Centroartealameda.tv presenta al transgresor cineasta canadiense Bruce LaBruce

Bruce LaBruce llega en exclusiva a la SALA VIRTUAL de centroartealameda.tv y el cineasta, escritor, fotógrafo y artista canadiense, ícono del movimiento contracultural queercore, es el nuevo personaje EN FOCO de la plataforma online, una mirada en profundidad para conocer y destacar al director de culto.  

En la plataforma se exhibirán los tres primeros largometrajes del artista: “No Skin Off My Ass” (1993, desde el jueves 3 de febrero), “Super 8 ½” (1994, desde el jueves 27 de enero) y “Hustler White” (1996, desde el jueves 20 de enero).  

De espíritu absolutamente transgresor, LaBruce debutó en el séptimo arte allá por 1987 con su primer cortometraje, 'Boy, Girl', al que han seguido otros nueve y más de una decena de largometrajes, el primero de ellos “No Skin Off My Ass” de 1993.  

El hecho de haber compaginado la denuncia social y el abanderamiento de los derechos del colectivo LGTB con un espíritu puramente hardcore, ha sido lo que le ha asociado a nombres de la talla de John Waters, Gregg Araki, Gus Van Sant e incluso Todd Haynes, todos ellos figuras clave del New Queer Cinema.  

Pero, así como hay quienes lo asocian a esos directores hay quienes creen que no pertenece ni al New Queer Cinema ni al movimiento LGBTIQ+. Esto es lo que dice al respecto: “Soy un mal gay, no hago películas que sean fácilmente absorbidas por la cultura gay dominante. Hago películas sobre personajes que son homosexuales, pero que no están identificados como homosexuales, personajes que son estafadores, skinheads neonazis, revolucionarios de extrema izquierda, o monjas terroristas, o lo que sea.  

 No encajo fácilmente en ningún tipo de categoría. La comunidad LGBTQ + no me abraza. Pero soy un director de culto, así que tengo mis propios seguidores de culto y cada una de mis películas tiene un culto diferente, lo cual es muy interesante para mí”.  

El canadiense es mucho más que escándalo y pornografía, sin embargo, también es importante destacar su visión de la pornografía, también distanciándose de los cánones que la cultura le ha interpuesto.  

“Creo que lo que realmente distingue a mis películas, lo que las hace únicas es que soy completamente pornográfico. Nunca rehúyo lo pornográfico (...). Como una especie de activismo queer, un activismo extremo. Porque todo el motor del movimiento de liberación gay se basó en una sexualidad extrema”.  

En 1996, su elenco punk se traslada a Hollywood para el rodaje de esta comedia romántica, donde descubrimos un cierto tipo de prostitución masculina que habita en el Boulevar Santa Mónica en Los Angeles. Todo ello reflejado a través de la muy particular mirada de su director, Bruce LaBruce. 

Una historia que comienza con Montgomery Ward, un prostituto de Los Ángeles, flotando en un jacuzzi. Su voz en off inicia el relato de las circunstancias que le han conducido a la muerte.  

Todo comienza con un escritor alemán llamado Jürgen Anger que recala en California con la intención de escribir un libro sobre prostitución masculina. Cuando conoce a Monty lo contrata por 1000 dólares para que le relate la historia de su vida y los pormenores de su trabajo. 

La plataforma centroartealameda.tv ya suma cientos de suscriptores. Por el precio de una entrada podrán acceder a un catálogo seleccionado con el sello del Centro Arte Alameda, y que cuenta con películas internacionales exclusivas para Chile. Cada semana se contará con un nuevo estreno y el valor de la suscripción es de $3.890 mensual y otras suscripciones (pase diario y anual) con todo medio de pago.  

La Corporación Cultural Arte Alameda, forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro.  

 Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística.  

Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Publican libro que motiva a perseguir los sueños

 Jorge Gregorio Martos, venezolano y orador especialista en motivación, lanzó en Chile su libro “El paso más pequeño”, un manual ideal que ayuda, a través de anécdotas y experiencias del autor, a motivarse para encontrar el punto de partida que nos conduce a cumplir los proyectos más anhelados para nuestra vida. 

La obra está narrada de una manera sencilla, y amena en la que el autor ha consolidado años de aprendizaje, combinando reflexiones con experiencias técnicas y hallazgos científicos. 

El propone al lector:  razonar, comprender, reaprender y aplicar planes de acción para lograr sus objetivos.

“Para lograr nuestras metas, las pruebas de velocidad necesitan un impulso enorme para ser completadas; los recorridos extensos sólo se superan tras un avance constante, especialmente aquellos que nos conducen a nuestros mayores anhelos”, afirma el autor. 

En su libro, se muestra una perspectiva interna de obstáculos, que por mucho tiempo, hemos intentado resolver de lo externo, como la procrastinación, la imprecisión de planificar, el dominio propio y otros procesos que en muchas ocasiones nos impiden progresar. Estas dimensiones se entretejen con referencias de la vida de José Gregorio, y su iniciación en un barrio pobre y violento del continente, para luego hacernos entender que todo se puede lograr. 

El lector encontrará, página a página, información novedosa y pertinente para quienes desean conquistar sus metas y alcanzar sus sueños. 

José Gregorio Martos, es Director Comercial de Clarke&Partners y Relator Internacional con experiencia en Chile y Venezuela, en materia de “Liderazgo en Servicio”. 

Posee más de 19 años de experiencia en empresas de la industria petrolera, telecomunicaciones, retail y consumo masivo (Telcel-Movistar, Shell, Pepsi, Cervecería Polar y Alimentos Polar). Además, ha participado en las charlas TED como speaker. 

El libro se encuentra disponible en Qué Leo. Más información @josegvilacha

Centro Arte Alameda renueva cartelera con grandes estrenos

 Con la llegada del 2022 hemos sido testigos de grandes estrenos imperdibles. Arrancamos enero con una tremenda experiencia, el primer estreno nacional del año: “La Nave del Olvido” de Nicol Ruíz Benavides, que ha tenido un gran recibimiento de parte del público.

 A esta, ahora se suman los estrenos más esperados “Spencer” (2021) del director chileno Pablo Larraín, “Belle” (2021) de Mamoru Hosoda y otra película nacional “Nahuel y el libro mágico” (2020) de German Acuña. 

“Spencer” de Larraín es, sin duda, uno de los estrenos que ha generado más expectativas para este año.

Se trata de una coproducción de Reino Unido - Estados Unidos - Chile - Alemania, protagonizada por Kristen Stewart (nominada a Mejor Actriz en los Globos de Oro por este film) quien interpreta a Lady Di abordando la historia de un fin de semana crucial a principios de los años 90, cuando la princesa Diana -de nombre Diana Frances Spencer- decidió que su matrimonio con el príncipe Carlos no estaba funcionando, y que necesitaba desviarse de un camino que la había puesto en primera fila para algún día ser reina. 

El drama tiene lugar durante tres días, en una de sus últimas vacaciones de Navidad en la Casa de Windsor en su finca de Sandringham en Norfolk, Inglaterra. 

Otra de las películas que entra en cartelera de Centro Arte Alameda - Sala Ceina es “Belle”(2021) de Mamoru Hosoda,  un animé japonés que se enmarca en el 10º aniversario del Studio Chizu (El niño y la bestia, 2015). Narra la historia de Suzu, una adolescente acomplejada atrapada en su pequeño pueblo de montaña con su padre. 

Pero en el mundo virtual de U, Suzu se convierte en Belle, un icono musical con más de cinco mil millones de seguidores. Una doble vida difícil para la tímida Suzu, que tomará un giro inesperado cuando Belle conoce a la Bestia, una criatura tan fascinante como aterradora. Así comienza un tira y afloja virtual entre Belle y la Bestia, al final del cual Suzu descubrirá quién es realmente. 

Uno de los estrenos nacionales más esperados y que nos invita a vivir las vacaciones de verano en familia es “Nahuel y el libro mágico” (2020) de German Acuña. Esta película animada llega a la nueva cartelera y fue producida por Carburadores, Red Brasil y Punkrobot (misma compañía que estuvo involucrada en la realización de Historia de un oso). 

La historia está ambientada en la isla de Chiloé, rica en historia, paisaje y mitología y escenario de las aventuras de Nahuel, un niño que, a pesar de ayudar diariamente a su padre pescador, tiene fobia al mar. El hallazgo de un libro en una vieja casona, será el inicio de un doble viaje que recorrerá los misterios de la isla y sus propios miedos. 

Por su parte, la película chilena “La nave del olvido” de Nicol Ruíz Benavides aborda temas invisibilizados por la sociedad: el derecho tanto a la diversidad como a la libertad. La protagonista es Claudina (70), una tradicional mujer de campo, que luego de la muerte de su esposo, se ve obligada a irse a vivir con su hija Alejandra (30), con quien tiene una relación distante, y su nieto Cristóbal (10), a quien adora. 

Viviendo con ellos, conoce a su vecina Elsa (65), una mujer casada e independiente que canta en un bar clandestino llamado el “Porvenir”. Claudina entabla una amistad con Elsa que pronto se convierte en amor, y comienza un difícil viaje de autoconocimiento y liberación bajo el juicio de su hija y sus amigos en un pueblo conservador y religioso que está obsesionado con el avistamiento de ovnis. 

Seleccionada en más de 60 festivales a lo largo del mundo, la película de la directora Nicol Ruíz Benavides, cuenta con las actuaciones de Rosa Ramírez Ríos, Romana Satt, Gabriela Arancibia, Claudia Dévia, Raúl López Leyton y Cristóbal Ruíz Benavides. 

También continúa en cartelera el documental dirigido por la estadounidense Pamela B.Green y narrado por Jodie Foster, “Be Natural: The Untold Story of Alice Guy” es un documental sobre la primera mujer cineasta, Alice Guy-Blaché, que explora la fama y el éxito financiero que alcanzó antes de ser excluida de la la misma industria que ella ayudó a crear. 

Guy-Blaché comenzó su carrera como secretaria de Léon Gaumont y, a los 23 años, hizo su primera película llamada La Fée aux Choux, una de las primeras películas de narrativa que se han hecho. La función es el domingo 23/01 a las 16:45 hrs. 

Otro de los documentales que se puede encontrar en la cartelera de Centro Arte Alameda es “CAM: Liberar una nación”, película que se adentra de forma inédita al corazón de la Coordinadora Arauco Malleco, una de las organizaciones autonomistas mapuche más controvertidas de las últimas décadas por sus acciones de sabotaje a la industria forestal, enmarcadas en su propuesta de liberación nacional. 

Dirigida por Edgard Wang Saldaña y producida por Florencia Salinas y Enrique Farías, la película está protagonizada por el vocero de la CAM, Héctor Llaitul y la vocera del territorio en recuperación Pidenco, Orfelina Alcaman, quienes exhiben y relatan en primera persona sus experiencias al interior de la organización, dando paso a hitos como el funeral de Camilo Catrillanca o una entrevista a un grupo de weychafe. La función es el lunes 24/01 a las 17:00 hrs. 

Además, destacamos en cartelera “La Infancia de Iván” (1962), ópera prima de Andrei Tarkovsky. El cineasta ruso, recién graduado de la escuela de cine, recibe un trabajo por encargo que resulta ser esta película de culto, proyecto donde el director original había sido despedido. Tarkovsky se apropió de la película y dejó patente su particular talento, estilo y fuerza cinematográfica. 

Estamos ante una de esas películas de guerra donde los combates y maniobras militares quedan fuera de campo; y en las que lo que importa es lo que sucede en el interior de los personajes. Gracias a eso y mucho más, fue la primera película en la historia del Festival de Venecia que, siendo una ópera prima, ganó el León de Oro. 

La película, basada en una novela corta de Vladimir Bogomolov, relata la historia de un niño ruso de 12 años en el frente oriental en plena Segunda Guerra Mundial, cuyos padres murieron durante la invasión nazi, trabaja espiando a los alemanes. La exhibición es el miércoles 26/01 a las 21:15 hrs. 

Por su parte, la “Yeguada Latinoamericana” también será parte de la cartelera audiovisual de esta semana en Centro Arte Alameda, se trata de un proyecto de performance creado y dirigido por Cheril Linett. Esta es una acción de arte protesta feminista y para la ocación la invitación es a visionar los registros audiovisuales en torno a las performance realizadas por el grupo en diversos contextos de movilizaciones sociales y el Estallido Social.

 Se exhibirán “Yeguada Santa” (2019), “Virgen del Carmen Bella” (2019), “Asesinxs” (2021), “Comunicado” (2019) y el estreno de “Estado de Rebeldía” (2019). La función se realizará el martes 25/01 a las 19:00 hrs y el precio es de $3.000. 

Las entradas se encuentran a la venta en Passline y también en la boletería del CEINA. Los precios son $4.000 entrada general y $3.000 adultos mayores y estudiantes. Revisa los días y horarios para esta función en nuestra ticketera online en https://www.passline.com/sitio/centro-arte-alameda-tickets 

La Corporación Cultural Arte Alameda, forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro.

Consejos: Llega 10 minutos antes de la función; hay venta presencial, pero es recomendable que compres tu ticket online; aforo limitado; uso obligatorio de mascarillas y sin consumo de alimentos.

Obra se adentra en las noches gay en dictadura

 A partir de entrevistas a personas que participaron de la escena nocturna homosexual chilena entre fines de los 70’ y principios de los 90’, el Colectivo de Artes Escénicas La Comuna (Petra, espacios domésticos de dominación) inicia la conmemoración de sus 10 años de existencia con el estreno de esta audaz puesta en escena.

 Con un género experimental que incluye testimonios, coreografías de danza espectáculo ochenteras, videos publicitarios de la época, fonomímica y hasta la reposición de un recordado show transformista de entonces, el proyecto ganador de Fondart Nacional 2019, incluye el lanzamiento de una página web a cargo del biólogo feminista Jorge Díaz, donde se encontrará disponible todo el material recopilado en la investigación.

En 2019 la icónica discotheque gay Fausto cumplió 40 años, convirtiéndose así en la más antigua de Chile, que aún logra mantenerse en funcionamiento. ¿Cómo fue que una discoteque homosexual abre en los años más duros de la dictadura cívico-militar chilena y permanece operativa incluso hasta hoy?  Esa fue la premisa de la investigación que se planteó el Colectivo de Artes Escénicas La Comuna (Petra, espacios domésticos de dominación) para crear El ritmo de la noche, audaz puesta en escena que estrena el próximo 19 de enero en la Sala Agustín Siré de la Universidad de Chile.

“La historia de la homosexualidad en Chile no parte con el Movilh ni con Pablo Simonetti en la Fundación Iguales. Comienza mucho antes con gente que estuvo resistiendo, no desde una política partidista, sino desde una resistencia física de resistir amando, bailando, carreteando, tomándose un trago y no morir por ello”, enfatiza Diego Agurto, su director. 

A través de un ejercicio colectivo de investigación y creación, los integrantes de la compañía comenzaron a recopilar material de archivo y audiovisual de la época, además de realizar una serie de entrevistas, las que eran transcritas textualmente por el integrante que no hubiese participado de la conversación. 

Luego se estableció una metodología donde se distinguieron los temas, lugares y personajes recurrentes y efectuaron, un segundo barrido de encuentros entre los que destacan los testimonios de un transformista de la época, un carabinero homosexual y el amante de un agente de la CNI.

“Por medio de testimonios de personas que vivieron esta etapa entre 1979 y 1996, año en que se hizo la mediática redada a la discotheque Quásar, sólo por ser una disco gay, empezamos a conocer cómo fue la noche homosexual durante la dictadura: curiosamente existían una mayor cantidad de lugares que hoy en “democracia” ubicados en lugares más populares, diferentes maneras de socialización y estrategias de protección, y resistencias ancladas en el cuerpo, el deseo, la comunidad y la fiesta. 

Asimismo, como Colectivo, pudimos ir entendiendo que Fausto, la única disco ubicada en un sector acomodado de la ciudad, fue un lugar protegido por la dictadura en el sentido de no ser asediada constantemente por Carabineros ya que asistían senadores, diplomáticos y personas vinculadas a las fuerzas armadas y a la televisión”, agrega Carlos Briones, codirector de la obra. 

El resultado es una representación basada en la realidad, que une distinto material testimonial para que cada actor encarne ciertas temáticas transversales de la época, como prácticas sexuales, represión, dominación masculina, entre otras; cruzándose con la noche y el espectáculo –tan presente entonces – a través de slogans de TV, fragmentos de canciones y una visualidad inspirada en la estética del momento.  

"Para nosotros,  es súper importante visibilizar las historias que no entran en La historia oficial, la contada por el relato masculino heterosexual, es decir, la historia de las minorías marginada, que no aparece en los informes de reparación, que no están en el Informe Valech ni en el Informe Rettig...

 Contarle al público qué pasó con todas esas historias que no son parte de La Historia y qué hacemos con ellas. Hoy en día, que se está discutiendo sobre políticas y derechos para la población LGTBIQ+, sobre identidad de género, feminismo y heteropatriarcado, es importante saber cómo aportamos a esa discusión de una forma crítica que genere reflexión sobre cómo hemos construido nuestros relatos culturales, sociales y afectivos.”, concluye Diego Agurto.

La Orquesta Sinfónica Nacional interpreta a Mozart con presentación abierta a público

 Considerado uno de los compositores más influyentes de la historia y músico fundamental del Clasicismo, Wolfgang Amadeus Mozart será la figura central del programa que este sábado 22 de enero ofrecerá la Orquesta Sinfónica Nacional en el Teatro Universidad de Chile, en un concierto que será abierto al público (con pase de movilidad) y que contempla una adhesión de $10.000.

La presentación comenzará con la obertura de la ópera “Mozart”, comedia musical de tres actos escrita por el compositor nacido en Venezuela, Reynaldo Hahn, cuya historia se basa en las aventuras ficticias del músico austriaco de visita en París, obra estrenada en esa misma ciudad en diciembre de 1925.

  Tras ello vendrá la interpretación de “Andante Appassionato”, del compositor chileno más importante de la primera mitad del siglo XX, Enrique Soro, quien compuso esta pieza cuando tenía tan sólo 15 años. Oriundo de Concepción y Premio Nacional de Música en 1948, se posiciona como la figura más reconocida, publicada y registrada tanto en América como en Europa.

Para finalizar, la Sinfónica dará vida a la que es considerada por muchos como una de las mejores sinfonías de la historia, la N°41 “Júpiter” de Mozart. Escrita en 1788, no se sabe con exactitud si alcanzó a ser ejecutada antes de la muerte del compositor, ocurrida en 1791. Su denominación alude a la máxima divinidad de la mitología romana, ello debido a la majestuosidad de la obra, la que en ocasiones es llamada también “Sinfonía con fuga final” gracias a su magnífico cierre.  

Junto con el concierto de la Orquesta Sinfónica, el Teatro Universidad de Chile ofrecerá también esta semana un nuevo concierto del Ciclo de Piano 2022, dedicado a la obra de otro de los compositores más trascendentales de la historia y nacido en el seno de una familia que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos: Johann Sebastian Bach, compositor, director de orquesta, multiinstrumentista, cantor y profesor, entre otros.

Danor Quinteros Fuentes
(c) Patricio Melo

El concierto estará a cargo del destacado pianista nacional Danor Quinteros Fuentes, quien obtuvo su título de intérprete con la máxima distinción en el Instituto de Música de la Pontificia Universidad Católica. Cursó estudios de posgrado en Suiza y Alemania, donde alcanzó el grado de Master of Music en la Escuela Superior de Música de Colonia. 

Primer Premio en distintos certámenes chilenos, ha obtenido además el 1er lugar en el certamen Landolt-Preis en Zürich, ganó en 2010 el Steinway -Förder Preis en Colonia y obtuvo el 3er lugar en los concursos “Ile de France” y “Sta. Cecilia” en Porto, junto con el 1er Lugar ex aequo en el 13° Premio Internazionale Di Nterpretazione Pianistica “Giuliano Pecar” (Italia 2013).

El intérprete dará vida a las obras Suite Obertura en estilo francés BWV 831: Overture / Courante / Gavotte I/II / Passepied I/II / Sarabande / Bourrée I/II / Gigue / Echo; Toccata en Re mayor BWV 912; y Toccata y Fuga en Re menor BWV 565.

Los conciertos del Ciclo de Piano también son abiertos al público, con una adhesión general de $8.000, a través de www.ceacuchile.cl o comunicándose al correo boleteriatuch@gmail.com.

Llega a librerías las memorias actorales de Héctor Noguera

 "Autobiografía de mi padre" es un viaje personal que cruza la historia del teatro chileno

Llega a librerías las memorias del Premio Nacional de Artes de la Representación 2015

En este libro excepcional conoceremos más sobre una figura única del teatro en Chile. Además de profundizar en la historia de las artes escénicas del país, Héctor Noguera repasa su vida recordando sus actuaciones en obras memorables como El rey Lear, La vida es sueño, en la película El Chacal de Nahueltoro y en la teleserie Sucupira, entre otros. 

También habla de momentos complejos en dictadura, del Teatro Ictus y de la fundación del espacio Teatro Camino en los años 90.  

 En Autobiografía de mi padre está el proceso interior que forja al actor. Sus contradicciones y aprendizajes, las pérdidas, los amigos ausentes y la fama que llega con las actuaciones en televisión. "Me gustaría decirles a mis alumnos que actuar es más una renuncia a tu imagen que una construcción de tu imagen", advierte Héctor Noguera. 

¿Cómo nació este libro? El reconocido actor acumuló historias personales por muchos años, pero no lograba darles un formato definitivo a sus apuntes. Hasta que su hijo menor, Damián, licenciado en Literatura y compositor musical, logró darle una dirección, un orden y establecer las memorias finales del progenitor.

Fueron muchas horas de conversaciones entre el hijo y el padre, el resultado es el pasado más presente que nunca.

"Cuál tendría que ser la preocupación de un padre de familia. Cuál tendría que ser su verdadera preocupación. Cuál forma adoptaría. Un padre famoso como yo. Cuál gesto tendría que imitar. Repito mi nombre por última vez frente al espejo...", reflexiona Héctor Noguera en este volumen disponible en librerías de todo Chile y también en formato digital en Amazon y otras plataformas.

"Mis memorias las escribió mi hijo. Son muchas voces distintas las que recuerdo. Son muchos los pensamientos. Con él intenté encausar mi memoria, modularla, que él las transformara en un relato, casi como una ficción más, rodeada por un mundo de otras ficciones. Es un relato a dos voces.

La voz de mi hijo y la voz de este personaje que ahora soy yo a ratos desdoblada en las voces de otros personajes. 

Yo tenía en mí, el afán casi religioso de encontrar una cierta permanencia en el arte más fugaz de todos. Hacer memoria para encontrar la razón por la cual decidí ser actor. Intentar rescatar algo que no sé si se puede rescatar.

Este libro relata la vida de un actor. Lo que siento cuando me expongo al público frente a las cámaras o desde un escenario. En el presente de la actuación se unen muchos pliegues de pensamiento. 

Por una parte, está la ficción, por otra, la manera en que esa ficción se entreteje con mi vida y con el país. Pasa a veces que la escena supera los acontecimientos de mi vida y también ocurre que los acontecimientos de mi vida son la escena." (Héctor Noguera). 

 El libro será presentado el sábado 22 de enero de 2022, a las 12.00 hrs, en el Teatro Camino. Contará con la participación de Nona Fernández y María de la Luz Hurtado. Invitación abierta, se requiere inscripción previa, cupos limitados según medidas sanitarias. 

¡Festival Sarañani! Arkitekturas Nativas del Mundo 2022

 El Festival de ¡Arkitekturas Nativas del Mundo Sarañani! (Caminemos) cumple su promesa de ser un festival viajero y llega al territorio de Oaxaca, en México, para celebrar su segunda versión.

Entre 27 al 29 de enero, el ¡Festival Sarañani! reunirá arquitecturas del mundo que comparten el propósito de lograr un habitar más justo y responsable, desde Oaxaca, gracias a la alianza con el estudio Roots, que dirige el arquitecto y artista João Boto Caeiro y que ha logrado una obra de calidad excepcional, que integra tradicionalidad, sostenibilidad y sentido social.

El lema de este año llega en lengua náhuatl y hace referencia a la costumbre oaxaqueña Tequio, la colaboración, que invita a sumar esfuerzos por conservar el saber habitar, en comunidad.

El programa del ¡Festival Sarañani! 2022 integra 9 charlas maestras, 2 mesas de pre-diseño, 3 cursos de oficios, 3 películas nativas y 1 exposición fotográfica dedicada a tesoros del habitar Oaxaqueño.

En esta segunda edición desde Oaxaca, habrá actividades presenciales-virtuales, bajo protocolo COVID-19, desde la Casa de la Ciudad de Oaxaca, gracias al apoyo de la Fundación Alfredo Harp Helú Oaxaca, que colabora desde su prestigioso Taller de Restauración.

Además, las actividades serán transmitidas de manera virtual para todo el mundo, vía Zoom, con sesiones dedicadas a temas/desafíos del habitar responsable, que reúnen a personas y organizaciones de Chile, Perú, Bolivia, México, Angola, Argentina, Italia, Alemania, España, Estados Unidos y Australia.

Todas las actividades son sin costo, previa inscripción en la plataforma web del Festival. 

Consuelo Holzapfel protagoniza profunda historia intergeneracional

 Con un fuerte énfasis en la demencia, la lucidez y el cuestionamiento social hacia las personas mayores en un contexto intergeneracional, la actriz Consuelo Holzapfel (65) debuta en el teatro digital e interpreta a Carmen, una mujer mayor, madre y abuela, que protagoniza “Una cuerda colgada en la rama de un árbol”, obra original de Carla Zúñiga que mezcla el drama y la comedia.

Holzapfel, reconocida actriz con más de 48 años de trayectoria en proyectos de televisión, cine, teatro y la academia, debuta en este montaje digital con un profundo mensaje de admiración sobre la dramaturgia y la experimentación como fórmula de aprendizaje.

“El texto es delicioso, es como para llevarlo al teatro de manera extensa, porque está de lleno de sentimientos y humor. Me conquistó de corazón y me recordó mi paso por la escuela de teatro, por esa valentía de la experimentación, de confiar en el otro y por hacer de esta experiencia tan entretenida y fuera de todo”, expresó emocionada la actriz.

 El estreno de “Una cuerda colgada en la rama de un árbol” y el debut de Consuelo Holzapfel en Íconos del Teatro se podrá ver de manera gratuita el próximo miércoles 26 de enero vía Zoom (https://bit.ly/3fzd2la) y plataformas de redes sociales de AIEP.

Íconos del Teatro es un proyecto de Extensión Cultural de AIEP creado en 2020, con el objetivo de rendir homenaje a grandes figuras del teatro chileno, fortalecer el patrimonio audiovisual y fomentar el acceso y la democratización a la cultura y las artes.

Para Karim Lela, gestor de la iniciativa y director de Teatro AIEP, “este proyecto experimental rinde un justo y merecido homenaje a las figuras imperdibles de la escena local; valora sus trayectorias; genera aprendizaje intergeneracional con estudiantes, docentes, titulados; y nos mantiene activos como escuela, creando y formando a una generación de nuevos artistas resistiendo en pandemia”, expresó.

Desde su debut, el proyecto ha contado con la participación estelar de destacadas figuras del teatro chileno tales como Carmen Barros, Gabriela Hernández, Delfina Guzmán, Héctor Noguera, Julio Jung, Anita Reeves y Consuelo Holzapfel.

 Las obras digitales del proyecto Íconos del Teatro han sido visto de manera online por más de 2000 espectadores, en 147 ciudades y 8 países y están disponibles en la web cultura.aiep.cl

Ruta de intervenciones artísticas resignificará lugares icónicos del estallido social y pandemia

 ¿Qué rol juega la creación en el proceso de transformación de una ciudad? ¿Cómo el arte nos ayuda a entender los acontecimientos recientes? ¿De qué manera resignificamos los espacios?

Estas preguntas son el punto de partida para este nuevo proyecto de Fundación Plagio: “Metaformosis, una ciudad mutante”, una ruta en la que espacios íconos del estallido social y la pandemia serán intervenidos por creadoras y creadores de diversas disciplinas artísticas.

Los artistas visuales Basco Vazko, Francisco Navarrete y Elisa Balmaceda; la poeta Elvira Hernández; los artistas y cineastas Cristóbal León y Joaquín Cociña; el actor y director teatral Mauro “Malicho” Vaca Valenzuela; el colectivo Ritual Inhabitual, dirigido por Tito González García y Florencia Grisanti; y Comunidad serán parte de las intervenciones.  

 Estas, se llevarán a cabo el domingo 23 de enero entre las 10 y las 19.30 horas en el Centro de Extensión del Palacio Pereira, el Cerro Santa Lucía, la parroquia Santos Ángeles Custodios, entre otros lugares de Santiago. La ruta reúne, principalmente, obras inéditas en formatos tan variados como performance, caminata, danza y animación en stop-motion.

Carmen García, Directora Ejecutiva de Fundación Plagio, expresa que “los dos últimos años nos han marcado profundamente. El dolor, la muerte y las desigualdades han dejado cicatrices en nuestra sociedad y territorio.

Con ‘Metamorfosis’ queremos ver cómo es interpretado a través del arte el proceso de transformación que estamos viviendo. Estas intervenciones en espacios emblemáticos para la ciudad buscan ser una suerte de ritual urbano para resignificar estos lugares a partir de la creación, como el Palacio Pereira donde se escribe nuestra nueva Constitución o el Hospital Salvador marcado por la pandemia”.

“Metamorfosis, una ciudad mutante” contará con intervenciones en espacios que fueron íconos durante el estallido social y la pandemia. Algunas obras se presentarán durante toda la jornada y otras se realizarán en horarios específicos. 

 La entrada del Hospital del Salvador será el escenario de la propuesta interactiva del director y actor Mauro “Malicho” Vaca Valenzuela, quien presentará ¿Has vuelto al lugar al que naciste? una obra inédita que invita al espectador a recordar el lugar donde nació.

La intervención consiste en un recorrido de 30 minutos (con cupos limitados) por el exterior del hospital. Los asistentes podrán vivir una experiencia sonora digital y viajar a través de un relato biográfico, íntimo, pero también histórico. Esta actividad, se realizará desde las 10 a las 18 horas en la entrada del hospital.

El Cerro Santa Lucía acogerá la intervención de la artista visual Elisa Balmaceda, quien realizará una caminata grupal, que comienza por la entrada norte del cerro (José Miguel de la Barra) hacia la cima de este lugar emblemático de la ciudad.

Así, a las 11 horas comenzará un recorrido guiado por el arqueoastrónomo y ecologista, Patricio Bustamante, que busca rescatar hitos ocultos y olvidados de la historia de este espacio, con especial énfasis en el territorio indígena que permanece sumido bajo la fundación de Santiago.

 La caminata culminará con una intervención de la artista. Esta actividad requiere inscripción.

Por otro lado, se abrirá de manera extraordinaria ese domingo el Centro de Extensión del Palacio Pereira donde se exhibirá “Huesos”, cortometraje de los artistas Cristóbal León y Joaquín Cociña (directores de la película "La Casa Lobo").

Esta animación en stop-motion grabada en blaco y negro, nació tras el estallido social de octubre de 2019. El cortometraje premiado en el Festival de Venecia, muestra el desentierro de Jaime Guzmán y Diego Portales, y se exhibirá a las 17 horas y culminará en un diálogo junto a uno de sus creadores. Esta actividad requiere inscripción.

A la Parroquia Santos Ángeles Custodios llegará la destacada poeta Elvira Hernández, autora de La bandera de Chile y Santiago Waria, entre otros imprescindibles poemarios, quien exhibirá la obra inédita “Transcurso”, compuesta por un retablo lleno de versos de la autora, y expuesta en la iglesia desde el 23 de enero y hasta el 6 de febrero. El domingo 23 de enero, a las 15 horas, Hernández realizará una lectura junto a su obra. 

El Paseo Bulnes acogerá a las 18 horas al colectivo Comunidad Escénica con “Poblar”, una performance dirigida por Alan Cristo Ibáñez, donde el cuerpo colectivo se comporta como una nueva arquitectura orgánica y móvil. Para el colectivo, “‘Poblar’ nace como acto de ocupación del espacio público, un grito corporal y energético de libertad.”

Por su parte, el colectivo Ritual Inhabitual, dirigido por Tito González García y Florencia Grisanti presentará en el Museo Chileno de Arte Precolombino, de 10 a 16 horas, la obra “Bosques Geométricos 2018-2019”, una serie de fotografías que son parte del proyecto de fotografía documental que se desarrolló entre el 2015 y el 2019 en la octava y novena región, y que buscan dar cuenta la transformación del paisaje en el sur de Chile.

La obra estará en exhibición hasta el 6 de febrero. 

Por otra parte, el artista visual radicado en Italia Francisco Navarrete expondrá expondrá la obra "Ojo de agua", una serie de imágenes fotográficas digitales impresas en gran formato que, intervenidas con un texto poético, buscan invitar a los transeúntes a reflexionar sobre las materialidades y representaciones que han sido utilizadas para dar sentido a nuestra identidad colectiva e imaginarios paisajísticos nacionales.

La obra será expuesta en el contexto de la iniciativa Calles Abiertas de la Municipalidad de Santiago y la Fundación Cultural de Santiago, en el Parque Forestal a la altura de Calle Miraflores. 

Finalmente, Basco Vazko, artista visual reconocido por sus obras de street art, impartirá un taller de collage en el MAVI desde las 10 de la mañana, donde todos los asistentes podrán crear su propia obra relacionada a la transformación de la ciudad. Esta actividad requiere inscripción.

 Fundación Plagio, es una organización cultural con 20 años de historia orientada a la creación de experiencias participativas en torno a la creación artística. 

Su foco está puesto en las iniciativas de carácter democrático, como concursos participativos, como Santiago en 100 Palabras, y exposiciones gratuitas, además de la generación de nuevos espacios de aprendizaje creativo, siendo siempre un puente entre ciudadanía y cultura. 

“Metamorfosis, una ciudad mutante” es el cuarto proyecto expositivo que realiza Fundación Plagio, tras realizar con gran éxito las muestras “Canción Nacional”, “Caja Negra” y “Transforma”. 

 Más información sobre las inscripciones y horarios de cada una de las intervenciones y obras de “Metamorfosis, una ciudad mutante” en https://www.plagio.cl/metamorfosis y en las redes sociales de Fundación Plagio.

Casona Cultural de Panguipulli recibe nuevos instrumentos

 Los niños, niñas y jóvenes de la Corporación de Adelanto Amigos de Panguipulli (CAAP) cuentan con nuevos instrumentos -un piano y una viola- con los cuales podrán seguir aprendiendo y potenciando su gran talento. Por el momento, el piano japonés de marca TOKAI, ya se encuentra en la Casona Cultural, mientras se espera la llegada de la viola.

El pasado martes 4 de enero se concretó la entrega oficial de esta importante contribución que realizó la oficina en Chile de la Fundación Notes for Growth , institución benéfica y cultural sin fines de lucro, que tiene por objetivo fomentar la música como parte de la educación de niños en situación de vulnerabilidad social y económica.

Su objetivo lo consigue a través y mediante la entrega de instrumentos de forma gratuita a otras organizaciones sin fines de lucro, que también tienen como prioridad que los más pequeños del hogar puedan desarrollarse musicalmente. 

El fundador y presidente de la Fundación, Felipe Lecaros, sostuvo que “[P]ara Notes for Growth es un orgullo ayudar al desarrollo de las habilidades musicales de los niños en Chile. La formación musical los acompañará toda su vida, independientemente de lo que elijan hacer como carrera profesional o técnica”.

El abogado, quien ha participado en varias organizaciones sin fines de lucro, en Chile y Estados Unidos, concluye que “[E]n la Fundación Notes for Growth creemos que instituciones como la Corporación de Adelanto Amigos de Panguipulli son los verdaderos motores del desarrollo de nuestros niños. La música les entrega habilidades que les servirán siempre, como la disciplina, el trabajo en equipo y la apreciación por la belleza, todas esenciales en su formación.”

“Transformar la vida de los niños mediante el acceso de la educación musical” es la principal misión de Notes for Growth Foundation. Expresan que tocar un instrumento debe ser parte fundamental de la formación de un niño. Creen firmemente que aprender a tocar música ayuda a triunfar a los más pequeños y que la mejor forma de materializar su misión es mediante la colaboración con otras organizaciones.

Desde este último punto, entre muchos otros, nace esta alianza, en colaboración con la Municipalidad de Panguipulli, siendo una gran forma de aportar valórica y culturalmente al desarrollo educacional musical de la CAAP.

Los principales y directos beneficiarios son los niños, niñas y jóvenes parte del Taller de Piano de la Casona Cultural.

En esta misma línea, Elvis Soto Sierra, quien estudia hace 6 años en la Corporación, expresó con mucha alegría y entusiasmo que, para los alumnos del taller, la llegada de un nuevo piano significa realmente un beneficio en todo sentido, ya que se puede variar con el peso de las teclas, con un nuevo modelo, con un sonido distinto. Finaliza con que sencillamente será una gran fuente de experiencia. 

“Agradecemos el enorme y constante apoyo de la Fundación Notes for Growth ya que con esto podremos otorgar más clases y en mejores condiciones a nuestros niños, niñas y jóvenes de Panguipulli.

Además, nos permite fortalecer la propuesta artística que preparamos para el Teatro Educativo de las Artes, pronto a inaugurarse y que contará con los estudiantes como protagonistas”, expresó Sergio Irarrázabal, Gerente General de la Corporación de Adelanto Amigos de Panguipulli (CAAP).