto gratuito en el Teatro Municipal de La Pintana

Luego de un exitoso comienzo durante la primera semana de julio, el ciclo de conciertos gratuitos que la Orquesta Usach está realizando en el Teatro Municipal de La Pintana continúa el próximo miércoles 7 de agosto (19:00 horas), con un programa que incluye una de las más famosas creaciones de Ludwig van Beethoven (1770-1827): la Sinfonía Nº 7 en la mayor.

Liderado por su titular, David del Pino Klinge, el elenco continuará así una serie de presentaciones que se extenderá hasta enero de 2025 y cuenta con el respaldo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, a través de su Programa de Apoyo a Orquestas Profesionales.

“Desde el punto de vista del público, nuestro último concierto en La Pintana superó a los anteriores. El teatro estuvo casi lleno y eso fue muy estimulante, así que espero que esta vez repitamos el mismo panorama de convocatoria y entusiasmo de la gente”, anticipa el director de la agrupación.

“Es un privilegio que la Orquesta Usach siga visitándonos y ofreciendo conciertos de la más alta calidad en La Pintana, una comuna que ha sido desfavorecida y estigmatizada durante muchos años.

Que estén presentes en nuestro teatro es sinónimo de que en la comuna también pasan cosas buenas, interesantes y de relevancia artística”, añade Fernando Saavedra, director de la Corporación Cultural de la comuna, quien encabezó la primera de las presentaciones, junto a la alcaldesa Claudia Pizarro.

En esta oportunidad, la pieza central del programa será la Sinfonía Nº 7 en la mayor, que Ludwig van Beethoven compuso entre 1811 y 1812, una época en la que ya estaba recibiendo tratamiento para la sordera. Pese a ello, se encuentra entre las más radiantes de las partituras que dejara el compositor.

"Es la más alegre, fácil y transparente de entender de todas sus sinfonías. Es cien por ciento musical, no tiene la intención descriptiva o de programa que hay en otras sinfonías. Es música pura y no hay ninguna interpretación que darle que no sea disfrutar de la música”, asegura David del Pino Klinge. 

Antes, la Orquesta Usach abordará una de las tres suites de Aires y danzas antiguas de Ottorino Respighi (1879-1936), uno de los principales compositores italianos de comienzos del siglo XX, reconocido principalmente por la trilogía de poemas sinfónicos que conforman las Fuentes de Roma (1916), los Pinos de Roma (1924) y las Fiestas romanas (1928). 

Estudioso de la música italiana del Renacimiento y el Barroco, su entusiasmo lo llevó también a crear tres suites orquestales inspiradas por ese repertorio y la Orquesta Usach abordará la tercera de ellas. “Respighi era un tremendo orquestador, del mismo nivel que los dos grandes de la historia del sinfonismo, que son Nikolái Rimsky-Kórsakov y Maurice Ravel.

Lo que hace diferente es que solo con los instrumentos de cuerdas consigue la misma maestría para crear texturas, colores, luces y oscuridades asombrosas”, detalla David del Pino Klinge. “Por decirlo de una manera, los instrumentos de cuerda se convierten en parte en clarinetes, fagotes, instrumentos de percusión, cornos, trombones y flautas. Estas suites son un lujo de orquestación y también de melodía”.

La Orquesta Usach interpretará el mismo programa en el concierto que se realizará el miércoles 14 de agosto (19:30 horas), en su tradicional escenario del Teatro Aula Magna Usach. En esa ocasión, además, tendrá como solista a Daniela Saavedra, quien abordará el Concierto para piano y orquesta Nº 20 en re menor, K. 466 de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791).

Musical ¡Mamma Mia! llega al Teatro Municipal de Temuco

La ex chica Rojo Carolina Soto liderará el elenco de esta magnífica obra que se presenta este 2 de agosto en Temuco.

 Luego de un rotundo éxito, ¡Mamma Mia! regresa a la cartelera para continuar su recorrido por el país. 

En esta oportunidad, la obra llegará al Teatro Municipal de Temuco y contará con la participación de la destacada cantante chilena Carolina Soto, quien tuvo sus inicios en Rojo: Fama contra fama y que en esta oportunidad dará vida a Donna en el musical.

Mamma Mia! ha desatado la locura entre el público, que ha disfrutado de principio a fin con esta romántica historia de amor. Al ritmo de las canciones emblemáticas del grupo ABBA, el elenco de reconocidos artistas nacionales hace bailar y cantar a la audiencia, que termina emocionada y de pie ovacionando este espectáculo.

La obra ha sido elogiada por la prensa y ha tenido una muy buena apreciación por parte del público que ya la ha visto, permitiéndole ser todo un fenómeno del teatro en la actualidad.

El espectáculo de primer nivel llegará al Teatro Municipal de Temuco el próximo viernes 2 de agosto. Este montaje cuenta con 23 artistas en escena, entre cantantes, bailarines y músicos en vivo, quienes llevan a la audiencia a una experiencia de entretenimiento única y transversal, donde toda la familia puede pasar un grato momento con uno de los musicales más taquilleros de la historia.

La producción nacional se presentará en diversas ciudades con un elenco de lujo y todas las canciones que llevaron al estrellato al grupo sueco ABBA. En Chile, el elenco está liderado por Carolina Soto, quien, junto a Pía María Silva, Lorene Prieto, Angélica León, José Martínez, Raimundo Alcalde, Daniel Donoso, Patricio Garcés y Andrés Zara, ensayaron por más de seis meses bajo la dirección de los maestros Eduardo Yedro y Javier Herrera y la producción de Luis Fierro Producciones, poseedor de la licencia internacional de Theatrical y Music Theatre International (MTI) para la realización de esta obra en nuestro país.

La invitación es para este viernes 2 de agosto, con la última oportunidad de disfrutar de Mamma Mia! en Temuco. Las entradas están a la venta en Ticketpro y Altoparlante.cl.

Cadasapianos: Una aventura intergaláctica

En el marco de la celebración del Día del Niño, Editorial Forja invita a leer Cadasapianos. Los mutantes de la Tierra, el nuevo libro infantil ilustrado de la escritora chilena Sara MG. Un viaje de descubrimiento y amistad que celebra la imaginación y la diversidad de nuestro planeta.

En un mundo donde la imaginación es la puerta hacia el conocimiento y el descubrimiento, Cadasapianos. Los mutantes de la Tierra de Sara MG se presenta como una herramienta perfecta para incentivar la lectura y la curiosidad en los más pequeños.

Tres exploradores de otro planeta llegan a la Tierra con una misión muy especial: recoger muestras de sus habitantes para complementar el Gran Catálogo Interestelar de Planetas y Especies del Señor del Universo.

Sin embargo, su primer encuentro con los terrícolas es inesperado, pues aterrizan en pleno Halloween, una festividad que les ofrece una visión única y colorida de los habitantes de nuestro planeta.

Lo que comienza como una misión científica se transforma rápidamente en una divertida aventura. Los exploradores no solo tienen la oportunidad de observar de cerca a los "mutantes" de la Tierra y participar en sus extrañas costumbres, sino que también inician una entrañable amistad con uno de los terrícolas. Cadasapianos es una historia que celebra la diversidad y la amistad, mostrando a los niños la importancia de la comprensión y el respeto entre diferentes culturas y especies.

Sara MG., ingeniera en Prevención de Riesgos y Medio Ambiente y enfermera de la Universidad de Concepción, ha encontrado en la escritura una forma de canalizar su pasión por la astronomía y la arqueología.

Jubilada, abuela y fotógrafa del paisaje cotidiano, ha dedicado sus últimos años a la creación literaria. Su talento ha sido reconocido en diversos concursos, incluyendo una Mención Honrosa en el concurso Navidad Paula 2007 y un lugar entre los ganadores en el concurso Relatos de Colección Proyecto Centenario de Celfin Capital en 2009.

Con Cadasapianos. Los mutantes de la Tierra, Sara MG nos invita a un viaje intergaláctico lleno de humor, aprendizaje y, sobre todo, amistad. El libro está disponible en las principales librerías del país y también en formato ebook.

Masivo 1° Festival de la Voz “Unidos por el canto”

 El 1° Festival de la Voz “Unidos por el canto” de la Escuela Kim Ruka agrupó diversos talentos infantiles y adolescentes de la comuna de Carahue.

La actividad agrupó a cientos de familias carahuinas y de los alrededores de la zona, quienes vieron un gran profesionalismo en la decoración, sonido, luces, ambientación y producción musical del evento.

El evento contó con la participación de los jurados Jaime Monsalve Arias, Fernando Mora y Paola Riquelme Alfaro, bajo la revisión del ministro de fe, Ángel Torres, encargado de comunicaciones del Servicio Local.

CATEGORIA “A”

 1° LUGAR: Antonella Concha Ulloa, Escuela Pública Kim Ruka

2° LUGAR: Diego Toro Paillao, Escuela Pública Kim Ruka

3° LUGAR: Abigail Sandoval Huenuman, Escuela Particular San Ignacio

 CATEGORIA “B”

 1° LUGAR: Ignacia Velásquez Opazo, Escuela Pública Kim Ruka

2° LUGAR: Jazmín Huenuman Merino, Escuela Particular San Ignacio

3° LUGAR: Roxana Gajardo Esparza, Escuela Particular Goden House

 CATEGORIA “C”

 1° LUGAR: Catalina Aguilón Huenuman, Complejo Educacional Claudio Arrau  León

2° LUGAR: Erika Antivil Peña, Liceo Particular Comercial  

3° LUGAR: Cristel Salas Delgado, Complejo Educacional Claudio Arrau  León.

Fundación CorpArtes y Sede Metropolitana de Balmaceda Arte Joven estrenan obras de danza gratuitas

En el marco de la alianza de colaboración entre Fundación CorpArtes y la sede Metropolitana de Balmaceda Arte Joven (BAJ), el viernes 2 de agosto a las 19:00 horas se estrenarán gratuitamente las obras de danza “Excarnación: instrucciones para abrir un cuerpo” de Javier Lecaros y “Ejercicio de resistencia, capítulo II: esto me produce alegría, pero no quiero que nadie se dé cuenta” de Sara Lecaros, en el teatro de Fundación CorpArtes.

La iniciativa corresponde al “Programa de profesionalización para compañías de danza emergentes”, organizado a partir de las propuestas seleccionadas en las residencias de danza “Espacio BAJ- Crea en comunidad” realizadas el 2022 y 2023.

El objetivo de esta colaboración fue propiciar instancias formativas para profundizar nociones técnicas de los colectivos, tanto en sonido e iluminación, como en el abordaje de narrativas al elaborar los dosieres , además de directrices claves para orientar las postulaciones a fondos y la implementación de programas de mediación.

Desde Fundación CorpArtes, espacio que albergará el estreno de las obras, Isidora Peñaloza, coordinadora de Nuevos Proyectos Artísticos y Educativos, comenta que el “Programa de profesionalización para compañías de danza emergentes” tiene un significado adicional, no se trata solo de la calendarización de funciones.

“Es una oportunidad para traspasar conocimientos en áreas técnicas y de gestiones vitales, apoyando a los colectivos seleccionados a profesionalizarse de manera integral. Nos enorgullece contribuir a la formación de nuevos talentos, promoviendo el crecimiento de la danza contemporánea y propiciando que los artistas emergentes reciban herramientas esenciales para su desarrollo”.

Visión compartida por Solanyi Robayo, directora de la sede Metropolitana de Balmaceda Arte Joven. “Al establecer vínculos con CorpArtes, se aúnan esfuerzos para la apertura de nuevas posibilidades a artistas emergentes, quienes han desarrollado un trabajo comprometido en el circuito BAJ, especialmente con las juventudes y sus coetáneos, acercando temáticas contingentes que visibilizan problemáticas muchas veces omitidas o dejadas en segundo plano por la sociedad.”.

Y añade: “el poder compartir sus creaciones con públicos nuevos, en un escenario reconocido dentro del entorno cultural, sin duda es una experiencia que marcará un hito para sus carreras”.

Las obras

“Ejercicio de resistencia, capítulo II: esto me produce alegría, pero no quiero que nadie se dé cuenta”, dirigido por la bailarina y artista interdisciplinar Sara Lecaros, es una propuesta de danza contemporánea construida en relación al concepto de resistencia. El elenco se valió de herramientas interpretativas y un diseño sonoro que dialoga con la performance para rendir homenaje a la infancia.

La obra, que tras las sesiones del “Programa de profesionalización para compañías de danza emergentes” tomó nuevos ribetes, brinda una perspectiva novedosa de esta etapa del desarrollo humano, además de ampliar los conocimientos de integrantes de la compañía.

“Ha sido un gran desafío cumplir con los requerimientos técnicos de esta convocatoria, pues como compañía de danza independiente estamos acostumbrados a trabajar sin financiamiento, lo que dificulta en gran parte el área técnica de las obras. Por este motivo, es una gran oportunidad de aprendizaje visualizar cómo se trabaja en el teatro de CorpArtes, lo que abre las posibilidades creativas de nuestra puesta en escena”, detalla Sara Lecaros, directora de la obra. 

En tanto, “Excarnación: instrucciones para abrir un cuerpo” del coreógrafo Javier Lecaros, propone la analogía de abrir, desentramar y diseccionar el cuerpo, incluidas apreciaciones, como un espacio moldeable. Se trata de una reflexión íntima en torno a la relación cuerpo imagen-percepción-realidad, sumando ideas sobre las ficciones identitarias y la reivindicación de la monstruosidad como herramienta de autoaceptación.

Respecto a la alianza, Javier comenta: “ha sido muy importante tener estas sesiones, porque nos entregan conocimientos o entendimientos que uno, como artista independiente, no necesariamente maneja. Entonces todo eso produce un fortalecimiento de percepciones en torno al trabajo, el quehacer técnico y artístico, te nutres de una manera muy significativa”.

El estreno de ambas producciones artísticas tendrá lugar el viernes 2 de agosto a las 19:00 horas, en el teatro de Fundación CorpArtes, ubicado en Rosario Norte #660, piso -2,  Las Condes. El acceso es liberado previa inscripción en formulario.

Más información en www.balmacedartejoven.cl y www.corpartes.cl

Compañía de teatro inicia Gira Nacional en el Museo de la Memoria y Parque Cultural de Valparaíso

Luego de su paso por Santiago a Mil 2024, Escuela de Verano de la Universidad de Concepción, Teatro Mori Bellavista y residencia de creación en Nau Ivanow, (Barcelona), la obra Yo Duelo, co-producción de Espacio Checoeslovaquia y Teatro Biobio, comienza una itinerancia nacional que contempla la exhibición de su Obra “Yo Duelo” por Santiago, Valparaíso, Chillán, Laja, Angol y Padre de las casas. Al mismo tiempo, la compañía prepara su Gira Internacional 2025.  

Serán ocho presentaciones las que realizará la compañía teatral penquista en cinco regiones diferentes del país. La gira nacional comienza este 6 de agosto en Valparaíso y luego en Santiago, para continuar en septiembre y octubre con presentaciones en Angol, Padre Las Casas, Laja y Chillán.  

La circulación de la obra “Yo duelo” cuenta con el financiamiento del Fondo de Artes Escénicas, Convocatoria 2024, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio y permitirá que este montaje se presente de manera gratuita en destacados espacios culturales del país. 

La propuesta escénica es una coproducción que se trabajó durante 2023 en tres residencias creativas realizadas en Teatro Biobío, Nau Ivanow, en Barcelona, España; y también en la fábrica creativa Espacio Checoeslovaquia, en Santiago.  

Estrenada en Teatro Mori Bellavista y luego en Concepción y alrededores, esta historia protagonizada por una mujer bombera rememora un drama colectivo a través de la figura de su abuelo, Wilson, una de las víctimas del trágico suceso de la “Masacre de Laja y San Rosendo” provocado en dictadura, cometido por funcionarios de carabineros de Chile.  

Para la compañía, la circulación nacional por la zona centro y sur del país es un nuevo hito en su trayectoria. Oscar Oviedo, co director y diseñador sonoro de La La Gaviota Podcast, comenta “Esta será la primera vez que vamos a girar en el país por cinco regiones.  

Es un hito importante para la compañía porque es la primera gira nacional que nos permite sumar experiencia al igual que el estreno en Santiago de esta compañía regional”. 

La Seremi de Culturas del Biobío, Paloma Zúñiga señaló que “es un real orgullo que el trabajo escénico de La Gaviota Podcast circule también por el país, más con un relato tan sensible que dejó una huella tristemente imborrable para la región y para las familias de los asesinados en San Rosendo y Laja. 

Esta obra representa un sano y necesario ejercicio de memoria, y evidencia cómo las distintas expresiones artísticas han contribuido decididamente en la promoción de los derechos humanos, permitiendo que la sociedad, especialmente las nuevas generaciones, logren conectarse con diversas problemáticas y procesar del pasado reciente”. 

Primeras funciones en Valparaíso y Santiago 

La circulación se desarrollará durante tres meses, comenzando en agosto con la primera función que está programada para el 6 de agosto, en el Parque Cultural de Valparaíso, a las 19:00 hrs. 

La itinerancia continúa el 8,9 y 10 de agosto en Santiago con 1 presentación diaria en el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos, a las 20:00 hrs.

Es importante señalar que las funciones programadas son con entrada liberada para los asistentes, quienes pueden encontrar más información acerca de todas las presentaciones en las redes sociales de la compañía. 

“Yo duelo” y la propuesta en su relato 

La obra escrita por la actriz Patricia Cabrera, es un relato onírico de auto ficción donde una actriz/bombera usa el teatro como excusa para honrar a sus muertos. El dolor físico es el puente que conecta biografía, memoria y ofrenda. 

Esta actriz/bombera es nieta de Wilson, uno de los 19 detenidos, torturados y asesinados de la masacre de Laja – San Rosendo (1973, Chile). 

Ambos dolores se conectan en una ciudad azotada constantemente por incendios y fisuras que cada vez se abren más, permitiendo un encuentro entre estos seres que no alcanzaron a conocerse pero que comparten un dolor, en principio físico, un dolor que se traspasa y que viaja en todos los planos atravesando lo emocional, no solo de las personas que rodean esta historia sino de un país que intenta sanar entre medio de las circunstancias imposibles de la vida. 

El teatro es también un protagonista en esta historia, a través de él se honra y ofrenda a los que están bajo tierra, permitiendo movilizar los dolores y transformarlos en expresiones artísticas. 

Este es el segundo montaje escénico de la compañía La Gaviota Podcast, quienes crearon este colectivo que fusiona el teatro y el sonido el año 2020, creando piezas sonoras digitales y desde allí han potenciado y profundizado su lenguaje. 

En ese sentido, Óscar Oviedo, co-director y diseñador sonoro de la obra, destaca que “esta circulación permite que muchas personas vean la propuesta, su puesta en escena y las particularidades que tiene. 

Los lenguajes presentes los hemos encontrado como compañía, logrando interactuar entre dispositivos electrónicos, tecnológicos y esta vez incorporamos también dispositivos lumínicos” 

 La compañía además está preparando su primera Gira Internacional el año 2025 por España, instancia que contempla 7 funciones por las ciudades de Barcelona, Valencia y Vigo.

Jazz contemporáneo en Zoco: debuta en Chile el músico peruano Ken Ychicawa

Ken Ychicawa

El baterista, compositor y educador peruano radicado en Barcelona llega por primera vez al escenario de Lo Barnechea el próximo martes 13 de agosto con un show cargado de groove, jazz moderno y rock progresivo. 

Lo acompañarán los destacados músicos chilenos Juancristóbal Aliaga (guitarra), Guillermo Muñoz (bajo) y Cristián Gallardo (saxo). Entradas a la venta en Punto Ticket. 

Ken Ychicawa (Lima, 1987) y Juancristóbal Aliaga (Santiago, 1984) se conocieron hace una década en el Berklee College Music, en su sede en Boston, Estados Unidos. Pasaron de ser compañeros a tocar juntos en vivo en bares de jazz y jam sessions (improvisación). “El diálogo musical ha sido de aprendizaje mutuo”, dice el guitarrista y compositor chileno, ¿¿líder de proyectos como “Cachai??” e hijo del percusionista de Congreso y Fulano, Raúl Aliaga. 

Ambos volverán a reunirse en el escenario –y por primera vez en Chile— el próximo martes 13 de agosto, a las 20 horas, en Teatro Zoco, como parte de su temporada de jazz 2024. 

Radicado actualmente en Barcelona, Ychicawa es quien da el nombre al cuarteto que completan Aliaga y los músicos nacionales Cristián Gallardo (saxo) y Guillermo Muñoz en el (bajo). Se trata de su concierto debut en Chile, comenta el músico peruano, y sus expectativas son altas. 

“Estoy muy entusiasmado de poder compartir con el público de allá, con los músicos, que son parte de una escena musical muy rica. No es secreto que Chile es exportador de músicos y en el jazz tienen figuras muy importantes a nivel mundial incluso. Espero conocer aún más, empaparme de la escena de ahí y que sea la primera de muchas visitas”, dice Ychicawa.

“A mí me gusta mucho que él (Ychicawa) proponga y que se deje llevar por lo que está sonando. Eso genera una interpretación con mucho carácter y sensibilidad. Este concierto recoge bastante de eso”, comenta Aliaga, quien interpretará parte de sus dos álbumes editados en 2015 y 2019.

“Haremos adaptaciones de standards de jazz y temas de autor de cada uno. En mi caso, de algunos que he grabado con mi proyecto "Cachai??”, Ychicawa, en tanto, se sumará  setlist con temas su autoría, con un repaso por “Thruworlds” (2017), hasta sus nuevas composiciones.

La misión pedagógica de Ken Ychicawa

Ken Ychicawa se graduó del Berklee College of Music y de la Universidad de Nueva York, y desde muy joven se formó con referentes absolutos del jazz, como Ari Hoenig, Jean Michel Pilc y Guillermo Klein. Además, ha colaborado con artistas de la talla de John Scofield, Kenny Werner y Peter Bernstein. 

En 2018, el músico radicado actualmente en Barcelona fundó “Perú Jazz Camp”, el primer campamento educativo del país enfocado en enseñar jazz e improvisación musical a generaciones más jóvenes. 

“El jazz es algo muy especial; una forma de hacer música que involucra expresarse con mucha libertad, interactuar con los demás músicos, con la audiencia y crear algo nuevo en cada momento”, comenta.

“Es música honesta, y más allá de que pueda ser a veces técnicamente sofisticada o compleja, es una herramienta no solo artística sino para la autoexpresión, la aceptación, la tolerancia, la colaboración. Te enseña valores mucho más allá de lo musical”.