La Novela Pequeños cementerios bajo la luna de Mauricio Electorat gana el Premio Academia 2018

La novela Pequeños cementerios bajo la luna, del escritor chileno Mauricio Electoral publicada por el sello Alfaguara en julio de 2017, recibió el premio Academia 2018 otorgado por la Academia Chilena de la Lengua.

El jurado del Premio Academia 2018 compuesto por Adriana Valdés, Eugenio Mimiça y Carlos Franz junto con el Pleno de la Academia Chilena de la Lengua decidieron entregar el galardón, por unanimidad en la categoría novela argumentando que “Pequeños cementerios bajo la luna”, escenificada tanto en Francia como en Chile, aborda de una manera original y balanceada los traumas de la historia política chilena y sus efectos en la vida de un protagonista que decide superarlos a su modo. La trama profunda y entretenida a la vez, alterna variados tiempos y espacios narrativos, manteniendo con maestría la unidad del tono y el estilo."

Y agrega que "al recomendar este galardón y conforme a los objetivos del Premio Academia, el jurado tuvo en cuenta de manera especial la excelente prosa narrativa de Mauricio Electorat que, en Pequeños cementerios bajo la luna, combina con habilidad y precisión varios registros del habla que van desde el lenguaje culto a las jergas coloquiales."

Desde la ciudad de Los Ángeles llega a la sala La Comedia “Poetas y Borrachos”

Una obra que busca acercarse a un rincón de nuestra identidad, alejada del exitismo y del individualismo, es la propuesta “Poetas y borrachos”, de la Compañía Perfiles y Siluetas, oriunda de la ciudad de Los Ángeles. Una obra escrita por el dramaturgo penquista Juan Pablo Aguilera, que está inspirada en los bares de nuestro Chile pobre.

 

“Poetas y borrachos” es un remontaje de la Compañía Perfiles y Siluetas, de la ciudad de Los Ángeles, que tiene más de 20 años de trayectoria.

La obra, que es dirigida por Mariela Belmar Polanco, nos habla de un Chile cada vez más ausente, un Chile que se quedó pegado en los años 70, alejado del éxito y el consumo, nos quiere retrotraer a la memoria un país más sencillo, menos pretencioso, pero marcado de humanidad, compañerismo y solidaridad.

La obra escenifica los encuentros y desencuentros, las nostalgias, las pérdidas, las amarguras, los dolores, los desamores; de un grupo de parroquianos atados por el destino a un bar de mala muerte: la soledad es la eterna compañera de estos borrachos, quienes encuentran refugio en este bar donde pasan gran parte de sus días.

La obra se inscribe en una tradición de obras ambientadas en bares y prostíbulos como la memorable “Amores de cantina” de Juan Radrigán y la novela “El lugar sin límites” de José Donoso. “Poetas y Borrachos” dialoga con ellas y les brinda un homenaje, matizado con tangos, cumbias y cuecas. La obra es matizada por música original interpretada en vivo en guitarra, cajón peruano y bongos.

Las historias que se van tejiendo al calor de la “candola” siempre fiel, de tangos, cuecas y boleros, con seis actores, dos músicos, un bar y historias que se trazan para dar a vida a una obra que plasma las penas, anécdotas y vivencias de seres humanos olvidados en el mundo de la bohemia nocturna.

Las funciones serán en el Teatro Ictus, Sala La Comedia (Merced 349 – Barrio Lastarria) el viernes 24 y sábado 25 a las 20:30 horas. La entrada es una adhesión voluntaria. Para reservas e informaciones: +56 2 2639 1523 / +56 2 2639 2101.

Festival Fernando Rosas reunirá a 10 orquestas juveniles en el Municipal de Santiago

La XVI versión del Festival Fernando Rozas, organizado por la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile (FOJI) junto al Municipal de Santiago, se realizará el próximo domingo 26 de agosto.

Serán 10 orquestas juveniles de distintas regiones del país, que se presentarán -en grupos de cinco- en dos conciertos: a las 16:00 y 19:00 hrs.

Alejandra Kantor, directora ejecutiva de la FOJI, explica que “a lo largo de los años, esta actividad se ha transformado en una importante instancia para difundir la calidad musical de los niños, niñas y jóvenes, y para el disfrute del público asistente, por eso la invitación es a que no se pierdan los conciertos”.

Las orquestas participantes son seleccionadas a través de un concurso previo, y este año las ganadoras fueron la Orquesta Juvenil del Conservatorio de la PUCV; la Orquesta Municipal Juvenil de San Fernando; la Orquesta Infantil Juvenil de Curanilahue; la Orquesta Infantil Juvenil de La Cruz - Ensamble Temporía; la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil Colegio El Alba; la Orquesta Sinfónica Juvenil Liceo de Música de Copiapó; la Orquesta Sinfónica Escuela Artística Armando Dufey Blanc; la Orquesta Estudiantil de la Universidad Técnica Federico Santa María; la Orquesta de la Universidad San Sebastián – Concepción y la Orquesta Sinfónica Femenina del Liceo Santa Marta de Talca

Francisca Cisternas, intérprete de flauta traversa de la Orquesta Sinfónica Infantil de Rancagua, cuenta que poder estar sobre el escenario del Municipal de Santiago fue un tremendo logro. “Me hizo sentir súper satisfecha y feliz el poder compartir mi talento y el de toda la agrupación en un escenario tan importante como éste.”.

La Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile (FOJI) es una institución sin fines de lucro, dependiente de la Red de Fundaciones de la Presidencia de la República.

Actualmente es presidida por la Primera Dama Cecilia Morel y dirigida por Alejandra Kantor. Su misión es elevar el desarrollo social, cultural y educacional del país brindando oportunidades para que los niños, niñas y jóvenes de todo Chile mejoren su calidad de vida integrando orquestas.

Fernando Rosas Pfingsthorn (Valparaíso 7 de agosto de 1931, Santiago de Chile 5 de octubre de 2007) fue un destacado director de orquesta chileno.

Tras un viaje realizado en 1991 a Venezuela, invitado por el ministro de Cultura de Venezuela José Antonio Abreu, donde conoció el Programa de Orquestas Juveniles de ese país, fue el gestor en 1992 del Programa Nacional de Creación y Apoyo a las Orquestas Sinfónicas Juveniles junto al Ministerio de Educación en 1992. En 1994 se creó la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, de la cual fue su director titular hasta 2001. Ese mismo año forma parte de la creación de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile (FOJI), junto a Luisa Durán y fue su director ejecutivo hasta su muerte.

La entrada al Festival es liberada previo retiro en boleterías del mismo Teatro Municipal de Santiago.

El olvido que seremos: un homenaje a la memoria

Escribir un diario de vida,  permite que los autores exploren su memoria para poder reconstruir la experiencia pasada donde se expresan y desahogan los sentimientos y despejando la mente y el corazón, en un espacio donde la literatura y la vida conversan.

Escritores como Ricardo Piglia, Franz Kafka, Virginia Woolf ,Cesare Pavese, Fernando Pessoa, Julio Ramón Ribeyro o Luis Oyarzún, registraron su vida como si fuera la de otro o sin ocultarse transformaron su propia vida en un material literario, sin una idea de lector o sin estar preocupados de cierto momento cultural, como un hábito y sin explicaciones.

Lo anterior, con el propósito de registrar cosas o momentos personales, ofreciéndoles la posibilidad de registrar los hechos del diario vivir para evitar que se olviden fácilmente, para que duren un poco más.

Algunas personas escriben un diario de vida para registrar como les va en el día o ver lo que está ocurriendo en su aprendizaje de la vida, como si esos cuadernos se transformaran en un sitio arqueológico a donde van a parar los buenos y malos recuerdos.

Para Héctor Abad Faciolince escribir “El olvido que seremos” fue la manera de homenajear la memoria y la vida de su padre el doctor Héctor Abad (1921-1987), que demostró a través de la medicina su compromiso social, el amor por la vida, por los hijos, por el arte y por la justicia siendo amenazado muchas veces hasta que el 25 de agosto de 1987, fue asesinado por paramilitares a la entrada del Sindicato de Maestros de Medellín, a los 65 años.

Para poder escribir este relato y enfrentar esta pérdida, el autor necesitó veinte años para sacar esos recuerdos del fondo del baúl de la memoria,  porque tal como él lo expresa “entendí que la única venganza, el único recuerdo y también la única posibilidad de olvido y perdón consistía en contar lo que pasó, nada más”.

El relato de este libro está construido como diario de vida porque en él, Hector Abad escribió en primera persona, sin reparar mucho en la forma sino más bien, en el fondo y mostrándose a si mismo y a su familia con una ternura infinita y conmovedora, especialmente en los momentos más duros de su vida como fue la muerte de su hermana y años después, la de su padre

Este relato se construye al extrañar profundamente a un padre amoroso, que se ríe más que sus hijos, no oculta sus lágrimas cuando está triste, canta tangos y escribe poemas y que tampoco es el sostén económico de la familia, sino que delega esa función en su esposa, que educa a sus hijos con abrazos y que rodea a su familia con un amor profundo para protegerlos de una sociedad que está inmersa en la violencia y en el odio familiar, político e institucional.

El libro entonces, resulta ser una novela, una carta a su padre, testimonio, biografía, en donde a lo largo de los cuarenta y dos capítulos, el lector no puede dejar de preguntarse del porqué de la muerte y que sentido tiene.  

A través de su libro, Héctor Abad además de repasar su corazón para no olvidar los recuerdos que lo conmovieron tanto, como fueron la muerte de su hermana y la de su padre,  invita a la subversión de no olvidar para no dejar atrás los recuerdos de su padre que, al fin y al cabo, son los de su propia historia.

La era de Acuario: el cambio está en marcha.

Estamos viviendo una época en la que son evidentes grandes transformaciones. Algunos se han asustado y temen el fin del mundo, las guerras y la destrucción de la humanidad. Otros anticipan tiempos terribles, en los que la tecnología y las máquinas someterán a los humanos, o habrá quienes manejarán las máquinas controlando la vida de miles de millones de personas.

Es en esencia lo que trata el libro “La era de Acuario: el cambio está en marcha” escrito por Jaime Hales y publicado por Editorial Catalonia.

En estas páginas, se quiere mostrar que ya se ha iniciado una nueva era de la cual somos protagonistas; que los cambios tienen un sentido y que en medio de las dificultades evidentes, estamos avanzando hacia una nueva sociedad.

Amanece Acuario en el planeta y se abre un camino promisorio por el que podemos transitar todos los seres humanos.

Jaime Hales (1948) es abogado, académico, poeta, narrador y ensayista, tiene tres hijos y tres nietos. Por muchos años desarrolló su profesión en el área del Derecho Penal y en la defensa de los derechos humanos.

Fundador de diversas instituciones de Educación Superior, donde ha ejercido como director de Escuelas, decano de Facultad y rector. Declara que lo que más le interesa es la “función de enseñar”, por ello, ha sido profesor en varias universidades y centros de estudio independientes.

Ha sido consultor en temas de Educación Superior del PNUD, agregado cultural de Chile en México, concejal de la Municipalidad de Ñuñoa e integrante del Consejo Nacional del Libro y la Lectura en representación de los escritores chilenos.

Formado en diversas disciplinas holísticas, es el fundador de la Academia de Estudios Holísticos Syncronía, de la que ha sido su director y donde es profesor y conductor de talleres. Especialista en tarot, desarrollo personal y terapia holística, concentra sus energías en atención de pacientes, talleres y grupos de trabajo.

Ha publicado más de treinta libros, entre poesía y ensayos. Preside la Corporación Renacer de la Esperanza, organismo dedicado a la formación de personas en el área política, de Derechos Humanos y Democracia. 

El libro será presentado por Gloria Liberman y Edgardo Vogel, el jueves 30 de agosto, a las 19.15 horas, en la Casa de la Cultura de Ñuñoa (Av. Irarrázaval 4055, Ñuñoa)

Muestra Cine+Video Indígena vuelve al Precolombino con películas sobre Derechos Humanos y medio ambiente

Largometrajes, cortos, documentales y animaciones de realizadores indígenas y no indígenas de 16 países se exhibirán gratis en doce regiones de Chile en la 12ª Muestra Cine+Video Indígena, organizada por el Museo Precolombino.

Del 23 de agosto al 2 de septiembre, se presentará en el Museo Precolombino una cuidada selección de 37 filmes, acompañados de seis conversatorios, una mesa redonda y una presentación artística. Posteriormente, durante tres meses de itinerancia, la muestra exhibirá 44 producciones audiovisuales en 30 salas de exhibición, distribuidas de Arica a Magallanes.

“El Museo Precolombino tiene por misión dar a conocer la cultura de los pueblos originarios. Para ello, lo audiovisual es una herramienta fantástica; una de las maneras más simples en que los pueblos indígenas nos pueden dar a conocer su sabiduría, su visión de mundo y enseñarnos cosas que esta sociedad no nos enseña: el cuidado del medio ambiente, el respeto por los antepasados y por la tierra”, expresa Claudio Mercado, co-director de la muestra y jefe del área de Patrimonio Inmaterial del Museo Precolombino.

De las decenas de películas, documentales, animaciones y cortometrajes que presenta esta 12° edición de la muestra, destaca Río Verde: El tiempo de los Yakurunas de los peruanos Álvaro y Diego Sarmiento; el documental Be jam be et cela n'aura pas de fin; la película Stella Polaris Ulloriarsuaq y el documental Saakhelu Kiwe Kame - Ofrenda a la madre Tierra.

 Entre las producciones nacionales destaca Riu, lo que cuentan los cantos, filme que relata la tradición oral de los cantos en Rapa Nui.

Además, en esta edición se rendirá un homenaje al director boliviano Jorge Sanjinés, una de las figuras más importantes del cine latinoamericano, exhibiendo una retrospectiva de cuatro de sus películas: Ukamau (1966), Yawar mallku (1969), La nación clandestina (1989) e Insurgentes (2012), presentadas por el cineasta Pedro Lijerón, integrante de la Fundación Grupo Ukamau y uno de sus más estrechos colaboradores.

Las producciones audiovisuales exhibidas este año provienen de diversas partes del mundo y representan a los pueblos nasa, angaangag, krenak, yudja y neenghatu y a las culturas kaiowá, wayuu, mojeña, mazateca y guaraní.

Destacan también las que valoran las lenguas naskapi, quechua, aymara y náhuatl, las que provienen de territorios mapuche, Rapa Nui y yagán y las llegadas de países como Bolivia, Chile, Argentina, México, España, Ecuador, Brasil y lugares tan remotos como Groenlandia, Irán o Burkina Faso, entre otros.

“Queremos mostrar la diversidad y riqueza de un tipo de cine hecho por los propios pueblos indígenas o con miradas muy respetuosas e interesantes de realizadores no indígenas. La variedad de temáticas, lenguas y realidades propias de los pueblos se ven reflejadas en los 44 filmes seleccionados. Hay documentales de denuncia y resistencia, pero también cortos de animación para niños y ficciones que plantean la cosmovisión, valores y respeto de las culturas ancestrales”, afirma Alicia Herrera, creadora y co- directora de la muestra.

La inauguración de la 12ª Muestra Cine+Video Indígena se realizará en el Museo Precolombino el jueves 23 de agosto a las 19 horas, con la presentación del cortometraje argentino La canoa de Ulises y la película finlandesa-colombiana Tierra interior.

Las exhibiciones siguientes irán del viernes 24 al miércoles 29 de agosto, con funciones a las 17 y 19 horas, más una función familiar a las 12 horas el sábado 25 y domingo 26 de agosto y el sábado 1 y domingo 2 de septiembre. La retrospectiva de Jorge Sanjinés, en tanto, se presentará del jueves 30 de agosto al domingo 2 de septiembre, con funciones únicas a las 19 horas.

Las exhibiciones son gratuitas en los 30 recintos a lo largo del país. La programación completa, fechas, lugares, horarios y reseñas se encuentran disponibles en el sitio web del Museo y en las redes sociales de la muestra.

Combate y seducción en un camarín deportivo.

La obra Un poyo rojo llega desde Argentina como una mezcla de danza contemporánea con deporte dentro de un lenguaje teatral. Un espectáculo explosivo que llega a las salas de GAM tras ocho temporadas en Buenos Aires y giras por más de diez países.

En un camarín de deportistas, dos tipos participan de un hilarante ballet sadomasoquista para contar una historia de amor entre dos hombres, la historia del primer beso.

En estos vestuarios, donde huele a calcetín sucio y axilas, la masculinidad del fútbol y del boxeo se mezcla con coquetería y seducción. Los intérpretes se miran de reojo, se examinan y se juzgan.

Para llegar al encuentro afectivo, al beso, al sí, los bailarines recorren largos trayectos de puro movimiento. Se coreografían aquellos momentos intensos y ridículos de la seducción y aquellos que describen el deseo sexual entre desconocidos.

Pero también batallan por el poder en una danza frenética, una competencia deportiva, una pelea de perros llena de sudor y poca ropa, siempre al son de la cumbia y distintas frecuencias que se sintonizan en una radio AM puesta en el camarín. 

En la obra, se expresan las posibilidades de alejamiento o acercamiento entre dos hombres que intentan relacionarse. 

Es una obra de teatro físico con técnicas de mimo, pirueta, humor ingenuo, acrobacia, danza, artes marciales y parodia; que recorre todas las modalidades de las relaciones humanas cuando se vuelven bestiales.

Un Poyo Rojo es una provocación, un duelo contemporáneo de seducción, una invitación a reírnos de nosotros mismos y a explorar toda la gama de posibilidades físicas y espirituales del ser humano.

Un montaje independiente dirigido por Hermes Gaido, que forma parte de la cartelera teatral de Buenos Aires hace más de diez años y que ha girado por más de 10 países de Europa y América. Tras las funciones en GAM, la obra se presentará en Perú y Uruguay.

Dirección Hermes Gaido Intérpretes Alfonso Barón, Luciano Rosso Coreógrafos Nicolás Poggi, Luciano Rosso Producción Un Poyo Rojo/T4.

 Las funciones se extenderán entre el 24 al 26 de agosto de viernes a domingo a las 20:30 horas en la sala A2. El valor de la entrada en preventa es de $6.000, la general es de $8.000 3edad y estudiantes $4.000.  Para mayores de 12 años

Oscuridad y ceguera protagonizan montaje teatral.

¿Qué percepción tiene el ser humano de la oscuridad? La obra Punto ciego, de la compañía Teatro Persona, responde esta pregunta con una puesta en escena que cuestiona la dependencia existencial que tenemos de las imágenes y la visión.

A través de una investigación sobre la oscuridad, la obra analiza con humor el sometimiento de la sociedad occidental al sentido de la vista y la importancia que tiene éste en el desarrollo de nuestras categorías morales, estéticas, políticas, económicas y sociales. 

Dirigido por Ignacia González, el montaje toca temáticas como la ceguera biológica, la ceguera cultural y el poder. El público por momentos no verá nada, porque en la puesta en escena la oscuridad guía todo: el vestuario es negro, el fondo es negro y habrá poca iluminación. De hecho, un 30% de la acción se desarrolla en completa oscuridad y una persona ciega es parte del elenco.

La obra se articula en torno al juicio que el Estado hizo contra los brujos de Chiloé en 1880, sugiriendo que éste fue una estrategia para hacer pasar por hechiceros a los machis huilliches que tenían poder político y así justificar su encarcelamiento. 

Esto sitúa a los espectadores en la oscuridad de nuestra propia historia, donde imaginación y realidad empiezan a confundirse. Donde la oscuridad es una forma de encubrir.

Para crear este montaje la directora investigó, entrenó a actores, entrevistó a directores que habían instalado escenas de oscuridad en sus obras y participó en un laboratorio para ciegos.

“Fui a hacer un voluntariado a una corporación para ciegos. Entré en contacto con ellos y me sorprendí con muchos prejuicios. Vemos imágenes todo el tiempo. La primera vez que vi Star Wars, fue con audio descripción y encontré un punto de conexión no discriminatorio. Cuando no ves para fuera, ves para dentro”, comenta Ignacia González.

La directora ha estado analizando el tema de la oscuridad desde el 2015 con muchas interrogantes partiendo de la premisa de que todas las ciudades están planteadas para ser iluminadas, porque se asocia la oscuridad a algo peligroso. ¿En qué momento la sociedad occidental le empezó a temer a la oscuridad? La presencia del actor, ¿es solo una presencia visual? ¿Cómo se pone en escena un sonido? ¿Por qué nos incomoda tanto no ver?”.

En el montaje, que cuenta con audio descripción simultánea para público ciego, el espectador es vendado para provocar en ellos un viaje por diferentes sensaciones vinculadas a la oscuridad, al miedo, a lo desconocido, a la imaginación y a la ceguera.

Las presentaciones de esta obra estarán en escena entre el 16 agosto y al 1°de Septiembre de miércoles a sábado las 21 horas en la sala N. 

El valor de la entrada es de $5.000 la general; $3.000 estudiantes y 3edad. La obra es apta para mayores de 14 años y para público con ceguera.

Segunda cumbre de guitarra traspuesta chilena.

El próximo 14 de septiembre, las nuevas cantoras del folclor chileno: Fabiola González (La Chinganera), Andrea Andreu, Naara Andariega, Claudia Melgarejo y Romina Núñez se presentan en la Sala Bunster del Centro Cultural Matucana 100, (Av. Matucana 100, Estación Central) para celebrar la segunda versión del encuentro músico/ cultural de “Guitarra Traspuesta Chilena”.

Este concierto, tiene por objetivo rescatar el trabajo sonoro de raíz de la guitarra traspuesta o con finares campesinos desarrollado en Chile y rescatado por mujeres que se han especializado de manera auténtica en la materia. 

El concierto tendrá una duración de 1 hora 40 minutos, donde las cantautoras se presentan en conjunto en el escenario, dando una muestra de sus canciones en el ancestral concepto de “A la rueda” o “Por mano”, convirtiéndose de esta manera a este encuentro musical en un viaje sonoro y poético por este paisaje renovado del folclor en Chile, con una guitarra de origen campesino en manos de mujeres creadoras que han dado un paso a la vanguardia con estilo propio y diverso.

El valor de la entrada general es de $6.000

Colectivo de Teatro Comunitario Chaca - Chaca y Entepola Chile estrenarán obras en México

Con motivo del quinto Encuentro de Teatro Latinoamericano que se desarrollará entre el 23 y el 31 de agosto en Aguascalientes, México, Fundación Entepola y el Colectivo de Teatro Comunitario Chaca - Chaca presentarán El Hombre que No se Subió al Colectivo y Chacabuco en el país azteca.

Esto, con el objetivo de fortalecer las artes escénicas centradas en expresiones artísticas y culturales latinoamericanas, utilizando el teatro como medio para la reflexión social.

Fundación Entepola desde sus inicios, hace casi 33 años, ha consolidado una íntima relación con la comunidad, permitiéndole a través del teatro, entregar una multiplicidad de conceptos y valores a las personas, buscando fortalecer a la sociedad en su conjunto. Es en este contexto, que Entepola Chile abraza al colectivo de Teatro Chaca – Chaca, gestionando su participación en Aguascalientes.

El director ejecutivo de Fundación Entepola, David Musa destacó que “ha sido una relación tremendamente virtuosa en que nosotros, como organización con mayor experiencia, hemos establecido una relación horizontal y de colaboración mutua. Este colectivo es integrado por personas de diferentes oficios, orígenes y grupos etarios, lo que para nosotros es una gran motivación para la formación de colectivos de teatro comunitario en las diferentes comunas del país”.

Chacabuco es una creación colectiva que nace tímidamente el año 2016 bajo el alero de un taller de teatro comunitario, facilitado por la Corporación Cultural de Recoleta, en conjunto con el Plan, Quiero Mi Barrio, de la población Chacabuco, en dicha comuna.

La obra narra brevemente la historia de la población, rescatando el sentido de comunidad y solidaridad entre sus vecinos el que, según sus propios testimonios, se vio afectado por el golpe de Estado de 1973. El montaje invita al espectador a reflexionar sobre la importancia de la participación ciudadana y comunitaria.

“Chacabuco busca rescatar la memoria de la población que lleva su nombre, mostrando cómo los vecinos se organizaban y ayudaban mutuamente en la construcción de sus casas, escuelas, centros de salud en el año 1966.  Esto, a través de un relato teatral contemporáneo que da cuenta de un registro histórico de 50 años, donde sus personajes desarrollan parangones sobre la realidad actual de la población”, así lo indicó la directora del Colectivo de Teatro Comunitario Chaca - Chaca, Rubí Figueroa.

El Hombre que No se Subió al Colectivo, del dramaturgo argentino, Martín Giner, dirigida por su compatriota, Germán Romano, es una comedia que narra las historias entrelazadas de un escritor de aforismos y una escritora de libros de autoayuda que deciden redactar una novela siguiendo el recorrido de Joaquín Fúnega, un cantante exiliado que viajó por Latinoamérica en los años setenta.

La obra, haciendo uso del humor y la ironía, entrega al espectador la posibilidad de observar los aspectos más luminosos y a  la vez  oscuros de la idiosincrasia latinoamericana, cuyo  montaje relata el trabajo personal que desarrollan los protagonistas durante el transcurso de la obra.