lunes, 10 de agosto de 2026

FURIA: Cuatro aspectos que definen el nuevo drama criminal de DISNEY+

 La audiencia ya puede ver los primeros 5 episodios de Furia en Disney+, un thriller policial que reinterpreta la tradicional dinámica entre detective y criminal para explorar los dilemas que atraviesan a sus protagonistas.

De la creadora y productora ejecutiva Elizabeth Meriwether, la serie sigue a la agente del FBI Alice Black (Emmy Rossum) en la búsqueda de Catherine (Lola Petticrew), una misteriosa y calculadora asesina en serie.

Ambas siguen sus propios caminos hacia la justicia, y a medida que sus vidas se entrelazan, la línea entre el bien y el mal comienza a desdibujarse. A continuación, cuatro aspectos centrales de la nueva serie:

Un duelo interpretativo

Emmy Rossum y Lola Petticrew construyen una relación marcada por la tensión entre Alice y Catherine, dos mujeres con formas opuestas de entender la justicia. Más que un enfrentamiento entre una agente del FBI y una asesina, la serie desarrolla un vínculo atravesado por distintas experiencias de violencia, poder y reparación.

 La dinámica entre ambas impulsa el desarrollo dramático de la serie y transforma la investigación en un enfrentamiento personal y moral.

Mucho más que una historia de persecución

Aunque parte de una investigación policial, Furia se aleja de la estructura tradicional del género para centrarse en las motivaciones, contradicciones y decisiones de sus protagonistas. 

La búsqueda de Catherine se convierte en el punto de partida de una historia que explora las tensiones entre justicia, venganza y poder, mientras una red de intereses ocultos amplía el alcance del conflicto. 

Justicia, trauma y las consecuencias de la violencia

A través de personajes como Nora (Quincy Tyler Bernstine), supervisora de la unidad de delitos sexuales, Furia incorpora distintas perspectivas sobre las consecuencias del abuso y las dificultades del sistema judicial para responder a estas situaciones. La serie aborda temas como la violencia de género, la impunidad y la revictimización desde las experiencias de sus protagonistas.


Un thriller con profundidad dramática

Furia combina los elementos propios del thriller policial que incluye tensión, revelaciones y una investigación que avanza episodio a episodio, con un desarrollo centrado en la complejidad de sus personajes.

A medida que la búsqueda de Alice se cruza con el camino de Catherine, la serie plantea interrogantes sobre los límites entre la justicia institucional y la justicia por mano propia. Con una narrativa que dosifica la información y mantiene la tensión, la historia explora las zonas grises entre el bien y el mal sin recurrir a resoluciones previsibles.

Los primeros 5 episodios de Furia ya están disponibles exclusivamente en Disney+, con el estreno de un nuevo episodio cada lunes. 

Los controles parentales de Disney+ garantizan que la plataforma sea una experiencia de streaming adecuada para todos los miembros de la familia. Los suscriptores pueden crear perfiles protegidos por un PIN y establecer, para determinados perfiles, límites de acceso basados en la clasificación del contenido.

Sobre DISNEY+ en América Latina.

En América Latina, Disney+ es el servicio de streaming que brinda acceso a la más amplia propuesta en streaming con entretenimiento para todas las edades, incluyendo películas, series, eventos en vivo y otros contenidos de Disney, Pixar, Marvel, Star Wars, National Geographic, ESPN y Hulu.

Ofrece una colección de contenidos originales exclusivos, entre los que se incluyen largometrajes, documentales, series de acción real y de animación, y cortometrajes, así como también la transmisión en vivo de eventos culturales, y deportivos de la mano de ESPN, la marca de deportes más respetada en la región. Para más información, visite disneyplus.com, o encuentre la aplicación Disney+ en la mayoría de los dispositivos móviles y de TV conectada.

Último mes para participar en el Premio de crónicas inéditas en español “Nuevas Plumas Chile 2026”

 Organizado por la Universidad Portátil, proyecto tecnológico fundado en 2009 dedicado a la investigación académica y a la creación y difusión de conocimiento para contar mejor Latinoamérica, el premio se desarrolla en Chile desde 2024 junto a la Escuela de Periodismo de la Universidad Andrés Bello del Campus Creativo.


El concurso está dirigido a personas de hasta 35 años interesadas en narrar historias reales desde la crónica. Los textos deben ser inéditos, no haber sido publicados total ni parcialmente en medios impresos o digitales, y estar escritos originalmente en español.

 Las obras podrán abordar cualquier temática y deberán tener una extensión máxima de 17 mil caracteres con espacio, en letra Arial tamaño 12.

Además, cada participante deberá adjuntar una autobiografía de hasta 3 mil caracteres con espacio, bajo el mismo formato.


Las postulaciones estarán disponibles hasta el 5 de septiembre de 2026 en  premionuevasplumas.org. Posteriormente, durante la primera semana de octubre, se dará a conocer el jurado de esta edición; en noviembre se anunciarán las 15 crónicas finalistas; y la obra ganadora será revelada en un evento que se realizará en el marco de La Furia del Libro en diciembre de 2026.


La persona ganadora del Premio Nuevas Plumas Chile recibirá un premio en efectivo de $1.000.000 de pesos chilenos, además de la publicación de su crónica y la inclusión de su texto en un libro que reunirá las 15 crónicas finalistas, publicado por Berrinche Editores.


En sus ediciones anteriores, el Premio Nuevas Plumas Chile ha reconocido nuevas voces de la crónica nacional. En 2025, su segunda versión fue otorgada a Jonathan Mardones, mientras que la primera edición, realizada en 2024, distinguió a Belén del Castillo Pairoa.


El jurado de las ediciones anteriores estuvo conformado por María José Cumplido, Andrew Chernin y Pablo Mancini en la versión 2025; y por Rocío Montes, Julio Villanueva Chang y Juan Pablo Meneses en la primera edición de 2024.

En palabras de Juan Pablo Meneses, director fundador de Nuevas Plumas “en sus tres versiones el Premio Nuevas Plumas destaca a una nueva generación de cronistas chilenos. El premio impulsa el periodismo narrativo y el contar buenas historias que dan cuenta de la diversidad de miradas y voces de jóvenes escritores”.

Con la convocatoria entrando en su última etapa, el Premio Nuevas Plumas Chile 2026 invita a jóvenes escritores y escritoras a compartir sus historias y ser parte de una plataforma que busca fortalecer la crónica como una herramienta para narrar la realidad desde nuevas miradas.

Bases y link de postulación: https://premionuevasplumas.org/chile/
Ig: @premionuevasplumas

Inscríbete a la Masterclass «La pantalla erógena. Materialidad fílmica y deseo disidente» de Cloe Massota

 El día viernes 28 de agosto, de 11:00 a 12:30 hrs., se llevará a cabo la segunda clase magistral en el marco de Cines en el Borde 2026 a cargo de la artista, investigadora y medidadora cultural española Cloe Massota.

El encuentro será gratuito y abierto a toda persona interesada en participar, previa inscripción en este formulario. Impulsado por la Corporación Chilena de Video y Artes Electrónicas en colaboración con

Mucha Media, este programa es parte del Plan de Gestión financiado por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras y Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, Convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Esta sesión retoma algunas de las preguntas que atraviesan el libro La pantalla erógena, Poéticas del celuloide y el píxel: ¿cómo se filma un cuerpo? ¿qué cuerpos han sido históricamente visibles y cuáles han quedado fuera de campo? ¿qué posibilidades se abren cuando las propias cineastas exploran la representación del deseo, a veces a través de la exploración de la materialidad fílmica?

A través de un recorrido por la obra de cineastas como Barbara Hammer, Su Friedrich, Alba Cros y otras creadoras, se reflexionará sobre el potencial del cine para imaginar otras políticas de la mirada.

Cloe Masotta (Barcelona, 1977) es artista, profesora en la Facultad de Educación de la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB), investigadora y mediadora cultural. Es doctora en Comunicación por la Universitat Pompeu Fabra, donde también ha cursado licenciaturas en Humanidades y Comunicación Audiovisual, así como el Máster en estudios de Cine y Audiovisual Contemporáneos.

Además, tiene el máster en Teoría y Crítica de Arte Contemporáneo, Programa de Estudios Independientes del MACBA. Ha publicado los libros Cuerpos exquisitos. Identidades y deseo en el archivo Xcèntric (CCCB, 2020), Tendremos que encontrar un lugar donde encontrarnos (Barcelona Producción 2020 – editorial La Caníbal) y La pantalla erógena. Poéticas epidérmicas del celuloide y el píxel (La Fuga/Metales Pesados, 2026).

La Masterclass «La pantalla erógena. Materialidad fílmica y deseo disidente» es posible gracias a La Fuga, Mucha Media y la CChV.

La Corporación Chilena de Video y Artes Electrónicas desarrolla su Plan de Gestión gracias al financiamiento del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, Convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Fecha: viernes 28 de agosto. Horario: 11:00 a 12:30 hrs. Lugar: En línea vía Zoom.

Inscríbete a través de este formulario.  Conoce más de Cines en el Borde aquí.

Conoce a la artista seleccionada en la convocatoria de residencias artísticas Punta Medial

 Maria Ignacia Valdebenito, con su proyecto «Arte a Media: Servicio Técnico Especializado», es la artista seleccionada para llevar a cabo la residencia artística del programa Punta Medial, quien a partir del lunes 10 de agosto iniciará su residencia en CeCAII sede José Gómez Milla. 

La obra finalizada será exhibida el segundo semestre de 2027 en el marco de la 18 Bienal de Artes Mediales de Santiago.

El Plan de Gestión de la Corporación Chilena de Video y Artes Electrónicas es financiado por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras y el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, Convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

La propuesta ganadora se trata de una instalación que gira en torno a la reparación en las artes mediales y su relación con la vida cotidiana. Mediante la ironía de una empresa ficticia y la llamada telefónica como dispositivo activador, la obra explora cómo las nociones de reparación y falla atraviesan tanto a la obra medial como a los objetos, el hogar y el habitar cotidiano.

«Arte a Media, Servicio Técnico Especializado destacó en esta convocatoria por articular técnica, materialidad y reflexión como dimensiones centrales de la creación medial. La propuesta de María Ignacia Valdebenito visibiliza procesos que sostienen una obra medial, integrando diversos formatos como instalación, web, sonido y performance. Para la Bienal de Artes Mediales, acompañar proyectos como este es clave para abrir espacios de diálogo, fortalecer nuevas búsquedas y proyectar públicamente el trabajo de creadores jóvenes», dice Catalina Ossa, directora de la Corporación Chilena de Video. 

María Ignacias Valdebenito es licenciada y titulada en Artes Visuales de la Universidad de Chile, actual estudiante del Magíster en Artes Mediales de la misma universidad. Su trabajo se centra en la experimentación en torno al diálogo entre arte y tecnología a través de la electrónica, lo instalativo, lo gráfico y lo objetual. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas, y ha participado de residencias en Chile y en el extranjero. 

El año 2024 obtuvo el Primer lugar en la categoría Artes Mediales del Premio Municipal de Arte de la Municipalidad de Santiago, además de la Beca Chile Crea (2024) y el Fondart Creación 2025. En el año 2025 publicó su primer libro de poesía “Casa Ajena” con la editorial Ágata Musgo.

La artista seleccionada participará en una residencia de creación de tres semanas en CeCAII (Facultad de Artes Sede Las Encinas), contará con acompañamiento durante el proceso y realizará una apertura de proceso como parte de la programación del Foro de las Artes 2026. Además del espacio de residencia, el programa contempla financiamiento para las etapas de creación y montaje, así como apoyo en difusión y registro audiovisual.

El proceso culminará durante el segundo semestre de 2027 con la exhibición de la obra en su formato final en el marco de la 18ª Bienal de Artes Mediales y su incorporación a la programación del Foro de las Artes, fortaleciendo la proyección pública de nuevas propuestas artísticas.

Punta Medial es programa de residencias artísticas y exhibición que busca fomentar la creación interdisciplinaria y apoyar el desarrollo de propuestas experimentales de artistas emergentes. La iniciativa se realiza en colaboración con el Centro de Creación Artística e Investigación Interdisciplinaria (CeCAII) de la Facultad de Artes sede Las Encinas y la Bienal de Artes Mediales de Santiago.

La convocatoria estuvo dirigida a estudiantes y egresados/as recientes de programas de magíster y doctorado vinculados a la creación artística de la Universidad de Chile, quienes puedieron postular proyectos inter o transdisciplinarios orientados a la experimentación y la hibridación de lenguajes. 

La Corporación Chilena de Video y Artes Electrónicas desarrolla su Plan de Gestión gracias al financiamiento del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, Convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

¿Buscas cambiar tu forma de habitar el mundo? Empieza por tu jardín

 Esta guía entrega herramientas prácticas para diseñar un jardín o patio, del tamaño que sea, paso a paso, integrando método, planificación y conocimiento del entorno.

En Diseña tu jardín, la arquitecta, paisajista y docente Daniela Cortés, creadora de la comunidad digital @tallerdisenatujardin, propone mirar los espacios exteriores desde una perspectiva distinta: no solo como lugares para intervenir, sino como oportunidades para reconectar con la naturaleza, cultivar la paciencia y encontrar bienestar en medio del ritmo acelerado de la vida contemporánea.

“Después de más de 10 años enseñando a diseñar jardines, me di cuenta de que al final de cada ciclo no era el diseño técnico del jardín lo que más destacaban mis alumnas y alumnos, sino que la gran constante era el haber aprendido a mirar de otra manera, aprender a ser más felices con lo que ya estaba ahí y antes no veían”, cuenta la autora.

En esta guía clara y accesible, la autora enseña a diseñar jardines y patios paso a paso, integrando método, planificación y conocimiento del entorno. Con un enfoque que combina experiencia profesional, relatos personales y reflexión, el libro invita a comprender elementos esenciales como el clima, el sol, la sombra, el tiempo y las especies, transformando el diseño del jardín en un proceso consciente que puede contribuir a nuestro bienestar.

Entendiendo el jardín como un refugio, un espacio de aprendizaje, sanación y sentido, la autora construye una obra inspiradora para quienes buscan crear espacios bellos, pero también una forma más equilibrada de habitar el mundo.

Pensado en las condiciones climáticas, urbanas y culturales de Chile, el libro promueve una jardinería posible, responsable y sostenible, adaptada a la realidad local. 

El primer y principal error a la hora de armar el propio jardín, dice la autora, “es copiar modelos extranjeros o de Pinterest sin preocuparnos antes de saber en qué clima está ese jardín que me gustó (…) En Santiago, por ejemplo, pasa mucho que se busca y se aspira a tener jardines ingleses, parecidos a los que vemos en el sur de Chile, ambos con clima muy lluvioso y diametralmente distinto al que tenemos en la zona central”.

Cortés comenta que “cuesta mucho transmitir la idea de que harto riego no es lo mismo que clima húmedo. Entender y sobre todo aceptar el clima en donde vives es fundamental para tener una jardín sano y feliz".

Con una comunidad de más de 70 mil seguidores en redes sociales, la autora consolida en esta publicación su propósito de acercar el paisajismo a todas las personas, demostrando que diseñar un jardín no es solo crear un espacio verde, sino también una forma de reconectar con nuestro entorno: 

“Si nos detenemos por unos minutos a pensarlo, la naturaleza ha sido desde siempre nuestro hábitat, por lo tanto, cuando volvemos a ella somos más felices”.

Daniela Cortés es arquitecta, paisajista y docente. Desde 2016 dicta el taller Diseña tu jardín, por el que han pasado más de mil alumnos. Suma 71 mil seguidores en su IG @tallerdisenatujardin y es una de las conductoras del podcast Jardineras. Este es su primer libro.

sábado, 8 de agosto de 2026

Festival Internacional de Cine Ojo de Pescado presenta la programación oficial de sus 15 años

 Entre el 19 de agosto y el 4 de septiembre, el certamen desplegará una programación con funciones, talleres, homenajes, mediaciones y encuentros dirigidos a niñas, niños, jóvenes y a toda la comunidad.

Bajo el lema "15 años proyectando con el corazón", reconoce una línea de trabajo que sitúa a niñas, niños y jóvenes como protagonistas de la cultura y entiende el cine como una herramienta para fortalecer el bienestar, el encuentro y el diálogo. 

La nueva edición contempla una selección de 100 obras provenientes de distintos países, distribuidas en las competencias de Largometrajes Internacionales en Retrospectiva, Cortometrajes Internacionales, Series de Televisión, Jóvenes Cineastas y Videojuegos, con propuestas que abordan diversas miradas, territorios y experiencias de las infancias y juventudes.

 Además, el festival estrenará nuevas secciones como Cine Chileno en Retrospectiva, con títulos como Mala Junta, Parío y Criao, Matapanki e Historia de un oso, entre otras. La programación también incluirá una jornada de cine foro con enfoque en derechos humanos en torno a la película La voz de Hind Rajab en Insomnia Teatro Condell.  

La programación se desplegará en distintos espacios culturales y educativos de la Región de Valparaíso, con actividades en Valparaíso, Viña del Mar, Quintero, La Calera y El Quisco, incluyendo el Parque Cultural de Valparaíso (Ex-Cárcel), Teatro Municipal de Valparaíso, Centro de Extensión DUOC UC Sede Valparaíso, Cineteca de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, el Liceo Guillermo Rivera y el Colegio Pedro Montt. El proyecto financiado por el Fondo de Fomento Audiovisual, Convocatoria 2026, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, fortalece el acceso descentralizado a experiencias audiovisuales gratuitas.

La edición aniversaria contará con la participación de destacados invitados nacionales e internacionales, entre ellos realizadores como Aldana Duhalde (Argentina), Ana Laura Calderón (México), Mauro D’Addio (Brasil), Gustavo Kurlat (Brasil), Maritza Rincón (Colombia), Michael Harbauer (Alemania) y Ekaterina Bordacheva (Rusia) quienes participarán en funciones mediadas, conversatorios y encuentros con las audiencias.

Durante el festival también estarán presentes los homenajes a figuras fundamentales que han marcado el desarrollo del cine y la educación audiovisual para niñas, niños y jóvenes, como Alicia Vega, Vivienne Barry, Michael Harbauer e Ignacio Aliaga. 

Como parte de su compromiso con la descentralización cultural, Ojo de Pescado realizará una nueva versión del “Tren de los Niños”, iniciativa desarrollada junto a EFE Valparaíso, que permitirá que escolares de La Calera, Quillota, La Cruz lleguen hasta Valparaíso para participar de una experiencia que une cine, patrimonio ferroviario y participación cultural.

En esta edición, la programación cuenta con su segunda versión de Contenidos Interactivos, con una competencia de videojuegos de estudiantes, desarrolladores independientes y profesionales, además de un Showcase del Festival ComKids Interactivo de Brasil. Esta propuesta reconoce al videojuego como una expresión audiovisual contemporánea, donde convergen creatividad, tecnología, diseño e innovación, con un fuerte foco en la industria local y latinoamericana.  

Sobre esta edición aniversario, Carlos Urquieta, director ejecutivo del festival destaca que "la programación está orientada no solo a revisar el panorama actual del audiovisual para las infancias, sino también a destacar lo mejor de estos primeros quince años, tanto a nivel internacional como nacional.

Esta edición 2026 es una celebración que invita a las audiencias a reencontrarse con ese recorrido y, al mismo tiempo, a mirar hacia el futuro".

Alejandra Fritis, directora artística del certamen, agrega: "Nos sentimos muy emocionados de celebrar 15 años de vida. En este trayecto hemos compartido la maravillosa experiencia del cine con miles de niños, niñas, jóvenes, comunidades educativas, profesores, profesoras y familias de Valparaíso, la región y el país.

 Hemos visto crecer a muchos niños y niñas, hemos sido testigos del desarrollo de hábitos de participación cultural de niñeces y comunidades, y hemos constatado que los niños y las niñas quieren ver y hacer cine, quieren participar, expresarse y que sus opiniones sean tomadas en cuenta, desean que su derecho de participar en la vida cultural y artística de sus comunidades sea reconocido, y valoran los espacios de integración y bienestar que les proporciona el Festival Ojo de Pescado".

A 15 años de su creación, Ojo de Pescado continúa promoviendo el ver y hacer cine, generando espacios de encuentro entre niñas, niños, jóvenes, familias, comunidades educativas y creadores de distintas partes del mundo. La comunidad está invitada a ser parte de esta celebración entre el 19 de agosto y el 4 de septiembre de 2026. ¡Ojo de Pescado cumple 15 años proyectando con el corazón!

Más información y programación completa en:
www.ojodepescado.cl , incripciones para establecimientos educacionales en Formulario de inscripción 

National Geographic presenta el tráiler de León.

National Geographic presentó el tráiler oficial de León, un emotivo drama de la vida real que narra la extraordinaria evolución de Kio, un pequeño cachorro de león, durante cuatro años hasta que se convierte en rey. León cuenta con la producción ejecutiva de Jon Favreau —Leyenda Disney y director de la versión de acción real de EL REY LEÓN— y de Mike Gunton, director creativo de BBC Studios Natural History Unit (Planeta Tierra II, Dynasties).

La música original está a cargo del legendario compositor ganador de dos premios Oscar® Hans Zimmer (Duna, partes uno y dos; Interestelar; la trilogía The Dark Knight; El origen, Niccolò Pacella y George Huston Warren, de Bleeding Fingers Music.

La serie documental de cuatro episodios estrena el 20 de agosto en Disney+.

Narrada por O. J. Lynch (Mufasa en la producción teatral de EL REY LEÓN), León da vida a la extraordinaria historia real de los leones y las leonas que reinan en el Masái Mara y de un nuevo héroe llamado Kio.

Al combinar el inconfundible estilo narrativo y la pasión de Favreau con la experiencia de primer nivel de Gunton en historia natural, esta serie de gran despliegue trasciende los documentales tradicionales sobre vida silvestre para ofrecer un drama atrapante, con la espectacularidad de una superproducción, pero fiel a la realidad que documenta.

Zimmer lidera la composición de la banda sonora junto con Niccolò Pacella y George Hutson-Warren, de Bleeding Fingers Music, con voces adicionales del Nairobi Chamber Chorus.

A partir de grabaciones realizadas en el Masái Mara —que incluyen cantantes e instrumentos de la región e incluso rugidos de leones—, la música combina la magnitud de una aventura cinematográfica con la textura emocional del mundo salvaje e incorpora sutilmente guiños musicales a EL REY LEÓN regrabados para la serie. Hollywood Records lanzará la banda sonora original de la serie el 21 de agosto, que estará disponible en todas las plataformas de música.

Realizada a lo largo de cuatro años y filmada en el Masái Mara, en Kenia, esta es la primera producción de historia natural que documenta la evolución completa de un león, desde que es un cachorro hasta que se convierte en rey.

El equipo, que incluyó a realizadores locales de Kenia, acumuló casi 1.400 jornadas de filmación durante 52 períodos de rodaje: la mayor cantidad de tiempo jamás dedicada al trabajo de campo para seguir exclusivamente a una sola manada de leones.

“Después de seguir a los leones en su hábitat natural durante cuatro años, la manada nunca dejó de sorprendernos. Es extraordinario lo que Kio debe soportar y aquello en lo que finalmente se convierte. Fue increíble presenciar la evolución del héroe con la naturaleza como telón de fondo” —dice Favreau—.

Retomando los temas que hicieron de la entrañable película animada un clásico, la serie narra una gran saga sobre el paso a la madurez, centrada en la familia, la esperanza y la valentía, que mantendrá al público en vilo. Cargada de drama, emoción y aventuras en las que hay mucho en juego, la serie ofrece una experiencia de gran impacto para disfrutar en familia, ideal para los amantes de los animales y las historias épicas.

Con motivo del estreno de León, de National Geographic, Disney continuará con la campaña “Protege la Manada”, que apoya al Lion Recovery Fund (LRF) de la Wildlife Conservation Network y los asociados del LRF, que trabajan en toda África. La campaña comparte el objetivo del LRF de duplicar la cantidad de leones salvajes para el año 2050.

 Desde el lanzamiento de esta iniciativa en 2019, Disney destinó más de 5 millones de dólares al LRF, cuya red brindó apoyo a más de 400 proyectos de conservación en 26 países centrados en estabilizar y recuperar las poblaciones de leones mediante soluciones impulsadas a nivel local.

León es una producción de BBC Studios Natural History Unit para National Geographic. Jon Favreau y Mike Gunton se desempeñan como productores ejecutivos de la serie. Jane Atkins es la productora de la serie y Simon Blakeney es coproductor ejecutivo. Por parte de National Geographic, Janet Han Vissering y Tom McDonald se desempeñan como productores ejecutivos.

Acerca de National Geographic Content

Con más de 780 millones de seguidores y 1.100 millones de impresiones mensuales, National Geographic Content representa la marca más grande en redes sociales. Su contenido galardonado y aclamado por la crítica inspira a fans de todas las edades a conectarse con el mundo, explorarlo y cuidarlo a través de historias basadas en hechos. 

National Geographic Content, parte de una empresa conjunta entre The Walt Disney Company y la National Geographic Society, llega a más de 532 millones de personas en 172 países y 33 idiomas, como editorial digital, en redes sociales y en formato impreso, y a través de los canales globales de National Geographic (National Geographic Channel, Nat Geo WILD, Nat Geo MUNDO), National Geographic Documentary Films y las plataformas directas al consumidor Disney+ y Hulu.

Sobre DISNEY+ en América Latina

En América Latina, Disney+ es el servicio de streaming que brinda acceso a la más amplia propuesta en streaming con entretenimiento para todas las edades, incluyendo películas, series, eventos en vivo y otros contenidos de Disney, Pixar, Marvel, Star Wars, National Geographic, ESPN y Hulu.

 Ofrece una colección de contenidos originales exclusivos, entre los que se incluyen largometrajes, documentales, series de acción real y de animación, y cortometrajes, así como también la transmisión en vivo de eventos culturales, y deportivos de la mano de ESPN, la marca de deportes más respetada en la región. Para más información, visit disneyplus.com, o encuentre la aplicación Disney+ en la mayoría de los dispositivos móviles y de TV conectada.

Festival PULSO LÍRICO anuncia versión 2026

Fotos: María Siebald, Julie Tirard, Germán Carrasco y
 Tiziana Panizza. Crédito: gentileza artistas
 Reunir a diversos artistas vinculados a la poesía, el rap, las artes escénicas y más, ha sido el sello del festival de artes poéticas Pulso Lírico, desde su creación en 2023.

 Centros culturales de los barrios Yungay, Brasil, Balmaceda, Concha y Toro y Quinta Normal, han albergado las actividades del festival, que este año anuncia una nueva versión, programada entre el 9 y el 12 de diciembre.

Entre las novedades de esta cuarta edición, se anuncia “La imagen estrábica: taller de video poemas”, que será impartido por la destacada documentalista y profesora Tiziana Panizza, agendado para el mes de octubre en Balmaceda Arte Joven de la Estación Mapocho. 

El taller se realizará en el contexto de la escuela de talleres Pulso Lírico, instancia de educación comunitaria que se desarrolla cada año para preparar el festival.

En esta misma línea, por tercer año consecutivo el festival presentará la convocatoria Pixel Poema, concurso de videopoesía que abrirá sus postulaciones a fines del mes de agosto. El año pasado, los ganadores además de recibir un premio, tuvieron la posibilidad de exhibir sus obras en eventos asociados al festival. 


Los ganadores fueron Felipe Pizarro (Ensamble Artificial) en categoría Videopoemas basados en textos propios y Camila Donoso, en categoría Videopoemas basados en textos de otros autores.

Una alianza entre el Instituto Francés de Cultura y Pulso Lírico será otro hito del festival en esta edición. Durante octubre, en Centro NAVE se realizará un laboratorio que cruza danza, teatro y poesía, basado en el texto Hasta que el muro aguante, de la dramaturga y poeta francesa Julie Tirard, ganadora de la beca a la creación escénica francesa Artcena. El laboratorio será dirigido por la actriz y artista multidisciplinaria María Siebald, quien investiga la lengua de señas y la incorpora al lenguaje escénico.

Homenaje a Germán Carrasco y cierre con rap y poesía en Matucana 100

La partida del poeta Germán Carrasco, quien participó en el festival en ediciones anteriores y estaba por dictar un taller este año, ha motivado actividades en torno a su obra. Una de ellas es una jornada de lecturas poéticas, programada para el 5 de diciembre en la Biblioteca Nacional.

Pulso Lírico volverá al Centro Cultural Matucana 100 el 12 de diciembre, al igual que en su primera edición, para realizar un gran evento de cierre. La jornada incluirá feria de libros y artistas gráficos, presentaciones de libros, charlas, lecturas poéticas y shows de rap a cargo de destacados artistas de la escena. Los detalles de estas y otras actividades gratuitas serán presentados próximamente.

 Revisa más info, novedades e inscripciones a talleres en @pulsoliricofest.

Del dogma al romance: Por qué el cine no puede seguir mirando a las redes por encima del hombro

 Por Moisés Sepúlveda

La relación del cine (al menos del cine con el que me siento cercano) con las redes sociales siempre ha sido ambivalente. Existe un dogma en torno al formato cinematográfico; una idea instalada sobre lo que «debe» ser el cine: elegante, complejo, innovador, experimental y sobre todo reservado para la gran pantalla.

Recordando un examen universitario, se me viene a la mente a un profesor diciéndole a un alumno, tras ver su cortometraje: «Esto no es cine».

 Esa frase me golpeó. Me pareció de una arrogancia enorme atribuirse los límites de lo que es o no es cine. Sin embargo, con el tiempo me he dado cuenta de que es algo que los cineastas hacemos todo el tiempo: levantar fronteras y actuar desde una supuesta superioridad intelectual frente a los lenguajes audiovisuales más “ligeros”.

Hace poco, en una discusión con otros colegas, se cuestionaba la idea de que los estudiantes pudieran recibir formación sobre la creación de ficciones verticales, microrelatos o historias diseñadas para pantallas pequeñas (celulares o tablets). La premisa de fondo era que eso equivalía a rendirse y abandonar al cine. Pero, ¿qué define hoy realmente al cine? ¿La duración de la pieza? ¿El tamaño de la pantalla?

Las RRSS tienen una capacidad fascinante para entregarnos información sobre visiones, comportamientos humanos y tendencias. Qué le fascina a la gente y qué decide mirar el espectador global. Sin ir más lejos, en Plata Fresca, nuestra próxima película, hay una secuencia de la que estamos muy orgullosos que nació observando los desafíos de TikTok: comportamientos sobre lo que las personas están dispuestas a hacer con tal de pertenecer y ser incluidas.

Más allá de lo narrativo, está el problema del público. Hoy, el éxito de una película depende de su capacidad para convertirse en tema de conversación. Lo que antes dominaba el star system tradicional o las adaptaciones de best-sellers. Hoy, el gran desafío es cómo conquistar ese espacio masivo cuando no tienes detrás la billetera de una franquicia de superhéroes ni la infraestructura de una megaproducción.

A las redes sociales se las critica por fomentar el consumo solitario, pero bien usadas pueden hacer exactamente lo contrario: reunir, convocar, interpelar y generar comunidad. Para el cine independiente son un aliado estratégico poderoso, una herramienta para que el espectador se familiarice con temas, puntos de vista, atmósfera y elenco, antes de sentarse en la sala.

En JUNTOS entendemos que el cine es parte de un ecosistema donde todo dialoga. Por eso recientemente lanzamos Juntos Elenco (proyecto que busca potenciar las RRSS de actores que integran nuestras películas), a la par de trabajar en el desarrollo de podcasts y contenidos de streaming vinculados a nuestras películas: para instalar discusiones más amplias en las que la película sea un hito, no un grito aislado en el bosque.

Si bien nuestra relación con las RRSS comenzó desde la ambivalencia y la duda, estamos decididos a transformarlo en una alianza estratégica. Elegimos ver el vaso medio lleno y abrazar las virtudes del formato para cumplir nuestro objetivo final: seguir haciendo un cine que conecte, emocione, haga reflexionar y, sobre todo, nos vuelva a reunir a todos en la misma conversación.

El CINE DIRECTO definirá la cartelera de los Clásicos de Matiné de agosto en Centro Arte Alameda

 Durante agosto, los Clásicos de Matiné en Centro Arte Alameda estarán dedicados al DIRECT CINEMA (o CINE DIRECTO), una de las corrientes más influyentes de la historia del documental. Surgido en Estados Unidos a fines de la década de 1950, el movimiento buscó registrar la realidad con la menor intervención posible por parte del cineasta. 

El ciclo proyectará 5 películas, en funciones únicas: Titicut Follies (1967), Salesman (1969), Streetwise (1984), Grey Gardens (1975) y Don't Look Back (1967). Las entradas ya están disponibles en PASSLINE.

Inspirado en los principios del fotoperiodismo y favorecido por la aparición de cámaras de 16 mm y equipos de sonido sincrónico más livianos y portátiles, el Direct Cinema llevó el documental a las calles, permitiendo seguir a personas e instituciones en el desarrollo natural de los acontecimientos.

Su propuesta fue eminentemente observacional: prescindir de guiones, entrevistas y narraciones en off para privilegiar la experiencia directa de los hechos.

La sincronización entre imagen y sonido reforzaba la idea de que la realidad podía registrarse sin manipulación posterior, dejando que fueran las acciones, los silencios y las relaciones entre los personajes los que construyeran el relato. 

Aunque suele compararse con el cinéma vérité francés, ambas corrientes difieren en un aspecto fundamental: mientras el cinéma vérité incorpora al realizador como un agente que interactúa con los sujetos filmados, el Direct Cinema aspira a una presencia lo más discreta posible detrás de la cámara.

La selección comienza el viernes 7 de agosto, a las 17:00 horas, con Titicut Follies (1967), el debut cinematográfico de Frederick Wiseman. Considerada una obra fundamental del cine documental, la película observa sin comentarios ni explicaciones la vida cotidiana dentro de un hospital psiquiátrico de Massachusetts, revelando la dureza de sus prácticas y convirtiéndose en un retrato implacable de una institución estadounidense. Su crudeza provocó que permaneciera censurada durante años en distintos estados del país.

El viernes 14 de agosto, a las 17:00 horas, se exhibirá Salesman (1969), dirigida por Albert y David Maysles junto a Charlotte Zwerin. El documental acompaña a cuatro vendedores de biblias puerta a puerta mientras recorren Estados Unidos, capturando el frágil equilibrio entre la persuasión, la frustración y la supervivencia. Considerada una de las grandes obras del Direct Cinema, la película ofrece una mirada incisiva sobre el sueño americano y el capitalismo.

La programación continúa el viernes 21 de agosto, a las 17:00 horas, con Streetwise (1984), de Martin Bell. Filmado en Seattle junto a la fotógrafa Mary Ellen Mark y la periodista Cheryl McCall, el documental retrata la vida en la calle: nueve adolescentes, desde niños, se han visto arrojados al sórdido mundo de adultos marginales.

Los personajes son Rat, que bucea en contenedores de basura; Tiny, quien sueña con tener una granja y caballos; Shellie, descrita a menudo como baby-faced, y DeWayne, abandonado por su madre y con su padre tras las rejas.

El viernes 28 de agosto, a las 17:00 horas, será el turno de Grey Gardens (1975), realizado por Albert y David Maysles junto a Ellen Hovde y Muffie Meyer.

La película sigue la extraordinaria vida de Edith Bouvier Beale y su hija Edie, tía y prima de Jacqueline Kennedy Onassis, quienes habitan una deteriorada mansión en East Hampton. Gracias a la cercanía alcanzada por los cineastas, el documental se transforma en un retrato inolvidable sobre el aislamiento, la excentricidad y el complejo vínculo entre madre e hija.

El ciclo culminará el sábado 29 de agosto, a las 19:00 horas, con Don't Look Back (1967), de D. A. Pennebaker, registro de la gira de Bob Dylan por el Reino Unido en 1965. Más que un documental musical, la película captura el momento en que Dylan deja atrás su imagen de referente del folk para convertirse en una figura central del rock.

Pennebaker resumía el espíritu del Direct Cinema con una idea que atraviesa toda la programación: no hacen falta actores ni un guion para contar una historia cautivadora; basta con encontrar a una persona en un momento decisivo de su vida y registrar la verdad tal como ocurre frente a la cámara.

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