Planetario USACH abierto todos los sábados y domingos con películas inmersivas y talleres científicos infantiles

  Después de la función, grandes y chicos disfrutarán entretenidos talleres científicos gratuitos y, para no pasar frío, Planetario USACH estará completamente calefaccionado.

 Con sala completamente calefaccionada, Planetario USACH estará abierto todos los sábados y domingos de julio. Esta es la cartelera de películas FullDome para toda la familia:

11 hrs. Bot y Lu: H2O

12 hrs. Dinosaurios: una aventura de otra era

13 hrs. Pequeño Planeta Perfecto

15 hrs. 3,2,1 Despegue!

16 hrs. Dinosaurios: una aventura de otra era 

Las entradas tienen un precio de $5.500 para niñas, niños y adulto mayor y $6.000 para adultos. Se pueden adquirir en el sitio web planetariochile.cl o en boletería (Alameda 3349). 

 Dinosaurios: una aventura de otra era

 Todos los sábados y domingos a las 12 y 16 horas, algo ruge fuerte en Planetario Usach: el dinosaurio más temible de todos, el poderoso Tiranosaurio Rex. El espectáculo Dinosaurios: una aventura de otra era comienza con el impacto de un asteroide hace 66 millones de años, causa de la extinción de los dinosaurios.

 Después de la función, con su entrada a una película el público participará gratuitamente en el Taller Huellas del Pasado. Niñas y niños se convertirán en exploradores creando e identificando huellas de dinosaurios mientras descubren cómo vivían estas increíbles criaturas.

 La película explica cómo los dinosaurios que sobrevivieron a la extinción evolucionaron hasta convertirse en aves. Una pandilla compuesta por Avelina (una ave cardenal), Yucatina (una lorita yucateca), Planetito (un patito), guiados por un sabio gallo llamado Gallileo Gallilei, descubren el misterio de sus antepasados: los dinosaurios.

La producción de Planetario USACH está seleccionada en la competencia oficial del Festival de Jena, en Alemania, y nominado al Premio Janus. Considerado como el "Oscar" de las películas para planetarios, el galardón es el más importante para las producciones inmersivas del mundo y la nominación es de gran relevancia para el equipo de producción de Planetario USACH, que realiza y exporta sus propias animaciones digitales.

 “Es un reconocimiento al trabajo de divulgación científica en FullDome que realiza Planetario USACH. El formato inmersivo en 360 grados es la mejor pizarra para incentivar el interés en las ciencias en niños y adultos, de una forma entretenida y con contenidos de calidad”, dice Jacqueline Morey, Directora Ejecutiva de Planetario. 

Musicales en 360°

Planetario USACH también dio a conocer su cartelera de musicales inmersivos de julio:

Pink Floyd por el Universo: The Dark Side of The Moon

 ¿Sabías que la misión Artemis Il cruzó el lado oculto de la Luna en 42 minutos 50 segundos, el mismo tiempo que dura el disco The Dark Side of The Moon? Ven en familia a escuchar las canciones de este álbum de Pink Floyd junto a las imágenes inmersivas del Universo de Planetario USACH. La música de The Dark Side of The Moon bajo las estrellas del proyector Carl Zeiss VI. Viernes 10 y 24 de Julio y el jueves 16 de julio a las 19.30 horas. Entradas a $14.000, precio único para todas las edades. 

Alturas de Machu Picchu, de Los Jaivas 

Los sábados, a las 17 horas, y el jueves 16 y viernes 17 de Julio, a las 17 horas, el clásico álbum del grupo chileno Los Jaivas es acompañado de las espectaculares imágenes en 360º de Planetario y las más de 5 mil estrellas del proyector estelar óptico Carl Zeiss VI. 

El show incluye las siete canciones del disco publicado en 1981: Del aire al aire, La poderosa muerte, Amor americano, Águila Sideral, Antigua América, Sube a nacer conmigo hermano y Final.

 En el espectáculo, se escucha el master original del disco con los integrantes fundacionales de la banda Gabriel Parra y Gato Alquinta. Entradas a $14.000, precio único para todas las edades. 

Los Beatles por el Universo 

Los viernes 17 y 31 de Julio, a las 19.30 horas, se exhibe el musical inmersivo de Planetario USACH que incluye las canciones Let It Be, Yesterday, Here Comes the Sun, Come Together, Help!, I Want to Hold Your Hand, All You Need Is Love, Love Me Do, Lucy in the Sky with Diamonds, Yellow Submarine, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Strawberry Fields Forever, Eleanor Rigby y Across the Universe.

 Un espectáculo con las imágenes en 360° de Planetario acompañadas de 16 grandes éxitos de la banda más influyente de todos los tiempos. Entradas a $14.000, precio único para todas las edades. 

Las Estrellas de Van Gogh 

Los sábados, a las 18 horas y el jueves 16 y viernes 17 de Julio, a los 18 horas, el público se sumergirá y viajará al interior de cinco famosos cuadros de Vincent Van Gogh: Sembrador con sol poniente, Camino con ciprés bajo el cielo estrellado, La Noche Estrellada, Terraza del Café de la Plaza y La Noche Estrellada sobre el Ródano.

El espectáculo inmersivo incluye canciones de David Bowie: Starman, The Man Who Sold The World, Life on Mars, Ziggy Stardust, Space Oddity y Heroes. Entradas a $14.000, precio único para todas las edades. 

Coldplay por el Universo 

Los domingos 12, 19 y 26 de Julio, a las 17 horas, se exhibe Coldplay por el Universo, un viaje cósmico que nos recuerda la profunda conexión entre el ser humano y el Universo. 

Este musical inmersivo de 1 hora es acompañado por las espectaculares imágenes en 360º de Planetario y las 5 mil estrellas del proyector óptico Carl Zeiss VI.

El setlist incluye 12 canciones: Coloratura; The Scientist; Clocks; Viva la Vida; Speed of Sound; Yellow; Hymn for the Weekend; Paradise; Fix You; Adventure of a Lifetime; My Universe y A Sky Full of Stars. Entradas a $14.000, precio único para todas las edades. 

Niños y niñas disfrutaron de las Colonias Culturales “Girasol” de la Fundación Victor Jara

 Entre el 22 y 27 de junio la Fundación Victor Jara realizó la segunda edición de las Colonias Culturales “Girasol”, un proyecto que contempló talleres artísticos y deportivos gratuitos, dirigido a niños y niñas que tuvieran entre 6 y 13 años y que vivieran en el sector aledaño al Sitio de Memoria Estadio Victor Jara, el que está ubicado en pleno Barrio Meiggs, en el límite de las comunas de Santiago y Estación Central.

Durante seis días, 40 niños y niñas participaron de las Colonias Culturales “Girasol”, las que se concentraron en el Sitio de Memoria Estadio Victor Jara. Se impartieron talleres de manualidades como creación de muñecos soporopos, marionetas, linografía y chapitas, además de talleres deportivos con juegos populares latinoamericanos, por ejemplo. 

En la última jornada del sábado 27 de junio, se realizó una visita al Teatro Novedades, donde hubo la presentación de un cuentacuentos y se recorrió el espacio. 

Rocío Guajardo, encargada de cultura, afirmó que “como Fundación Victor Jara identificamos una falta de espacios culturales y recreativos para los niños y niñas que habitan en este sector, muchos de ellos hijos de trabajadoras y trabajadores del Barrio Meiggs”.

Por su parte, la presidenta de la Fundación Victor Jara, Amanda Jara, mencionó que “en las vacaciones de Invierno muchos niños y niñas tienen que estar solos en sus casas, probablemente en casas pequeñas, o incluso acompañando a sus padres en el trabajo, aquí en Barrio Meiggs.

Entonces es una alegría muy grande que esos niños tengan la posibilidad de estar en el Sitio de Memoria Estadio Victor Jara haciendo cosas súper lindas en los talleres”. 

Agregando que “como Fundación Victor Jara queremos seguir trabajando en este proyecto de colonias culturales y talleres en este lugar para ofrecer un espacio seguro y amoroso, donde niños y niñas puedan explorar su creatividad”, sostuvo la líder de la organización.

Participantes de los talleres compartieron su experiencia, uno de ellos fue Sergio, quien dijo que pudo“hacer amigos aquí en los talleres, me pareció increíble todo”. 

También aseguró que “me encantó el taller artístico, donde yo hice un amiguito”, aludiendo a un muñeco soporopo que confeccionó y llamó Pepe. 

Otro niño que valoró la experiencia de las colonias fue Adrián, quien comentó que “a mí me pareció bien (participar en los talleres), porque me divertía y me enseñaban todo como ahora que estoy haciendo mis chapitas. 

Me gustan los talleres porque es divertido, nos cuidan y nos dan de comer”. Por su parte, Daniela dijo “me gustó mucho el taller de artes donde hice montañas con un río. Es bueno estar acá”, concluyó. 

Las Colonias Culturales “Girasol” incluyeron materiales, desayuno, almuerzo y contó con un kit personal que contemplaba una botella reutilizable, cepillo y pasta de dientes para promover la relevancia de la salud bucal. 

Festival PM#7 anuncia los resultados de su convocatoria artística 2026

 La alta participación nacional e internacional consolida el crecimiento y la proyección del Festival PM como una plataforma dedicada al encuentro entre poesía, música y artes performáticas, fortaleciendo su alcance tanto en el territorio nacional como en el extranjero.

 La convocatoria artística recibió 51 postulaciones para la convocatoria escénica y 42 para la audiovisual, provenientes de nueve regiones de Chile y de países como México, Argentina, Portugal, España, Inglaterra, Alemania, Estados Unidos y Francia. La calidad y diversidad de las propuestas llevó a la organización a ampliar excepcionalmente la programación, incorporando dos cupos adicionales en la convocatoria escénica y uno en la audiovisual. 

El comité curatorial del Festival PM#7, presidido por el artista e investigador Federico Eisner Sagüés (fundador del evento junto al productor, músico y escritor Gonzalo Henríquez), ha finalizado el proceso de evaluación de las postulaciones recibidas a través de la convocatoria pública que estuvo abierta hasta el 21 de junio de 2026. 

Seleccionados de la convocatoria 

Artistas, colectivos y creadores nacionales e internacionales que se sumarán a la programación de PM#7 en las categorías de poesía musicalizada, poesía sonora, performance vocal, artes escénicas y trabajos audiovisuales cruzados por la palabra y la voz. 

Los proyectos seleccionados para las presentaciones en vivo son Proyecto Verba, integrado por Catalina Domínguez y Rodrigo Aros Gho, quienes proponen un cruce entre poesía, actuación y exploración sonora desde la experimentación escénica; Ninfa María, poeta, performer y creadora audiovisual cuyo trabajo fusiona poesía, música electrónica y videoarte; Cristóbal Avendaño & Silvia Moreno, dúo chileno-español que desarrolla una propuesta de folk progresivo y poesía de fuerte sensibilidad lírica; Rocío Godoy y Yair G. Szmulewicz, quienes articulan teatro, escritura y composición contemporánea en una creación que dialoga entre palabra, cuerpo y música; María José Parga y Noctilucente (Paulina Moreno), artistas escénicas e investigadoras que exploran las relaciones entre voz, performance, sonoridad y ritualidad; Felipe Cussen, escritor, investigador y referente de la poesía experimental y sonora en Chile, cuyas obras combinan escritura conceptual, improvisación y música generativa; y Ashle Ozuljevic e Ignacio Viera, quienes presentan una propuesta interdisciplinaria que integra literatura, música electrónica y artes audiovisuales.

En la convocatoria audiovisual fueron seleccionadas las obras Disipante, del realizador audiovisual y artista transdisciplinario Matías Mondaca (Laextirpación), cuya obra explora los cruces entre poesía, performance y experimentación visual; Ocaso del ciervo, del artista mapuche multidisciplinario Alan Paillán Manquepillán, quien integra artes visuales, audiovisual, poesía y música desde la memoria, el territorio y la identidad mapuche; Estado Bisagra, creación de Martina Pedreros, Emilia Insecta y Javiera Luna, tres creadoras provenientes de la literatura, la fotografía y el audiovisual que articulan poesía, imagen y nuevos medios; Tu Cruz, cápsula interna, de Cami Cuesta, Ramonomar y FSO, proyecto que reúne música, artes escénicas, cine, diseño y experimentación sonora; El desierto de lo real, del cineasta y escritor Pablo Molina Guerrero, cuya trayectoria combina creación cinematográfica, literatura y curaduría; El diablo y el caballo, de Mateo Goycolea y Pablo Fante, dupla que vincula cine, poesía, investigación literaria y experimentación audiovisual; Los días dejan de llegar (Murta), de la destacada poeta Taty Torres, ganadora del Premio Juegos Poéticos y Florales Gabriela Mistral, quien expande su trabajo literario hacia el lenguaje audiovisual; y Shine & Blur, de la poeta y artista de danza Maxine Flasher-Düzgünes, cuya obra explora las relaciones entre coreografía, cine y poesía y ha sido exhibida en diversos festivales internacionales.

Los resultados serán notificados a cada participante a través del correo electrónico registrado en su postulación. La programación completa del festival, que incluirá a los seleccionados junto a los artistas invitados nacionales e internacionales, será publicada en el sitio web oficial www.festivalpoesiaymusica.cl.

Un festival con la poesía y música como eje central

La séptima edición del Festival PM, que celebra 12 años de trayectoria, se llevará a cabo entre el 30 de septiembre y el 3 de octubre en el Teatro Aula Magna de la Universidad de Santiago (USACH), en Estación Central, y en el Centro Cultural de España (CCE Santiago), en Providencia, con programación completamente gratuita.

El programa ya cuenta con destacados invitados confirmados, entre los que se incluyen la pianista y cantante Liliana Felipe (Argentina-México), el poeta y performer Ricardo Aleixo (Brasil), el poeta sonoro Juan Ángel Italiano y la cantautora Colomba Biasco (Uruguay), la artista sonora Lucia D'errico (Italia), el poeta sonoro Dirk Hülstrunk (Alemania), la performer vocal Sarmen Almond (México) y el performer Arra Hué (Brasil). También participarán los artistas nacionales Marcela Parra, Leonel Lienlaf, Danilo Dawson y el dúo conformado por Amanda Irarrázabal y Gonzalo Henríquez.

El festival será inaugurado por la Orquesta Usach, que interpretará las obras La Bandera de Chile -sobre poema de Elvira Hernández (Premio Nacional de Literatura 2024), con composición de Karla Schüller- y la Fantasía concertante [Desolación] -basada en poesía de Gabriela Mistral, compuesta por Gipson Reyes y Marcelo Stuardo, con dirección de Virginia Vergara-.

Además, ofrecerá dos actividades inéditas: una exposición de poesía expandida en el CCE Santiago y las primeras Jornadas de Programadores de Poesía, orientadas al intercambio entre festivales y espacios dedicados a la poesía y las artes performáticas.

Sobre el Festival PM

Iniciado en 2014, el Festival Poesía y Música PM suma seis versiones y múltiples ediciones off en distintos países. En 2020 lanzó el netlabel Discos PM, con títulos disponibles en plataformas digitales. Su propósito es impulsar espacios para prácticas artísticas situadas en la intersección entre poesía, música y artes performáticas, expandiendo los formatos tradicionales.

Con 12 años de historia, el Festival PM se consolida como plataforma dedicada a la creación, difusión y encuentro entre música, poesía y artes performáticas, con un marcado enfoque experimental que abarca recitales, conciertos, performances, obras audiovisuales y gráficas.

La edición pasada realizada en octubre de 2024 fue la celebración de los diez años del Festival PM, reuniendo a una amplia y diversa nómina de creadores nacionales y extranjeros, con los más variados estilos y propuestas.

Para más información sobre la convocatoria y la programación de PM#7, seguir las redes oficiales del festival y visitar sus sitios web. Las obras seleccionadas se darán a conocer por correo electrónico y su programación será publicada en www.festivalpoesiaymusica.cl

Festival PM#7 es un proyecto financiado por la línea de Apoyo a Ferias y Festivales del Fondo del Libro y la Lectura del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, el Centro Cultural de España (CCE Santiago) y el Departamento de Extensión USACH. Cuenta además con el patrocinio y apoyo estratégico de Libros del Pez Espiral, el Doctorado en Artes y Humanidades de la USACH, la Gustav Mahler Private University (Austria), el proyecto "Oralidad, impresos y sus resonancias ante el desarrollo de las tecnologías sonoras" (PAPIIT IG400126) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y Bar Cerros de Chena.  

Organización: Colectivo PM y Lumbre Creatividades Colectivas

El director Helmuth Reichel y el violinista Marcelo González protagonizan el próximo concierto de la Sinfónica Nacional

 El destacado director chileno Helmuth Reichel tomará la batuta de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile por segunda semana consecutiva. 

Lo hará con “Tradiciones sonoras”, concierto que el elenco presentará los días viernes 17 y sábado 18 de julio a las 19:30 horas en la Gran Sala Sinfónica Nacional, el que propone un recorrido que conecta distintas tradiciones musicales.

El programa comenzará con El angelito de Violeta, obra escrita en 2023 por el chileno Luis Saglie, una fantasía para orquesta de cuerdas que nace a partir de El rin del angelito. "La fuente de inspiración es el trabajo que nos deja Violeta Parra después de una labor muy extensa como investigadora y etnomusicóloga, rescatando las raíces del folclor chileno y latinoamericano. 

Mi obra busca prolongar esa idea, tomando la esencia de ese legado para construir una nueva creación", comenta el compositor. 

Agrega que ese concepto atraviesa todo el programa: "Las otras dos obras también buscan una identidad propia a partir de la inspiración en el folclore de sus respectivos países. Ese diálogo hace que el programa tenga una unidad muy especial".

Continuará el Concierto para violín en re mayor, op. 35, una de las partituras más desafiantes y admiradas del repertorio para este instrumento, interpretada por el violinista chileno Marcelo González, solista de los segundos violines de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile.

Para el músico, “es uno de los conciertos que todos los violinistas soñamos con interpretar alguna vez. Tchaikovsky rompe con muchas convenciones del concierto clásico y construye una obra profundamente romántica, llena de momentos desgarradores, exuberantes e íntimos", explica.

En tanto, respecto de su interpretación destaca que “es un concierto que permite al intérprete explorar al máximo los recursos expresivos del violín. No existe una única manera correcta de tocarlo, la mejor interpretación es aquella que logra emocionar y llegar al público”.

González añade que buena parte de la vigencia de esta obra radica precisamente en esa riqueza interpretativa. "Ha sido un concierto que durante más de

un siglo ha evolucionado junto a los grandes violinistas. Cada generación ha aportado nuevas miradas, y eso demuestra la extraordinaria profundidad de esta música".

El cierre del programa será con el Concierto para orquesta de Witold Lutosławski, una de las obras fundamentales del repertorio sinfónico del siglo XX. 

“Es una obra extraordinaria porque pone de relieve todas las capacidades de una orquesta sinfónica. Cada sección tiene momentos de gran protagonismo, por lo que exige el máximo nivel artístico de todos los intérpretes", explica Helmuth Reichel.

El maestro agrega que ese virtuosismo es precisamente el elemento que une las tres obras del programa. "El Concierto para violín de Tchaikovsky es una de las grandes obras escritas para el instrumento y será un privilegio interpretarlo junto a Marcelo González. Al mismo tiempo,

El angelito de Violeta aporta un virtuosismo distinto, más ligado a la sonoridad de las cuerdas y a la evocación del folclor chileno. Creo que la palabra que mejor define este concierto es precisamente esa: virtuosismo, pero siempre al servicio de una identidad musical".

Tras este concierto, la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile presentará el viernes 24 y sábado 25 de julio el programa “Cuerdas en flor”, bajo la dirección del maestro invitado Diego Naser, con obras de Schnittke y Schumann, además del solista en viola Vladimir Babeshko. 

El sonido de los trombones en el Ciclo de música de cámara

Previo al concierto de la Orquesta Sinfónica, el miércoles 15 de julio también a las 19:30 horas, se presentará un nuevo programa del Ciclo de música de cámara, esta vez con el Cuarteto Exeter. El conjunto de trombones abordará un repertorio con obras que abarcan desde 1955 hasta creaciones tan recientes como 2025.

Integrado por Adair Ramos como trombón solista, Obeed Rodríguez en trombón bajo -ambos integrantes de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile-, y como invitados, Sebastián Torrejón en trombón tenor y Pablo James en trombón, el conjunto fue formado a inicios de 2024.

Se trata de una agrupación de música de cámara integrada por músicos profesionales dedicados a la divulgación de música original para esta formación, transitando entre el repertorio docto, popular, folclórico y contemporáneo de compositores emergentes. 

Esta versatilidad lo ha consolidado como una de las propuestas más novedosas del panorama camerístico nacional.

El programa incluye la Suite quotor para 4 trombones de Flor Peeters (1955), el Quarteto '74 de Malcolm Forsyth, Four for Four de Brian Lynn, Tokyo Triptych de Philip Sparke y la Diabelli - Variación de Ignacio Teillerie (2025), esta última compuesta originalmente para esta agrupación. 

Las entradas para todas las actividades se encuentran disponibles a través del sistema Ticketplus (ceacuchile.ticketplus.cl), además de las boleterías de la Gran Sala Sinfónica Nacional y del Teatro Universidad de Chile, con precios que van desde los 5 mil pesos, además de diversos descuentos disponibles para estudiantes y adultos mayores, entre otros.

Museo Histórico Nacional cerrará temporalmente para iniciar emblemática ampliación y restauración de su edificio

 El próximo domingo 3 de agosto, el Museo Histórico Nacional (MHN) cerrará temporalmente sus puertas con una ceremonia pública y abierta a la comunidad, para dar inicio al proyecto de ampliación de este espacio.

Este contempla la edificación de un edificio anexo de hormigón armado, además de la modernización de su infraestructura con el mejoramiento y normalización de las construcciones actuales.

Este proceso tiene como mandante al Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural y se extenderá por los próximo tres años. 

La misión del MHN es facilitar a la comunidad nacional e internacional el acceso a la comprensión de la historia del país. Sus colecciones suman 685.219 piezas, de las que solamente se puede exhibir un 1%, lo que demuestra que la ampliación es una necesidad prioritaria para la conservación y exhibición del patrimonio nacional.   

El anuncio fue realizado ayer por el presidente José Antonio Kast, en medio de la conmemoración por los 200 años de la Presidencia realizada en el patio de este museo, ubicado frente a la Plaza de Armas, en los terrenos del antiguo edificio de la Real Audiencia. Fue declarado Monumento Nacional en 1969. 

La noticia de la ampliación fue valorada por el ministro de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Francisco Undurraga: “Tal como lo señaló el propio Presidente de la República, a fines de este mes el museo cerrará temporalmente porque vamos a iniciar una gran obra de crecimiento de este espacio.

La historia que está resguardada aquí, no solamente en sus murallas, sino que también en los objetos que cuida y que comparte día a día a todos los chilenos, requieren de un espacio físico de protección para perpetuar la protección a la historia de nuestra patria por los próximos 200 años.

Con estas obras, estamos demostrando que seguimos construyendo una mejor cultura y un mejor patrimonio para toda la ciudadanía”. 

El proyecto, elegido por concurso público en 2013 durante la primera administración del presidente Sebastián Piñera y desarrollado por la oficina de arquitectos Aguiló y Pedraza, considera la construcción de un nuevo edificio que permitirá una ampliación de 2.625 metros cuadrados.

El actual recinto será intervenido para poder acoger los requerimientos espaciales y técnicos de una institución museal de estándar internacional. La ejecución estará a cargo de la Dirección Regional de Arquitectura del Ministerio de Obras Públicas. 

Para la directora del MHN, Pricilla Barahona, “la remodelación del espacio físico del Museo y de su guion es un proyecto país de primera línea. El museo lleva más de cien años contando nuestra historia, y casi 50 en este edificio.

El edificio cerrará por un tiempo, pero el MHN seguirá abierto: estaremos presentes de distintas formas, con actividades, exhibiciones itinerantes, y visitas a regiones”. 

La institución nacional avanzará en la actualización del guión curatorial y museográfico, aspecto que el propio equipo del museo ya ha ido abordando en una reflexión participativa que apunta a enriquecer las temáticas que se presentan a la ciudadanía y a abarcar un mayor periodo de la historia de nuestro país.

El museo realizará una serie de actividades de programación. Conjuntamente, extenderá el horario de visitas de su Torre Benjamín Vicuña Mackenna, único mirador público gratuito del centro histórico de Santiago. 

Del Barbero de Sevilla al Nuevo Mundo: Orquesta Comunitaria Metropolitana se suma a la temporada de conciertos de la Usach

La Orquesta Comunitaria Metropolitana (OCOM), dirigida por Cristóbal González, ofrecerá un concierto gratuito en el Teatro Aula Magna Usach, que contempla obras de Gioachino Rossini, Edvard Grieg y Antonín Dvořák, bajo el título Del Barbero de Sevilla al Nuevo Mundo.

 Programada para este miércoles 15 de julio (19:30 horas, entradas gratis en Portaltickets), la presentación es la primera que la agrupación ofrecerá en el marco de la temporada oficial del Teatro Aula Magna, gracias a una colaboración con el Departamento de Extensión Usach. Asimismo, será la primera vez que una orquesta de carácter comunitario o ciudadano forme parte de la programación oficial de la Usach.

 Bajo la dirección de su titular Cristóbal González, la agrupación ofrecerá uno de los repertorios más ambiciosos de su trayectoria, que reunirá a más de 80 músicos en escena, reafirmando su compromiso con la excelencia artística, la formación musical y el acceso democrático a la música clásica.

 Fundada hace cuatro años, la OCOM ha consolidado un proyecto musical y comunitario que convoca a intérpretes de distintas edades, profesiones y trayectorias, profesores, trabajadores del área de la salud, dueñas de casa, deliverys, abogados, ingenieros;      transformándose en un espacio de desarrollo artístico, aprendizaje y encuentro ciudadano.

 Este año reúne a músicos provenientes de distintas regiones de Chile, además de integrantes provenientes de distintos países como Perú, Guatemala, Venezuela, Canadá, Estados Unidos, Inglaterra y Alemania. Esta diversidad de experiencias fortalece el trabajo artístico del conjunto y refuerza el carácter inclusivo y colaborativo que ha distinguido a la orquesta desde sus inicios.

 En esta ocasión, el programa contempla la obertura de la ópera El Barbero de Sevilla, de Gioachino Rossini; la suite Peer Gynt nº 1, de Edvard Grieg; y la Sinfonía nº 9 “Desde el Nuevo Mundo”, de Antonín Dvořák. Esta selección constituye uno de los mayores desafíos musicales abordados por la Orquesta hasta la fecha, al integrar una obertura de alta exigencia técnica, una de las suites más reconocidas del repertorio romántico y una de las sinfonías más emblemáticas de la literatura orquestal universal.

 La OCOM mantiene además su compromiso con la democratización del acceso a la música clásica mediante la realización de conciertos gratuitos y abiertos a toda la comunidad. A través de esta labor, la agrupación busca acercar el repertorio sinfónico a públicos diversos y promover espacios de encuentro cultural en distintos territorios de la Región Metropolitana.

 El concierto en la Usach cerrará el ciclo Del Barbero de Sevilla al Nuevo Mundo, que comenzó el domingo 7 de junio en la Universidad San Sebastián y continuó con presentaciones en el Teatro Municipal de La Pintana y el Centro Cultural de Huechuraba.

 Programa 

Gioachino Rossini (1792-1868), Obertura de El Barbero de Sevilla; Edvard Grieg (1843-1907), Peer Gynt, suite nº 1, Op. 46: I. Estado de ánimo matutino; II. Muerte de Åse; III. La danza de Anitra; IV. En la sala del rey de la montaña. 

Antonín Dvořák (1841-1904), Sinfonía nº 9 en mi menor, Op. 95, “Desde el Nuevo Mundo”: I. Adagio - Allegro molto; II. Largo; III. Scherzo. Molto vivace; IV. Allegro con fuoco. Orquesta Comunitaria Metropolitana. Director Musical: Cristóbal González

El viaje sonoro de Fernando Milagros: de la herencia del diseño teatral a las atmósferas gélidas de JUNTOS

 Para Fernando, formado como diseñador teatral, el ingreso formal al cine ocurrió como un cruce imprevisto de caminos cuando se desempeñaba en la dirección de arte de la docuficción Ciudadano K (Chilevisión), dirigida por Francisco Hervé. 

Fue ahí donde se conocieron con Pancho, en un momento marcado por una encrucijada vocacional que lo llevaría a volcarse de lleno a la creación melódica, convirtiéndose en un prolífico músico de teatro y cine.

Fernando y Pancho dieron sus primeros pasos juntos con El Poder De La Palabra (Dirección de Francisco Hervé, 2009), un debut que significó para el artista un verdadero salto al vacío tecnológico y estilístico. “Pancho me hizo la invitación para musicalizar una idea que tampoco él, yo creo, tenía muy definida (…) yo estaba recién aprendiendo a usar programas para grabar, para producir, para mezclar, como en una etapa muy, muy, muy de aprendiz”, confiesa Milagros.

Bajo la petición de buscar una estética desprolija y de baja fidelidad (lo-fi), el músico diseñó texturas crudas que dialogaran con el entorno de los vendedores ambulantes del Santiago de inicios de los 2000. “Tenía que ver con esta cosa como desarreglada, harta guitarra como de nylon y ese efecto de la música que puede sonar arriba de una micro”, recuerda.

Posteriormente llegó el turno de Hija (dirigida por María Paz González), un viaje íntimo en clave de road movie que demandó un enfoque instrumental más clásico y evocador. Inspirado en la ingenuidad y la melancolía, estructuró la composición en torno a variaciones de teclados eléctricos: “Era como un leitmotiv que se repetía e iba cambiando así… en plan muy de un poquito más de teclados, de Rhodes, como una cosa media quizá media ochentera, como un clásico así medio antiguo”.

El desafío más abstracto y atmosférico se consolidó en La Ciudad Perdida (Dirección de Francisco Hervé, 2016), un largometraje documental que experimentó múltiples mutaciones en la sala de montaje antes de ver la luz. Para retratar la progresiva obsesión del protagonista en su búsqueda de la mítica Ciudad de los Césares, Milagros ideó un tratamiento gélido y minimalista junto al pianista Marcelo Wilson.

“Había que hacer algo mucho más frío, mucho más dramático también, como un poco para reforzar esta idea que tenía el documental sobre este personaje misterioso que se vuelve un poquito loco”, explica. “Yo preparaba algunos pasajes muy atmosféricos, con capas, con mucha reverb, con mucho espacio, casi como una cosa tonal, entonces el Marcelo improvisaba en el piano, después le sacaba el 80% de lo que hacía Marcelo. 

Entonces quedaban como unas notas suspendidas en el aire y eso lo volvía a procesar… se convirtió en esta partitura como desmembrada de piano dentro de una atmósfera súper gélida, como si fueran témpanos de hielo”, detalla Fernando.

Tras consolidar su carrera solista a partir de fines de 2011 con el lanzamiento de su disco Milagros, Fernando define el atractivo de componer para cine desde la herencia de su formación en el diseño de vanguardia.

“Siento que la mayor diferencia y la mayor gracia de esto es que cuando hago música para mí tengo el campo súper abierto y es mucho más íntimo, yo soy el jefe, estoy a mi servicio. En cambio cuando estoy produciendo música para otros, ya sea para una historia o un director, estoy al servicio de ellos. Y me acomoda mucho ese puesto, yo creo que es porque tengo formación en el diseño y el diseño es siempre estar al servicio de”, analiza el autor, quien recientemente compuso una pieza fundamental para la serie recientemente estrenada: La Casa De Los Espíritus.

Al mirar en retrospectiva las tres producciones de JUNTOS en las que participó, Milagros identifica un cordón conceptual que unifica las búsquedas de la productora: “Lo que veo en esos tres proyectos es la inquietud por intentar mostrar el delirio o la pasión o lo que mueve a un ser humano, a un personaje. ¿Por qué hace lo que hace? Este motor como de búsqueda, siempre está presente”, concluye.

Para Fernando Milagros, la memoria de aquellos años fundacionales se resume en un proceso de crecimiento compartido junto a Pancho Hervé: “Fue como un ensayo y error con él.

 Porque yo sentía que él no tenía nada muy definido cuando me pedía lo que me pedía y yo tampoco tenía muy claro lo que quería ofrecer. Fue como un baby steps de ambos, ir descubriendo lo que necesitábamos cada uno, e ir descubriendo la película también a medida que íbamos haciendo”.

Socios antes que negocios: el verdadero valor de la coproducción latinoamericana

 OPINIÓN | Por Felipe Egaña, socio de JUNTOS

Hay que partir de una realidad cruda, que en Chile conocemos muy bien: Obtener el apoyo de fondos públicos o capital privado no garantiza el financiamiento total para concretar una película.

En un entorno regional donde la inversión privada en cine es escasa y las fuentes de financiamiento local son limitadas, la coproducción internacional aparece como una necesidad a la hora de armar un plan financiero sólido. Sin embargo, reducir este modelo a una dimensión netamente utilitaria es quedarse en la superficie. 

Normalmente, el interés de coproducir nace de dos incentivos: completar el financiamiento y lograr que la película sea atractiva en otros mercados.

Pero el beneficio mayor y más duradero que hemos descubierto en JUNTOS va más allá de resolver los números de una película en particular: se trata de la construcción de relaciones a largo plazo. 

Producir y distribuir cine independiente en Latinoamérica es un oficio hermoso, pero también sumamente hostil. En medio de esa tormenta, uno empieza a buscar aliados y así es como se generan lazos con empresas amigas en otros países, otras productoras con las que compartimos la forma y el tipo de cine que queremos hacer.

Es un ejercicio que requiere mucha confianza, afinidad y observación. Entregarle un proceso artístico, en el que has trabajado por años, a un equipo en el extranjero para que realice la postproducción de sonido o imagen, por ejemplo, implica soltar el control y confiar en su criterio. Y de vuelta, cuando recibimos la película de alguien más, el desafío está en entender su proceso artístico y de producción para integrarse y ser realmente un aporte. 

Ese intercambio nos ha permitido consolidar alianzas con otras productoras de la región como Whiskey Content (México), coproductores de Oro Amargo e Inmersión; o con Animal de Luz, con quienes acabamos de rodar 7 VECES 7 y ya perfilamos nuevos proyectos; o con Jaque Content (Argentina), a cargo de la postproducción de Plata Fresca; además de proyectos en desarrollo con Ferviente (Colombia). 

Es fácil equivocarse en este mercado porque todos tienen ganas de coproducir, pero los años te enseñan a olfatear mejor: al final del día, uno tiene que perseguir buenos socios antes que buenos negocios. Aprender a elegir también implica saber poner límites.

Hubo una época en el cine latinoamericano donde las coproducciones forzadas desnaturalizaban las películas con tal de cumplir con un fondo europeo (el típico ejemplo de la exploradora española que aparecía hablando perfecto madrileño en medio de la selva). Hoy, afortunadamente, el ecosistema latinoamericano nos permite cuidar la esencia y la solidez discursiva de nuestras historias.

Es cierto que las coproducciones son necesarias para asegurar un estándar de calidad y ciertas aspiraciones artísticas. Pero la lección más grande nos la da el oficio, más que el financiamiento. Hemos crecido enormemente al ver cómo diseña un rodaje un equipo mexicano, cómo mezcla un estudio en Alemania, cómo escribe un guionista colombiano o cómo trabaja una vestuarista uruguaya. Ese cruce de miradas, talentos y culturas es el que madura los proyectos y les permite resonar en más lugares.

Hoy entendemos que no todas las películas se tienen que coproducir; cuando no lo hacemos, es una elección consciente y no una consecuencia de las circunstancias. Pero cuando decidimos cruzar la cordillera, lo hacemos convencidos de que alineamos creencias: el tipo de cine que queremos hacer, el por qué lo hacemos y, sobre todo, el viaje que queremos disfrutar con los compañeros que elegimos para esta ruta.

Karla Falcón y la ingeniería del financiamiento: "Las postulaciones no son azar, es el orden lo que permite que ocurra el cine"

 A un año y medio de su llegada a JUNTOS, la Productora Ejecutiva reflexiona sobre la trastienda de la industria audiovisual, el desafío de traducir la abstracción creativa a las planillas de Excel y por qué estructurar un proyecto es, en el fondo, la única forma de blindar el cine de autor.

Apenas comenzó el año 2025, el 2 de enero para ser exactos, Karla Falcón cruzó por primera vez la puerta de JUNTOS. Llegó recomendada por la guionista Catalina Calcagni en un momento donde la productora experimentaba una ebullición interna: el equipo era más acotado, pero la ambición de expandirse hacia un ecosistema digital y diversificar los formatos ya estaba sobre la mesa.

Entró asumiendo una cantidad vertiginosa de sombreros: distribución, postulaciones, administración, recursos humanos y hasta la dirección interina del área digital en sus inicios, un reflejo de la mutación constante y el crecimiento acelerado que ha vivido la empresa en los últimos dieciocho meses.

Hoy, con el crecimiento consolidado y las áreas descentralizadas, Karla ha concentrado su radar en las dos columnas vertebrales que sostienen la viabilidad de la productora: la administración financiera y el diseño estratégico de postulaciones. Todo esto lo lidera bajo un modelo horizontal que esta misma semana dio un paso clave: unificar a sus equipos, con Juan Camilo Molina asistiendo la producción ejecutiva y Melanie Venegas en la administración y finanzas, ahora en una sola mesa de trabajo.

Tras una década en la industria, egresada de Realización de Cine y Televisión en la Universidad de Chile y con un postgrado en Producción de Cine y TV en la New York Film Academy, Karla defiende que la clave para postular a un fondo de financiamiento está en diseñar la arquitectura invisible que hace que el cine ocurra.

La trastienda de la ingeniería financiera

“En mi caso, hacer cine es ordenar proyectos para que alguien los financie, y sostener detrás una estructura para que después, mientras la película se filma y se distribuye, la empresa que está produciendo pueda respirar”.

Para Karla, la mística de su trabajo radica en traducir la abstracción al orden. “Me pasa que disfruto darle estructura a proyectos que tienen muchas ideas, pero a los que se les va la lógica”, explica. “Se trata de entender cómo conectar un presupuesto con la mirada del director, lograr que la sinopsis tenga sentido y, al final, venda la obra, y saber leer las bases para enfocar el proyecto hacia lo que el fondo está buscando”.

Esa habilidad para encauzar el caos la descubrió en la universidad, donde ya destacaba en las clases enfocadas hacia la producción o la dirección, dos puestos que, según ella, exigen lo mismo: ordenar y conducir un equipo. Luego partió a Nueva York. “En la Universidad de Chile me enseñaron a pensar y lo agradezco mucho.

Pero en Nueva York me enseñaron a hacer producción: a encontrar todas las partes de un proyecto, unirlas y darles coherencia. Cuando volví a Chile y empecé a ganar fondos, como los Corfo de empresas, los CNTV y los fondos audiovisuales; le mandé un mail a un profesor de allá para decirle: ‘Todo lo que me enseñaste lo estoy usando aquí’. Al final, la postulación es el mapa de navegación esencial de cualquier película”.

El día a día de la producción ejecutiva

En el circuito audiovisual, los meses de cierre de fondos públicos suelen ser sinónimo de alto estrés y jornadas interminables. Ante eso, en JUNTOS el proceso se plantea como un ajedrez estratégico entre el equipo de postulaciones y los socios a cargo de cada proyecto.

 “Nosotros entramos, miramos las bases, evaluamos los proyectos y le hacemos una recomendación al jefe de área. Cada película debe seguir su estrategia desde el desarrollo hasta el final. Si una postulación no se ajusta al perfil de la película, se rechaza. Es una conversación constante”.

Un ejemplo reciente de esta eficiencia fue la postulación de 7 VECES 7, una coproducción con Animal de Luz (México) que rompió los récords de velocidad de la productora: se postuló a finales de 2025, se adjudicó en febrero y en junio ya se estaba filmando en el Valle del Elqui. “Fue el proyecto más rápido en adjudicarse. Ahora estamos en pleno seguimiento de la rendición, viendo cómo se cruza y se rinde el financiamiento de ambos países, México y Chile”.

Para Karla, el volumen de postulaciones se ha expandido mucho más allá de los fondos tradicionales de producción o distribución. Hoy su área diseña presentaciones para donaciones culturales, busca laboratorios de guión, mercados de coproducción internacional e incluso explora el complejo terreno de Mercado Público para abrir nuevas vías de servicios.

Al evaluar su año y medio en la oficina, Karla destaca que el verdadero valor de la productora no está en el papel, sino en la audacia de su evolución:

“Valoro la búsqueda de hacer las cosas de manera distinta. De crecer sin dejar de hacer el cine que quieren hacer. Valoro esas ganas de hacer más, de probar cosas nuevas y, sobre todo, creo que es muy importante que lo vayamos haciendo con cariño”.

De rebautizar películas a financiar el cine de autor: Lo que estamos tejiendo en JUNTOS

 ¡Hola, "Plata fresca"! ¿Por qué la película ya no se llama Que Se Acabe Todo?

Los motivos legales, lingüísticos y comerciales que nos llevaron a rebautizar la película, un paso necesario que deja atrás una queja abstracta para abrazar la ironía y el descaro del "fresco" chileno ante los delitos de cuello y corbata.

Darle nombre a una película no es tarea sencilla. Grandes éxitos taquilleros tuvieron un título durante su producción, pero finalmente se estrenaron con otro. “Pretty Woman” iba a llamarse “$3000”, “Volver al Futuro” pudo ser “Space Man From Pluto”, “Toy Story” se llamó durante toda la producción como “You Are a Toy”, y Alfred Hitchcock rodó “Psicosis” con el pseudónimo de “Wimpy” para despistar a la prensa.

En JUNTOS no estamos libres de este dilema. Nuestro más reciente estreno “Oro Amargo” se llamaba “La Hija Del Pacífico”. Y ahora “Que Se Acabe Todo” acaba de ser renombrada como “Plata Fresca”.

Como esta es una historia inspirada en un caso real de estafa y abusos con tarjetas de crédito corporativas. Al principio, barajamos nombres muy cercanos a las empresas reales, pero nuestros abogados nos bajaron a tierra de inmediato: usar marcas registradas nos exponía a demandas, así que hubo que buscar alternativas ficcionadas.

Allí apareció “Qué Se Acabe Todo”, un nombre que nació originalmente jugando con la idea de una liquidación de retail, estilo: “hasta agotar stock”, pero también como una queja amarga contra el sistema: “que se pudra todo, que se queme todo”. 

“El problema es que empezamos a notar que la gente, sin contexto, solo leía la queja abstracta. La película tiene algo de eso, sí, pero es mucho más compleja, y además va hacia la comedia negra. Mantener el título corría el riesgo de hacer una promesa tramposa y defraudar al público antes de entrar a la sala.”, explica Moisés Sepúlveda, director de la cinta.

La respuesta estaba en el propio corazón de la película: “Plata Fresca” proviene del guión. Es, de hecho, el concepto que más repiten los personajes en el largometraje. La trama sigue a unos gerentes de retail atrapados en un agujero financiero que, para tapar su fraude, recurren a subidas de intereses irregulares y trampas para capturar inversión, o sea, plata fresca. Los personajes viven en una cuenta regresiva permanente esperando que llegue ese nuevo dinero. 

Además de nacer del propio texto, el nuevo título nos dio varias sorpresas que nos entusiasman de cara al estreno:

La incomodidad local: En Chile, hablar abiertamente de plata es incómodo. Ponérselo de frente al título es una declaración de intenciones: vamos a hablar de delitos de cuello y corbata, donde no hay sangre pero sí mucha violencia financiera. 

El guiño internacional: Conecta de forma preciosa con un clásico del cine argentino de estafas como lo es “Plata Dulce”, algo ideal para su distribución en Latinoamérica y considerando que esta película es en coproducción con la productora trasandina: Jaque Content.

 El doble sentido chileno: Ser “fresco” en Chile significa dos cosas totalmente opuestas. Es lo nuevo, lo reluciente y lo recién hecho; pero también es el descaro, la patudez y la trampa (“¡qué tipo más fresco!”, “frescos de raja”). Esa dualidad define a la perfección el espíritu tramposo de nuestros protagonistas.

Creemos firmemente que el primer contacto que alguien tiene con una película es su nombre. Cambiarlo, aunque sea en la recta final, es un paso necesario y estamos convencidos de que Plata Fresca potencia el sentido de la obra, apuesta por la expectativa correcta e instala la ironía de la comedia negra.