Cuerpos escuchan al viento para encontrar el amor.

 La obra evoca la crisis y el derrumbe ideológico, manifestando la enfermedad social, la vulnerabilidad de la vida y los poderes en pugna. Pero también propone formas colaborativas, respetuosas y amorosas de vivir con el otro y la naturaleza.

Finalmente asocia el “caer para transformarnos” como una situación inminente para la sobrevivencia. Así, abstrae la idea de poner fin al modelo imperante que no ha dado respuesta a la felicidad humana.

“En esta creación se abordan líneas fundamentales: el derrumbe, que apareció en un momento social e histórico cuando sentimos que todo se desmoronaba a nuestro alrededor. Entonces nos preguntamos cómo este derrumbe atraviesa por el cuerpo.

Pero luego cómo eso se transformaba y llegamos al amor, a las relaciones y a la comunidad. Y de algún modo mostrar cómo la compañía, como familia, fue construyendo una nueva posible relación a través de ritos”, comenta la directora Carolina Bravo.

Los siete intérpretes en escena danzan entre abrazos, caídas y movimientos donde se sostienen unos a otros, en un trabajo que la coreógrafa califica como un viaje de aprendizaje con la Compañía Movimiento.

“El nombre de la obra tiene que ver con la escucha. Al estar en el proceso y al reflexionar sobre las crisis, los cambios, los derrumbes, lo que nos importa que siga existiendo, pareció evidente que había que escuchar. 

Y el viento es una metáfora de eso que está un poco oculto y que hay que poner atención apenas como un susurro para volver a hacer crecer la naturaleza, por cierto, como madre de todo nuevo comienzo de vida”, asegura Bravo.

La obra es el resultado de un proceso creativo inspirado en el libro “Manifiesto” del filósofo y musicólogo chileno Gastón Soublette (Premio Nacional de Humanidades y Ciencias Sociales 2023). Es la última creación de la Compañía Movimiento y fue estrenada en 2022 en el contexto de la conmemoración de los 25 años de existencia de la compañía.

“Trabajar en esta colaboración con la Compañía Movimiento ha sido un desafío y una felicidad al mismo tiempo. Fue una sorpresa que me invitaran dada su trayectoria porque son referentes de la danza y fueron profesores.

Tenía la curiosidad de ver qué podíamos hacer en conjunto, descubrir qué hay de nuevo en personas que uno conoce hace mucho tiempo, ¿acaso sería posible que apareciera una danza nueva? Este proceso me ha develado otras profundidades de la danza y creo que eso es impagable”, finaliza la directora.

Para los integrantes del colectivo, la experiencia ha sido enriquecedora y demuestra su vigencia: “El público podrá ver nuevamente la fuerza de la compañía, el riesgo que hemos tomamos tras 27 años de trabajo conjunto. El montaje habla que avanzamos todos juntos, que si estás un poco más lento, retrocedo para recogerte.

Hay mucha escucha, un ambiente familiar, un sentido tribal. Toda esta transformación la dejamos en escena para terminar unidos en comunión. La gente cuando decide hacer artes escénicas lo hace por un tiempo, cuando está joven y nosotros nos atrevimos a continuar y a resistir”, comenta Vilma Jiménez.

"Es una satisfacción muy grande pertenecer a la Compañía Movimiento desde 1997. Han sido obras sin parar donde el cuerpo pueda expresar y decir lo que está sucediendo, una crítica social o simplemente descubrir juntos el cuerpo. Nos hemos sostenido. Yo diría que eso es lo que me tiene aquí, porque coincidimos en pensamiento, en el amor a la danza", agrega Teresa Alcaíno.

 18 al 28 Jul. Ju a Sá — 20.30 h, Do — 17.30 h. Paga lo que puedas desde $4.000 en gam.cl

Lo Barnechea publicó libro sobre las principales obras del artista y escultor chileno Juan Egenau

 El sábado 29 de junio la Corporación Cultural de Lo Barnechea realizó el lanzamiento oficial del libro “Egenau”, como parte de su compromiso de fomentar el impacto de las artes y la cultura mediante una amplia oferta dirigida a los vecinos de la comuna y el público en general. 

La publicación reúne valiosa e inédita información sobre las obras más destacadas del artista chileno Juan Egenau (1927-1987), las cuales fueron parte de la muestra “Autarquía Artística”, exhibida en el Centro Cultural El Tranque durante el segundo semestre de 2023, relevando la trayectoria escultórica y el proceso creativo detrás de cada pieza. 

Además, el libro -el primero existente en torno a este gran artista-, pone sobre relieve el patrimonio artístico que representa Egenau y el invaluable aporte que ha entregado al mundo de los artistas y los oficios en Chile. Su legado educacional traspasa hoy la casa de estudios donde se formó y ejerció la docencia –la Universidad de Chile–, y se extiende a lo largo de todo el país.

El objetivo de la Corporación Cultural al publicar este libro es precisamente aportar al área educacional, pues el libro pasará a formar parte de todas las Bibliotecas escolares de la comuna y será asimismo entregado a las Bibliotecas de las principales casas de estudios (universidades) del país.

El lanzamiento del libro “Egenau” incluyó un conversatorio en el auditorio del Centro Cultural El Tranque (Av. El Tranque 10.300), el cual fue mediado por el gestor cultural y curador Pedro Maino, y en donde participaron Paulo Egenau y Luis Montes, hijo y ayudante del artista, respectivamente. 

Alejandra Valdés, directora ejecutiva de la Corporación Cultural de Lo Barnechea, explicó que la actividad se enmarca en el aniversario 30° de la Corporación y rinde tributo a la creatividad y enorme influencia del artista.

“Juan Egenau es famoso por sus esculturas de aluminio blindadas, pero además cultivó diversas técnicas que lo convirtieron en uno de los representantes más destacados tanto por su labor artística como docente y por el uso de los oficios.

Queremos que el público general pueda conocer este legado y ojalá difundirlo entre las nuevas generaciones como un aporte a la educación y a la promoción de la cultura y las artes”, comentó. 

 Sobre el artista

Juan Egenau Moore, escultor, pintor. Nació en Santiago, Chile, el 24 de febrero de 1927 y murió en la misma ciudad el 22 de abril de 1987. 

Entre 1947 a 1948 estudió Arquitectura en la Universidad Católica de Chile, estudios que abandonó luego de tomar la decisión de dedicarse por completo a la pintura.

Desde 1949 a 1952 estudió pintura, dibujo, grabado, escultura y fundido en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde fue alumno de Pablo Burchard; entre 1953 y 1955, estudió esmalte sobre metal, litografía y cerámica en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile, donde obtuvo el grado de Artesanía, Mención Esmalte sobre Metales; entre 1956 y 1959 estudió escultura y fundido en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile; en 1959, fue becado por la Universidad de Chile, para estudiar orfebrería en la Escuela Porta Romana, en Florencia, Italia. 

Entre 1962 y 1966, estudió escultura y esmalte sobre metal en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile; en 1966 obtuvo la Beca Fullbright, para estudiar fundición artística, en la Rhode Island School of Design, New York, Estados Unidos.

En este periodo aprendió la técnica de la fundición del aluminio "a la tierra", método que adoptó definitivamente para sus creaciones y perfeccionó posteriormente en Chile.

En 1978 obtuvo el grado de Licenciado en Artes Plásticas, Mención Escultura, de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, en Santiago. Desde ese mismo año hasta 1987 fue Profesor Catedrático de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Egenau no volvió a radicarse fuera del país, se dedicó completamente a su vocación escultórica y docente.

Su trabajo siguió evolucionando, a nuevas etapas creativas, participó y obtuvo distinciones en importantes eventos y proyectos escultóricos hasta poco antes de su temprano fallecimiento. La mayor parte de su obra se encuentra en el extranjero, pero es posible apreciar importantes piezas en colecciones públicas y privadas del país.

Casa OANI se presenta con tres espectáculos en el CESFAM-SAPU Marcelo Mena

El viernes 12 de julio de 10:00 a 12:00 horas será la 6a Muestra de Teatro Lambe Lambe en el CESFAM-SAPU Marcelo Mena, ubicado en Av. Alemania 5360, Cerro Cárcel Valparaíso. 

Se presentarán tres obras de cuatro minutos cada una: AMORES DE PUERTO, DÍA DE VOLANTÍN y EL PERRO BABARITO. Las funciones se realizarán de manera continua, por aporte voluntario a la gorra.

Esta iniciativa cuenta con el financiamiento de la Convocatoria 2023 de Apoyo a Puntos de Cultura Comunitaria del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

Camila Landon, directora general del Punto de Cultura Comunitaria Casa OANI, señala: “Adelaida Loyer, nuestra Gestora Territorial, junto con Gloria Vío, Tesorera de la Fundación OANI, idearon el vínculo con el programa ‘Más Adultos Mayores Autovalentes’.

Realizamos en abril una actividad extraprogramática en Casa OANI, invitando al grupo de mujeres a conocer el espacio en Cerro Cárcel, y les compartimos un Taller de Teatro de Marioneta. Con este vínculo podemos dar fe que las funciones en Cesfam Mena serán maravillosas y muy esperadas”.

“Esta presentación es una oportunidad de comunicarnos mirándonos a los ojos con los vecinos y vecinas a través de nuestro arte del teatro de animación. El arte es sanador cuando se produce un diálogo verdadero y sentido entre las personas que lo viven.

El Teatro Lambe Lambe es un arte que va directamente relacionado con las emociones y saca a las personas de su cotidiano, las hace viajar por un instante. En un ambiente de convalecencia y espera, como puede ser un Cesfam, creemos que podemos generar un instante de alegría, esperanza y educación”, añade Camila.
Para más información seguir a @casaoani en Instagram.

SANFIC20 anuncia las películas que serán parte de la sección “Directoras en foco”

Dancing Heartbeats
Lisa Wagner

.El Santiago Festival Internacional de Cine (SANFIC) –organizado por Fundación CorpArtes y producido por Storyboard Media–, celebrará en esta edición sus 20 años de trayectoria, en los que se ha posicionado como referente para la industria cinematográfica internacional y en una vitrina para creadores y directores chilenos. 

Desde 2019, en SANFIC se reconoce y visibiliza el trabajo de las mujeres en la industria cinematográfica a través de la sección Directoras en Foco, la cual selecciona producciones de cineastas de todo el mundo que destacan por su espíritu innovador y por mostrar historias que dan cuenta de la realidad de las mujeres en diversos contextos.

“Es importante reconocer el trabajo que realizan directoras chilenas y de todo el mundo en la industria audiovisual y en SANFIC hemos consolidado un espacio equitativo que apoya el trabajo de las mujeres en el cine, visibilizando realidades e historias que viven mujeres de diferentes comunidades”, comenta José Tomás Palma, Director General de Fundación CorpArtes.

Este año el festival eligió 7 producciones de directoras provenientes de 5 países, las cuales se exhibirán en las sedes del festival en la Región Metropolitana entre el 18 y el 25 de agosto. La selección de películas de “Directoras en foco” cuenta con las actuaciones de reconocidos actores y actrices nacionales e internacionales, como Paulina García (Gloria y La novia del desierto), César Troncoso (El baño del Papa e Infancia clandestina), Sandra Hüller (Anatomy of a Fall, La Zona de Interés), Susanne Wolff (Regreso a Montauk), Jaime Omeñaca (Los mil días de Allende), Mirta Busnelli (Las mantenidas sin sueños), Gustavo Garzón (Sueño Florianópolis), entre otros.

Pelokelan
Rocio García Morales

Las realizadoras que exhibirán sus películas en calidad de estreno nacional son Nicole Chi con Guián (Costa Rica) –exhibida en el Festival de Cine de Visions du Réel, New Orleans, SSFF & ASIA–, un relato documental sobre Nicole, quien viaja a China por primera vez, tras la muerte de su abuela, a conocer sus orígenes en busca de las respuestas que nunca pudo resolver; Luz Orlando Brennan con La estrella que perdí (Argentina) –exhibida en BAFICI–, que cuenta la historia de la gran actriz Norma Reyes, quien aceptó interpretar todo tipo de roles a lo largo de su vida, salvo el de la madre perfecta, protagonizada por Mirta Busnelli y Anita Pauls, madre e hija tanto en la ficción como en la vida real;  Laura González con Milonga (Uruguay, Argentina) – Chicago Latino Film Festival–, protagonizada por Paulina García,  aborda la historia de una viuda que empieza a redescubrirse a sí misma luego de conocer a Juan -interpretado por César Troncoso-, un divorciado con quien comparte la pasión por el tango.

Sisi y yo
 Frauke Finsterwalder

En calidad de estreno latinoamericano se exhibirán las obras de Caro Bloj con Sincronía (Chile) – Hot Docs–, sobre una isleña que se sumerge en mar abierto y nada junto a lobos marinos, desplegando su libertad, mientras que una nadadora (Bárbara Hernández) se zambulle en aguas gélidas de glaciares y corrientes polares, empujando los límites de su resistencia; Frauke Finsterwalder con Sisi y yo (Alemania) –Festival Internacional de Cine de Berlín–, sobre dos mujeres de realidades distintas, una emperatriz (Susanne Wolff)  y otra que vive en absoluta libertad (Sandra Hüller) , se encuentran en un lugar donde solo viven mujeres y pueden decidir las reglas del juego; y Lisa Wagner con Dancing Heartbeats (Alemania) – HOF International Film Festival–, documental que acompaña a tres de las mujeres más exitosas del mundo del break dance, un espacio dominado por lo hombres, en duros entrenamientos, batallas internacionales y en su lucha por el reconocimiento e igualdad de derechos.

Y como estreno mundial se presentará Rocío García Morales con Pelokëlan (Chile), sobre un hombre interpretado por Jaime Omeñaca, que deja a su familia para trabajar en una empresa forestal en una isla que no aparece en los mapas, donde criaturas mágicas lo llevan con un mapuche de la isla, pero su amistad se verá amenazada con el inminente desalojo por parte de la forestal.

“Estamos muy contentos de poder incluir estas 7 películas de talentosas directoras que provienen de distintos territorios y que destacan por su propio estilo y visión del mundo. Una mirada única sobre temas contingentes y tratados con profunda sensibilidad donde resalta un espíritu innovador y visionario”, valora Carlos Núñez, Director Artístico y cofundador SANFIC.

“Duele”: película chilena sobre sadomasoquismo reflexiona sobre los mandatos de género y el placer en la sociedad actual

  En la ópera prima de Cote Ramírez, un retraído vestuarista explora el mundo del sadomasoquismo como forma de conseguir dinero para costear el tratamiento médico de su madre. Con las actuaciones de Nicolás Rojas Rodríguez, Roxana Naranjo, Catherine Mazoyer, “Duelo” se estrena en cines el 11 de julio.

 Cuánto está dispuesto a hacer un hijo por su madre y qué ocurre cuando estas acciones son llevadas al límite, son algunas de las interrogantes que plantea “Duele”, ópera prima de Cote Ramírez, que es producida por Cine UDD de la Facultad de Comunicaciones de la Universidad del Desarrollo.

Estrenada mundialmente en el apartado Concurso de Óperas Primas del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano (Cuba), en diciembre de 2023, llega a las salas locales el 11 de julio. 

Nicolás Rojas Rodríguez interpreta a Sergio, un retraído vestuarista que decide aceptar la oferta de Carmen (Catherine Mazoyer), una famosa actriz de televisión, para ser dominante en encuentros sadomasoquistas, pese a no conocer nada sobre estas prácticas. Aunque inicialmente accede a ser trabajador sexual por dinero para poder pagar el tratamiento de su madre Helena (Roxana Naranjo), la exploración del dolor y el placer lo llevarán a distanciarse de ella. 

Un largometraje que surge a partir de los cuestionamientos que observó el director que se hacen a una relación de un hombre joven con una mujer mayor, lo que lo motivó a reflexionar sobre los prejuicios que se desprenden de los roles y mandatos de género en la sociedad, donde se espera que el hombre sea la figura proveedora. 

“La película pone en discusión ideas de roles y estándares sociales que se manifiestan en el espacio familiar. Siguiendo a un personaje hombre, joven e hijo único de una madre soltera y católica que vive en un sector periférico se entra a una dinámica que constantemente reprime los anhelos y la identidad del protagonista”, explica Cote Ramírez, director de “Duele”. 

Pero es precisamente en su búsqueda por convertirse en esta figura proveedora, a cargo también del cuidado de su madre y como trabajador sexual dominante, que comenzará a explorar su propia identidad y resentirá la relación con su madre y los mandatos que se le imponen. 

Director Cote Ramírez

“A menudo escuchamos que ‘la familia va primero’ sin darle un mayor valor a que eso lleva consigo un sacrificio de uno mismo. 

Desde ahí se desprenden las preguntas: ¿Hasta qué punto uno es capaz de ceder de sí mismo en función a su familia? y ¿cómo juzgamos a quién no lo hace?”, complementa Cote Ramírez. 

“Duele” se estrena a partir del jueves 11 de julio en la Cineteca Nacional de Chile, Centro de Cine y Creación (CCC), Sala de Cine de Ñuñoa, Insomnia Teatro Condell (Valparaíso) y -1 Cine (Puerto Varas). 

El estreno en salas estará acompañado de cine foros, en las siguientes fechas: Cineteca Nacional de Chile: viernes 12 de julio, a las 19:00 horas; Centro de Cine y Creación (CCC): jueves 18 de julio, a las 19:00 horas; Insomnia Teatro Condell: jueves 25 de julio, a las 19:00 horas y Sala de Cine de Ñuñoa: viernes 2 de agosto, a las 19:00 horas.

"En aquel país": Chile y su periodo de independencia narrado por un tipógrafo norteamericano

A través de cartas y escritos personales, este libro narra las aventuras Samuel Burr Johnston, quien llegó a Chile en 1811 para instalar y manejar la primera imprenta del país.

En aquel país: Aventuras de un tipógrafo yanqui en Chile (1811 – 1814) de Samuel Burr Johnston, fue traducido originalmente al español por el abogado, investigador e historiador chileno José Toribio Medina. 

Esta crónica epistolar describe la idiosincrasia durante los primeros años del proceso independentista y aporta información sobre los movimientos revolucionarios de la época y la vida intelectual de aquellos años.

Tras la Guerra de Independencia, el lector descubrirá la mirada del estadounidense que estuvo a cargo de la primera imprenta de Chile, donde nacieron la Aurora de Chile y El Monitor Araucano, documentos fundacionales de la prensa nacional. 

“Todavía era posible oler el hedor de los cañones ardientes y oír el choque de espadas y el ruido de los fusiles. Era un proyecto de sociedad que buscaba equilibrarse, pero trastabillaba más de lo conveniente. El país había nacido y sus padres y madres intentaban mantenerlo con vida usando lo mejor posible las discretas herramientas que poseían”, señala el guionista Simón Soto en el prólogo de esta nueva edición del texto publicado originalmente en 1917.

En aquel país se ha convertido en un documento histórico para Chile. Gracias al registro de Johnston, quien, inmerso en sus propias aventuras durante sus años en Sudamérica, fue testigo involuntario de procesos políticos y sociales que nos formaron como nación. 

Estas páginas abordan desde la discusión sobre una nueva constitución para Chile, la Junta Nacional de Gobierno y las disputas con los países vecinos, hasta las costumbres y el clima de la época. El autor entrega nuevos puntos de vista respecto a hechos que forjaron nuestro país y que, a través de su profesión como tipógrafo, pudo conocer directamente y describir en sus cartas que hoy conforman este libro.

Samuel Burr Johnston (Estados Unidos) fue el primer imprentero de Chile, además de teniente de fragata y navío de la Armada de Chile.

José Toribio Medina Zavala (Santiago, 1852-1930). A los trece años ingresó al curso de Humanidades del Instituto Nacional, donde egresó en 1869 con distinciones en latín y literatura. En ese establecimiento fue alumno de destacados intelectuales de la época como Rodulfo Philippi y Diego Barros Arana, quienes tuvieron una gran influencia en él. Luego, siguió la carrera de derecho en la Universidad de Chile, donde se tituló como abogado en 1873.

Durante su vida, José Toribio Medina desarrolló un proyecto intelectual en diferentes áreas, destacando como bibliófilo, bibliógrafo, recopilador e historiador. Sus aportes se tradujeron en una abundante recopilación de obras, fuentes y documentos sobre la historia y la literatura colonial hispanoamericana y chilena, específicamente. Gracias a esa labor fue reconocido como un destacado americanista, hispanista y colonialista.

La obra aportada por José Toribio Medina posibilitó los significativos avances registrados por la historiografía chilena a fines del siglo xix y comienzos del xx, puesto que la publicación en su propia imprenta de la Colección de Historiadores de Chile y la Colección de Documentos inéditos para la Historia de Chile sirvió de base documental para la obra de destacados historiadores como Diego Barros Arana y Miguel Luis Amunátegui. 

Pero su aporte historiográfico no solo se limitó a la recopilación de fuentes, también lo hizo a través de sus propios escritos, sobre todo con su voluminosa Historia del Tribunal del Santo Oficio.

A esto hay que sumar su aporte como recopilador de diarios de viajeros que visitaron Chile y el resto de América y el estudio titulado Biblioteca chilena de traductores: 1820-1924 (1924), junto con las traducciones que el propio Medina realizó de varios textos literarios e históricos. El legado de José Toribio Medina al patrimonio cultural chileno se encuentra disponible para quien quiera consultarlo en una sala de la Biblioteca Nacional, denominada Sala Medina. (Memoria Chilena).

Carlos Caszely y Juan Oyaneder publican una divertida recopilación de las mejores frases de la historia del fútbol

El ex seleccionado nacional y el periodista presentan una antología de los dichos más célebres de futbolistas y entrenadores nacionales e internacionales.

“Es un libro de muy fácil lectura, muy entretenido y seguramente lo van a pasar muy bien leyéndolo”, asegura Carlos Caszely, una de las figuras más destacadas del fútbol nacional, quien junto al periodista Juan Oyaneder acaba de publicar No tengo por qué estar de acuerdo con lo que pienso.

El libro, cuyo título recuerda la icónica frase dicha por el mismo ídolo de Colo Colo, es una selección de declaraciones de futbolistas, entrenadores y hasta directivos de equipos de fútbol de todo el mundo, y además están acompañadas de una serie de caricaturas de los personajes. 

En este compilado se encuentran frases como la de Mariano Puyol, ex entrenador de Universidad de Chile: “Cuando un equipo anda bien, no anda mal, y viceversa” o “el fútbol es como el ajedrez, pero sin dados”, atribuida al seleccionado de Alemania Lukas Podolski.

Desde Maradona hasta Zlatan Ibrahimovic, Huaiquipán o Messi, son cientos las frases ingeniosas en el mundo del fútbol que han llamado la atención de hinchas y periodistas internacionalmente. 

Carlos Humberto
Caszely Garrido

Algunas más serias y otras sumamente chistosas, este libro cautivará a fanáticos del deporte de todas las edades. 

La vanidad, la fiesta, estrategias, metáforas y confesiones son algunos de los temas en los que se dividen las frases seleccionadas por Caszely y Oyaneder. 

Sobre el proceso de este libro, Juan Oyaneder comenta que “los dos, Carlos y yo, estábamos pasando por momentos duros en la vida. Cuando nos reunimos para presentarle este proyecto, ambos terminamos riendo. Ha sido un ejercicio de sanación”. 

En No tengo por qué estar de acuerdo con lo que pienso los lectores encontrarán desde las frases más famosas de este deporte hasta algunas más desconocidas, pero igualmente divertidas y fascinantes.

 “Este es un hermoso proyecto que me permitió trabajar con mi ídolo de la niñez, Carlos Caszely. Es un libro hecho con puro amor al fútbol y que promete brindar la misma alegría que los goles del rey del metro cuadrado”, concluye Oyaneder.

Juan Alejandro
Oyaneder López

 Carlos Humberto Caszely Garrido (1950). Futbolista, goleador, considerado uno de los máximos ídolos de Colo-Colo y la selección chilena, además de ser uno de los primeros chilenos en triunfar en Europa. Estudió en el Liceo Experimental Darío Salas y luego Educación Física en la Universidad de Chile; Administración de Empresas en la Universidad de Navarra, España y Periodismo en la Universidad de Santiago. 

Hombre multifacético e inquieto, ha incursionado en la música, el cine, la radio y la televisión. Escritor autodidacta, es autor de los libros Calle larga con final de pasto; Carlos Caszely, más allá del metro cuadrado y Rayito de mi corazón.

Juan Alejandro Oyaneder López (1973). Periodista de profesión. Libretista y poeta de oficio. Su educación secundaria la realizó en la Escuela Santa Marta de Ñuñoa, el Instituto de Humanidades Luis Campino y el Internado Nacional Barros Arana. 

El año 2010 publicó junto con Erick Pohlhammer, Redonda Pasión, lírica y épica del fútbol chileno. Luego publicó Transición, crónica poética de la posdictadura  y Por la boca, grandes pensadores de la democracia chilena. Es hincha de Cobreloa y de muchos equipos más.

Teatro Zoco estrena nueva versión de “Proof”

 Marcelo Leonart dirige “La prueba”, el aclamado drama familiar de David Auburn que debuta el 19 de julio en la sala de Lo Barnechea. Andrew Bargsted y Valentina Muhr completan el elenco. Entradas a la venta en Punto Ticket. 

Ganadora del Premio Pulitzer y de tres Tony en 2001, la obra –protagonizada en su adaptación al cine por Gwyneth Paltrow y Anthony Hopkins– explora la delgada línea entre la genialidad y la locura, tendiendo puentes notables entre la complejidad de las matemáticas y las relaciones humanas.

Catherine ha sacrificado años de su vida al cuidado de su padre, un matemático brillante que revolucionó su campo de estudio desde muy joven. Sus cuadernos la conducen ahora a develar una serie de oscuros secretos. ¿Qué es lo que realmente ha heredado de él? ¿Su genio o su locura? 

Teatro Zoco presenta su nueva producción teatral, "La Prueba", del aclamado dramaturgo estadounidense David Auburn, que se presentará entre el 19 de julio y hasta el 25 de agosto, con funciones los jueves, viernes y sábados a las 20:00 horas, y los domingos a las 19:00 h.

"Proof" regresa a las tablas locales bajo la dirección de Marcelo Leonart y con un elenco encabezado por Paula Luchsinger (“El Conde”, “La jauría”), el destacado actor Tito Bustamante, Andrew Bargsted (“Cordillera”, “El cartero de Neruda”) y Valentina Muhr (“Cromosoma 21”, “La muerte y la doncella”).

La escenografía y el vestuario están a cargo de Catalina Devia, el diseño de iluminación es de Andrés Poirot y la música de Miguel Miranda. Magdalena Urarte asiste en la dirección. 

Para Marcelo Leonart, “La prueba” es una "family play" con todas sus letras. “Es una obra sobre un padre, sobre dos hermanas, y los tópicos giran alrededor de ese núcleo: la herencia familiar, los favoritismos y la decadencia de una familia disfuncional que en algún momento fue unida y que se empieza a atomizar debido a las circunstancias vitales. Todos queremos hacer nuestra propia vida”. 

“Si bien las matemáticas son muy importantes en la obra, son una excusa para contarnos la historia de una familia con la que todos nos podemos llegar a sentir identificados”, comenta el director y dramaturgo.

La obra de Auburn es distinta a cualquier otra que Leonart haya dirigido en el pasado. Su repertorio está más bien compuesto por títulos que ha estrenado junto a su compañía La Pieza Oscura, con textos de su autoría (“Grita”, “Noche mapuche”, “La casa de los monstruos”) y también de su pareja, la dramaturga Nona Fernández (“El taller”, “Liceo de Niñas”, “Voyager”). 

Pocas veces se ha arrojado al ejercicio de dirigir obras de otros y por encargo, como en 2017, cuando dirigió “Flores de Papel” de Egon Wolff. 

“John Cassavetes decía que había que ser como los Beatles y escribir tu propio material, pero a mí me interesa mucho también hacer este trabajo de covers, podría decir, que es tomar obras que me interesen y otras formas de narrar. Como escritor, en el teatro me gusta poner en escena. Y como director, me gusta narrar”, dice Leonart. 

“‘La prueba’ es un tipo de teatro realista, norteamericano y de fines del siglo XX y principios del siglo XXI, que a mí también me interesa mucho porque logra poner en escena conflictos universales y cercanos, a pesar de tener un envoltorio que puede ser un poco ajeno. Sin duda, lo sustancial está por debajo de eso”, agrega.

Un éxito rotundo (y de nuestro tiempo)

Estrenada en el año 2000, en una puesta del Manhattan Theatre Club en Broadway, “Proof” ganó el Premio Pulitzer y tres Tony al año siguiente, y se convirtió en uno de los títulos más exitosos y representados mundialmente en lo que va de siglo. 

La obra ha hecho un notable recorrido internacional desde su debut en Estados Unidos. En 2002, el Donmar Warehouse de Londres estrenó una versión bajo la dirección de John Madden y protagonizada por Gwyneth Paltrow y Richard Coyle, ha sido traducida a varios idiomas y montada en numerosos países, como España, Argentina, Francia, México y Japón. Inspiró además una película dirigida por el propio Madden en 2005, y con un elenco encabezado también por Paltrow –nominada a un Globo de Oro a Mejor actriz por su interpretación de Catherine–, junto a Anthony Hopkins y Jake Gyllenhaal.

“Proof” tiene también su historia en la escena local. En 2003, fue dirigida por Claudia Echenique y Willy Semler interpretó al profesor que ahora encarna Tito Bustamante (Robert), Berta Lasala a Catherine y Benjamín Vicuña al personaje de Andrew Bargsted (Hal). 

La chispa inicial de la obra habría surgido mientras el autor investigaba para otra historia. Estaba en eso, cuando se encontró con una crónica sobre un matemático brillante que, a pesar de su deterioro mental, seguía obsesionado con su trabajo. 

“Un estudio fascinante sobre la genialidad y sus consecuencias, emocionales y psicológicas”, consignó The New York Times sobre la obra de Auburn. “‘La prueba’ es un drama bellamente equilibrado sobre el amor, la confianza y el dolor de los secretos familiares”, dijo, en tanto, el periódico británico The Guardian. 

The Independent alabó la pluma del dramaturgo: “La escritura de Auburn combina hábilmente un ingenio agudo con una profunda emotividad”. 

Destacado improvisador y artista sonoro nacional llega al Parque Cultural de Valparaíso con ¡¡“Big Bang!!”

Lukax Santana en PCdV

 Compuesta por el reconocido improvisador y artista sonoro Lukax Santana e interpretada en conjunto con el colectivo multidisciplinario Lúcuma Estación Receptora de Ondas Sónicas Cósmicas (L_EROSC), ¡¡“Big Bang!!” plantea en sesenta minutos una interpretación libre y lúdica de la creación del universo. 

Sonidos intergalácticos acompañados de danza y proyecciones de imágenes manipuladas del cosmos, conforman una puesta en escena integral que busca crear una atmósfera que invita a la imaginación a viajar por el espacio-tiempo hasta los albores de la vida y el nacimiento del universo.

“Big Bang!!” es, además, un reconocimiento a la importante labor que se desarrolla en Chile en el campo de la investigación y estudio del cosmos. Lukax Santana, al respecto señala “esta obra explora puntos de encuentro entre ciencia y arte, en este caso de la astronomía y los sonidos. También es un reconocimiento al Observatorio ALMA y a todos los observatorios de Chile que aportan al desarrollo científico, económico y cultural del país. 

El observatorio ALMA, cuyo propósito es descubrir nuestros orígenes cósmicos, cumple 10 años de existencia y, en este tiempo, se han hecho importantes descubrimientos científicos que nos ayudan a conocer mejor el universo, por tanto, esta obra es una forma de retribuir su trabajo desde las artes”.  

Hoy en día el colectivo L_EROSC está compuesto por: Rocío Rivera, Bárbara González, Miguel Jauregui, Ronald Smith, Renato Ortiz, Elisa Assler y Rodrigo Acevedo. Quienes se destacan por sus vínculos con la escena artística local y nacional. 

Por su parte el director ejecutivo (i) del PCdV, Erick Fuentes, indica que “han pasado alrededor de 5 años desde que ¡¡“Big Bang!!” se presentó en el Teatro del Parque y es gratificante ver cómo la fuerza creadora que mueve a Lukax sigue intacta.

 Además, Lúcuma Estación Receptora de Ondas Sónicas Cósmicas ha crecido en cuanto a su cantidad de integrantes, lo que hace que esta performance artística sea más atractiva aún para el público que busca la unión entre ciencia y arte”. 

“Big Bang!!” se presentará este sábado 6 de julio, a las 19:00 hrs., en el Teatro del Parque Cultural de Valparaíso. La obra es apta para todas las edades y el valor de la entrada es de $4.000 y $5.000 en modalidad paga lo que puedas.

Factoría Santa Rosa inaugura la muestra "Gaza era un lugar"

 El próximo sábado 6 de julio se realizará la inauguración de la exposición “Gaza era un lugar”, un trabajo colaborativo entre Víctor Mahana, pintor chileno-palestino, Elías Halabí, fotógrafo palestino residente de Belén y la escritora y docente chilena Lina Meruane, quienes unen sus talentos con el objetivo de dirigir la mirada nacional a los sucesos que están sucediendo actualmente en el territorio palestino y generar conciencia sobre la situación humanitaria en Gaza.

La muestra estará abierta hasta el 28 de julio. 

A través de la mirada pictórica de Mahana, con foco en la diáspora palestina en Chile, y las fotografías de Halabí, con registros tomados en Gaza dos años antes del conflicto actual, se muestra el territorio y sus comunidades en todo su esplendor a través de escenas de la vida, activando así la noción de memoria frente a la realidad devastadora en la que se encuentran sus miles de habitantes actualmente.

“Esta exposición surge con carácter de urgencia, la idea era visibilizar la cultura palestina en la diáspora chilena y expresar el sentir acerca del genocidio que está ocurriendo en Gaza, enfocándolo en la esperanza y resiliencia”, dice Víctor Mahana quien fue invitado a participar como artista y coordinador de esta muestra por la galerista de Factoría Santa Rosa, Carola Musalem. 

 “Invitamos al fotógrafo bethlemita Elías Halabí, famoso por sus vistas de Belén y recientemente por el libro que hizo acerca de la ciudad y su gastronomía junto al chef Fadi Katan. Elías mostrará imágenes de un viaje que pudo hacer a Gaza hace 2 años, cuando consiguió un permiso para entrar por 24 horas, un 90% de lo que fotografió ya no existe”, concluye.
 
Víctor Mahana exhibirá pinturas recientes que tienen motivos palestinos y que expresan su visión identitaria como parte de la diáspora chilena. Cada pintura tiene un código QR donde se podrá acceder a la banda sonora de la obra, compuesta por su grupo de música árabe-chilena Diáspora Trío, el músico de Belén Zaid Hilal, a Miguel Conejeros Fiat600, y su proyecto como solista Vfm.
 
“Me considero afortunado de haber tenido la oportunidad de ir a Gaza hace dos años en una misión fotográfica con una ONG internacional para documentar historias de éxito en Gaza. Solo me permitieron pasar 24 horas, en este período muy corto documenté la vida de los lugareños, no dormí. Más del 90% de lo que fotografié está totalmente destruido y bombardeado.

 Desde la iglesia, pasando por los clubes sociales, el hotel en el que me alojé, la panadería donde compré pizza, la mezquita más antigua, el camino turco, el puerto y todo lo demás.

Más que solo los lugares reales, solo Dios sabe si las personas en las imágenes sobrevivieron. Todas esas fotografías con las que estaba planeando hacer una exposición mostrando mi viaje a la hermosa Franja de Gaza, ahora son fotografías que muestran cómo era Gaza antes, un viaje de ensueño que se convirtió en escombros.

Esta exposición es la primera, pero espero que sigan otras exposiciones y cooperaciones, y las próximas veces poder contar historias desde casa, historias de paz y prosperidad a mi pueblo”, dice Elías Halabí.

El poema que da nombre a la exposición pertenece a la escritora Lina Meruane, y fue publicado en su libro Palestina, por ejemplo, publicado el 2018 por Ediciones Libros del Cardo. Además de participar con este texto, Lina Meruane colaboró con su voz en la canción Gaza era un lugar de Diáspora Trío. 
 
Como parte de la muestra se realizarán de manera exclusiva dos ediciones de grabados digitales de Victor Mahana y fotografías de Elías Halabí, cuyos fondos serán destinados a la beneficencia palestina, de la mano del Colectivo Cultural Al Auda, grupo independiente de jóvenes de origen palestino que recauda fondos para donarlos al proyecto MAP (Medical Aid for Palestinians).

El Colectivo Al Auda ha participado también de la producción de la exposición invitando a Ariztía Lab a mostrar una obra acerca de la diáspora palestina en Chile que fue exhibida recientemente en la Bienal de El Cairo. 
 
El día de la inauguración va a tocar el DJ set de música árabe Habibi Dans (José Hassi).
Como parte de las actividades que se enmarcan en esta exposición, el sábado 13 de julio a las 12:30 se realizará el concierto de Diáspora Trío más el grupo Dadalú. 
 
Miércoles, sábados y domingos de 11:00 a 17:00 hrs. Dirección: AV Santa Rosa 2260. Barrio Franklin, Santiago, Chile.

Sobre Víctor Mahana

Pintor, también se desempeña como grabador. Desde 1999 ha realizado más de 72 exposiciones tanto en Chile como en Estados Unidos, Canadá y Bélgica: 13 individuales y 59 colectivas. Destacando su muestra individual en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile “Cuando desperté no había nadie” (2013), “Post Tenebras Lux” en la Galería de Arte UC (2022) y su participación en las ferias Pinta P.Ar.C. (Perú 2023), Art Toronto (Canadá 2015) y Lineart (Bélgica 2008). Formó parte del Diaspora Convention District of Bethlehem 2021. Fue miembro del directorio del Instituto Chileno Árabe de Cultura ICHAC. Miembro fundador de Diáspora Trío.

Sobre Elías Halabí.

Elías Halabí es un fotógrafo y narrador visual, habitante de Belén en Palestina. Ha forjado un lente habiloso para entregar interpretaciones socioculturales, debido a sus estudios en sociología y psicología, sumado a un diploma profesional de gestión y preservación tanto artística como cultural y patrimonial.

Su voz artística es característica del arte que desarrolla, logrando que sus imágenes hablen más que un discurso. Ha trabajado con diversas organizaciones y sus obras ganadoras de premios han sido exhibidas en numerosas ocasiones, dentro y fuera de Palestina. El año 2011 ganó el premio Vettor Giusti Tourism Award Poster Competition 2011-2013, otorgado por UNWTO (United Nations World Tourism Organisation).
 

Sobre Lina Meruane.

Escritora de cuentos, ensayos y narraciones, los cuales parten desde su propia visión del mundo como viajera y migrante. Lina Meruane también es académica de la Universidad de Nueva York.

La identidad en el espacio global es uno de los tópicos que suelen hacerse presente en sus escritos, considerado de gran importancia debido al alcance que su autoría convoca, pues sus textos han sido traducidos desde el español a idiomas como el inglés, italiano, portugués, alemán y francés.

En Estados Unidos obtuvo una beca Guggenheim en 2004 y en 2010 otra de la National Endowment for the Arts. Otros premios son: Premio a la Mejor Novela Inédita (Consejo Nacional de la Cultura y las Artes - 2006), Premio Sor Juana Inés de la Cruz (2012), Premio Instituto de Cultura Chileno-Árabe (2015) y Premio Cálamo Otra mirada (2015).

Talleres de título de la Escuela de Teatro UV se presentan con entrada liberada.

 Los jueves 11 y 18 de julio a las 19:00 horas se estrenan los dos Talleres de Título de la Escuela de Teatro UV. Primero se presenta “La Remolienda”, escrita por el dramaturgo chileno Alejandro Sieveking y dirigida por María José Pizarro y a la siguiente semana “Negro Animal Tristeza”, escrita por la dramaturga alemana Anja Hilling y dirigida por Rodrigo Aro. 

Estos hitos son muy importantes para la Escuela de Teatro UV, a través de ellos 29 estudiantes se abren camino al mundo profesional como actores y actrices. Se realizarán seis funciones con entrada liberada por cada Taller. Claudio Marín, director de la Escuela de Teatro UV, señala:

“Asumir un texto clásico como ‘La remolienda’ permite mantener viva la herencia cultural del teatro chileno, poniendo en diálogo el pasado y el presente de nuestro país. Esto se conecta con la perspectiva del viaje al que nos invita ‘Negro Animal Tristeza’, que devela las fragilidades y complejidades del ser humano y su relación con el mundo, reflejo del tránsito que implica convertirse en un profesional de las artes escénicas”.

La Remolienda

Doña Nicolasa, una viuda campesina, va con sus tres hijos al pueblo de Curanilape con la esperanza de encontrar un nuevo amor. 

Negro Animal Tristeza’

Los jóvenes muchachos no conocen el pueblo, tanto así que se maravillan frente a ciertos adelantos tecnológicos, como el pavimento y la luz eléctrica.

Cuando llegan a su destino, sin saber que se están albergando en un prostíbulo, terminan teniendo la noche más fascinante de sus vidas.

María José Pizarro, docente a cargo de la dirección, comenta: “Esta es la primera vez que dirijo un Taller de Título. Estamos trabajando a partir del cuerpo, entrenando para poder utilizarlo de la mejor manera posible en cuanto a expresividad.

El lenguaje remite a épocas pasadas, es un desafío que ya está incorporado. Mi compañía, el Colectivo CTM Cuerpo-Texto-Multimedia, me ha apoyado en este proceso a través de mapping y el universo sonoro que nos acompaña”.

Negro Animal Tristeza

La historia sigue a un grupo de amigos que, buscando escapar de la rutina urbana, decide pasar un fin de semana en la naturaleza, de los coloridos paisajes y el aire puro del bosque. 

Lo que comienza como una experiencia liberadora pronto se convierte en una pesadilla.

Un incendio forestal arrasa el lugar, obligándolos a enfrentar las dolorosas secuelas de la tragedia. Con un lenguaje poético y simbólico, la obra captura la intensidad de las emociones humanas ante la catástrofe.

Rodrigo Aro, docente a cargo de la dirección, comparte: “El texto dramatúrgico nos propone cierta ética, entre la diversión y las consecuencias del descuido. Los conceptos que trabajamos son chispa, fuego y ceniza, nuestra gran brújula que nos guía en los tres actos, la musicalidad y los diálogos. La transmutación es el concepto principal, haciéndonos cargo como colectivo de la traducción escénica de la propuesta dramatúrgica”.

La remolienda

Con este importante hito académico para la Escuela de Teatro UV se cierran las actividades del primer semestre.

En el segundo semestre se presentan seis obras en la Temporada Teatral Anual Sala Negra Juan Barattini Carvelli; “Bosque inútil: Manifiesto en defensa de la Naturaleza Nativa”, de Inútil Laboratorio; “Plesosauria Despierta”, de Pupa Teatro; “LSCDLP.

La Suma Constructiva de Las Perturbaciones”, de Meconio, Laboratoria de Arte Multidisciplinar; “Mediocres”, de Frente Teatral; “En defensa propia”, de la Compañía Fuera de Lugar; y “Beso marica en jauría de perros”, de Teatro La Bóveda Celeste. Para más información seguir a @escuelateatrouv en Instagram.

Ovacionada presentación inaugural del «Réquiem» de Fauré

 La Universidad Austral de Chile Sede Puerto Montt, a través de su Área de Vinculación con las Artes y las Culturas, inauguró el «Réquiem», un especial de la «Misa por los difuntos de 1888» del compositor francés Gabriel Fauré. 

El evento cultural permitió al público compartir el talento de los coros Sinfónico e Infantil de la Sede Puerto Montt, acompañados por un grupo de cámara, donde el coro infantil tuvo la oportunidad de realizar la primera presentación en América Latina de dos extractos de una misa creada en el siglo XVII. 

El concierto inaugural, que también dio inicio a la Semana Artístico Cultural en la Sede Puerto Montt, atrajo a integrantes de la comunidad de la zona que interesados por la música presenciaron este lanzamiento histórico en las presentaciones musicales de Puerto Montt. El repertorio seleccionado proviene de antiguos escritos de canto religioso cristiano. 

El Coro Infantil UACh, que fue dirigido por el profesor Edgar Girtain, tuvo el privilegio de presentar en este concierto dos extractos el “Kyrie” y el “Gloria” de una misa a dos voces iguales, compuesta por el organista y compositor menor austriaco, Sigismund von Neukomm (1778-1858), misa, escrita en un estilo clásico conservador, publicada por primera vez en 1837 y fue originalmente creada para ser acompañada por el órgano. 

Sin embargo, no existen registros de ninguna presentación, haciéndose desconocida para el mundo hasta que en el año 2011 una copia manuscrita fue escaneada y subida a un archivo internacional de partituras digitales por archivistas de la Biblioteca Estatal de Baviera en Alemania. 

En 2023, esta obra fue descubierta por el propio profesor Edgar Girtain, quien se encargó de crear una nueva edición de la partitura y preparar la obra para su primera presentación en casi 200 años y la primera en América Latina. 

Este coro infantil fue acompañado por Benjamín Aguilar en el violín, Marcel Reinberg en la viola, y Elisa Reyes en el violonchelo. Contó con los solos vocales en el “Gloria” de Josefina Contreras, Manuel Ollivet-Besson, Alicia Moncaya, Millaray Acosta, y Liza Harris.

Como punto central del concierto el Coro Sinfónico de la Sede Puerto Montt UACh interpretó el “Requiem” de Gabriel Fauré. La obra maestra, originalmente compuesta para coro, solistas, y orquesta, con arreglo especial para quinteto y órgano por parte del docente UACh, Dr. Edgar Girtain.

En esta oportunidad, al coro sinfónico de la UACh Sede Puerto Montt se sumó un conjunto de cuerdas formado por docentes de la UACh, ULagos e invitados.

El Réquiem tiene sus raíces en la antigua tradición cristiana. Desde los primeros tiempos de la iglesia se realizaban oraciones y rituales en memoria de los fallecidos.

Sin embargo, tal como es conocido hoy en día, se desarrolló en los siglos XIII y XIV, especialmente, gracias a la contribución del monje benedictino Durandus de Mende, quien hizo el primer trabajo de organización de la liturgia, incluyendo dentro ella, el mismo texto que cantó el coro en algunos momentos.

La liturgia del Réquiem se basa en varios pasajes bíblicos que hablan de la muerte y la esperanza en la vida después de la muerte.

En contraste con los conocidos réquiems de Giuseppe Verdi y Wolfgang Amadeus Mozart, que enfocan más en el drama del juicio final, se valora y reconoce el Réquiem de Fauré más por su énfasis en el descanso y paz de la muerte. 

Los conciertos cuentan con la participación de los solistas Jéssica Rivas (Soprano) y Franklin de Lima (Barítono), bajo la dirección invitada de Juan Bautista.

Para culminar el evento, el coro junto con los estudiantes del taller de Formación General, cantaron el Himno de la Universidad Austral de Chile.